Verlag der Buchhandlung Walther König Sommer / Summer 2009

Verlag der Buchhandlung 

Walther König 

Sommer / Summer 2009

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verlag der buchhandlung 

walther könig, köln 

Eva Möller, Leitung Vertrieb und PR / 

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Alle Preise inkl. MwSt. freibleibend. 

Cover: Allora & Calzadilla. Stop, Repair, Prepare: Variationen 

zur Ode „An die Freude“ für ein präpariertes Klavier / 

Variations on “Ode to Joy” for a Prepared Piano. 

Foto für die Vorzugsausgabe / photograph for the special 

editon. Foto/photo: Marino Solokhov. Siehe S. 72 / see p. 72

14 x 20,5 cm, 272 Seiten, 

27 s/w Abbildungen. 

Broschur 

Deutsch 

978-3-86560-607-5 

€ 19,80 / chf 35,90 

Kunst / Art 

Lieferbar / Available 

Christian Boltanski, 

geb. 1944 in Paris, 

lebt und arbeitet in 

Malakoff bei Paris. 

Christian Boltanski. Catherine Grenier. 

Das mögliche Leben des Christian Boltanski 

Herausgegeben und übersetzt von Barbara Catoir 

Christian Boltanski liebt es, Geschichten zu erzählen und mit Anekdoten seine 

Vergangenheit lebendig werden zu lassen. Catherine Grenier ist in dieser fesselnden 

Erzählung die Zuhörerin und gibt mit ihren Fragen die Stichworte, um den Redefl uss 

des Künstlers zu lenken. „Da muss ich die Geschichte mit der Katze erzählen“, und 

schon wird ein Stück Vergangenheit so lebendig, wie es keine Geschichtsschreibung 

darzustellen vermag: Paris unter der deutschen Besatzung, die Gesetze der Vichy- 

Regierung, das Verbot für Juden, ein Haustier zu halten. Mit seinen Erzählungen 

über seine zahlreichen Begegnungen mit anderen Künstlern, mit Museumsleuten, 

Kunstkritikern, Galeristen wandert er durch die Kunstszene der vergangenen 

Jahrzehnte. 

Der Titel bezieht sich wortspielerisch auf Boltanskis ersten Kurzfi lm von 1968: „La 

vie impossible de Christian Boltanski“. Aus diesem „unmöglichen Leben“ wurde im 

Rückblick „das mögliche Leben des Christian Boltanski.“ 

Christian Boltanski loves telling stories, bringing his past to life with autobiographical 

sketches and anecdotes. Catherine Grenier is the listener, prompting this captivating 

narrative with well-informed questions in order to steer the artist’s monological 

fl ow of speech. ‘I’ll have to tell you the story about the cat’. With that a piece of the 

past becomes more alive than any written history may hope to render it: Paris under 

German occupation, the laws of Vichy France, the ban on Jews owning pets. Various 

stories and anecdotes about the numerous encounters he has had with other artists, 

museum people, art critics, gallery owners, open our eyes to the art scene of the past 

few decades. 

The title refers to Boltanski’s fi rst short fi lm from 1968 ‘La vie impossible de Christian 

Boltanski’. This ‘impossible life’ becomes, in retrospect, what he calls ‘une vie exemplaire’: 

an exemplary life. 

verlag der buchhandlung walther könig, köln 1

2 

Open, Sesame! is the title of sculptor Isa Genzken’s comprehensive solo exhibition at 

the Museum Ludwig in Cologne and the Whitechapel Gallery in London. This catalogue 

highlights the complexity and continuity of the artist’s work. In the in-depth essay 

The clochard and the architect, Yve-Alain Bois draws together strands of architecture 

and consumer culture, themes that run through Isa Genzken’s work. 

In addition, 20 authors deliver short monographs, each dealing in detail with specifi c 

pieces or groups of work. Kasper König discusses Isa Genzken’s outdoor projects with the 

artist herself, while ellipsoids and hyperbolas are the topic of Ulrich Loock’s contribution. 

Donna De Salvo, chief curator at the Whitney Museum, writes about the Columns and 

artist and curator Helmut Draxler tackles Ground Zero. Film curator Ian White discusses 

the fi lms Chicago Drive and My Grandparents in the Bavarian forest. Furthermore, 

there are contributions from the artists Dan Graham, Wolfgang Tillmans and Lawrence 

Weiner. 

More than three decades of Isa Genzken’s artistic development are illustrated with 

around 160 images, some of which, such as the colour picture of her Tulip Project for 

Amsterdam, are published for the fi rst time in this book. The extensive appendix contains 

an elaborate and revised biography and bibliography. This is a new defi nitive book 

on one of the most important artists of our time. 

Isa Genzken – weiterhin lieferbare Titel / 

still available titles: 

Isa Genzken / Wolfgang Tillmans. 

AC. 2001 

978-3-88375-539-7 

€ 14,80 / chf 27,50 

verlag der buchhandlung walther könig, köln 

Der SPIEGEL. 1989– 91. 2003 

978-3-88375-645-5 

€ 38,– / chf 64,–

23 x 28,5 cm, 248 Seiten, 

199 farbige Abbildungen. 

Hardcover 

Deutsche Ausgabe: 

978-3-86560-583-2 

English Edition: 

978-3-86560-610-5 

€ 48,– / chf 81,– 

Kunst / Art 


Isa Genzken, 

geb. 1948 in Bad Oldesloe, 

lebt und arbeitet in Berlin. Zahlreiche 

institutionelle Ausstellungen u.a. 

Pavillon auf der Biennale Venedig, 2007 

oder skulptur projekte münster 07. 

Whitechapel Gallery London, 

05.04. – 21.06.2009 

Museum Ludwig Köln, 

22.08. – 22.11.2009 

Ω Eine Vorzugsausgabe ist in 

Vorbereitung. 

Isa Genzken. 

Sesam, öffne dich! / Open, Sesame! 

Vorwort von Iwona Blazwick und Kasper König. Texte u. a. von Daniel Birnbaum, 

Yve-Alain Bois, Charlotte Cotton, Helmut Draxler, Ulrich Loock, Dieter Schwarz, Gregor 

Stemmrich. Mit Künstlerbeiträgen von Wolfgang Tillmans und Lawrence Weiner 

Sesam, öffne dich! – dies ist der Titel, den die Bildhauerin Isa Genzken für ihre umfassende 

Retrospektive im Museum Ludwig, Köln und in der Whitechapel Gallery, London 

wählte. Es ist auch der Titel der begleitenden Monografi e, in der sich die Komplexität 

und die Kontinuitäten ihres Werks widergespiegeln. 

In dem übergreifenden Essay Der Clochard und der Architekt führt Yve-Alain Bois die 

Themenstränge der Architektur und der Konsumkultur zusammen, die Isa Genzkens 

Werk durchziehen. 

Zudem liefern 20 Autorinnen und Autoren kürzere Essays, in denen jeweils detailliert 

auf einzelne Werke oder Werkgruppen eingegangen wird. Kasper König bespricht mit 

Isa Genzken ihre Außenprojekte; die Ellipsoide und Hyperbolos sind das Thema von 

Ulrich Loocks Beitrag. Donna De Salvo, Chefkuratorin des Whitney Museums schreibt 

über die Säulen. Der Künstler und Kurator Helmut Draxler befasst sich mit Ground 

Zero. Der Filmkurator Ian White bespricht die Filme Chicago Drive und Meine Großeltern 

im Bayrischen Wald. 

Zudem konnten Dan Graham, Wolfgang Tillmans und Lawrence Weiner für drei 

Künstlerbeiträge gewonnen werden. 

Mehr als drei Jahrzehnte von Isa Genzkens künstlerischer Entwicklung werden mit 

rund 160 Abbildungen vorgestellt, einige davon, wie die farbige Abbildung ihres Tulpenprojekts 

für Amsterdam, sind hier erstmals publiziert. Der umfangreich kommentierte 

und illustrierte Anhang enthält eine ausführliche, überarbeitete Biografi e und 

bebilderte Bibliografi e. 

Ein für viele Jahre gültiges Standardwerk zu einer der wichtigsten Künstlerinnen der 

Gegenwart. 


4 

Sigmar Polke’s Wir Kleinbürger! Zeitgenossen und Zeitgenossinnen (We, the Petit 

Bourgeois – Contemporaries) from 1974–1976 has long been an all but forgotten 

group of works. The ensemble is made up of ten large-scale works on paper, which are 

reproduced in the book on foldout colour panels. A variety of fi gures, traces, signs and 

quotations, inspired by the pop culture of the time, infuse with and are layered upon 

one another. Based on this series of pictures, the book offers, for the fi rst time, insight 

into Polke’s output during the 1970s, which has been long-neglected by art history. It 

provides a panorama of a period of West German history marked by hippie culture, 

proto-punk, the women’s movement and terrorism and presents a completely new 

Sigmar Polke: a multi-faceted Polke. 

verlag der buchhandlung walther könig, köln

22 x 27 cm, 472 Seiten, 

315 farbige Abbildungen (davon 

10 Ausklapptafeln, 52 farbige Tafeln). 

Hardcover mit Schutzumschlag 

Deutsch 

978-3-86560-593-1 

€ 48,– / chf 81,– 

Kunst / Art 


Sigmar Polke, geb. 1941 

in Oels, Niederschlesien, 

lebt und arbeitet in Köln. 

Kunsthalle Hamburg, 

13.03.2009 – 31.01.2010 

Sigmar Polke. 

Wir Kleinbürger! Zeitgenossen und Zeitgenossinnen. 

Die 1970er Jahre 

Herausgegeben von Petra Lange-Berndt und Dietmar Rübel 

Texte von u.a. Ulrike Bergermann, Beatrice von Bismarck, Peter Breslaw, Bice Curiger, 

Diedrich Diederichsen, Achim Duchow, Hans Magnus Enzensberger, Julia Gelshorn, 

Walter Grasskamp, Sebastian Hackenschmidt, Astrid Heibach, Ute Holl, Wolfgang 

Kemp, Petra Lange-Berndt, Klaus Mettig, Sigmar Polke, Nadine Rottau, Kathrin Rottmann, 

Dietmar Rübel, Viktoria Schmidt-Linsenhoff, Max Schulze, Katharina Sieverding, 

Katharina Steffen, Monika Wagner, Kea Wienand, Bettina Uppenkamp, Vera Wolff, 

Andreas Züst 

Zwischen 1972 und 1978 wohnte Sigmar Polke auf dem Gaspelshof am Niederrhein. 

Es war eine Art Künstlerkommune, die mit zahlreichen Gästen auch ausgelassen zu 

feiern wusste. Polke schien sich an der Gruppe zu nähren und gab auch entsprechend 

zurück. Im Zentrum dieser fast 500 Seiten umfassenden Publikation steht nun Polkes 

Werkgruppe Wir Kleinbürger aus eben dieser Zeit. 

Es sind 2 x 3 Meter große Gouachen mit Titeln wie „Can you always believe your 

eyes?“. Hier durchdringen und überlagern sich eine Vielfalt von Figuren, Zeichen und 

Zitaten aus der damaligen Werbung, aus Cartoons und Bildzyklen. 

Ausgehend von dieser Werkgruppe gewährt das Buch erstmals Einblick in die bisher 

von der Kunstgeschichte vernachlässigte Produktion Polkes in den 1970er Jahren: 

Filmstills, Fotos, Zeichnungen und Aquarelle zusammen mit dokumentarischen 

Materialien wie Briefen, fotografi schen Schnappschüssen, Notizen oder Telefonzeichnungen, 

die – bisher unveröffentlicht – Zeugnis geben von einer Zeit voller intensiver 

intellektueller Kreativität. Es gelingt den Autoren, das damalige Leben und Arbeiten 

in Gruppen- und Künstlerfreundschaften sichtbar werden zu lassen, so u.a. mit Achim 

Duchow, Gilbert & George, Candida Höfer oder Katharina Sieverding. 

Das Buch enthält zahlreiche Textbeiträge von Künstlerfreunden sowie von renommierten 

Autoren. 

Entstanden ist ein aufregendes, wenig bekanntes künstlerisches Panorama der von 

Hippietum, Proto-Punk, Frauenbewegung und Terrorismus geprägten BRD. 


6 

21,6 x 28 cm, 240 Seiten, 


Softcover mit Schutzumschlag 

Deutsch / English 

978-3-86560-637-2 

€ 38,– / chf 64,– 

Kunst / Art 


Candida Höfer, 

geb. 1944 in Eberswalde, 


Das Architekturbüro Kuehn Malvezzi 

wurde 2001 in Berlin von Simona 

Malvezzi, Wilfried Kuehn und 

Johannes Kuehn gegründet. 

Candida Höfer. 

Kuehn Malvezzi 

Texte von Chris Dercon, Okwui Enwezor und Axel Sowa 

Johannes und Wilfried Kuehn sowie Simona Malvezzi – die bei Künstlern und 

Galeristen bekannter sind als unter Architekten – waren verantwortlich für den 

Umbau der Binding-Brauerei für die Documenta 11, die Erweiterung des Hamburger 

Bahnhofs für die Flick Collection und den Umbau einer Fabrikanlage in Düsseldorf für 

die Sammlung Stoschek. Für die Stiftung Candida Höfer bauten sie ein Haus in Köln 

für Ausstellungszwecke. 

Candida Höfer begleitet seit Jahren fotografi sch das Werk des Büros. Ihre Fotografi en 

werden hier erstmals publiziert. 

Johannes Kuehn, Wilfried Kuehn and Simona Malvezzi – who are more well-known 

among artists and gallery owners than among architects – have been responsible 

for the conversion of the Binding brewery for Documenta 11, the extension of the 

Hamburger Bahnhof for the Flick Collection and the conversion of a factory building in 

Düsseldorf for the Stoschek collection. They have also redesigned the interior of a house 

in Cologne for the Stiftung Candida Höfer. 

Candida Höfer has followed the agency’s work for many years and her photographs of 

their various projects are published here for the fi rst time. 


21,6 x 28 cm, 240 Seiten, 


Softcover mit Schutzumschlag 


978-3-86560-634-1 

€ 38,– / chf 64,– 

Kunst / Art 


Candida Höfer, 

geb. 1944 in Eberswalde, 


Museum Schloss 

Morsbroich Leverkusen, 

15.05. – 02.08.2009 

Weiterhin lieferbar / Still available: 

Date Paintings – On Kawara. 2008 

978-3-86560-501-6 

€ 68,– / chf 115,– 

Dresden. 2006 

978-3-88375-858-9 

€ 19,80 / chf 35,90 

Wilhelmstraße 44. 2005 

978-3-88375-656-1 

€ 28,– / chf 49,– 

In ethnographischen 

Sammlungen. 2004 

978-3-88375-821-3 

€ 28,– / chf 49,– 

Hamburg. 2002 

978-3-88375-627-1 

€ 28,– / chf 49,– 

Candida Höfer. 

Projects: Done 

Herausgegeben von Markus Heinzelmann 

Texte von Estelle Blaschke, Michael Hagner, Markus Heinzelmann, Doreen Mende, 

Michael Oppitz, Birgit Pelzer, Julia Voss, Thomas Weski. Gespräche zwischen 

Herbert Burkert und Candida Höfer sowie Chris Dercon und Wilfried Kuehn 

Candida Höfer begreift „Projekte“ als mehrteilige Arbeiten, die einen geplanten, 

zusätzlichen Ablauf besitzen oder mit Erreichen eines defi nitiven Zustands 

abgeschlossen sind. Projects Done bezieht sich auf 14 abgeschlossene Projekte aus 

den Jahren 1968 bis 2008. Das 15. ist die Präsentation selbst, die die Künstlerin mit 

den Architekten Kuehn Malvezzi entwickelt hat. 

Candida Höfer zeigt ihre Arbeiten in ungewohnten Formaten: Einem Werkverzeichnis 

ähnliche, kleinformatige Ansichten der Serien Zoologische Gärten (1993), Die Bürger 

von Calais (2000), On Kawara (2006/07) oder großformatig abgebildet wie Türken in 

Deutschland (1979) und das Diaprojekt 80 Pictures, die mit schwarzem Hintergrund 

auf den Buchseiten dargestellt sind. Flipper hat Candida Höfer auf acht Seiten mit 

Schwarzweißaufnahmen von Flipper-Geräten collagiert. Liverpool, eine frühe Arbeit 

von 1968, zeigt ruhige ganzseitige Schwarzweißbilder. Einen weiteren Schwerpunkt 

bilden Höfers Bilder von Ausstellungsräumen, die die Architekten Kuehn Malvezzi 

geschaffen haben. 

For Candida Höfer ‘projects’ are works in multiple parts that have a planned, additional 

course or which are completed once they reach a defi nitive state. Projects Done refers 

to fourteen completed projects from between 1968 and 2008. The fi fteenth is the 

presentation itself, which the artist has developed in collaboration with the architects 

Kuehn Malvezzi. Candida Höfer presents her work in unfamiliar formats: catalogue 

raisonné, small format views of the series Zoologische Gärten (1993), Die Bürger von 

Calais (2000) or On Kawara (2006/07), or large format images such as Türken in 

Deutsch land (1979) and the slide project 80 Pictures, which is presented on a black 

background. Flipper is a collage of black and white photographs of pinball machines, 

spread across eight pages. Liverpool, an early work from 1968, presents low-key, wholepage 

black and white pictures. A further focus is Höfer’s pictures of exhibition spaces 

created by the architects Kuehn Malvezzi. 


8 

15,5 x 23,5 cm, 56 Seiten, 


Broschur 

Deutsch 

978-3-86560-651-8 

€ ca. 16,80 / chf 31,– 

Kunst / Art 

Juni / June 2009 

Ulrich Wilmes ist Hauptkurator 

am Haus der Kunst, München. 

U.a. kuratierte er die Ausstellung 

„Gerhard Richter. Abstrakte Bilder“ 

im Museum Ludwig und im 

Haus der Kunst (2008/09). 

Schriften des Gerhard Richter 

Archiv Dresden, Band 5 

Herausgegeben von Dietmar Elger 

Ulrich Wilmes. 

Gerhard Richter. Zur Entstehung der Abstrakten Bilder 

Ulrich Wilmes behandelt die Abstraktion bei Gerhard Richter und stellt Grundfragen 

zu seiner Malerei. Ab Ende der 1960er Jahre setzt in Gerhard Richters Werk 

eine Entwicklung ein, die ihn von den auf fotografi schen Vorlagen beruhenden 

Gemälden zu den Abstrakten Bildern führt. Diese Bilder sind bei all ihren formalen 

Entsprechungen von einer großen Vielgestaltigkeit und bilden einen offenen 

Werkkomplex. Wilmes erörtert Richters Anliegen, die Zufälligkeiten des visuellen 

Erlebens zu überwinden, um die Eigenwirkung von Farbe und Form zu steigern. 

Am Beispiel der Cage-Bilder (2006) beschreibt er den Verlauf des Malprozesses, 

in dem sich die Entwicklung eines Gemäldes vollzieht, anhand einer Abfolge von 

Zuständen. Die Spuren der Werkzeuge und Schichten der Farbe fügen sich dabei 

zu Strukturen von fi guraler oder landschaftlicher Anmutung, ohne sich zu einem 

wiedererkennbaren Gegenstand zu verfestigen. Willkür, Zufall, Einfall und Zerstörung 

lassen einen bestimmten Bildtypus entstehen, aber nie ein vorherbestimmtes Bild. 

Ulrich Wilmes examines abstraction in Gerhard Richter’s work and asks fundamental 

questions of his painting style. A development in Gerhard Richter’s work can be observed 

since the end of the 1960s, which has lead him from paintings based on photography 

to the creation of abstract images. These images are very complex in all their formal 

equivalents and form an open group of works. Wilmes discusses Richter’s desire to 

overcome the random elements of visual experience in order to accentuate the innate 

properties of colours and forms. 


25,5 x 25,5 cm, 200 Seiten, 

82 s/w und 168 teilweise ganzseitige 

farbige Abbildungen. 


Deutsch 

978-3-86560-591-7 

€ 38,– / chf 64,– 

Kunst / Art 


Gerhard Richter, 

geb. 1932 in Dresden, lebt 

und arbeitet in Köln. 

Robert Storr ist Künstler, Kritiker und 

Kurator. Er lehrt an Kunstakademien, 

Universitäten und Museen weltweit 

und ist Autor zahlreicher Kataloge 

und Bücher – darunter Monografi en 

über Louise Bourgeois, Gerhard Richter 

und Philip Guston. 

Nach der Ausstellungstournee 

werden die Bilder in einem „Cage“- 

Raum dauerhaft in der Tate Modern 

in London gezeigt. 

Robert Storr. 

Cage. Sechs Bilder von Gerhard Richter 

Vorwort von Nicholas Serota 

Gerhard Richters rigorose Erforschung des Mediums Malerei macht ihn zu einem der 

bedeutendsten Künstler der Gegenwart. Die Cage-Bilder, ein Zyklus von sechs großformatigen 

Gemälden aus dem Jahr 2006, hat Richter nach dem Komponisten John 

Cage benannt. Sie markieren seine aktuelle künstlerische Position in seinem mehr als 

40-jährigen Schaffen. 

Robert Storr untersucht in drei ausführlich gehaltenen Kapiteln, welche Stellung 

die Cage-Bilder in Gerhard Richters Gesamtwerk sowie im breiteren Kontext der 

abstrakten Kunst einnehmen. 

Mit vielen Querverweisen beleuchtet er die Entwicklung des Œuvres und führt 

den Leser gekonnt durch Gerhard Richters Kunst. Der Leser kann erstmals den 

Arbeitsprozess des Künstlers mitverfolgen. Mit zahlreichen Abbildungen der 

Leinwände und des Ateliers des Künstlers wird die Entstehung der Cage-Bilder in 

einzelnen Schritten erlebbar. 

Vergleichsabbildungen, u. a. von den Bilderzyklen Wald (2005) und Bach (1992), sowie 

biografi sche Fotos aus dem Archiv des Künstlers vervollständigen die umfangreiche 

Monografi e. 

Gerhard Richter’s rigorous exploration of the medium of painting makes him one of the 

most important artists of our time. The Cage pictures, a cycle of six, large-format paintings 

from 2006, are named after the composer John Cage. They mark Richter’s current 

artistic position within more than forty years of work. Robert Storr skillfully guides the 

reader through the art of Gerhard Richter in three detailed chapters. 


10 

21,5 x 27,5 cm, 160 Seiten, 



Deutsch / English / Dutch 

978-3-86560-622-8 

€ 29,80 / chf 49,90 

Kunst / Art 


Annette Kelm, 

geb. 1975 in Stuttgart, 

lebt und arbeitet in Berlin. 

Ausstellungen u. a. Kunsthalle Zürich, 

KW Institute for Contemporary Art, 

Berlin, Witte de With Rotterdam. 

Annette Kelm 

Herausgegeben von Susanne Pfeffer, Beatrix Ruf, Nicolaus Schafhausen 

Texte von Zoë Gray, Dirk von Lowtzow und Caoimhín Mac Giolla Léith sowie Gespräch 

zwischen Susanne Pfeffer, Beatrix Ruf und Nicolaus Schafhausen 

Die Fotografi en von Annette Kelm zeigen Objekte, Personen, Orte und eine Vielzahl 

weiterer Motive, die die Künstlerin mit der analogen Kamera festhält. Entgegen dem 

ersten Eindruck von Sachlichkeit und reduzierter Ästhetik erweisen sich diese Motive 

allerdings als aus ihren ursprünglichen Zusammenhängen entrückt, durch Eingriffe 

entfremdet oder um arrangierte Konstellationen bereichert. Die subtilen Brüche 

setzen eine Art Kettenreaktion in Gang und eröffnen dem Betrachter Gedanken- und 

Assoziationsräume von lyrischer und humorvoller Qualität, die Kelm deutlich von den 

unter dem Label „Konzeptuelle Fotografi e“ gefassten Künstlern unterscheidet. 

Der Katalog erscheint anlässlich Annette Kelms ersten institutionellen Einzelausstellungen 

in Deutschland, den Niederlanden und der Schweiz und kombiniert mehr 

als 80 Fotografi en aus der Zeit von 2001 bis heute zu einem Überblick über ihr 

bisheriges Werk. 

Annette Kelm’s photographs show objects, people, places and a multitude of other 

motifs captured on an analogue camera. In contrast to the initial impression of practicality 

and minimal aesthetics, these motifs prove to be disconnected from their original 

contexts, estranged through interventions or enriched in arranged constellations. These 

subtle fractures set a kind of chain reaction in motion, opening up spaces for thought 

and association of lyrical and humorous quality. This clearly distinguishes Kelm from 

those artists collected under the ‘conceptual photography’ label. 

The catalogue marks Annette Kelm’s fi rst solo institutional exhibitions in Germany, the 

Netherlands and Switzerland and brings together more than eighty photographs from 

2001 to the present. 


25 x 28 cm, 120 Seiten, 


Leineneinband mit Prägung 


978-3-86560-623-5 


978-3-86560-627-3 

€ 48,– / chf 81,– 

Fotografi e / Photography 


Bernhard Fuchs, 

geb. 1971 in Oberösterreich, 

lebt und arbeitet in Düsseldorf. 

Studium an der Kunstakademie 

Düsseldorf bei Bernd Becher. 

Ausstellungen u. a. bei Konrad Fischer, 

Düsseldorf; Fotohof Salzburg. 

Josef Albers Museum Quadrat Bottrop, 

26.04.2009 – 28.06.2009 

Ω Eine Vorzugsausgabe 

ist erschienen (siehe Seite 72). 

Bernhard Fuchs. 

Straßen und Wege, Fotografi en / 

Roads and Paths, Photographs 

Text von Heinz Liesbrock 

Straßen und Wege ist der Titel einer Serie von 53 Landschaftsaufnahmen, die hier auf 

ganzseitigen Tafeln abgebildet werden. Sie entstanden während der vergangenen 

fünf Jahre in Oberösterreich, der Heimatregion von Bernhard Fuchs in der Nähe 

von Linz, die er in den 1990er Jahren verlassen hatte, um bei Bernd Becher an der 

Düsseldorfer Kunstakademie zu studieren. Wohl kein anderer Fotograf ist heute so 

weit vom Zeitgeist entfernt wie Bernhard Fuchs. In ihrer Ruhe und Friedlichkeit, in 

ihrer Geduld und Verschwiegenheit sind seine Bilder schön wie die Natur selbst. 

After his monograph Autos, Bernhard Fuchs has chosen to focus on landscapes for his 

new art book. They all have one thing in common – they show a street, a road, a path 

used by people. They lead somewhere, seemingly away from civilisation, yet right to the 

middle of the civilising aspect of landscape. 

With these photographs Bernard Fuchs, a student of Bernd and Hilla Becher, has 

again managed to incorporate wit and irony in his otherwise impressively precise 

compositions. 


12 

19,5 x 26,5 cm, 52 pages, and 

44 pages insert, 22 col. illustrations. 

Hardcover 

English 

978-3-86560-580-1 

€ 39,80 / chf 67,– 

Art / Kunst 

Available / Lieferbar 

Enrico David, born 1966 in Ancona, Italy, 

lives and works in London. 

Ultra Paste ICA, London 

Cabinet Gallery, London 

Galerie Daniel Buchholz, Cologne/Berlin 

Ω Eine Vorzugsausgabe ist 

in Vorbereitung (siehe Seite 72). 

koenig books, london 

Enrico David 

Text by Simon Thompson 

Enrico David produces sculpture, painting and installation, but drawing is his usual 

starting point. David’s body of work to date shows a complex and constantly evolving 

personal culture of aesthetics. He mines a number of visual sources aside from ‘fi ne art’ 

in order to test art’s visibility in the world as it is fi ltered through its many associated 

languages: from folk craft to modernist design to corporate graphic display. His confi gurations 

of images and objects often invite you into a fi ctional tableau, dramatising the 

encounter with the artwork as though it were a piece of theatre. 

Die Arbeiten Enrico Davids nehmen ihren Ausgangspunkt in einer Überzeichnung 

künstlerischer Konventionen. Die Bildsprache des darstellenden Realismus mit 

einem Hang zum Karikaturistischen wird verknüpft mit einer Ausführung, die dem 

kunsthandwerklichen Repertoire entstammt. Das Zeichnerische, das Skizzieren einer 

bildnerischen Idee steht dabei immer im Zentrum dieser Arbeiten. Oft erinnern diese 

Darstellungen an die Bildfi ndungen des Surrealismus, dessen intaktes Verhältnis zu 

einem psychologischen Ausdruckspotenzial allerdings hier zum Grotesken übersteigert 

und damit bewusst ins Fratzen- und Klischeehafte überführt wird. 

Ω ‘Drawing is the starting point for most of my work, from the rendering of a photographic 

image to a more intuitive, spontaneous approach. I often borrow from traditional 

craft techniques and design styles, using their pre-given rules and functional 

potential in an attempt to organize and give structure to the often chaotic nature of 

my emotional response to reality. (…) I see potential of the creative process as a representation 

of a new language to be simultaneously constructed and discovered, on the 

basis of pre-existing aesthetic and cultural templates. The use of language, whether 

representational or written, provides me with an opportunity to give physical form to 

my need for discontinuity, disruption and misuse which is at the core of my practice’. 

Enrico David 


23 x 30 cm, 172 pages, 

82 col. and 12 b/w illustrations. 

Softcover 

English / French 

978-3-86560-589-4 

€ 29,80 / chf 49,90 

Photography / Fotografi e 


Jean-Luc Moulène, born 1955, 

lives and works in Paris. Exhibitions at 

Documenta X, 1997; Venice Biennial, 

2003; Art Forum Berlin, 2005. 

Carré d’Art – Musée d’Art 

Contemporain de Nîmes, 2009 

Galerie Chantal Crousel Paris, 2009 

Jean-Luc Moulène 

Texts by Yve-Alain Bois, Jean-Pierre Criqui and an interview 

with the artist by Briony Fer 

Jean-Luc Moulène is chiefl y known as a photographer. Since the mid-eighties, he has 

been working with everyday scenes and standard images (landscapes, still lifes, portraits 

etc.) with a view to deconstructing the social, economic, aesthetic and historical 

parameters that producing images invariably entails. An output of drawings and 

volumes has constantly accompanied his photographic work. It is developed in the 

studio as an independent area of research, while the photography relies on walking 

around in real life situations, projects, even casting around a status, object or gesture. 

The drawing can record a quick, ‘naive’ outline, or possibly searches for space and 

organisational diagrams. 

The publication brings together a selection of photos and drawings, dating from 1977 to 

2008. Apart from a few works, the emphasis is on the years 2000–2008. The bilingual 

monographic catalogue also includes critical essays by Jean-Pierre Criqui, Yve-Alain Bois 

and an interview with the artist by Briony Fer. 

Der Katalog umfasst eine Reihe von Fotos, Zeichnungen und Skulpturen, die 

zwischen 1977 und 2008 entstanden sind. Seit den 1980er Jahren arbeitet Moulène 

mit Fotografi en des Alltags und einem Blick, der die Gesellschaft gekonnt in 

seine Einzelteile zu zerlegen vermag. Seine Zeichnungen und Skulpturen sind 

minimalistisch, bestehen häufi g nur aus wenigen Linien oder Kurven, wirken 

naiv und suchen nach Orientierung. Was seine vielfältigen Arbeiten verbindet, ist 

„die augenscheinliche Absurdität, die schreckliche Offenbarung, das schallende 

Gelächter“, wie Moulène es selbst bezeichnet. 


14 

21,5 x 30,3 cm, 384 Seiten, 

370 farbige Abbildungen, 

mit eingelegter DVD. 

Hardcover 

Deutsch 

978-3-86560-630-3 

€ 48,– / chf 81,– 

Künstlerbuch / Artist Book 


Jonathan Meese, geb. 1970 in Tokio, 

lebt und arbeitet in Berlin 

und Hamburg. 

Arp Museum – Bahnhof Rolandseck 

Remagen, 01.05. – 30.06.2009 


in Vorbereitung. 


Mama Johnny (Engl. / Frz.). 2007 

978-3-86560-212-1 

€ 49,80 / chf 84,– 

Totale Neutralität. 2008 

978-3-86560-506-1 

€ 39,80 / chf 67,– 

23. Januar 1970. XXL Edition. 2008 

978-3-931355-45-6 

€ 150,– / chf 240,– 

Zeichnungen / Drawings. 2007 

978-3-931355-41-8 

€ 199,– / chf 315,– 

Gundling Meese Erzstaat. 2007 

978-3-86560-337-1 

€ 24,80 / chf 44,– 

Jonathan Meese. 

Totaler Metabolismus – ein Manifest 

Herausgegeben und mit Texten von Jonathan Meese 

„Totaler Metabolismus“ ist nach Jonathan Meese die leidenschaftlichste 

Lebensform eines jeden Stoffwechselvorgangs. Denn als nichts anderes sieht der 

Radikalprogressive sich selbst und auch jeden seiner Artgenossen. „Der Mensch 

ist lediglich ein Fress- und Kacktierchen“, woraus Meeses Defi nition folgt: „Alle 

Menschen sind gleich!“ Jene, die sich diesem Naturgesetz verweigern, sind 

Selbstverwirklicher um jeden Preis. Sie wollen sich durch Kreativität von anderen 

unterscheiden und diesen persönlichen Minimalunterschied zum Gesetz erheben. 

Dem Zeitgeistphänomen Kreativität tritt Meese mit einem Propagandagewitter 

von 370 angriffslustigen Collagen und handschriftlich abgebildeten Manifesten 

entschlossen entgegen. Der Metabolische prangert nicht an, sondern er besinnt sich 

in diesem Werk demütig auf die Proklamation der ultraradikalsten Utopie aller Zeiten: 

der „Diktatur der Kunst“. 

‘Total Metabolism’ is, according to Jonathan Meese, the most passionate of all forms of 

metabolic process and the radically progressive artist sees himself, and each and every 

one of his artist colleagues, as nothing other than that. ‘The human being is merely 

an animal that eats and shits’, which leads to Meese’s defi nition: ‘All people are the 

same!’ Anyone who rejects this law of nature seeks self-actualisation at any cost. They 

want to distinguish themselves from the rest of the human race through creativity and 

elevate this minimal personal difference to the status of a law. Meese strikes against 

the zeitgeist phenomenon ‘creativity’ in a storm of propaganda with 370 belligerent 

collages and hand-illustrated manifestos. In this work, the ‘metabolic’ does not criticise, 

rather it humbly recalls the proclamation of the most ultra-radical utopia of all time: 

the ‘Dictatorship of Art’. 


22,5 x 30 cm, 288 pages, 

184 col. illustrations. 

Embossed hardcover 

and dust jacket 

English 

978-86560-646-4 

€ 38,– / chf 64,– 

Art / Kunst 


Sarah Morris, 

born 1967 in London, lives and 

works in New York and London. 

Received the Joan Mitchell Foundation 

prize for painting in 2001. 

MMK Frankfurt, 

30.05. – 30.08.2009 

Museo d’Arte Moderna Bologna, 

26.05. – 26.07.2009 

Witte de With Rotterdam, 

Autumn 2009 – Summer 2010 

Sarah Morris. 

Beijing 

Texts by Colin Chinnery, Anthony Lane and Andrea Phillips 

Sarah Morris spent several months observing the preparation and execution of the 

2008 Olympic Games in Beijing. Continually accompanied by disputes with Chinese 

bureaucracy, she struggled to gain access and permission to fi lm at the games. The 

result is a pulsating 86 minute fi lm, which not only paints a picture of the Olympic 

Games but also of the booming urban growth in China and the construction of 

buildings by ‘star’ architects such as Norman Foster’s T3 at Beijing airport, Herzog & 

De Meuron’s ‘bird’s nest’ or Rem Koolhaas’ CCTV Tower. The relationships and 

apparatus of power that have shaped the situation in Beijing are subtly unraveled 

in Morris’ fi lm. 

In her work, which includes fi lm and paintings, the artist presents fast images, 

architectural details, people, movements and close-ups, all with her very distinctive 

aesthetic vision. The fi lms are scored with soundtracks that reinforce the rhythm of 

the images and build up immense tension. 

Sarah Morris hat sich über Monate hinweg mit der Vorbereitungs- und Laufzeit 

der Olympischen Spiele in Peking 2008 beschäftigt. Vor dem Hintergrund der 

Auseinandersetzungen mit der chinesischen Bürokratie erkämpft sie sich den 

Einlass zu den Spielen und eine Drehgenehmigung. Das Resultat ist ein pulsierender 

86-minütiger Film, der nicht nur die Olympiade zeigt, sondern auch den in China 

boomenden Städtebau und die Bauten der Star-Architekten, wie Norman Fosters T3 

des Beijing Airports, Herzog & De Meurons „Vogelnest“ oder Rem Koolhaas’ CCTV 

Tower. Die Machtverhältnisse und -apparate, die die Situation in Peking bestimmt 

haben, werden in Morris’ Film subtil gezeigt und in der Publikation anschaulich 

dokumentiert. 


16 

21 x 27 cm, 240 Seiten, 


Broschur mit Banderole 


978-3-86560-586-3 

€ 32,– / chf 55,– 

Kunst / Art 


Schirn Kunsthalle Frankfurt, 

28.05. – 16.08.2009 

Künstler / Artists: 

Pawel Althamer, Azorro, Tami Ben-Tor, 

Joseph Beuys, Merlin Carpenter, 

Clegg & Guttmann, Phil Collins, 

Tracey Emin, Fischli/Weiss, 

Andrea Fraser, Ryan Gander, 

Thomas Hirschhorn, Jörg Immendorff, 

Komar & Melamid, Sean Landers, 

Louise Lawler, Manuel Ocampo, 

Martin Parr, Sigmar Polke, Cherí Samba, 

Nedko Solakov, Wolfgang Tillmans, 

John Waters. 

The Making of Art 

Herausgegeben von Martina Weinhart und Max Hollein 

Texte von Amanda Coulson, Ryan Gander, Dieter Hacker, Jörg Immendorff, 

Mladen Stilinovic, Ai Weiwei, Martina Weinhart. Interview mit Andrea Fraser 

Unsere Zeit liebt die Kunst und besonders die Kunst der Gegenwart, die zu einer stetig 

wachsenden kulturellen Größe geworden ist. Fasziniert vom kreativen Umfeld der 

Künstler, ist das Publikum bestrebt, an dieser Atmosphäre des Besonderen teilzuhaben. 

Die Publikation bietet in einer Zeit des Umbruchs einen Blick hinter die Kulissen der 

Welt der zeitgenössischen Kunst, in der das Dreieck aus Künstler, Kunstwerk und 

Betrachter längst um ein Vielfaches erweitert worden ist. Nicht selten beeinfl ussen 

die Beziehungen zwischen Künstler, Sammler, Galerist, Kurator oder Kritiker den 

Inhalt der Arbeiten. Viele Künstler haben ein offenes Auge für die Kunstwelt und 

refl ektieren in zahlreichen Arbeiten den immer aufwändiger werdenden Betrieb: vom 

kreativen Prozess über den Aufbau der Ausstellung bis zu den Ritualen der Szene. 

These days people love art – especially contemporary art, which has become a constantly 

growing cultural factor. Fascinated by the artists’ creative milieu, the public 

strives to share in its atmosphere of being something special. 

In a time of upheaval this publication offers a look behind the scenes of the contemporary 

art world in which the triangle of artist, artwork, and viewer has long since been 

expanded many times over. The relationships between artist, collector, gallerist, curator, 

and critic frequently inform the works’ very contents, and these aspects are increasingly 

represented in the works themselves. Many artists keep an eye on what happens in the 

art world and refl ect the more and more lavish trade: from the creative process and the 

mounting of an exhibition to the rituals of the scene. 


23 x 27 cm, 256 pages, 


Softcover 

English 

978-3-86560-608-2 

€ 39,80 / chf 67,– 

Art / Kunst 

June / Juni 

Barbican Art Gallery London, 

19.06. – 18.10.2009 

Artists / Künstler: 

A12, Lara Almarcegui, Ant Farm, 

Lothar Baumgarten, Joseph Beuys, 

Richard Buckminster Fuller, CLUI, 

Agnes Denes, Mark Dion, EXYZT, 

Luke Fowler, Anya Gallaccio, 

Tue Greenfort, Hans Haacke, 

Henrik Håkansson, Helen and Newton 

Harrison, Mierle Laderman Ukeles, 

Ivan and Heather Morison, 

R&Sie(n), Philippe Rahm, Tomas Saraceno, 

Diller Scofi dio, Robert Smithson, 

Simon Starling 

Radical Nature. 

Art and architecture for a changing planet, 1969–2009 

Preface by Kate Bush and Graham Sheffi eld. Foreword by Jonathan Porritt. 

Essays by T.J. Demos and Francesco Manacorda 

The beauty and wonders of nature have provided inspiration for artists and architects 

for centuries. Since the 1960s, the increasingly evident degradation of the natural 

world and the effects of climate change have brought a new urgency to their 

responses. Radical Nature is the fi rst publication to bring together artists across 

different generations who have created utopian works and inspiring solutions for 

our ever-changing planet. The book draws on ideas that have emerged out of Land 

Art, environmental activism, experimental architecture and utopianism. Works by 

pioneering fi gures such as the architectural collective Ant Farm and visionary architect 

Richard Buckminster Fuller, artists Joseph Beuys, Agnes Denes, Hans Haacke and Robert 

Smithson are presented alongside pieces by a younger generation of practitioners 

including Heather and Ivan Morison, R&Sie(n), Philippe Rahm and Simon Starling. 

Die Schönheit und Wunder der Natur hat Künstler und Architekten seit jeher 

inspiriert. Seit den 1960er Jahren haben die Auswirkungen des Klimawandels und die 

allgemeine Geringschätzung der natürlichen Umwelt zu einem neuen Bewusstsein 

der Dringlichkeit geführt. Radical Nature ist die erste Publikation, in der verschiedene 

künstlerische Positionen zu diesen Entwicklungen zusammengetragen werden. 

Darunter befi nden sich ausgearbeitete Utopien, aber auch konkrete Lösungsansätze 

für eine sich beständig verändernde Gesellschaft. Das Buch gibt einen ideengeschichtlichen 

Überblick, der von der Land Art über Umweltaktivismus, experimentelle 

Architektur bis hin zu utopischen Gesellschaftsentwürfen reicht. Arbeiten von wegweisenden 

Architekten, wie dem Architekturkollektiv Ant Farm oder Richard Buckminster 

Fuller sowie von Künstlern wie Joseph Beuys, Agnes Denes, Hans Haacke oder 

Robert Smithson werden ebenso präsentiert wie die Werke einer jüngeren Künstlergeneration, 

wie etwa Heather & Ivan, R&Sie(n), Philippe Rahm und Simon Starling. 


18 

21 x 28 cm, 120 Seiten, 


Broschur 

Deutsch 

978-3-86560-612-9 

€ 29,80 / chf 49,90 

Kunst / Art 



Hubert Kiecol. 2000 

978-3-88375-428-4 

€ 34,80 / chf 59,– 

17 x 27 cm, 240 Seiten, 

23 s/w und 85 farbige Abbildungen. 

Hardcover 


978-3-86560-596-2 

€ 28,– / chf 49,– 

Kunst / Art 


Hubert Kiecol. 

Separee public 

Herausgegeben von Ralph Melcher 

Texte von Ralph Melcher und Fritz Neumeyer 

Seit seinem Katalog zur Ausstellung im Stedelijk Museum in Amsterdam vor mehr als 

acht Jahren tritt Hubert Kiecol erstmals wieder mit einer Publikation in Erscheinung. 

Sie dokumentiert seine Arbeit der letzten Jahre auf zahlreichen farbigen Tafeln. 

Seine Skulpturen sind geprägt von einer selbstverständlichen Klarheit und erscheinen 

durch ihre reduzierten Formen zeitlos und allgemeingültig. Der Künstler entwickelte 

bereits in den 1980er Jahren eine ganz persönliche Sprache, die sich durch Präzision 

und eindrucksvolle Präsenz auszeichnet. 

This is Hubert Kiecol’s fi rst publication since the catalogue accompanying his exhibition 

in Stedelijk in Amsterdam more than eight years ago. His work of the last few years is 

documented on numerous colour plates. 

His œuvre is infused with a distinct clarity, its reduced forms making it appear timeless 

and universal. By the 1980s the artist had already developed a very personal language, 

which is distinguished by its precision and impressive presence. His sculptures are freed 

from their architectural functional context and only exist as form, given new weight 

through reduction and proportion. 

• Hubert Kiecol, geb. 1950 in Bremen-Blumenthal, lebt und arbeitet in Köln. 

Professor an der Staatlichen Kunstakademie Düsseldorf. 

• Saarlandmuseum, Stiftung Saarländischer Kulturbesitz, 16.05.– 16.08.2009 

Matti Braun. Kola 

Vorwort von Friedemann Malsch und Christiane Meyer-Stoll. 

Beiträge von u. a. Thomas Bayrle, Bernd Feuchtner, Frank Frangenberg, Nina Gülicher, 

Mika Hannula, Jakob Vogel, Helmut Weihsmann 

Nach mehreren kleineren Publikationen zu einzelnen Werkgruppen ist dieses 

umfangreiche Buch eine klassiche Künstlermonografi e, die das bisherige Schaffen 

von Matti Braun darstellt. Die Autoren, ausgewiesene Kenner seiner Arbeit, bieten 

Hintergrundinformationen und ermöglichen so den Zugang zu seinem Werk. 

This is the fi rst comprehensive presentation of Matti Braun’s work to date. The publication 

is directly related to the concept of the exhibition and contains texts by more than 

twenty authors. They provide ample background information and profound insight into 

complex works and the artist’s intricate approaches. 

• Matti Braun, geb. 1968 in Berlin, lebt und arbeitet in Köln. Studium an der Städelschule, 

Frankfurt am Main und an der Hochschule für Bildende Künste in Braunschweig. 

• Kunstmuseum Liechtenstein, 2009 


Matti Braun. Özurfa. 2008 

978-3-86560-428-6 

€ 28,– / chf 49,– 


17 x 24 cm, 94 Seiten, 

6 s/w und 110 farbige Abbildungen. 

Klappenbroschur 


978-3-86560-582-5 

€ 22,– / chf 39,– 

Kunst / Art 


Jake Chapman, geb. 1966 

in Cheltenham; 

Dinos Chapman geb. 1962 in 

London. Beide Künstler leben 

und arbeiten in London. 

Turner Prize 2003. 

kestnergesellschaft Hannover, 2008/09 

White Cube London, 2008 

Jake & Dinos Chapman. 

Memento Moronika 

Herausgegeben von Veit Görner und Kristin Schrader 

Vorwort von Veit Görner. Texte von Jake und Dinos Chapman, Veit Görner 

und Kristin Schrader 

Im Titel Memento Moronika verbirgt sich das englische Moronic – das 

Schwachsinnige. Unter diesem Titel haben die Brüder sieben Werkgruppen 2003– 

2008 zusammengestellt – unter anderem Plastiken aus Toilettenpapierrollen, Pappe 

und Plakatfarbe wie Hell Sixty-Five Million Years BC (2004–2005) und Two Legs Bad, 

Four Legs Good (2007), die bemalten Bronzeskulpturen Little Death Machines (2008). 

Vordergründig schockierend oder harmlos-kindlich, überspitzt und ironisch, ist die 

intensive Beschäftigung mit ernsten Themen jedoch immer spürbar. Die einzelnen 

Arbeiten reihen sich thematisch nahtlos in das Gesamtwerk ein. So sind die neuen 

viktorianischen Porträts mit entstellten Gesichtern, die alle den Titel One day you’ll 

no longer be loved tragen, einerseits visuelle Novitäten, andererseits folgen sie einer 

schon berüchtigten und an Grafi ken Goyas bereits erprobten Strategie der Chapmans: 

der Übermalung. 

With Memento Moronika, the Chapman brothers have brought together seven groups 

of work (2003–2008) – amongst others, objects made of toilet rolls, cardboard and 

poster paint such as Hell Sixty-Five Million Years BC (2004–2005) and Two Legs Bad, 

Four Legs Good (2007), and the painted bronze sculptures Little Death Machines 

(2008). The works are ostensibly shocking or harmlessly childish, exaggerated and 

ironic, yet the intense occupation with serious themes can always be felt. The individual 

pieces join together seamlessly to create a complete work. In this way, the new Victorian 

portraits with disfi gured faces, which all go under the title One day you’ll no longer be 

loved, are on the one hand visual novelties, on the other hand the continuation of a 

Chapman strategy that has already been infamously used on Goya etchings: painting 

over the work of others. 


20 

23,5 x 31,5 cm, 148 Seiten 


Hardcover 

Deutsch 

978-3-86560-601-3 

€ 34,– / chf 58,– 

Kunst / Art 


Maria Lassnig, 

geb. 1919 in Krappfeld, Österreich, 

lebt und arbeitet in Wien. 

Documenta 1982, 1997. 

1980 – 1997 Professorin an der Hochschule 

für Angewandte Kunst, Wien. 

MUMOK, Wien, 2009 


Maria Lassnig / Liz Larner. 

Zwei oder drei oder etwas. 2006. 

978-3-86560-055-4 

€ 19,80 / chf 35,90 

Maria Lassnig. 

Das Neunte Jahrzehnt 

Texte von Wolfgang Drechsler, Jennifer Higgie, Werner Hofmann und Robert Storr 

In ihrem neunten Lebensjahrzehnt zeigt die österreichische Künstlerin eine 

ungebrochene Schaffenskraft. Die mehr als 100 Gemälde und Zeichnungen, die im 

vorliegenden Katalog aufgenommen wurden, sind alle in den letzten zehn Jahren 

entstanden und belegen das feine Gespür der Malerin für die dunklen Seiten der 

menschlichen Seele. Gleichzeitig dokumentieren sie eindrucksvoll, zu welchem 

vielfältigen und kraftvollen Spätwerk die Künstlerin gefunden hat – wie sie ihr 

eigenes Frühwerk zitiert, ohne sich dabei zu wiederholen. Lassnig gilt als Vorreiterin 

und Visionärin für nachfolgende Generationen von KünstlerInnen und hat deren 

künstlerische Entwicklungen entscheidend mitgeprägt. 

The Austrian artist’s productivity shows no signs of faltering. This catalogue contains 

over a hundred paintings and drawings from the past ten years that prove the subtle 

intuitiveness that the painter has for the dark side of the human soul. Simultaneously 

they impressively document the variety and power of her later works – how they 

reference her own earlier work without being repetitive. Lassnig is seen as a pioneer and 

visionary for subsequent generations of artists and has had an important infl uence on 

their artistic development. 

Ω „Es ist sicher, ich male und zeichne nicht den ‚Gegenstand‘ Körper, 

sondern ich male Empfi ndungen vom Körper.“ 

Maria Lassnig, 1999. 

Ω ‘It is quite clear that I don’t paint and draw the ‘object’ body. 

I paint impressions of bodies.’ 

Maria Lassnig, 1999. 


15 x 21,5 cm, 96 Seiten, 

38 ganzseitige und doppelseitige 

s/w Abbildungen. 


Deutsch 

978-3-86560-613-6 

€ 24,80 / chf 44,– 



Herbert Molderings, geb. 1948 in Bonn, 

ist Professor für Mittlere und 

Neuere Kunstgeschichte an der 

Ruhr-Universität Bochum. 

Man Ray, geb. 1890 in Philadelphia, 

Pennsylvania, gest. 1976 in Paris. 

Ω „Als ich 1979 für den Frankfurter 

Kunstverein und die Kunsthalle Basel 

eine Man Ray-Retrospektive organisierte 

und zu diesem Zweck allwöchentlich 

zwei oder drei Nachmittage im Atelier in 

der Rue Férou verbrachte, kamen Juliet 

und ich auf den Gedanken, ein Fotobuch 

dieses Ateliers zu machen.“ 

Herbert Molderings 

Herbert Molderings. 

Atelier Man Ray 

Text und Fotografi en von Herbert Molderings 

Eine ungewöhnliche, bislang noch nicht publizierte Serie von Schwarzweißaufnahmen, 

die der Kunsthistoriker Herbert Molderings im Frühjahr 1979 im Pariser Atelier 

von Man Ray erstellte. Mit Blick für das Detail hat Molderings die künstlerische 

Alltagswelt und jene Objekte im Bild festgehalten, die Man Ray gesammelt oder 

selbst hergestellt und zu stilllebenartigen Arrangements in seinem Atelier komponiert 

hat. In diesem inspirierenden Umfeld aus Schachteln, Schalen, Werkzeugen und 

Bestecken, aus Figuren, Masken, Puppen und stets auch eigenen Werken, offenbart 

sich der fantasievolle Kosmos des Künstlers auf eindrucksvolle Weise. 

This book contains an unusual series of unpublished black-and-white photographs 

of Man Ray’s Paris atelier taken by the art historian Herbert Molderings in the spring 

of 1979. With an eye for detail, Molderings managed to capture on fi lm the day-today 

artistic world and those objects that Man Ray had collected or created himself 

and composed into still-life-like arrangements. In these inspirational surroundings of 

cartons, bowls, tools and cutlery, of fi gures, masks, dolls as well as his own works, the 

fantastical cosmos of the artist is revealed in a most impressive way. 


22 

21 x 27 cm, 54 Seiten, 


Softcover 


978-3-86560-609-9 

€ 19,80 / chf 35,90 

Kunst / Art 


Ays¸e Erkmen, 

geb. 1949 in Istanbul, 

lebt in Istanbul und Berlin. 

K21 Düsseldorf, 

08.11.2008 – 14.01.2010 

Ays¸e Erkmen. 

Hausgenossen – Crystal Rock 

Vorwort und Text von Julian Heynen 

Hausgenossen und Crystal Rock sind zwei neue Arbeiten von Ays¸e Erkmen. Sie 

integriert riesige farbige Stoffbahnen in die Stahlstreben der Glaskuppel des K21. Die 

Stoffstrukturen orientieren sich an den Linien der Architektur. Erkmen arbeitet hier 

ähnlich wie ein Architekt bei einer Bauaufnahme. Diese „textile Haut“ verändert das 

Licht, die Farbigkeit des Raums und relativiert die Dominanz der Technik. 

Ihre zweite, ebenso aufwändige Arbeit befi ndet sich in unmittelbarer Nähe des K21: 

Auf dem Dach einer Bank kreist das monumentale Edelstahl-Objekt Crystal Rock mit 

langsamen Bewegungen um die eigene Achse. Erkmen bezeichnet die Arbeit als 

„Kristallisation eines Kohlebrockens zu Edelstahl“. Das Objekt hat mehrere Meter 

Durchmesser und steht auf einem Sockel mit Antriebsmotor. 

Beide Arbeiten werden mit zahlreichen Fotos dokumentiert, die nur unter großem 

Aufwand angefertigt werden konnten. 

Ays¸e Erkmen develops two large-size installations: Textile panels are integrated into the 

architecture of the glass dome of the K21 museum building, changing the colour of the 

room as well as light and environment. Simultaneous to this, Ays¸e Erkmen has created 

a sculpture especially for the roof of a bank building: A monumental high-grade steel 

object overlooking the city. 

Both projects are documented and explained in this catalogue with numerous 

photographs that were most elaborate to be taken. 

Ays¸e Erkmen – weiterhin lieferbare Titel / 

still available titles: 

Weggefährten. 2008. 

978-3-86560-516-0 

€ 29,80 / chf 49,90 


Temporary / Contemporary. 2008. 

978-975-08-1430-3 

€ 18,– / chf 32,90

22,4 x 30,5 cm, 160 Seiten, 

48 Duoton- Abbildungen. 



978-3-86560-626-6 


978-3-86560-537-5 

€ 48,– / chf 81,– 

Kunst / Art 


Lothar Baumgarten, 

geb. 1944 in Rheinsberg, lebt und 

arbeitet in Berlin, Düsseldorf und 

New York. Er ist seit 1994 Professor 

an der Universität der Künste Berlin. 

Zahlreiche Ausstellungen, u.a. 

Marian Goodman Gallery, New York, 

documenta 9 und X, Kassel. 

Kunsthaus Bregenz, 2009 

Lothar Baumgarten. 

CD-Album. 

Seven Sounds / Seven Circles 

Mohicanituk I, II, III, IV, V, VI, VII 


978-3-86560-538-2 

€ 48,– / chf 81,– 

Das CD-Album präsentiert sieben 

Tonstücke – phonische Kompositionen 

skulpturalen Charakters. Das 44-seitige 

Begleitheft beinhaltet einen Text sowie 

Fotografi en des Künstlers. 

The CD-box presents seven sound compositions 

– phonic pieces with sculptural 

character. The 44-page accompanying 

booklet contains a written piece as well 

as photographs by the artist. 

Lothar Baumgarten. 

Seven Sounds / Seven Circles 

Herausgegeben von Kaira M. Cabañas und Kunsthaus Bregenz 

Einführung von Kaira M. Cabañas. Essays von Thomas Bartscherer, Craig Buckley, 

John Curley, Amy Rosenblum Martin und ein Interview von Christian Rattemeyer 

Die Monografi e ist ein Kompendium zum Schaffen und künstlerischen Denken 

Lothar Baumgartens. In vier Essays werden die verschiedenen essenziellen Aspekte 

seines Arbeitens wie Sprache, Architektur, Fotografi e und Geschichte beleuchtet. Ein 

aktuell von Christian Rattemeyer mit dem Künstler geführtes Interview sowie eine 

Werkbiografi e vervollständigen die Publikation zum ersten grundlegenden Buch über 

Lothar Baumgarten, in das Kaira M. Cabañas als Mitherausgeberin kenntnisreich 

einführt. 

Form und Typografi e beider Publikationen wurden, wie schon bei zahlreichen 

früheren Buchprojekten des Künstlers, von Walter Nikkels für und mit Lothar 

Baumgarten realisiert. 

This monograph is a compendium of Lothar Baumgarten’s work and artistic thinking. 

The various essential aspects of his work, such as language, architecture, photography 

and history are highlighted in four essays. A current interview with the artist, conducted 

by Christian Rattemeyer, a biography of his work and a well-informed introduction 

by co-editor Kaira Cabañas make this publication the fi rst seminal book on Lothar 

Baumgarten. 

As with many of the artist’s previous book projects, the form and typograph of both 

these publications were conceived by Walter Nikkels for and with Lothar Baumgarten. 


24 

17 x 24 cm, 156 pages, 80 col. 

and 56 b/w illustrations. 

Softcover 

English 

978-3-86560-390-6 

€ 24,– / chf 43,– 

Art / Kunst 


12,5 x 21 cm, 100 pages, 


Hardcover with dust jacket. 

English 

978-3-86560-624-2 

€ 28,– / chf 49,– 

Art / Kunst 


Paul Thek. 

Tales the Tortoise Taught Us 

Edited by Margrit Brehm, Axel Heil, Roberto Ohrt 

Essays by Margrit Brehm, Axel Heil, Roberto Ohrt 

There are artists who are not forgotten because other artists frequently refer to them 

as examples. Paul Thek is among those. He enjoys cult status. This book fi nally fi lls the 

hiatus of a survey publication. It is a compendium in three parts: In their essay with the 

fairytale-like title Tales the Tortoise Taught Us Margit Brehm, Axel Heil and Roberto Ort 

speak about the artist’s ambivalent relation to his American homeland ‘Turtle Island’ , 

they recount Thek’s unusual but at the same time typical artistry in the Beat- and Hippie 

generation. Thek defi es the seriality of Pop Art as mere consumer art, pursuing his own 

ways in ‘technological relics’, Thek’s reply to Pop Art. 

The second part is a chronologically arranged survey of works from 1963 up to Paul 

Thek’s tragical AIDS death in 1988. The chronologically arranged biography in the third 

part describes in detail the stations of his artistic life with numerous original quotations. 

Deutsche Ausgabe von 2008 weiterhin lieferbar. 

• Paul Thek, born 1933 in Brooklyn. Died 1988 in New York. 

• Sammlung Falckenberg, Hamburg, 2008, ZKM, Karlsruhe, 2007 

Charlotte Birnbaum. Christa Näher. 

A Journey within. Cooking with offals 

Text by Charlotte Birnbaum. Illustrations by Christa Näher 

Charlotte Birnbaum brings recipes with liver, brain, heart, tongue and tripe back onto 

the menu. Refl ecting on her own personal experience, the author describes 35 delectable 

dishes from this almost-forgotten cuisine. The introduction itself is enough to whet the 

reader’s appetite for the art of cooking innards, which has unjustly fallen into disrepute. 

The recipes are feasible and easy to cook and each of the fi ve chapters is introduced 

with an abridged cultural history of its respective offal. This culinary breviary is 

illustrated with drawings by Christa Näher and is a must for any cooking bibliophile. 

Charlotte Birnbaum holt Rezepte mit Leber, Hirn, Herz, Zunge und Kutteln zurück auf 

die Speisekarte. Aus eigener Erfahrung notiert sie in fünf Kapiteln Gerichte aus einer 

vergessen geglaubten Küche. Schon in der Einleitung macht sie dem Leser Appetit 

auf die zu Unrecht in Verruf geratene Kunst des Innereienkochens. Die 35 Rezepte sind 

praktikabel und leicht nachzukochen. Jedes der fünf Kapitel wird von einem kulturgeschichtlichen 

Abriss eingeführt. 

Illustriert wird dieses bibliophile Koch-Brevier von Zeichnungen von Christa Näher. 

• Charlotte Birnbaum lives and works in Stockholm and Frankfurt am Main. 

• Christa Näher, born 1947 in Lindau, Lake of Constance, lives and works in Frankfurt 

am Main and Wolfegg. 


Charlotte Birnbaum. Die innere Reise. 

Über das Kochen mit Innereien. 

978-3-86560-549-8 

€ 28,– / chf 49,– 


15 x 21 cm, 184 pages, 

84 b/w illustrations. 

Softcover 

English 

978-3-86560-618-1 

€ 24,80 / chf 44,– 

Art / Kunst 


Bruce Altshuler 

New York University. 

Iwona Blazwick 

Whitechapel Gallery, London. 

Chris Dercon 

Haus der Kunst, Munich. 

Maria Fusco 

Goldsmiths College, 

University of London. 

Caro Howell 


Charles Merewether 

Art historian and curator. 

Mark Nash 

Royal College of Art, London. 

Brian O’Doherty 

Artist and writer. 

Niru Ratnam 

Aicon Gallery, London. 

Sukhdev Sandhu 

Writer, fi lm critic and 

urban theorist. 

Adam Szymczyk 

Kunsthalle Basel. 

Nayia Yiakoumaki 


A Manual for the 21st Century 

Edited by Shamita Sharmacharja 

Essays by Bruce Altshuler, Iwona Blazwick, Chris Dercon, Maria Fusco, Brian O’Doherty, 

Adam Szymczyk et al. 

This publication brings together a collection of new critical texts by a variety of leading 

authors on institutional practice. It takes as its subject the evolution of the 21st century 

arts institution and is structured as a room-by-room guide of a contemporary art 

space. Readers journey from the reception to the roof terrace, via spaces dedicated to 

temporary exhibitions, site-specifi c commissions and collection displays, taking in the 

bookshop, café, auditorium and education spaces along the way. Twelve writers – artists, 

academics, curators and directors of galleries and museums – trace a trajectory around 

the function of each space and the role it plays within contemporary institutions. 

These discussions encompass key developments in the history of exhibition making 

and artistic practice over the last hundred years as well as wider cultural concerns that 

affect public art organisations globally. The result is an indispensable handbook for art 

professionals, students and anyone who is simply curious about today’s artworld. 

A Manual ist ein Sammelband von zahlreichen Autoren, die im institutionellen 

Kontext zeitgenössicher Kunst bedeutende Funktionen einnehmen. Zwölf Autoren 

– Künstler, Kuratoren und Direktoren – widmen sich kritisch den verschiedensten 

institutionell eingebundenen Räumen, ihren Funktionen und Möglichkeitsbereichen. 

Von Raum zu Raum, vom Eingangsbereich, dem Auditorium, Café, Buchladen bis hin 

zum eigentlichen Ausstellungsbereich werden Schlüsselmomente der Geschichte 

des Ausstellungsbetriebs der Whitechapel Gallery in London sowie kuratorische, 

künstlerische Strategien analysiert und dabei fundamentale Voraussetzungen für die 

Ausstellungstätigkeit im 21. Jahrhundert geschaffen. 


22 x 25,5 cm, 96 pages, 


Hardcover with dust jacket 

English 

978-3-86560-594-8 

€ 29,80 / chf 49,90 

Art / Kunst 


22 x 25,5 cm, 216 pages, 

195 col. illustrations on different paper. 

Softcover with dust jacket 

English 

978-3-56560-574-0 

€ 34,– / chf 58,– 

Art / Kunst 


26 koenig books, london 

Rebecca Warren 

Foreword by Hans Ulrich Obrist and Julia Peyton-Jones. 

Texts by Martin Herbert and Barry Schwabsky. Interview with Rebecca Warren 

by Hans Ulrich Obrist and Julia Peyton-Jones 

The catalogue displays pieces from throughout Rebecca Warren’s career, and features 

a selection of her best known works including the iconic Helmut Crumb (1998), work 

from The Agony and the Ecstasy (2000) and Dark Passage (2004), alongside new 

work. Her œuvre combines rich art historical and contemporary references. The artist 

challenges sculptural conventions while also engaging with the history of fi gurative 

sculpture and her position within this predominantly male tradition. 

Dieser erste retrospektive Katalog zeigt Werkfotos, Skulpturen, Installationsansichten 

und Atelieraufnahmen von Rebecca Warrens gesamter Schaffenszeit. In ihren neueren 

Arbeiten werden, wie schon in Helmut Crumb (1998), The Agony and the Ecstasy 

(2000) sowie Dark Passage (2004), stets Bezüge zu Kunstgeschichte und zeitgenössischen 

Künstlern hergestellt. 

• Rebecca Warren, born 1965 in London, lives and works in London. Turner Prize 2006. 

Exhibitions at Maureen Paley, London; Matthew Marks Gallery, New York; 

Galerie Buchholz, Köln/Berlin. 

• Serpentine Gallery London, 2009 

Ω ‘Though my work evolves through a process of appropriation and reference, 

it is non-didactic, being closer to revelation and discover.’ Rebecca Warren 

Indian Highway 

Foreword by Gunnar B. Kvaran, Hans Ulrich Obrist and Julia Peyton-Jones 

Following the rapid economic, social and cultural developments in India in recent years, 

Indian Highway is a timely presentation of the pioneering work being made in the country 

today. This group exhibition is a snapshot of a vibrant generation of artists working 

across a range of media. The theme of Indian Highway refl ects the importance of the 

road in migration, as well as a referencing technology and the ‘information superhighway’, 

which has been central to India’s economic boom. A common thread throughout 

is the way in which these artists demonstrate an active political and social engagement, 

examining complex issues in an Indian society undergoing transition, which include 

environmentalism, religious sectarianism, globalisation, gender, sexuality and class. 

Beigebunden ist ein „Guide“, ein kommentierter Führer zu Museen, Galerien, 

Sammlungen, Kunststiftungen und Projekten zur zeitgenössischen Kunst in Indien. 

Photographers and Video-Artists: Ayisha Abraham, Ravi Agarwal, Shaina Anand, 

Amar Kanwar, Dayanita Singh, Ashok Sukumaran 

Installations: Sheela Gowda, Subodh Gupta, Bharti Kher, Bose Krishna-machari, Tejal Shah 

Performance: Nikil Chopra, Shilpa Gupta 

Painters: N. S. Harscha, M.F. Husain, Jitish Kallat, Nalini Malani 


17,5 x 25 cm, 256 Seiten, 

290 meist farbige Abbildungen, 

davon 97 ganzseitig. 

Broschur 


978-3-86560-562-7 

€ 39,80 / chf 67,– 

Film 


Jonas Mekas, geb. 1922 in Litauen, lebt 

und arbeitet in New York. 1944 –1949 

unter den Nationalsozialisten als 

„displaced person“ interniert, studierte 

er ab 1945 in Mainz Philosophie. 1949 

nach New York emigriert, beginnt 

er unmittelbar zu fi lmen. Seit 1958 

Filmkritiker für The Village Voice in 

seiner Kolumne „Movie Journal“. 1962 

gründete er die unabhängige Film- 

Makers’ Cooperative, einen Zusammenschluss 

freischaffender Experimentalfi 

lmer, und 1964 die Film-Makers’ 

Cinematheque. Aus ihr gingen 1970 die 

Anthology Film Archives hervor, die die 

weltgrößte Sammlung von Avantgarde- 

Filmkunst beherbergen. 

Museum Ludwig Köln, 2009 

Serpentine Gallery, 2010 

Jonas Mekas 

Vorwort von Barbara Engelbach, Kasper König, Hans Ulrich Obrist und 

Julia Peyton-Jones. Texte von Jonas Mekas und Interviews von Scott MacDonald 

und Hans Ulrich Obrist mit Jonas Mekas 

Erstmals öffnet Jonas Mekas, einer der herausragendsten Akteure des amerikanischen 

Avantgarde-Films, sein umfangreiches Bild- und Textarchiv: In fast 300 

farbigen Abbildungen werden die wichtigsten Filme als Stills gezeigt, aber auch 

Pamphlets, Manifeste, Dokumentarfotos, Notizen und Tagebuchauszüge. In zwei 

langen Interviews gibt Mekas Auskunft über das Organisieren von Netzwerken, 

Filmveranstaltungen, seine Zeitschrift Film Culture Magazine sowie seine Artikel, 

die er für die Village Voice schreibt. Das Buch zur Ausstellung präsentiert sich als 

eigenständiges Quellenwerk. 

This book presents Jonas Mekas’ fi lmic output from the 1960s up to the present, over 

numerous full-page tables of colour. Apart from the introduction all of the texts in 

the catalogue, including some two-way interviews, are written by Mekas. The artist 

himself put together the documentary material: important pamphlets and manifestos, 

documentary photos, notes and excerpts from diaries all complementing the volume. 


28 

17 x 21,5 cm, 112 Seiten, 

53 farbige und 8 s/w Abbildungen. 

Broschur 


978-3-86560-577-1 

€ 24,80 / chf 44,– 

Kunst / Art 


Daniel Roth, geb. 1969 in 

Schramberg (Schwarzwald), lebt 

und arbeitet in Basel und Karlsruhe. 

Kunstmuseum Bonn, 2009 

Ω „Ich interessiere mich für Orte, die 

kryptische Informationen mit sich 

bringen und uns so zu einer Welt hinter 

den Dingen führen. Ich benutze diese 

Orte, um vielfältig ausgerichtete, unabgeschlossene 

und offene Geschichten 

hervorzubringen und verwende dafür 

verschiedene Medien.“ 

Daniel Roth 

Daniel Roth. 

Car Gwyllt 

Vorwort von Stephan Berg. Texte von Stefan Gronert und Xander Karskens 

Daniel Roth verknüpft in seinem ebenso eigensinnigen wie präzise entwickelten Werk 

reale Orte, biografi sche Elemente und fantastische Architekturträume zu einem labyrinthischen 

Kosmos, in dem alles auf eine geheimnisvolle Art miteinander verbunden 

ist. Dabei kommt es für den Betrachter zu einer Erfahrung der Ent-Sicherung des 

klassisch-konventionellen Raumgefüges, zugunsten eines labyrinthischen Kryptosystems, 

das jegliche Ordnung des rechten Winkels und rationaler Nachvollziehbarkeit 

sabotiert. Roth argumentiert stets elliptisch: Lücken, Auslassungen und das Verschwimmen 

der Konturen des Erzählten und Gezeigten interessieren ihn weit mehr 

als das Herstellen eines eindeutigen Zusammenhangs. Was wir zu sehen bekommen, 

ist immer nur eine Ahnung dessen, was wirklich vorhanden sein könnte. 

In this piece, which is just as headstrong as it is precisely engineered, Daniel Roth links 

real places, biographical elements and fantastic architectural dreams to a labyrinthine 

cosmos in which everything is related in a very mysterious way. The viewer experiences 

a de-securing of the classical/conventional structured space, which is replaced by a 

maze-like cryptographic system that sabotages any kind of right-angled order and 

rational comprehensibility. At the same time Roth remains elliptic: gaps, omissions and 

the blurring of the contours of that which is told and that which is shown interest him 

much more than the construction of a clear cohesion. What we actually get to see is 

always just an inkling of what might really exist. 


20 x 29 cm, 176 Seiten, 


Broschur 


978-3-86560-579-5 

€ 34,– / chf 58,– 

Kunst / Art 

Juli / July 2009 

Luis Jacob, 

geb. 1971 in Lima, Peru, 

lebt und arbeitet in Toronto. 

Kunstverein in Hamburg, 2008 


Luis Jacob. 

Album III. 2007. 

978-3-86560-245-9 

€ 32,– / chf 55,– 

Luis Jacob. 

Towards a Theory of Impressionist and Expressionist 

Spectatorship 

Herausgegeben von Meike Behm und Yilmaz Dziewior 

Texte von Alan Antliff, Meike Behm, Jon Davies, Yilmaz Dziewior, Luis Jacob, 

John Russon und John Soske 

Der kanadische Künstler Luis Jacob, dessen vielteilige Arbeit Album III einer der 

Höhepunkte der letzten documenta 12 war, verknüpft seine Arbeiten oft mit Aktionen 

und Veranstaltungen, macht sie zum Setting für Vorträge oder Brotback-Workshops, 

realisiert Sandwich-Partys im öffentlichen Nahverkehr oder Installationen auf 

städtischen Kinderspielplätzen. So entwickelt er seine Kunst in enger Anbindung 

an soziale Umfelder und versucht, Räume zu aktivieren, statt sie bloß zu besetzen. 

In seiner Installation im Hamburger Kunstverein setzte Jacob diese Auffassung von 

Kunst als offenem und öffnendem Interaktionsrahmen ganz unterschiedlich und 

gleichsam unter Indoor-Bedingungen um, also im geschützten White Cube. Neben 

dieser Installation dokumentiert der Band erstmals die Bandbreite des Werks von der 

Werkreihe Album bis zu seinen Installationen und Objekten. 

The Canadian artist Luis Jacob, whose multipartite work Album III was one of the 

highlights of documenta 12, often links his works with activities and events, makes 

them into settings for lectures or bread baking workshops, conducts picnics on public 

transport or installations in municipal playgrounds. In this way he develops his art in 

close connection to his social surroundings and tries to activate spaces rather than just 

occupying them. In his installation at Kunstverein in Hamburg, Jacob implemented this 

notion of art as a framework for interaction, which is both open and actively opens, in 

various ways in the somewhat sheltered indoor conditions of a White Cube. In addition 

to chronicling this installation, the volume documents, for the fi rst time, the scope of 

the works in the series Album right up to his installations and objects. 


30 

22 x 28,5 cm, c. 320 pages, 

c. 200 col. illustrations. 

Hardcover 

English 

978-3-86560-606-8 

€ 49,80 / chf 84,– 

Art / Kunst 

July / Juli 2009 

Dara Birnbaum, 

born 1946 in New York, USA, 

where she lives and works. 

Took part in Documenta 7, 1982, 

Documenta 8, 1987, 

Documenta IX, 1992. 

Solo exhibitions at The Museum of 

Modern Art, Whitney Museum of 

American Art and 

Josh Baer Gallery, New York; 

the Jewish Museum, New York; 

IVAM Centre Julio González, Valencia; 

Retrospective screenings include 

The American Film Institute, 

Los Angeles; 

Kunsthaus Zürich and 

Kunstmuseum Bern. 

Her last solo exhibition was at the 

Kunsthalle Wien, 1995. 

SMAK, Gent, 

04.04. – 02.08.2009 

Fundaçao Serralves, Porto, 2009 

Dara Birnbaum. 

Dark Matter of Media Light 

Introduction by Philippe van Cauteren. Essays by Sigrid Adorf, Johanna Burton, 

Marianne Brouwer, Diedrich Diederichsen, Steven Jacobs, Marina Grzinic, Olaf Möller, 

Michael Newman. Interviews with Dara Birnbaum by Hans Ulrich Obrist 

Dark Matter of Media Light is the retrospective book on Dara Birnbaum’s 30 years of 

artistic practise and the fi rst publication on the artist since 1995. It refl ects on media 

and its strategies, on women and their representation and on big city metamorphosis. 

The work of this grand-dame of video art is put in the larger context of the New York 

scene of the late 1970s and is illustrated with numerous examples of images and 

drawings. These enlighten her interpretative vision and opinions on feminism, music, 

urbanism, (bio)politics and historicity. All of her works are meticulously described as a 

guide to the world this pioneering artist has been living in. 

For the publication Dara Birnbaum opened up her personal archive presenting 

documentary material of the making of her most important works. The book also 

shows fi lm stills never published before. 

An extensive biblio- and biography makes this book the referential source on Dara 

Birnbaum’s work. 

Dark Matter of Light ist eine Monografi e zu Dara Birnbaums künstlerischem 

Schaffen der letzten 30 Jahre. Das Buch versteht sich als künstlerische Refl exion auf 

Medienstrategien, insbesondere auf die Art und Weise wie Frauen darin repräsentiert 

werden sowie auf den grundsätzlichen Wandel der Großstädte. Birnbaums Arbeiten 

werden hierfür in den Kontext der New Yorker Kunstszene der 1970er Jahre gestellt 

und anhand von zahlreichen Bildern und Zeichnungen illustriert. Diese erhellen 

zugleich ihre Vorstellungen von Feminismus, Musik, Urbanismus, Biopolitik und 

Historizität. 

Für die Publikation hat Dara Birnbaum ihr persönliches Archiv geöffnet, das 

dokumentarisches Material über die Entstehung ihrer bedeutendsten Werke 

zugänglich macht. Auch sind darin erstmals veröffentlichte und weitgehend 

unbekannte Filmstills versammelt. Die umfangreiche Bibliografi e und Biografi e 

machen das Buch zu einem Referenzwerk über Dara Birnbaum. 


17 x 22,5 cm, 132 Seiten, 




978-3-86560-611-2 

€ 29,80 / chf 49,90 

Kunst / Art 



erschienen (siehe Seite 72). 

17 x 22,5 cm, 128 Seiten, 




978-3-86560-597-9 

€ 28,– / chf 49,– 

Kunst / Art 


Katharina Grosse. 

Shadowbox 

Text von Kathrin Bloomberg 

Das Buch erschien erst drei Wochen nach Eröffnung der Ausstellung, um die komplexe 

raumbezogene Arbeit in der Temporären Kunsthalle und die mit großem Aufwand 

hergestellten Installationsansichten dem Leser zu vermitteln. Es ist eine eigene 

Ebene, auf der die Künstlerin erstmals ihre Sicht eines illusionistischen Bildraums 

präsentiert. So ist das Buch ein gelungener Versuch, eine dreidimensionale Installation, 

die den Raum der Ausstellungshalle sprengt, in einem Buch zu vermitteln. 

Katharina Grosse has created a new set of works for the Temporäre Kunsthalle. Grosse’s 

installation views, which are presented in the catalogue, form a new pictorial ground in the 

form of a huge concave ellipse. Functions and qualities of architecture, sculpture and painting 

are taken on and brought together in the four objects. The curved surfaces are cut-outs and 

perforations of the original, the basic geometric shape crossing into the surrounding space. 

• Katharina Grosse, geb. 1961 in Freiburg/Breisgau, lebt und arbeitet in Düsseldorf 

und Berlin. 

• Temporäre Kunsthalle Berlin, 10.04. – 14.06.2009 

Katharina Grosse – weiterhin lieferbare 

Titel / still available titles: 

Another man who has dropt 

his paint brush. 2008 

978-3-86560-532-0 

€ 19,80 / chf 35,90 

Simon Starling. 

Under Lime 

The Flowershow. 2008 

978-3-86560-435-4 

€ 28,– / chf 49,– 

Texte von Julian Heynen, Angela Rosenberg, Interview von Dominic Eichler 

mit Simon Starling 

Pfl anzen und Pfl anzendarstellungen, Motoren und Energiehaushalte, physische und 

kulturelle Transfers stehen im Mittelpunkt von Simon Starlings Ausstellung Under 

Lime. In den drei Installationen werden durch unkonventionellen Einsatz von Maschinen 

Fortbewegung und Energie nicht nur thematisiert, sondern faktisch dargestellt. 

Starling erzählt auch immer eine Geschichte. So hält beim Kakteenhaus ein laufender 

Motor durch seine Auspuffgase, die durch ein langes Rohrsystem den Raum beheizen, 

einen Kaktus am Leben. Derselbe Motor hatte zuvor den Volvo angetrieben, mit dem 

der Künstler die Pfl anze aus Griechenland in das kalte Berlin gebracht hat. 

Plants and images of plants, motors and power systems, physical and cultural transfers 

are the mainstay of Simon Starling’s exhibition Under Lime. In the three installations on 

display, the unconventional use of machines as modes of transport and energy supplies 

is not only alluded to: it is seen in action. 

• Simon Starling, geb. 1967 im britischen Epsom, lebt und arbeitet in London. 

• Temporäre Kunsthalle Berlin, 2009 

Ω Eine Vorzugsausgabe ist in Vorbereitung. 


32 

17 x 24 cm, 244 Seiten, 

168 s/w und 82 farbige 

Abbildungen. 

Broschur 


978-3-86560-619-8 

€ 24,80 / chf 44,– 

Kunst / Art 


Nam June Paik, 

geb. 1932 in Seoul, gest. 2006 

in Miami, war Musiker und 

bildender Künstler. Mitbegründer 

der Video- und Medienkunst. 


Nam June Paik. 

Exposition of Music. Electronic Television. Revisited 

Vorwort von Edelbert Köb. Texte von Manuela Ammer, Susanne Neuburger, 

Tomas Schmit. Interviews von Justin Hoffmann mit Nam June Paik, Susanne 

Neuburger mit Manfred Montwé und Susanne Rennert mit Tomas Schmit 

Mit seiner ersten Einzelausstellung, der Exposition of Music. Electronic Television 

im Jahre 1963 hatte der junge Nam June Paik in der legendären Galerie Parnass in 

Wuppertal einen neuen Ausstellungstypus geschaffen. Der Besucher, der mit einem 

frisch geschlachteten Rinderkopf vor dem Eingang empfangen wurde, war nicht 

nur mit der Neuheit des elektronischen Bildes konfrontiert, sondern sah sich in ein 

dadaistisches Szenarium eingebunden, zu dem präparierte Klaviere, mechanische 

Klangobjekte sowie Schallplatten und Tonbandinstallationen zählten. Gemeinsam 

mit Fotografi en, Dokumenten und den Werken Paiks stellt der Katalog die 

damalige Ausstellung nach und versucht so, die einzelnen Arbeiten wieder in einen 

ursprünglichen Kontext zu stellen. 

In 1963, with his fi rst individual show Exposition of Music. Electronic Television at 

the legendary Galerie Parnass in Wuppertal, Germany, the young Nam June Paik 

literally created a new genre of exhibition. The visitors, who were greeted in front of 

the entrance with a freshly slaughtered ox head, were not only confronted with the 

newness of the electronic image, but also found themselves integrated into a Dadaist 

scenario staged with prepared pianos, mechanical sound objects along with record 

players and audio tape installations. Together with documents, photographs and the 

works of Paik, the catalogue will recreate scenes from the original show, letting the 

works again come to life in their original context. 


17,5 x 24 cm, 144 Seiten, 

63 ganzseitige Farbtafeln. 

Leineneinband mit transp. 

Schutzumschlag 

Deutsch 

978-3-86560-575-7 

€ 29,80 / chf 49,90 

Kunst / Art 


Werner Büttner, 

geb. 1954 in Jena, lebt und arbeitet 

in Hamburg. Seit 1990 Professor 

an der Hochschule für Bildende 

Künste in Hamburg. 


erschienen (siehe Seite 72). 

Werner Büttner – weiterhin 

lieferbare Titel / still available titles: 

Kompromat. 2006 

978-3-86560-045-5 

€ 24,80 / chf 44,– 

Schrecken der Demokratie. 1983 

978-3-88375-026-2 

€ 45,– / chf 76,– 

Werner Büttner. 

Lohn des Schweigens 

Texte von Werner Büttner 

Seit den späten 1970er Jahren arbeitet Werner Büttner als Maler, Zeichner, Grafi ker 

und Texter. Erstmals kombiniert er in diesem Künstlerbuch konsequent bildnerische 

Arbeiten mit eigenen poetischen Texten. Seine Collagen und Gedichte tragen Titel 

wie Meine Frau liest – und Deine?, Stillleben mit Obst und Erzeugerdenkmal oder Jedes 

Leben ist auch ein verpfuschtes Leben. Büttner arbeitet mit Witz und Provokation, 

mit humorvollen und teils sarkastischen Anspielungen auf den Alltag. Subversivironisch 

überspielt er historische und philosophische Bezüge seiner Arbeiten, indem 

er sie polemisch zuspitzt. Schon in den 1980er Jahren galt er im Gespann mit Martin 

Kippenberger und Albert Oehlen als der vielleicht „romantischste“ unter den Dreien. 

Der Spiegel rezensiert: „Extrem lustig, extrem zurückhaltend“. 

Werner Büttner has worked as a painter, illustrator, graphic artist and writer since 

the late 1970s. He systematically combines graphical work with his own poetical text 

for the fi rst time in this artist book. His collages and poems have titles such as My 

wife reads – and yours?, Still life with fruit and creator monument or Every life is a 

messed-up life. Büttner works with wit and provocation, with humorous and at times 

sarcastic allusions to everyday life. Subversively and ironically he covers his work with 

historical and philosophical references by making them sharply polemic, yet he always 

remains poetic. In the 1980s he was already thought of as perhaps the most ‘romantic’ 

of the three, when teamed with Martin Kippenberger and Albert Oehlen. Der Spiegel 

reviewed: ‘Extremely funny, extremely reserved’. 


34 

21,5 x 25,5 cm, 216 pages, 


Hardcover with banderole 

English 

978-3-86560-615-0 

€ 49,80 / chf 84,– 

Architecture / Architektur 


Paul Robbrecht and Hilde Daem 

were both born in 1950 and live and 

work in Ghent, Belgium. They 

graduated in architecture, Hoger 

Architectuurinstituut, Ghent and have 

been in practice together since 1975. 

BOZAR Brussels, 2009 

Robbrecht en Daem. 

Pacing through Architecture 

A conversation between Stefan Devoldere, Iwan Strauven and Paul Robbrecht. 

Text by Maarten Delbeke 

This book offers a fi rst comprehensive overview of the work of Robbrecht en Daem 

architects, from their international breakthrough with the AUE pavilions for Documenta 

IX up till their recent transformation of the Whitechapel Gallery in London. The 

architecture of Robbrecht en Daem is represented through the spectrum of seven key 

projects – a dovecote in Dorst, a public square in Knokke, a woodland cabin in Flanders, 

two high views in Boston and Lincoln, a concert hall in Bruges, a former dairy in Gaasbeek, 

their own offi ce in Ghent – which are extensively documented with sketches, plans 

and photographs by Kristien Daem. An interview of Paul Robbrecht by Stefan Devoldere 

and Iwan Strauven, offers a privileged view on the intellectual framework of their 

production, while Maarten Delbeke analyses the body of work with extreme precision. 

From lookout tower to concert hall, from art gallery to municipal archives – an overview 

of forty major projects completes this monograph and documents the rare variety 

and maturity of the architecture of Paul Robbrecht and Hilde Daem. 

Das Buch ist die erste umfassende Monografi e der Bauten und Projekte des belgischen 

Architektenbüros Robbrecht en Daem. Die Arbeiten werden anhand sieben 

wegweisender Projekte vorgestellt: dem Taubenschlag in Dorst, einem öffentlichen 

Platz in Knokke, einer Holzhütte in Flandern, zwei Aussichtsorten in Boston und 

Lincoln, einer Konzerthalle in Brügge sowie ihrem eigenen Büro in Gent. Eine Übersicht 

über 40 weitere Projekte vervollständigt die Monografi e und dokumentiert die 

Bandbreite und die Entwicklung der Architektur von Robbrecht en Daem. 


16 x 21 cm, 156 pages, 


Softcover 

English 

978-3-86560-570-2 

€ 20,– / chf 35,90 



17 x 23,5 cm, 96 Seiten, 




978-3-86560-621-1 

€ 19,80 / chf 35,90 

Kunst / Art 


Brandlhuber. 

1992 – 2008 

Edited by Markus Emden and Chrissie Muhr 

Texts by Büro für Konstruktivismus, Sandra Bartoli and Silvan Linden 

This book shows the offi ce’s trajectory of development in a selection of thirty-seven 

projects. The feature of method shared by many projects of the architecture offi ce 

BrandIhuber is the autonomous process of their design, which is triggered by the literal 

application of external conditions (building regulations, technical prerequisites, etc.) 

combined with the building’s inner functional logic. Brandlhuber understands design 

not as the mere realization of an architectural idea, but as an attitude which does not 

stop with the building’s completion and does not start with the fi rst sketch. 

Das Buch dokumentiert die Arbeitsprozesse im Architekturbüro Brandlhuber anhand 

von 37 verschiedenartigen Projekten aus den Jahren 1992 – 2008. Die vorgestellten 

Projekte aus dem Berliner Büro zeichnen sich zunächst durch ihr autonomes, minimalistisches 

und präzises Design aus. Brandlhubers Arbeiten bestimmt jedoch zusätzlich 

eine innere Haltung, die nicht beim ersten Zeichenentwurf beginnt und bei der 

Fertigstellung eines Gebäudes endet, sondern gerade als grundsätzlich gestalterische 

Einstellung die diversen Einzelprojekte übersteigt. 

• Arno Hans Brandlhuber, born 1964 in Wasserlos, lives and works in Berlin. 

Walter Dahn. 

About Today 

Herausgegeben von Oliver Zybok 

Texte von Marietta Franke, Susanne Pfl eger und Oliver Zybok 

Von Anfang an beschränken sich Walter Dahns Arbeiten nicht nur auf die traditionellen 

Medien, sondern verbinden Malerei, Fotografi e, Zeichnung, Siebdruck, Objekt, 

Video und Rauminstallation. Dahn verbindet sie zu einer Art Forschungsprojekt 

künstlerischen Ausdrucks. Das Buch zeigt dabei u. a. auf, wie der Kölner Künstler auf 

intelligente Art und Weise die Fragwürdigkeit der Malerei zu thematisieren vermag. 

Popkulturelle Einfl üsse und Massenphänomene fi nden dabei ebenso Eingang in den 

künstlerischen Prozess wie Verweise auf die Kunstgeschichte. 

From the very beginning Walter Dahn’s work has not been limited to traditional media 

but has rather connected painting, photography, drawing, silk-screen, objects, video and 

spatial installation. Dahn links all of these in a kind of project to explore the possibilities 

of artistic expression. This book highlights how the Cologne-based artist broaches the 

issue of the debatable status of painting in an intelligent way. Pop culture infl uences 

and the phenomenon of the masses fi nd their way into the artistic process, like references 

to the history of art. 

• Walter Dahn, geb. 1954 in St. Tönis, Krefeld, lebt und arbeitet in Köln. 

1971–77 Staatliche Kunstakademie Düsseldorf (Joseph Beuys). Seit 1995 Professor für 

Malerei an der Hochschule für Bildende Künste in Braunschweig. 

• Galerie der Stadt Remscheid, 18.04. – 14.06.2009; Städtische Galerie 

Wolfsburg, 16.01. – 05.04.2010; Sprüth Magers Galerie, Berlin/London 


36 

DVD, 45 Min., 

mit einem erläuternden Beiheft. 

Deutsch / English / French 

978-3-86560-547-4 

€ 24,– / chf 43,– 

Kunst / Art 





Gerhard Richter – weiterhin 


66 Zeichnungen. 

Halifax 1978. 1997 

978-3-88375-263-1 

€ 19,80 / chf 35,90 

Übersicht / Survey. 2000 

Dt. Ausgabe: 978-3-88375-446-8 

Engl. Ausgabe: 978-3-88375-479-6 

€ 24,80 / chf 44,– 

18. Oktober 1977 / 3. Aufl . 2005 

978-3-88375-105-4 

€ 19,80 / chf 35,90 

Arbeiten auf Papier / 

Works on paper. 2005 

978-3-00-017217-5 

€ 28,– / chf 49,– 

Atlas. 2006 

Dt. Ausgabe: 978-3-8875-801-5 

Engl. Ausgabe: 978-3-86560-152-0 

€ 49,80 / chf 84,– 

Gerhard Richter. 

Das Kölner Domfenster 

Ein Film von Corinna Belz mit Bonusfi lm: In der Werkstatt: Gerhard Richter von 

Hannes Reinhardt (1969) 

Zwei Filme über den Maler Gerhard Richter sind auf dieser DVD zu sehen. Die 

halbstündige Dokumentation Gerhard Richter. Das Kölner Domfenster (2007) bietet in 

einer Langzeitbeobachtung einen Einblick in den komplexen Entscheidungs- und Produktionsprozess 

des Fensters für das südliche Querhaus im Kölner Dom. Die Autorin 

hat Gerhard Richter und den Fortgang der Arbeiten über einen Zeitraum von mehr 

als zwei Jahren begleitet. Anschaulich zeigt der Film die zahlreichen Entwicklungsschritte, 

in denen aus der ursprünglichen, so einfachen wie überzeugenden Bildidee 

eines Farbfeldes das endgültige Werk entsteht. Oft nimmt die Kamera dabei als stiller 

Beobachter an den Diskussionen und Entscheidungen des Künstlers unmittelbar 

Teil. Als Bonus-Material macht die DVD den 1969 entstandenen und über Jahrzehnte 

verschollenen Film In der Werkstatt: Gerhard Richter (15 Min.) von Hannes Reinhardt 

wieder zugänglich. Der Film bietet einen Blick in das Atelier des Künstlers und dokumentiert 

den Malprozess Richters an dem Bild Ruhrtalbrücke (228). 

There are two fi lms about the painter Gerhard Richter on this DVD. The 30-minute 

documentary Gerhard Richter. Das Kölner Domfenster (2007) by Corinna Belz offers 

insight into the complex decision-making and production processes involved in making 

the new window for the south transept of Cologne cathedral. The author followed 

Gerhard Richter and the progress of the work for over two years. The fi lm shows the 

numerous developmental steps that lead from the initial idea of a fi eld of colour, both 

simple and convincing, to how the work ultimately turned out. The DVD also makes the 

almost forgotten fi lm In der Werkstatt: Gerhard Richter (15 min.) by Hannes Reinhardt 

accessible again. The fi lm provides a glimpse of the artist’s atelier in the year 1969 and 

documents Richter’s process in painting Ruhrtalbrücke (228). 


24,6 x 34,4 cm, 74 Seiten, 

31 ganzseitige farbige Abbildungen. 

Broschur 


978-3-86560-588-7 

€ 19,80 / chf 35,90 

Kunst / Art 





Schriften des Gerhard Richter 

Archiv Dresden, Band 4 

Gerhard Richter – weiterhin 


Zufall – das Kölner Domfenster 

und 4.900 Farben. 2007 

978-3-86560-298-5 

€ 34,– / chf 58,– 

Sechs Vorträge über 

Gerhard Richter. 2007 

978-3-86560-299-2 

€ 29,80 / chf 49,90 

Wald. 2008 

978-3-86560-503-0 

€ 58,– / chf 98,– 


Elbe. 31 Monotypien 1957 

Text von Dieter Schwarz, mit einem Vorwort von Dietmar Elger 

Mehr als 50 Jahre nach ihrem Entstehen wird in diesem von Gerhard Richter selbst 

gestalteten Buch der Zyklus Elbe publiziert. Alle 31 Blätter wurden im Originalformat 

perfekt auf chamoisfarbigem Papier farbig und ganzseitig reproduziert. 

Dieter Schwarz erläutert in seinem Essay den Entstehungsprozess der Blätter, die 

unter Zuhilfenahme einer Gummiwalze angefertigt wurden – eine von Richter spontan 

erfundene Technik. Er beschreibt anschaulich die einzelnen Blätter, die zwischen 

Abstraktion und landschaftlichen Ansichten changieren, und in die Richter gelegentlich 

kleine Figuren eingefügt hat. In ihrer Anmutung stehen diese Walzendrucke den 

abstrakten Bildern nahe, die Richter in den späten 1980er Jahren gemalt hat. 

The Elbe drawings were made in 1957. These monotypes on paper are in original format 

and full-page on chamois-coloured paper reproduced for this publication. 

In an essay, Dieter Schwarz explains the process of formation of the papers with a technique 

invented by Gerhard Richter. 

The papers change between abstraction and scenic views. The cylinder prints remind of 

the abstract paintings which Gerhard Richter painted in the late 1980s. 


Kunstwissenschaftliche Bibliothek 


KWB 02. Baier, Franz Xaver. 

Der Raum. 6. Aufl . 2009 

978-3-88375-250-1 

€ 19,80 / chf 35,90 

KWB 22. Dell, Christopher. 

Prinzip Improvisation. 2002 

978-3-88375-605-9 

€ 24,– / chf 43,– 

KWB 31. Zielinski, Siegfried. 

Variantology 1. On Deep Time 

Relations of Arts, Sciences 

and Technologies. 2005 

978-3-88375-914-2 

€ 58,– / chf 98,– 

KWB 33. Cepl, Jasper. 

Oswald Mathias Ungers. Eine 

intellektuelle Biografi e. 2007 

978-3-86560-158-2 

€ 48,– / chf 81,– 

38 

KWB 07. Schappert, Roland. 

Martin Kippenberger. 1998 

978-3-88375-281-5 

€ 18,– / chf 32,90 

KWB 25. Goldmann, Renate. 

Fischli & Weiss. Ausfl üge, 

Arbeiten, Ausstellungen. 2006 

978-3-86560-019-6 

€ 49,80 / chf 84,– 




and Technologies. 2006 

978-3-86560-050-9 

€ 48,– / chf 81,– 

KWB 36. Funcke, Bettina. 

Pop oder Populus. Kunst 

zwischen High und Low. 2007 

978-3-86560-288-6 

€ 29,80 / chf 49,90 

KWB 18. Möntmann, Nina. 

Kunst als sozialer Raum. 2002 

978-3-88375-481-9 

€ 38,– / chf 64,– 

KWB 29. Goldstein, Zvi. 

On Paper. 2004 

978-3-88375-865-7 

€ 24,80 / chf 44,– 




and Technologies in China 

and Elsewhere. 2008 

978-3-86560-366-1 

€ 48,– / chf 81,– 

KWB 38. Kinomuseum. 

Towards an Artists’ Cinema. 

2008 

978-3-86560-325-8 

€ 19,80 / chf 35,90 


KWB 20. Reck, Hans Ulrich. 

Mythos Medienkunst. 2002 

978-3-88375-558-8 

€ 19,80 / chf 35,90 

KWB 30. Reck, Hans Ulrich. 

Index Kreativität. 2007 

978-3-86560-278-7 

€ 98,– / chf 165,– 

KWB 32. Wyss, Beat. 

Vom Bild zum Kunstsystem. 

2006 

978-3-86560-030-1 

€ 48,– / chf 81,– 

KWB 41. Crosskick. European 

Art Academies as guests in 

German Kunstvereine. 2008 

978-3-86560-518-4 

€ 19,80 / chf 35,90

Kunstwissenschaftliche Bibliothek, Bd. 39 

Herausgegeben von Christian Posthofen 

15,5 x 23 cm, 272 Seiten, 

103 s/w Abbildungen. Broschur 

Deutsch 

978-3-86560-517-7 

€ 58,– / chf 98,– 

Kunsttheorie / Art Theory 


Kunstwissenschaftliche Bibliothek, Bd. 43 

Herausgegeben von Christian Posthofen 

15,5 x 23 cm, 488 Seiten, 

19 s/w Abbildungen. Broschur 

Deutsch 

978-3-86560-636-5 

€ 68,– / chf 115,– 

Kunsttheorie / Art Theory 


Beatrice von Bismarck. 

Auftritt als Künstler 

Für die Vorstellung vom Künstler zeichnet sich nach 1960 eine deutliche Verschiebung 

ab. Kennzeichnend für sie ist, dass sie die vielseitigen Neuerungen ästhetischer 

Praxis in Rechnung stellt, zugleich aber auch alte, der Tradition verpfl ichtete Aspekte 

des Künstlerbildes remobilisiert. Nur auf den ersten Blick erscheint paradox, dass 

die Erweiterung des Kunstbegriffs und die Entgrenzung der Orte der Kunst Hand in 

Hand mit einem Rückgriff auf legendenhafte Anteile des Künstlerbilds geht. Denn 

bewusster und offensiver, als dies in der Moderne der Fall war, geht die Kunst der letzten 

40 Jahre – von Vito Acconci bis Mike Kelley, von Daniel Buren bis Renée Green, von 

Lynda Benglis, Gilbert & George, Bruce Nauman oder Martha Rosler bis Elke Krystufek 

– mit überlieferten, mythisch behafteten Konzeptionen von Künstlerschaft um. 

After 1960, the notion of the artist clearly shifted. It is characterized by taking into 

account the varied innovations of aesthetical practice while at the same time reactivating 

old aspects of the artist’s image obliged to tradition. Only upon fi rst sight does 

it seem paradoxical that the expansion of the concept of art and the delimitation of 

the venues of art go hand in hand with a return to the legendary components in the 

image of the artist. For the art of the past forty years treats the traditional, mythical 

conceptions of artistry in a much more conscious and aggressive way than was the case 

in Modernism. 

• Beatrice von Bismarck, geb. 1959 in Wiesbaden, lebt in Berlin. Professorin für 

Kunstgeschichte an der Hochschule für Grafi k und Buchkunst Leipzig. Zahlreiche 

Publikationen zur zeitgenössischen Kunst und kulturellen Praxis. 

Wilfried Dörstel. 

Ein Labyr ist kein Labyr 

Labyr, um 1960 von Carlheinz Caspari entwickelt, ist eine bislang unbeschriebene ästhetisch-ethische 

Denkfi gur und Kulturtechnik, die alle bisherigen künstlerischen Modelle 

an Radikalität überbietet. Die vorliegende Publikation untersucht Labyr in einer ersten 

Analyse sowohl historisch als auch auf der Basis der hier erstmals dokumentierten 

Texte und Korrespondenz Casparis. Carlheinz Caspari hatte Labyr seinerzeit im Zusammenhang 

von Constants urbanistischer Gesellschaftsvision New Babylon entwickelt, 

auf dem Hintergrund des Situationismus weitergedacht und im intermedialen Kreis 

um John Cage, Nam June Paik und Karlheinz Stockhausen ausformuliert und praktiziert. 

Labyr, developed by Carlheinz Caspari in 1960, is an aesthetical-ethical pattern of thought 

and a cultural technique, which surpasses any previous artistic model in terms of radicalness. 

This publication is the fi rst examination of Labyr, analysing it historically as well as 

through Caspari’s texts and correspondences, documented here for the fi rst time. 

• Carlheinz Caspari, geb. 1921 in Köln, lebt und arbeitet in Hamburg. Er ist Kameramann, 

Theater- und Fernsehregisseur und Künstler. 

• Wilfried Dörstel ist Kunsthistoriker, Archivar und Lehrbeauftragter an der Universität 

Bonn. Veröffentlichungen u.a. zu Marcel Duchamp und zum internationalen 

Kunsthandel. 


40 

20 x 27,5 cm, 124 pages, 

70 b/w illustrations. 

Softcover 

English / Portuguese 

978-3-86560-595-5 

€ 24,– / chf 43,– 



Jochen Lempert, born 1958 in Moers, 

lives and works in Hamburg. 

Culturgest, Lisbon, 2009 

Jochen Lempert. 

Recent Field Work 

Since the early 1990s, when he decided to adopt photography as the medium of his 

artistic practice, Jochen Lempert has been investigating animal life with an insatiable 

curiosity and uninformed gaze, in the most diverse contexts (the natural habitat, 

the museum of natural history, the zoo, the urban environment), as well as in its 

representations in everyday life and material culture. This interest in animal life dates 

back to his time as a university student of biology. Furthermore, his involvement in 

the fi eld of experimental fi lm, as part of the Schmelzdahin collective (1979–1989), was 

also to leave indelible marks on his photographic work. Invariably photographing in 

black and white with a 35 mm camera, the artist undertakes a remarkable exploration 

of the properties and materiality of the photographic image. This exhibition is the 

largest presentation to date of Jochen Lempert’s work, revealing a unique artistic 

position, constructed without any concession to the dominant trends and canons of 

contemporary photography. 

Seit den 1990er Jahren widmet sich der Fotograf Jochen Lempert mit unersättlicher 

Neugier Tieren und Pfl anzen – ob draußen oder drinnen, ob im Zoo, im urbanen Raum 

oder im Naturkundemuseum. Mit der 35-Millimeter-Kamera und auf Schwarzweißfi 

lm ergründet der Künstler, dessen großes Wissen und Interesse an der Natur sich auf 

ein früheres Biologiestudium zurückführen lässt, die Schönheit konzentrischer Kreise 

im Wasser, Ansammlungen von Fliegen, Wasserläufern oder Kormoranen. Der Katalog 

Recent Field Work zeigt einen Künstler mit einzigartiger künstlerischer Position, der 

keine Zugeständnisse an dominante Trends zeitgenössischer Kunst macht. 


2 volumes in a slip case, 

22,5 x 29 cm each, 

72 and 64 pages, 


Softcover 

Deutsch / English / Portuguese 

978-3-86560-572-6 

€ 39,90 / chf 67,– 

Artist Book / Künstlerbuch 


Christopher Wool, 

born 1955 in Chicago, lives and 

works in New York, USA. 

Museum Ludwig Köln, 2009 

Museu de Serralves, Porto, 2008 

Christopher Wool. 

Vol. 1: 2006 – 2008 / Vol. 2: Porto – Köln 

Texts by Julia Friedrich and Ulrich Loock 

The Volume I Christopher Wool 2006–2008 is an artist’s book featuring the paintings 

and silk screen works on paper Wool has produced during the past two years, approx. 

45 works. The sequence of the reproductions has been decided by the artist – this way 

he offers important insight into the way he thinks himself about relations between 

those contradictory and complementary types of work. 

The Volume II Christopher Wool Porto – Köln is a catalogue relating to the exhibitions 

in Porto and Cologne. It features generously illustrated essays by both curators of the 

show, Julia Friedrich and Ulrich Loock, in English, German, and Portuguese. Both essays 

focus from different perspectives on Wool’s more recent, particularly painterly work, and 

examine the migration of Wool’s imagery through different means of representation, 

print and painting, writing and sweeping, drawing and overlaying, etc. This volume also 

includes an illustrated list of the works in the exhibition which makes the complete 

show accessible even to a public that is unable to see it in person. 

Band I ist ein Künstlerbuch, in dem die Gemälde und Seriegrafi en von Christopher 

Wool im Vordergund stehen, die er zwischen 2006 und 2008 angefertigt hat. Die 

Bildauswahl wurde vom Künstler selbst vorgenommen und gibt Auskunft über die 

Frage der Ergänzung und Widersprüchlichkeit dieser verschiedenen Werkkomplexe. 

Band II ist ein Katalog, der die Ausstellungen in Porto und Köln begleitet. Beide Kuratoren, 

Julia Friedrich und Ulrich Loock untersuchen darin Wools jüngste Malerei aus 

unterschiedlichen Perspektiven und betrachten davon ausgehend die Verschiebungen 

in der vielfältigen künstlerischen Bildgestaltung Wools. Ergänzt wird der Katalog 

durch eine bebilderte Werkliste. 


Hans Ulrich Obrist. The Conversation Series 


No. 1. Robert Crumb 

978-3-88375-948-7 

€ 9,80 / chf 18,50 

No. 7. Yona Friedman 

978-3-86560-171-1 

€ 14,80 / chf 27,50 

No. 12. Dominique 

Gonzalez-Foerster 

978-3-86560-334-0 

€ 16,80 / chf 31,– 

42 

No. 2. John Chamberlain 

978-3-88375-922-7 

€ 12,80 / chf 24,– 

No. 8. Zaha Hadid 

978-3-86560-078-3 

€ 14,80 / chf 27,50 

No. 13. Olafur Eliasson 

978-3-86560-335-7 

€ 16,80 / chf 31,– 

No. 3. Konrad Klapheck. 

Hans-Peter Feldmann 

978-3-86560-035-6 

€ 12,80 / chf 24,– 

No. 9. Gilbert & George 

978-3-86560-217-6 

€ 16,80 / chf 31,– 

No. 14. Philippe Parreno 

978-3-86560-340-1 

€ 16,80 / chf 31,– 

No. 4. Rem Koolhaas 

978-3-86560-077-6 

€ 9,80 / chf 18,50 

No. 10. Thomas Demand 

978-3-86560-204-6 

€ 16,80 / chf 31,– 

No. 15. Enzo Mari 

978-3-86560-401-9 

€ 12,80 / chf 24,– 


No. 6. Wolfgang 

Tillmans 

978-3-86560-133-9 

€ 14,80 / chf 27,50 

No. 11. Nancy Spero 

978-3-86560-322-7 

€ 14,80 / chf 27,50 

No. 16. Gustav Metzger 

978-3-86560-498-9 

€ 14,80 / chf 27,50

13,3 x 21 cm, 104 pages, 

11 b/w illustrations. Softcover 

English 

978-3-86560-500-9 

€ 14,80 / chf 27,50 

Art / Kunst 


13,3 x 21 cm, 234 pages. 

Softcover 

English 

978-3-86560-513-9 

€ 19,80 / chf 35,90 

Art / Kunst 


John Baldessari. Hans Ulrich Obrist. 

The Conversation Series 18 

Hans Ulrich Obrist met the old master of conceptual and media art several times, joined 

by, among others, the author Alejandro Cesarco. Baldessari gives insight into his multimedial 

work and life. Again and again the discussion is about the interaction between 

text and image. He expresses himself precisely, critically and, as usual, with wit on issues 

such as the museum as institution, idea archives and unrealised projects, but also on his 

exhibitions of the past few years and retrospectives. 

Hans Ulrich Obrist hat den Altmeister der Konzept- und Medienkunst zwischen 1997 

und 2008 immer wieder getroffen und Gespräche geführt. Baldessari gibt darin 

Einblick in sein intermediales Werk und Leben. Dabei geht es um die Wechselwirkung 

von Text und Bild. Pointiert, kritisch und wie gewohnt nicht ohne Witz äußert er sich 

zu Themen wie Museen als Institutionen, Ideenarchive, nicht verwirklichte Projekte, 

aber auch zu seinen Ausstellungen der vergangenen Jahre, seinen Arbeitsmethoden, 

seiner Lehrtätigkeit, seinen Künstlerfreunden und Reisen. 

• John Baldessari, born 1931 in National City, California, lives and works in Santa Monica, 

USA. For his lifework he received the Golden Lion of the Venice Biennial in 2009. 

• John Baldessari: Pure Beauty, Tate Modern, London, 13.10.2009 – 10.01.2010 

Christian Boltanski. Hans Ulrich Obrist. 

The Conversation Series 19 

Hans Ulrich Obrist and Christian Boltanski are not only connected through a long-lasting 

friendship. Boltanski was also the fi rst artist that the adolescent Obrist ever interviewed. 

Over many years the two have often met for discussions, the fi rst of which, from 

1994, are published here. Whether on a taxi-boat in Venice, in his atelier or at an exhibition 

in Ljubljana, Boltanski readily provides information on his projects, which also lead 

him into the fi eld of performance arts such as opera and dance. His collaborations with 

other artists such as Ilya Kabakov are also a theme of the discussions and, at times, 

others actually play an active part in it, as in the case of the designer Jean Kalman or 

the sociologist Luc Boltanski, Christian Boltanski’s brother. The result is a personal and 

multi-voiced picture of one of the most important artists of our time. 

Hans Ulrich Obrist und Christian Boltanski verbindet eine langjährige Freundschaft. 

Boltanski gehörte zu den Künstlern, die der heranwachsende Kurator Obrist in seiner 

ersten Ausstellung World Soup 1991 in seiner Wohnung in St. Gallen ausstellte. Im 

Sommer 1994 führte Obrist das erste längere Interview mit einem Künstler überhaupt: 

Christian Boltanski. In diesem Band wird es zum ersten Mal publiziert. Das 

Buch beginnt mit diesem Gespräch und endet 2009, mit einem Treffen in Boltanskis 

Atelier. Ob auf einem Taxiboot in Venedig, im Atelier oder auf einer Ausstellung in 

Ljubljana, Boltanski gibt bereitwillig Auskunft über seine Projekte, die ihn auch in 

Bereiche darstellender Kunst wie Oper und Tanz führen. Thema sind ebenso seine 

Kooperationen mit anderen Künstlern wie Ilya Kabakov und dem Designer Jean 

Kalman. So entsteht das persönliche und vielstimmige Bild eines der wichtigsten 

Künstler unserer Zeit. 

• Christian Boltanski, born 1944 in Paris, France, lives and works in Malakoff near Paris. 


44 

24,5 x 28,5 cm, 520 Seiten, 



Deutsch 

978-3-86560-585-6 

€ 49,80 / chf 84,– 

Kunst / Art 


Harald Marx, geb. 1942 in Berlin, 

war 42 Jahre in der Gemäldegalerie 

Alte Meister im Dresdner Zwinger, 

zuletzt viele Jahre als Direktor tätig. 

Gemäldegalerie Alte Meister, 

Semperbau am Zwinger, Dresden, 

15.02. – 02.06.2009 

Harald Marx. 

Sehnsucht und Wirklichkeit. Malerei für Dresden 

im 18. Jahrhundert 

Louis de Silvestre, Anton Raphael Mengs, Bernardo Bellotto – genannt Canaletto 

– und Anton Graff stehen als große Namen für eine Vielzahl von Künstlern und 

Strömungen, denen die Dresdner Malerei des 18. Jahrhunderts ihren außerordentlichen 

Rang innerhalb der europäischen Kunst verdankt. Dresden war gerade im 

18. Jahrhundert ein Ort, der Künstler aus vielen Ländern anzog: Während die einen 

jedoch selbst nach Sachsen kamen, haben andere in Venedig oder Paris für Dresden 

gemalt. Viele dieser Werke, die sich heute in Sammlungen auf der ganzen Welt 

befi nden und dort eindrucksvoll von der Elbestadt künden, kommen als Leihgaben 

nach Dresden und sind hier als Zusammenschau publiziert. Es sind Porträts, Veduten, 

Landschafts- und Historienmalereien in höchster Qualität, die niemals oder seit 

vielen Jahrzehnten nicht mehr in dieser Zusammenstellung gezeigt wurden. Der 

Katalogteil umfasst mehr als 217 Farbtafeln mit jeweils detaillierter Bildbeschreibung. 

Der mit mehr als 130 Vergleichsabbildungen ausgestattete umfassende Essay von 

Harald Marx ist als erste Gesamtdarstellung der Dresdener Malerei des 

18. Jahrhunderts zu lesen. 

Louis de Silvestre, Anton Raphael Mengs, Bernardo Bellotto – referred to as Canaletto 

– and Anton Graff are, for a multitude of artists and trends, the names to which the 

18th century Dresden art scene owes its exceptional status within European art. In the 

18th century, Dresden was a place that attracted artists from many other countries: 

while some came to Saxony themselves, others in Venice or Paris painted for Dresden. 

Many of these works, which can today be found in collections all around the world, 

are coming to Dresden in a loan collection and are published in this monograph as a 

synopsis. Portraits, vedute, landscapes and historical paintings of the highest quality 

that have never before been shown together, or at least not for many decades, in such 

a constellation. 


21,5 x 27 cm, 276 Seiten, 


Broschur 

Mit einer umfangreich bebilderten 

Chronologie von 1913–1935. 


978-3-86560-557-3 

€ 32,– / chf 55,– 

Kunst / Art 


Kasimir Malewitsch, 

geb. 1879 in Kiew, gest. 1935 

in Leningrad. 

Staatliche Kunsthalle Baden-Baden, 

2008/09 

Von der Fläche zum Raum. / From Surface to Space. 

Malewitsch und die Frühe Moderne / Malevich and Early 

Modern Art 

Vorwort von Karola Kraus. Texte von Erich Franz, Irmela Franzke, Tatjana Gorjatschewa, 

Alexander Lawrentjew, Agnieszka Lulinska, Dirk Teuber u.a. 

Das Konzept der Gegenstandslosigkeit ist in Malewitschs Kunst eng mit der Idee des 

Raums verknüpft. Malewitsch entwickelte Architekturmodelle und lehrte ab 1919 an 

der Kunstschule von Witebsk. Durch sein Werk und seine Lehrtätigkeit beeinfl usste er 

nicht nur in Russland, sondern auch in Europa die zeitgenössischen Maler ebenso wie 

Vertreter der angewandten Kunst, Bildhauerei und Architektur. 

Der Katalog widmet sich dem Einfl uss Kasimir Malewitschs auf die Russische Avantgarde 

und beleuchtet das grundlegende bildnerische Denken des Suprematismus in 

Fläche und Raum. Neben zentralen Arbeiten von Malewitsch zeigt er Raumkonstruktionen 

und Schlüsselwerke der Moderne von Wassily Kandinsky, Ivan Kljun, Gustav 

Kluzis, El Lissitzky, László Moholy-Nagy, Ljubow Popowa, Olga Rosanowa, Alexander 

Rodtschenko, Kurt Schwitters, Nikolai Suetin, Vladimir Tatlin u.a. Den Geist von 

Umbruch und Dynamik der künstlerischen Gestaltung beleuchtet die Publikation 

auch anhand von russischen Revolutionsplakaten und in der angewandten Kunst 

– gezeigt wird Porzellan der ehemals kaiserlichen Manufaktur Sankt Petersburg aus 

der Zeit von 1917 bis 1932 zwischen Agitation und Abstraktion. 

In Malevich’s art, the concept of abstraction is closely linked to the idea of the space. 

Malevich developed architectural models and, from 1919 on, taught at the Witebsk 

school of art. Through his work and his teaching he infl uenced his painter contemporaries 

as well as exponents of applied arts, sculpture and architecture, not only in Russia, 

but also in Europe. The catalogue is dedicated to Kasimir Malevich’s infl uence on the 

Russian avant-garde and illuminates Suprematism’s fundamental visual position on 

surfaces and space. It presents, alongside major works of Malevich, spatial constructions 

and pivotal works of modernity by, among others, Wassily Kandinsky, Ivan Kljun, Gustav 

Kluzis, El Lissitzky, László Moholy-Nagy, Ljubow Popowa, Olga Rosanowa, Alexander 

Rodchenko, Kurt Schwitters, Nikolai Suetin and Vladimir Tatlin. 


46 

14 x 22 cm, 152 Seiten, 

zahlreiche s/w Fotografi en, 

5 Faksimiles von Paik. Broschur 

Deutsch 

978-3-86560-552-8 

€ 16,80 / chf 31,– 

Kunst / Art 


14 x 22 cm, 104 Seiten, 


Broschur 

Deutsch 

978-3-86560-629-7 

€ 14,80 / chf 27,50,– 

Kunst / Art 


Nam June Paik. 

Peter Moritz Pickshaus 

Herausgegeben von der Kunststiftung NRW 

Energien | Synergien 7 

Nam June Paik ist Experimentalkünstler, Weltbürger, Medienpionier, Gedankenakrobat, 

Erfi nder des Paikischen, Rheinländer koreanischer Herkunft. Es ist unmöglich, 

diesen einzigartigen Künstler mit einem Wort zu charakterisieren. Daher hat sich 

Peter Moritz Pickshaus auf den Weg gemacht, in acht Gesprächen Nam June Paik 

einzufangen. Vor allem die frühen Jahre im fl uxusbewegten Köln und die Professur an 

der Kunstakademie in Düsseldorf stehen im Mittelpunkt der Gespräche. 

Nam June Paik – experimental artist, citizen of the world, media pioneer, thought 

acrobat, inventor of that which is ‘Paikist’, Rheinlander of Korean background; it is 

still impossible to characterise this unique artist in one word. Peter Moritz Pickshaus 

attempts to capture the elusive Nam June Paik in eight conversations. Particular focuses 

of interest are the early years in a Fluxus dominated Cologne and his professorship at 

the Kunstakademie in Düsseldorf. 

• Nam June Paik, geb. 1932 in Seoul, gest. 2006 in Miami. Paik arbeitete mit unterschiedlichsten 

Medien und gilt als Wegbereiter der Video- und Medienkunst. 

Thomas Grochowiak. 

Walter Grasskamp 

Herausgegeben von der Kunststiftung NRW 

Energien | Synergien 8 

Thomas Grochowiak steht für den Aufbruch der Kunst nach 1945 in der Bundesrepublik 

Deutschland. In Recklinghausen geboren und aufgewachsen, schloss er sich 

1948 den Kumpels des Ruhrgebiets an, die eine neue Kulturlandschaft prägten: „Kunst 

für Kohle“. Mit ihrer Kohlenspende an die Hamburger Bühnen kamen im Gegenzug 

Künstler aus Hamburg nach Recklinghausen: Es entstanden Theater- und Opernaufführungen, 

bald auch Kunstausstellungen und Diskussionsforen, die bis heute als die 

Recklinghauser „Ruhrfestspiele“ fortleben. 

Thomas Grochowiak has shaped West German art like no other: as exhibition designer, 

art gallery director, museum founder, teacher, author, president of an artists’ association, 

art diplomat and an equally unconventional as untiring intermediary between politics 

and culture in the development of art in Germany. 

• Thomas Grochowiak, geb. 1914 in Recklinghausen, lebt und arbeitet in 

Kuppenheim bei Baden-Baden. 

• Seit 2004 publiziert die Kunststiftung Nordrhein-Westfalen die Reihe „Energien | 

Synergien“. In Interviews mit wichtigen Protagonisten der Kulturszene des Landes 

Nordrhein-Westfalen werden die Entwicklungen impulsgebender Initiativen, 

Bewegungen, Institutionen oder Zentren des Kunst-, Tanz- und Musiklebens 

während der 1960er bis 1980er Jahre beleuchtet. 

• Ab Band 7 erscheinen die Titel der Reihe in unserem Verlag. 


24 x 31,8 cm, 144 Seiten, 


Broschur 


978-3-86560-639-6 

€ 24,80 / chf 44,– 

Kunst / Art 


Skulpturenpark Köln, 

2009 – 2011 


Aaron Curry, Christina Doll, 

Alexander Esters, Katharina Fritsch, 

Bernd Kastner, Norbert Kricke, 

Jonathan Meese, Isa Melsheimer, 

Thomas Moecker, Thomas Rentmeister, 

Michael Sailstorfer, Jan Philip Scheibe, 

Dirk Skreber, Torsten Slama, Alan 

Sonfi st, Thomas Stimm und Ina Weber. 

KölnSkulptur 5. 

Reality Check 

Einleitung von Renate Goldmann. Texte u.a. von Iwona Blazwick, Gottfried Boehm, 

Siegfried Gohr, Lilian Haberer, Veit Loers, Gerhard Kolberg, Friedhelm Mennekes 

Auf zahlreichen farbigen Tafeln präsentiert der Band aktuell produzierte Außenskulpturen, 

die für die Neuinszenierung im Kölner Skulpturen-Park geschaffen wurden, 

sowie bereits existierende Werke. Thematisch geht es um die Vertiefung und Auseinandersetzung 

mit dem Medium Außenskulptur und aktuelle Erscheinungsformen 

im 21. Jahrhundert sowie den sich inhaltlich darin widerspiegelnden Aspekten der 

heutigen Gesellschaft und Umwelt. 

Reaktor von Dirk Skreber, Herbert-Bayer-Zigarettenkiosk / Atomskulptur von Michael 

Sailstorfer oder Disappearing Forest of Germany von Alan Sonfi st, sie alle verhandeln 

brisante Themen unserer Zeit. Im Zentrum steht die aktuelle Diskussion über die 

Finanz- und Wirtschaftskrise, Technikherrschaft, Verschiebung der globalen Machtverhältnisse, 

Klimawandel oder Überbevölkerung, doch auch celebrity culture, Erfolg und 

Ruhm. KölnSkulptur 5 gewährt so einen repräsentativen Blick auf die Positionen der 

zeitgenössischen Außenskulptur und verdeutlicht die Lebendigkeit dieses Genres. 

This volume presents outdoor sculptures, both those recently produced for the new 

arrangement of the Cologne Sculpture Park and works that already exist, on numerous 

colour plates. It grapples with the decline of outdoor sculpture and the debate on its 

current forms, as well as the aspects of modern society and environment that are 

refl ected in the subject range of these works. 

Reaktor by Dirk Skreber, Herbert-Bayer-Zigarettenkiosk / Atomskulptur by Michael 

Sailstorfer and Disappearing Forest of Germany by Alan Sonfi st all deal with the 

burning issues of our times. The focus is on the current discussion about the fi nancial 

and economic crisis, the dominance of technology, the shift in global power, climate 

change and over-population, but also celebrity culture, success and fame. In this way, 

KölnSkulptur 5 affords a representative view of the positions taken by contemporary 

outdoor sculpture and makes the vitality of this genre clear for all to see. 


48 

20 x 24,5 cm, 144 pages, 


Softcover 

English 

978-3-86560-631-0 

€ 24,– / chf 43,– 

Art / Kunst 

June / Juni 

32 x 25 cm, 80 pages, 

61 col. illustrations. Hardcover 

English / Portuguese 

978-3-86560-628-0 

€ 28,– / chf 49,– 

Art / Kunst 


Angelika Hoerle. 

The Comet of the Avant-Garde 1912–23 

Edited by Michael Parke-Taylor 

Essays by Sabine Kriebel, Angie Littlefi eld and Dorothy Rowe 

Angelika Hoerle (1899–1923) and her artist husband Heinrich Hoerle were key fi gures 

in the Dada movement in Cologne, and she created an outstanding body of work – 

now almost entirely housed at the AGO – from 1919 until her untimely death in 1923. 

The catalogue will explore how her art fi ts into the artistic and political movements in 

Weimar, Germany. 

Nur wenige Arbeiten der schon mit 23 Jahren verstorbenen Malerin und Frau des 

Kölner Dadaisten und Mitglieds der Kölner Progressiven Heinrich Hoerle sind überliefert. 

Selbst Max Ernst hat ihre fantastischen Konfi gurationen geschätzt. Seit fast 

60 Jahren ist sie die geheimnisvolle Unbekannte. 

Die Autoren haben nun mit Hilfe des Museum Ludwig Köln sämtliche Fakten 

zusammengetragen und die Arbeiten kunsthistorisch würdigen können. 

• Angelika Hoerle, born 1899, died 1923. 

• Art Gallery of Ontario, Toronto, 23.05.– 30.08.2009 

Raoul De Keyser. 

Aguarelas – Watercolours 

Introduction by João Fernandes. Essay by Ulrich Loock 

This publication presents 59 watercolours, which Raoul De Keyser made between 2000 

and 2008. Watercolours are one part of this eminent painter’s œuvre that has to date 

remained virtually unknown to the wider public. As Ulrich Loock argues in his essay 

his paintings are triggered usually by a specifi c observation, location, or situation, by 

a painterly precedent or an object belonging to his close environment which is then 

embraced and consumed by the particular work or group of works on their way to gain 

a sort of self-suffi ciency. While the watercolours are one part of Raoul De Keyser’s œuvre 

and share the concerns he is engaged with in his painted work, they belong at the same 

time to a fi eld of experimentation which presents clues for his paintings. 

Der 1930 in Belgien geborene Künstler hatte zahlreiche Ausstellungen in besonders 

profi lierten Institutionen, u. a. Kunsthalle Bern, Whitechapel Gallery, London, Van 

Abbemuseum, Eindhoven. Seine Arbeiten gelten noch immer als Geheimtipp. Hier 

werden erstmals 59 Aquarelle aus den Jahren 2000–2008 gezeigt. Sie sind exzellent 

farbig gedruckt auf leicht chamoisfarbigem Papier. Für den Künstler sind sie experimenteller 

Ansatz, Ideengeber und Anregungen für seine Gemälde. 

• Raoul De Keyser, born 1930 in Deinze, near Ghent, lives and works in Deinze, Belgium. 

• Museu de Serralves, Porto, 2009 

• Douglas Hyde Gallery, Dublin, 2009 


21,5 x 25,5 cm, 340 pages, 


Softcover 

English 

978-3-86560-604-4 

€ 29,90 / chf 49,90 

Art / Kunst 

July / Juli 2009 

Peter Weibel, 

born 1944 in Odessa. Curator 

of the Neue Galerie, Graz, 

and since 1999 chairman of the 

Zentrum für Kunst und Medientechnologie 

(ZKM), Karlsruhe. 

Boris Groys, 

born 1947 in Berlin. Professor of 

Philosophy and Art Theory at 

the Academy for Design in 

Karlsruhe and Global Professor 

at New York University. 

ZKM Karlsruhe, 2008/09 

Medium Religion. 

Faith. Geopolitics. Art 

Edited by Boris Groys and Peter Weibel 

Texts by Boris Groys, Peter Sloterdijk, Hent de Vries, Peter Weibel, Slavoj Zˇizˇek 

The new meaning of religion manifests itself almost exclusively in television, videos 

or in the internet nowadays, particularly in the geo-political hot spots of the Middle 

East, Asia, Russia, the USA and South America. The scripture and the book, the origins 

of religion, have been pushed into the background. 

The focus of this volume ranges from artistic perspectives on contemporary video 

propa ganda to the examination of historical iconography. The explosiveness of these 

new religious movements is demonstrated in the devotion of suicide-bombers, religious 

propagandist TV series and documentation about current sects and denominations. 

This is complemented by academic contributions from twelve notable theorists and 

philosophers, delivering extensive insight into the new media aspect of religion. 

Die „Rückkehr der Religion“ zeigt sich vor allem als Ereignis im Fernsehen, in Videos 

und im Internet – die Schrift als Ursprung der Religion steht im Hintergrund. Im Mittelpunkt 

des Bandes steht die künstlerische Auseinandersetzung mit dem Phänomen. 

Bekenntnisse von Selbstmord-Attentätern oder religiös-propagandistische TV-Serien 

und Dokumentationen über aktuelle Sekten und Glaubensgemeinschaften zeigen 

die Brisanz der neuen religiösen Bewegungen. Zwölf wissenschaftliche Beiträge 

namhafter Theoretiker und Philosophen ergänzen den umfassenden Einblick in die 

neue mediale Seite von Religion. 

Artists / Künstler: Adel Abdessemed, Oreet Ashery, Maja Bajevic, Peter Bogers, 

Christoph Büchel, Paul Chan, Wim Delvoye, Dias & Riedweg, Valie Export, Omer Fast, 

Barbad Golshiri, Boris Groys, IRWIN, Kajri Jain, Romuald Karmakar, Vitaly Komar, 

Maxim Kononenko, Beryl Korot and Steve Reich, Korpys/Löffl er, Alexander Kosolapov, 

Delahante Matienzo, Florian Meyer, Rabih Mroué, Dorcas Müller, Sang-Kyoon Noh, 

Anand Patwardhan, Nira Pereg, Susana Pilar, Huang Yong Ping, robotlab, Osvaldo 

Romberg, Dorna Safaian, Anri Sala, Günter Saree, Konrad Balder Schäuffelen, 

Christoph Schlingensief, Gregor Schneider, Michael Schuster, Wael Shawky, Joshua 

Simon, Jalal Toufi c, Ingrid und Oswald Wiener, Vadim Zakharov, Hermes Zygott. 


50 

18 x 26 cm, 142 pages, 


Wire stapling 

English 

978-3-86560-558-0 

€ 28,– / chf 49,– 

Art / Kunst 


21,4 x 28 cm, 72 pages, 


Hardcover 

English 

978-3-86560-527-6 

€ 24,80 / chf 44,– 

Art / Kunst 


Julian Opie 

Julian Opie is one of the most signifi cant artists of his generation whose artistic pre - 

o ccupation has investigated the idea of representation and the means by which images 

are perceived and understood. Throughout his practice, Opie has developed his own 

reductive formal language which seeks to refl ect, not reality itself, but rather the way 

in which reality is represented: his distinctive language of discipline and formal consistency 

which is employed in his current portrait and landscape work. 

Drawing from infl uences as diverse as billboard signs, classical portraiture and sculpture, 

to classical Japanese woodblock prints, Opie ‘paints’ using a variety of media and 

technologies which enable him to make three-dimensional explorations of his subjects. 

Der Katalog zeigt in ganzseitigen, angeschnittenen, farbigen Fotos Installationen des 

Künstlers auf meist öffentlichen Plätzen sowie eine Folge von 32 Bleistiftzeichnungen. 

• Julian Opie, born 1958 in London, lives and works in London. 

• Lisson Gallery London, 2008 

Tony Oursler. 

High 

Interview by Jacqueline Humphries, Karolin Kober and David Rimanelli 

Oursler’s practice explores a complex web of societal constraints and psychological 

dilemmas. The new body of work developed for this catalogue delves into the real/fantastic 

morass of obsessive desires and needs, or the ‘reason’ of the irrational. The new 

works in this catalogue conjure these psycho-social fractures in tragicomic fashion. 

Oversized mundane objects and neurotic activities become agents of internal dramas 

that defy diagnosis. These works follow the artist’s signature practice of fusing sculptural 

forms with video. The catalogue will also feature a selection of key earlier works 

that will provide a background to the latest developments in Oursler’s work. 

Ourslers Markenzeichen, Skulptur und Video zu vereinen, setzt sich auch in den 

neuesten Arbeiten durch. Zwanghafte Sehnsüchte und Bedürfnisse sowie die Frage 

nach dem Abgrund irrationaler Lust spiegeln sich in überdimensionierten und profan 

anmutenden Objekten sowie in projizierten neurotischen Handlungen, deren Motive 

einer Diagnose zu trotzen scheinen. 

Der Katalog zeigt auch eine Reihe von früheren Arbeiten, entstanden zwischen 1990 

und 2001, die den Hintergrund für Ourslers neueste Verfahren bilden. 

• Tony Oursler, born 1957 in New York, lives and works in New York. 

• Lisson Gallery, London, 2008 


21,5 x 26,5 cm, 256 pages, 


Softcover 

English 

978-90-72251-50-3 

€ 38,– / chf 64,– 

Art / Kunst 


Robert Storr is artist, critic, and curator. 

He is teaching at art institutions 

worldwide. He is author of many 

catalogues, books, and monographies 

on e.g. Louise Bourgeois, 

Gerhard Richter and Philip Guston. 

Bonnefantenmuseum Maastricht, 

17.02.– 16.09.2009 

Artists: Richard Artschwager, 

William Copley, Steve Gianakos, 

Alfred Jensen, Peter Saul, 

John Tweddle, John Wesley, 

H.C. Westermann, Joe Zucker 

Exile on Main St. 

Introduction by Alexander van Grevenstein. Essay by Robert Storr 

Ever since the sixties, American art has had connotations of sensationalism and 

commercialism. Pop Art, in particular, appears to fi t this image and has lent a great 

deal of weight to the term ‘mainstream’. Yet an opposing force of artists emerged who 

presented themselves as artists’ artists rather than mediagenic darlings of the market 

and the art trade. Within this headstrong, very soloist group of artists, a fi gurative 

tendency in painting manifested itself, which took less notice of the offi cial rules of 

the game. 

Exile on Main St. ist der gleichnamige Titel eines der berühmtesten Rolling-Stones- 

Alben von Anfang der 1970er Jahre. Das Album wandte sich gegen die damalige 

Überproduziertheit des Mainstreams, wirkt unfertig und roh, dafür umso 

eindringlicher und authentischer. Dies trifft auch auf die Kunst in diesem überaus 

sorgfältig, durchgehend farbig gedruckten Katalog zu, in dem die signifi kanten 

Arbeiten der neuen Amerikaner abgebildet werden. Es werden Künstler-Künstler 

vorgestellt, die der marktaffi rmativen Inszenierung widerspenstig den Rücken kehren. 

Anders als bei vielen ihrer Pop-Art-Kollegen wird hier eine Haltung deutlich, die, mit 

viel Eigensinn und Authentizität ausgestattet, fast zwangsläufi g zur Isolierung führte. 

Es ist eine Haltung, die sich gerade in der Gesamtschau der ansonsten vereinzelten 

Positionen bis in die fi gurativen Darstellungen hinein verfolgen lässt. 

distribution for bonnefantenmuseum maastricht 

51

52 

17,5 x 25 cm, 192 pages, 


Hardcover 

English 

978-3-86560-563-4 

€ 38,– / chf 64,– 

Art / Kunst 


21 x 29,5 cm, 144 Seiten, 


Zwei Broschüren mit 8-seitigem 

Leporelloeinband 


978-3-86560-567-2 

€ 29,80 / chf 49,90 



Y.Z. Kami. 

Endless Prayers 

Edited by Ziba de Weck Ardalan 

Essays by Julien Jonas Bismuth and Doris von Drathen. Interview between 

Y.Z. Kami and Ziba de Weck Ardalan 

The Persian born artist Y.Z. Kami paints portraits of ordinary people, the like of whom 

we may see every day out in the street, yet he portrays them with an ethereal quality 

that renders them inaccessible to viewers. Kami’s painting technique consists in the 

application of modifi ed oil paint on linen which invariably creates a fl at, matte surface 

resembling that of Byzantine frescos or Egyptian Fayum portraits. This throughout 

colour illustrated book presents Kami’s works from the last ten years. It also features his 

works on paper. 

Der persische Künstler Y. Z. Kami malt großformatige Porträts von Menschen, wie 

sie uns täglich auf der Straße begegnen könnten. In ihrer Unschärfe zeigen sie die 

Porträtierten aus der Distanz des reinen Beobachters. Kamis Öltechnik lässt eine 

matte und immateriell wirkende Oberfl äche entstehen, die an byzantinische Fresken 

oder ägyptische Mumienporträts erinnert. Der durchweg farbig bebilderte Band zeigt 

Werke der letzten zehn Jahre. 

• Y.Z. Kami born 1956 in Tehran, Iran, lives and works in New York. 

Featuring 52nd Venice Biennial in 2007. 

• Parasol Unit London, 2009 

Heimo Zobernig. 

Stellproblemen 

Herausgegeben von Moritz Küng 

Texte von Wouter Davids, Moritz Küng und drei Faksimile-Textbeiträge 

von Laura Bruni, Maria Anna Potocka und Ferdinand Schmatz 

In Form eines Protokolls refl ektiert Heimo Zobernig mit Hilfe von Bildzitaten aus 

seinen Publikationen der letzten 20 Jahre zentrale Aspekte seiner Arbeit, wie Attrappe, 

Doppelgänger, Imitation, Kopie, Mimikry, Zufall und Wiederholung. Durch einen 

8-seitigen Leporelloeinband trennt Zobernig seine eigene Sicht als autonomer Künstler 

von den Kommentaren Dritter. 

Stellproblemen (which means ‘set-problems’, and is purposely misspelled in German), 

is an artist’s book by Austrian Heimo Zobernig. Along with notions like alter ego, copy, 

dummy, imitation, mimicry, proxy, remake, substitution, and, of course, coincidence, the 

book addresses for the fi rst time a central aspect of his work: the notion of repetition, 

which is inscribed into the very design of the book. 

• Heimo Zobernig, geb. 1958 in Mauthen, Tirol, lebt und arbeitet in Wien. 

• deSingel Antwerpen, 2009 


21 x 29,7 cm, 96 pages, 


Stiff wrappers with wooden boards 

English 

978-3-86560-554-2 

€ 32,– / chf 55,– 

Art / Kunst 


John Bock, 

born 1965 in Gribbohm, 

lives and works in Berlin. 

ICA London, 2004 

Sadie Coles HQ London, 2007 

Galleria Civica di Arte 

Contemporanea Trento, 2009 

John Bock. 

Klütterkammer 

Introduction by Jens Hoffmann 

The book Klütterkammer documents an exhibition of the same title at the Institute 

of Contemporary Arts in London in 2004. The exhibition was conceived and installed 

by John Bock, displaying his artistic preferences. The publication works as a personal 

sketch book or ‘exercise book’. The book features installation shots of the exhibition 

architecture and works of 35 artists accompanied by drawings of John Bock, which lay 

out his ideas behind the show. The middle section of the book – which stands out as 

two separate books printed on blue and yellow paper – is dedicated to the photographic 

documentation of two ‘lectures’ performed by John Bock in the exhibition space. 

The project is introduced by a text of Jens Hoffmann, who curated the exhibition 

together with Claire Fitzsimmons. 

In Klütterkammer erinnert sich John Bock an die gleichnamige, von ihm kuratierte 

Ausstellung, die 2004 im Institute of Contemporary Arts in London gezeigt wurde. 

Das Buch präsentiert sich als persönliches Skizzenbuch oder Schreibheft. Gezeigt 

werden Fotos der Ausstellungsarchitektur und die Arbeiten von 35 Künstlern sowie 

zahlreiche begleitende Zeichnungen John Bocks, die seine Ideen zur Klütterkammer 

veranschaulichen. Der Mittelteil mit zwei separaten, übereinanderliegenden 

Buchblöcken – gedruckt auf blauem und gelbem Papier – dokumentiert die beiden 

Vorträge, die John Bock im Ausstellungsraum hielt. 

John Bock – still available titles / 

weiterhin lieferbare Titel: 

Die malträtierte Fregatte. 2007 

978-3-86560-252-7 

€ 30,– / chf 52,– 

Filme. 2007 

978-3-86560-261-9 

€ 32,– / chf 55,– 


54 

15,3 x 17,8 cm, 98 pages, 


Softcover 

English 

978-0-920293-82-9 

€ 20,– / chf 35,90 



24 x 32,5 cm, 76 Seiten, 33 Gemälde 

und Skulpturen werden auf ganz-, teils 

doppelseitigen Farbtafeln gezeigt. 

Hardcover 


978-3-931355-49-4 

€ 40,– / chf 68,– 

Kunst / Art 


Dick Oulton. 

Meet Dick Oulton 

Lynn Valley 5 

Edited by Roger Bywater and Helga Pakasaar 

Texts by Helga Jennifer Higgie, Werner Hofmann, Robert Storr 

Dick Oulton was a commercial photographer who worked out of Vancouver from the 

late 50s to the mid 80s. He operated under a variety of names advertising services for 

weddings, portraits, passports, photographic restoration and commercial photography. 

A bachelor who had an eye for attractive ladies and a fl air for fashion Oulton continued 

to photograph until his death. 

It is a rich social and historical document of middle-class life. His forte was portraiture 

and glamour shots, usually of attractive young women. This selection of Dick Oulton’s 

photographs, which reveals the commercial and vernacular imperatives of his production, 

showcases the idiosyncratic power of his images. 

Dick Oulton betrieb von 1950 bis Mitte der 1980er Jahre ein Fotostudio in Vancouver. 

Unter verschiedenen Namen fertigte er Hochzeitsbilder, Porträts und Passfotos an. 

Sein besonderes Interesse galt der Mode und den Frauen. 

Obwohl die Aufnahmen den kommerziellen Hintergrund seines Schaffens offenlegen, 

zeigen sie zugleich auch Oultons besonderes Gespür für die verschiedenen Lebensstile. 

• Richard (Dick) Oulton (1918 – 2000), lived and worked in Vancouver, Canada. 

distribution for bywater bros. editions and presentation house gallery 

Uwe Henneken. 

Tiptoe to Tipperary 

Texte von Kirsty Bell und Stefan Rinck 

Uwe Hennekens montagehafte Kompositionen reaktivieren Stile verschiedener 

Epochen und konfi gurieren diese neu. Vagabunden, Pierrots, Schlemihls, bunte Fratzen 

und Masken sind Bewohner des „Imperium Schlemihlium“. Einzeln oder in losen 

Zusammenschlüssen wandern sie durch leere Landschaften. Henneken bezeichnet 

seine skurrilen Figuren als „Frontier People“. Ähnlich wie die amerikanischen Pioniere 

begeben sie sich auf waghalsige Eroberungen eines unbekannten Landes in eine 

ungewisse Zukunft. 

Uwe Henneken’s montage-like compositions reactivate styles from various epochs and 

confi gure them in a new way. Vagabonds, Pierrots, schlemiels, colourful grimaces and 

masks are the inhabitants of ‘Imperium Schlemihlium’, wandering alone or in loose 

groups through empty landscapes. Henneken describes his bizarre fi gures as ‘Frontier 

people’. Like the American pioneers, they take to the daring conquest of an unknown 

land in an uncertain future. 

• Uwe Henneken, geb. 1974 in Paderborn, lebt und arbeitet in Berlin. Studium in 

Karlsruhe und Berlin. Einzelausstellungen bei Gisela Capitain, Köln; The Breeder, 

Athen; Galerei Giti Nourbakhsch, Berlin. 

• Contemporary Fine Arts Berlin, 2008 


23 x 28,5 cm, 286 Seiten, 

170 ganz- und doppelseitige 

farbige Bildtafeln mit 

Installations- und Werkfotos. 

Broschur 


978-3-86560-560-3 

€ 39,– / chf 66,– 

Kunst / Art 


Peter Kogler, geb. 1959 in Innsbruck, 

lebt und arbeitet in Wien. 

Ausstellungen u.a. Documenta X, 1997; 

Kunsthaus Bregenz, 2000; 

Österr. Kulturforum Prag, 2005. 


Peter Kogler 

Texte von Ami Barak, Jean-François Chougnet, Rainer Fuchs, Edelbert Köb, Gespräch 

zwischen Kathrin Rhomberg und Peter Kogler 

Die umfassende, reich ausgestattete Monografi e präsentiert sowohl frühe, bisher 

nicht publizierte Arbeiten als auch raum-installative Bilder und Projektionen der 

letzten Jahre. Das Buch verdeutlicht so die stringente Entwicklung eines Œuvres, das 

von Peter Koglers früherer Auseinandersetzung mit einem an fi lmischen Techniken 

orientierten Bildbegriff bis zu den immer komplexeren Überlagerungen von virtuellen 

und realen Bildern, Räumen und Architekturen in den späten Raumarbeiten und -projektionen 

führt. Kogler gehört mit Gerwald Rockenschaub, Heimo Zobernig und Erwin 

Wurm zu jenen österreichischen Künstlern der mittleren Generation, die gegen den 

Mainstream der „neuen wilden Malerei“ in den frühen 1980er Jahren die Tradition 

konzeptueller und medienbasierter Kunst erneuert haben. Immer wieder hat Kogler 

den fortschreitenden Einfl uss der Massenmedien und der Computertechnologie auf 

die gesellschaftliche Kommunikation und die Defi nition des öffentlichen Raumes 

thematisiert. 

This comprehensive monograph presents Peter Kogler’s early works that were previously 

unpublished, alongside the room installation pictures and projections of the past 

few years. He has had a radical infl uence on the international art scene since the early 

1980s with his medial, spatial and architectural approach. His organic and mineralogical 

forms, piping, netting, huge tufts and his trademark ants (documenta X 1997) – the 

walls are crawling with all of it and it’s taking over the fl oor and the ceiling. 


56 

17 x 22,5 cm, 160 Seiten, 


Broschur 


978-3-86560-640-2 

€ 24,80 / chf 44,– 

Kunst / Art 


14,5 x 19,5 cm, 64 Seiten, 


Hardcover mit foliengeprägtem 

Umschlag und Banderole 


978-3-86560-614-3 

€ 24,80 / chf 44,– 

Kunst / Art 


Elke Krystufek, Dorit Margreiter, 

Franziska & Lois Weinberger. 

Österreich-Pavillon, 53. Biennale Venedig 2009 

Herausgegeben von VALIE EXPORT und Silvia Eiblmayr 

Texte von Hildegund Amanshauser, Xabier Arakistain, Roel Arkesteijn, Dieter Buchhart, 

Barbara Clausen, Silvia Eiblmayr, VALIE EXPORT 

Der österreichische Pavillon auf der Biennale wird mit drei unterschiedlichen 

Künstlerpositionen bespielt: Mit Elke Krystufek, die mit ihren Performances das 

sogenannte Weibliche untersucht und dabei den eigenen Körper mit einbezieht. 

Des Weiteren mit Lois und Franziska Weinberger, die mit ihren Pfl anzeninstallationen 

an einem Naturbegriff arbeiten, der immer schon kulturell überformt war. Und 

schließlich mit Dorit Margreiter, die in ihrer Auseinandersetzung mit den Medien 

meist historische Recherchen anstellt und die Vereinnahmung der Städte durch 

Kino, Fernsehen und Shopping Malls untersucht. 

Elke Krystufek, Dorit Margreiter and Franziska & Lois Weinberger stand for a distinctive 

artistic analysis of specifi c themes of their own that is highly relevant both in a context 

of ‘Making Worlds’, the motto of the 2009 Biennial, as well as to events in the art 

context today. The shared presentation of these four key internationally recognised 

Austrian artists represents an exciting discursive diversity within the framework of the 

Biennial, as well as a concentrated approach, integrating the pavilion itself as a medium 

in the concept. 

Angel Dust 

Herausgegeben von Andreas Bee und Joachim Valentin 

Texte von Joachim Valentin und Thomas Wagner 

Drei höchst unterschiedliche Kunstwerke begegnen sich: Ein spätmittelalterliches 

Gemälde eines unbekannten Meisters, das die Verkündigung Mariens darstellt, die 

Videoarbeit Angel (1997) von Mark Wallinger und eine Gruppe von drei hängenden 

abstrakten Figuren von Bogomir Ecker. Das Buch stellt das Zusammenspiel dieser drei 

Kunstwerke vor – und zeigt überraschende Erkenntnisse. Die unterschiedlichen Arten 

des Sagens, Verkündens, des Hörens und Verstehens sorgen für eine ungewöhnliche 

Dynamik. Nicht von ungefähr kommt der Titel, der nicht nur einen Hauch von Engelsstaub 

verspricht, sondern auch auf eine Modedroge aus den 1970er Jahren verweist: 

Substanzen, die – ein Glück ohne Nebenwirkungen – ekstatische Glückseligkeit oder 

schlicht Sehstörungen und Benommenheit verheißen. 

Three highly different works of art come together: a late-medieval painting by an unknown 

master, which depicts the annunciation of Mary, the video piece Angel (1997) by Mark 

Wallinger and a group of three hanging abstract fi gures by Bogomir Ecker. The book documents 

the interplay of these three artworks – and with surprising fi ndings. The various 

ways of stating, proclaiming, hearing and understanding ensure an unusual dynamic. 

• Mark Wallinger, geb. 1959 in Chigwell, Großbritannien, lebt und arbeitet in London. 

2007 Turner Prize. 

• Bogomir Ecker, geb. 1950 in Maribor, lebt und arbeitet in Düsseldorf. Seit 2003 

Professor an der Hochschule für Bildende Künste, Braunschweig. 

• MMK, Frankfurt am Main, 2009 


21 x 27 cm, ca. 64 Seiten, 


Broschur 


978-3-86560-576-4 

€ 16,80 / chf 31,– 

Kunst / Art 


14,3 x 17,2 cm, 64 Seiten, 

14 farbige Abbildungen, 

5 doppelseitige Installatonsansichten. 



978-3-86560-571-9 

€ 18,– / chf 32,90 



Aleksandra Mir. 

Triumph 

Herausgegeben von Max Hollein und Matthias Ulrich 

Texte von Max Hollein, Gabi Langen und Matthias Ulrich 

In einer sizilianischen Tageszeitung begann das Projekt Triumph in Form einer von 

Aleksandra Mir geschalteten Suchanzeige. Ihr Interesse galt dem Pokal, einem Objekt, 

dessen Geschichte weit in die kulturelle Vergangenheit der Menschheit zurückreicht 

und das heute überwiegend bei sportlichen Veranstaltungen vergeben wird. Über 

2500 Pokale konnten so eingesammelt werden. Zwar handelt es sich um zeitgenössische 

Massenprodukte, doch ist jeder Pokal mittels einer Gravur individualisiert und 

erzählt eine persönliche Geschichte. 

It is in a Sicilian daily newspaper, where Aleksandra Mir’s project Triumph had its start 

– in the form of a want ad run by the artist herself. She was interested in the trophy, an 

object whose history reaches back to our distant cultural past and which today, awarded 

chiefl y at sporting events, is among the everyday items of our society. More than 2500 

trophies were collected. Although the trophies are contemporary mass-produced articles, 

each one is individualized by means of an engraving and tells a personal story. 

• Aleksandra Mir, geb. 1967 in Lubin, Polen, lebt und arbeitet in Palermo, Italien. 

• Schirn Kunsthalle Frankfurt am Main, 14.05. – 26.07.2009 

Simon Dybbroe Møller. 

Black, white, gray, cyan, magenta, yellow 

Text von Lars Bang Larsen 

Black, White, and Gray ist der Titel einer heute legendären Ausstellung vom Januar 

1964 im Atheneum Museum in Wadsworth, Connecticut. Gilt sie doch als erste Präsentation 

der Minimal Art. In einer Kritik bezeichnete Donald Judd die Ausstellung als 

„Schwarzweiß – ein mageres Thema“. Jetzt hat der dänische Künstler Simon Dybbroe 

Møller in einer mehr als 30 Meter langen und aus 2000 Din-A4-Blättern bestehenden 

Installationsansicht die Farben Cyan, Magenta, Yellow hinzugefügt. 

The work of Danish artist Simon Dybbroe Møller connects art with the fi ndings of 

natural science. The pieces in the series Black, White and Gray (Cyan, Magenta and 

Yellow) are based on a blown-up room-sized installation view. To produce this view, 

Møller printed blown-up black-and-white photographs, divided into A4 sized pieces, 

with an inkjet printer and papered the individual sheets to the wall. 

• Simon Dybbroe Møller, geb. 1976 in Aarhus, Dänemark, lebt und arbeitet in Berlin. 

• MMK Frankfurt, 2008 

• Mit Arbeiten von Jo Baer, Walter De Maria, Jim Dine, Donald Judd, Gary Judd, 

Gary Kuehn, Robert Morris, Bruce Nauman, Robert Ryman, Cy Twombly, Andy Warhol. 


58 

11 x 16 cm, 260 pages, 

164 col. and 50 s/w illustrations. 

Hardcover 

English 

978-3-86560-565-8 

€ 22,– / chf 39,– 

Artist Book / Künstlerbuch 


24 x 30 cm, 480 Seiten, 


Broschur 

Deutsch 

978-3-86560-550-4 

€ 29,80 / chf 49,90 

Kunst / Art 


Amar Kanwar. 

The Torn First Pages 

Amar Kanwar’s The Torn First Pages (2004–2008) is an ode to the thousands engaged 

in the struggle for democracy in Burma, and is presented in honour of the bookshop 

owner Ko Than Htay, who was imprisoned for tearing out the fi rst pages of all books 

and journals that contained ideological slogans from the military regime. His video 

installation and book elliptically and metaphorically engage themes of the struggle 

for a democratic society, contemporary forms of nonviolent resistance, political exile, 

memory, and dislocation. 

The Torn First Pages (2004–2008) des indischen Künstlers und Filmemachers Amar 

Kanwar ist dem demokratischen Widerstand in Burma gewidmet. Die Arbeit, die er 

auch als Film-Installation zeigte, ist inspiriert von der Geschichte des Buchhändlers 

Ko Than Htay, der inhaftiert wurde, weil er vor dem Verkauf seiner Bücher stets die 

Deckblätter herausriss, die mit Propagandaparolen des burmesischen Militärregimes 

bedruckt waren. 

• Amar Kanwar born 1964 in New Delhi, India, where he lives and works. 

Artist and fi lmmaker. Documenta 2002, 2007. 

• Thyssen-Bornemisza Art Contemporary Vienna, 2008 

Otto Beckmann. 

Zwischen Mystik und Kalkül 

Herausgegeben von Peter Peer und Peter Weibel 

Vorwort von Christa Steinle. Texte u. a. von Peter Peer, Margit Rosen, Gerhard Stickel 

und Peter Weibel. Mit zahlreichen Schriften des Künstlers und einer bebilderten 

Bio- und Bibliografi e 

Otto Beckmann, einer der Pioniere der Computerkunst, beschäftigte sich bereits in 

den 1930er Jahren mit dem Generieren von Kunst auf Basis der Mathematik. 

Der Katalog dokumentiert Beckmanns umfassendes Œuvre von seinen frühen fantastischen 

und surrealen Arbeiten und den Arbeiten nach Algorithmen bis hin zu den 

mit seinem eigens für ihn konzipierten Ateliercomputer generierten Lasergrafi ken, 

Filmen und Architekturvisionen sowie seinen fetischhaften Plastiken aus Fundgegenständen 

in der Tradition des surrealistischen Objet Trouvé. 

Otto Beckmann, one of the pioneers of computer art, was already working on the 

generation of art through the use of mathematics in the 1930s. 

This catalogue documents Beckmann’s comprehensive œuvre; from his early fantastical, 

surreal and algorithmic works, through to the laser graphics, fi lms and architectural visions 

generated by his atelier computer, which was especially designed for him, as well as his 

fetish-like sculptures made from found objects, in the surrealist ‘Objet Trouvé’ tradition. 

• Otto Beckmann, geb. 1908 in Wladiwostok, gest. 1997 in Wien. 

1927: Gesellenprüfung als Mechaniker; 1936–38: Studium der Bildhauerei an der 

Akademie der Bildenden Künste, Wien; 1938–41: Meisterschüler; ab 1950: Lehrer 

an der Akademie in Wien. 

• Neue Galerie Graz am Landesmuseum Joanneum, Graz, 2008 


10,5 x 15,5 cm, 152 Seiten, 


Leineneinband 


978-3-86560-602-0 

€ 18,– / chf 32,90 

Kunst / Art 


Maurizio Cattelan, 

geb. 1960 in Padua, lebt und 

arbeitet in New York. 

MMK, Frankfurt am Main, 2007 

Maurizio Cattelan. 

Punki. Performance for Maurizio Cattelan 

by Bernard Wilson 

Herausgegeben von Andreas Bee 

Texte von Andreas Bee und Interview mit Bernard Wilson 

Ein kurzes Gastspiel gab der Jolly Rotten Punki, eine Performance von Bernard Wilson 

für Maurizio Cattelan. Völlig unangekündigt, wie auch die Ausstellung Cattelans im 

MMK nicht angekündigt werden durfte, tauchte die skurrile Figur auf und trieb im 

Museum ihr Unwesen, machte rüde Bemerkungen, fl irtete mit den Besuchern oder 

erbettelte Geld. Doch wer ist dieser Punki, wer Bernard Wilson? 

Ein reich bebildertes Vexierspiel in Buchform und eine ausgefallene neue Arbeit des 

Agent provocateur der Kunstszene. 

The dwarfi sh Jolly Rotten Punki made a short guest appearance in Bernard Wilson’s 

performance for Maurizio Cattelan. Completely unannounced, just as Cattelan’s 

exhibition at the Museum für Moderne Kunst (Frankfurt) had been, the peculiar fi gure 

wearing red tartan trousers, a monstrous rucksack and blowing on a recorder, suddenly 

appeared in the museum. He made a nuisance of himself, picked his nose, made rude 

comments, fl irted with the visitors and begged for money. But who is Punki and who is 

Bernard Wilson? 

A richly illustrated game of deception in book form and an unconventional new work 

from the agent provocateur of the art scene. 


60 

22 x 28 cm, 84 Seiten, 


Softcover 


978-3-86560-564-1 

€ 19,90 / chf 35,90 

Kunst / Art 


15 x 21 cm, 104 Seiten, 


Broschur 


978-3-86560-568-9 

€ 14,80 / chf 27,50 

Kunst / Art 


Richard Kriesche. 

Capital + Code 

Herausgegeben von Peter Pakesch 

Texte von Peter Pakesch, Edward Shanken, Katrin Bucher Trantow und Matthias Weiß 

Im Zentrum des Katalogs steht Kriesches monumentale Installation Aesthetics of 

Capital. In der mit technoidem Computerblau ausgeleuchteten Installation wurden 

mittels einer Visualisierungssoftware, die auch an der Börse zum Einsatz kommt, 

acht Fieberkurven eines schwankenden Marktes auf die Innenwände des Raumes 

projiziert. Geradezu hellsichtig gibt die Arbeit ein drastisches Bild der Vernetzung 

und gegenseitigen Abhängigkeiten wieder, die nicht nur das heutige Finanzsystem, 

sondern die Welt insgesamt kennzeichnen. 

Richard Kriesche is a media artist and theorist. Accompanied by a selection of other 

works, this catalogue presents Kriesche’s monumental installation Aesthetics of Capital. 

This piece illustrates current themes of global power relationships as well as their visual 

translations. The aesthetic of the ‘bit’ is apparent in the form of pictures of a fl uctuating, 

capital-controlled and at the same time hauntingly real world. 

• Richard Kriesche, geb. 1940 in Wien, lebt und arbeitet in Graz. 

• Kunsthalle Graz, 2008 

distribution for kunsthalle graz 

Via Lewandowsky. 

Applaus / Applause 

Texte von Sven Beckstette, Katja Blomberg, Andreas Höll und Durs Grünbein 

im Skype-Gespräch 

Der Band Applaus / Applause zeigt einen Aspekt in Lewandowskys Schaffen, der 

bislang wenig beachtet worden ist, obwohl er von Beginn seiner künstlerischen 

Laufbahn an eine bedeutende Rolle spielte: die Arbeit mit Klang. Vorgestellt werden 

in farbigen Abbildungen 20 seiner wichtigsten Klang-Installationen, entstanden 

1994–2008. Für sein letztes Projekt Applaus im Berliner Haus am Waldsee hat Lewandowsky 

über 100 Persönlichkeiten des Berliner Kulturlebens einzeln klatschen lassen 

und daraus eine Installation geschaffen, die die Kriterien hinterfragt, mit denen 

zeitgenössische Kunst kritisiert oder hochgeschätzt wird. 

The volume Applaus / Applause presents an aspect of Lewandowsky’s work, which 

has so far been given little attention, although it has played an important role since 

the beginning of his artistic career: working with sound. Twenty of his most important 

sound installations from 1994–2008 are presented here in colour. 

• Via Lewandowsky, geb. 1963 in Dresden, lebt und arbeitet in Berlin. 

• Haus am Waldsee Berlin, 2008 


16 x 23 cm, 80 Seiten, 



Deutsch 

978-3-86560-573-3 

€ 19,80 / chf 35,90 

Kunst / Art 


16 x 23 cm, 198 Seiten, 




978-3-86560-561-0 

€ 19,80 / chf 35,90 

Kunst / Art 


Marlene Streeruwitz. Bildgirl. Collagen 

n.b.k. Berlin. Band 1 

In einem einleitenden Essay und in Bild-Text-Collagen analysiert Streeruwitz die 

Politik der Nacktheit der Bildzeitung aus feministischer Perspektive. Die Konstruktion 

der Frau als sexualisiertes Objekt männlicher Betrachtung im „Bildgirl“ steht dabei im 

Mittelpunkt. Nackte Frauen in den Medien zeigen zu können, wurde trotz Widerstand 

der Frauenbewegung von den 68er-Sexualrevolutionären zur Frage der Pressefreiheit 

stilisiert. Sexuelle Freiheit sollte den Männern vorbehalten werden. Streeruwitz 

beschreibt, wie im „Bildgirl“ die bedrohte deutsche heterosexuelle Männlichkeit 

positiv fi xiert wird. 

In an introductory essay and through picture and text collages, Streeruwitz analyses 

the politics of nakedness in the media from a feminist perspective. The focus is on the 

construction of the woman as a sexualised object through the male gaze. Being able 

to show naked women in the media has become conventionalised as a question of 

media freedom by veterans of the 60s sexual revolution, despite the opposition of the 

women’s movement. 

• Marlene Streeruwitz, geb. 1950 in Baden bei Wien, lebt und arbeitet in Wien und 

Berlin. Schriftstellerin und Regisseurin. Literaturpreisträgerin u. a. der Stadt Wien 

und der Stadt Meersburg. 

• n.b.k. – Neuer Berliner Kunstverein, 2008 

Anetta Mona Chis¸a / Lucia Tkáčová. 

n.b.k. Ausstellungen. Band 2 

Texte von Marius Babias, Anetta Mona Chis¸a / Lucia Tkáčová, Raluca Voinea 

Die Künstlerinnen Anetta Mona Chis¸a und Lucia Tkáčová arbeiten seit 2000 zusammen. 

Sie nahmen an zahlreichen internationalen Ausstellungen und Biennalen teil. 

In den Gemeinschaftsarbeiten thematisieren sie Geschlechterverhältnisse sowie 

ihre Rolle als osteuropäische Künstlerinnen in einer westlich dominierten Kunstwelt. 

Mit Videoarbeiten und Installationen brechen sie Konsumerwartungen und setzen 

Refl exionsprozesse in Gang. Die vorliegende Publikation ist die erste umfassende 

Werkschau der rümänischen Künstlerinnen. 

The artists Anetta Mona Chis¸a and Lucia Tkáčová have been working together since 

2000. They have taken part in numerous international exhibitions and biennials. In 

their collaborations they tackle the themes of gender relations and their roles as both 

female and East European artists in an art world dominated by the West. Their video 

pieces and installations break down consumer expectations and stimulate a process of 

refl ection. This publication is the fi rst comprehensive overview of Anetta Mona Chis¸a’s 

and Lucia Tkáčová’s work. 

• Anetta Mona Chis¸a, geb. 1975 in Rumänien, lebt in Prag, Tschechien. 

• Lucia Tkáčová, geb. 1977 in Bánska Sˇtiavnica, Slowakei, lebt und arbeitet in Bratislawa. 

• n.b.k. – Neuer Berliner Kunstverein, 2009 


62 

21,5 x 27 cm, 144 Seiten, 


Broschur 


978-3-86560-600-6 

€ 24,– / chf 43,– 

Kunst / Art 


16 x 21,5 cm, 80 pages, 


Hardcover 

English 

978-3-86560-638-9 

€ 18,– / chf 32,90 

Art / Kunst 


Ivan Moudov. 

Trick and Treat 

Vorwort von Hilke Wagner. Texte von Iara Boubnova und Dessislava Dimova 

Aktionen, die den Betrachter direkt einbeziehen, machten ihn bekannt: In Traffi c 

Control regelte Moudov als Polizist verkleidet in drei europäischen Städten den 

Verkehr und dokumentierte die Reaktionen in Videos. Moudov hinterfragt humorvoll 

alltägliche gesellschaftliche Grundphänomene wie Autoritätsgläubigkeit, Schubladendenken 

oder die Mechanismen der Kunstszene in erfrischenden Performances, 

Videoarbeiten, Fotoarbeiten und Installationen. 

Performances directly involving the audience are what he became known for: In Traffi c 

Control Moudov – dressed in a police offi cer’s uniform – controlled traffi c intersections 

in three European cities and documented the results in videos. Moudov’s fresh performances, 

video pieces, photographs and installations humorously question basic social 

phenomena such as blind obedience to authority, thinking in stereotypes or mechanisms 

in the art world. 

• Ivan Moudov, geb. 1975 in Sofi a, Bulgarien, lebt und arbeitet in Sofi a. 

• Kunstverein Braunschweig, 2009 

Parades and Processions: 

Here comes everybody 

Edited by Ziba de Weck Ardalan and Tom Morton 

The catalogue features works by twelve international artists who take their inspiration 

from the traditional meanings of ‘parades’ and ‘processions’, creating works that 

epitomise the social and political context of our time. The resulting works, ranging from 

sculpture to installation, fi lms and videos, are powerful forms of expression that address 

issues of history, culture, identity and politics. They also highlight the recent and increasing 

phenomenon in our society of holding parades and processions. This publication 

aims to show a selection of works by contemporary artists who see in these themes 

considerable possibilities for expression. 

Der Katalog präsentiert Kunstwerke von zwölf internationalen Künstlern, die sich 

in ihrem Schaffen von Paraden und Prozessionen inspirieren lassen. Die Arbeiten 

umfassen Skulpturen, Installationen, Filme und Videos. Sie stellen kraftvolle Ausdrucksformen 

dar, die jeweils unterschiedliche historische, kulturelle oder politische 

Zusammenhänge zu erkennen geben. 

• Parasol Unit London, 2009 

• Artists / Künstler: Francis Alÿs, Fiona Banner, Jeremy Deller, Teresa Hubbard / 

Alexander Birchler, Thomas Hirschhorn, Rachel Hovnanian, William Kentridge, 

Michèle Magema, Annette Messager, Amy O’Neill and Hiraki Sawa. 


2 volumes in a slip case, 

30 x 38 cm each, 

124 and 112 pages, 

c. 160 col. illustrations. 

Hardcover 

English 

978-1-900829-28-1 

€ 128,– / chf 207,– 



Ai Weiwei, born 1957 in Beijing, China, 

where he lives and works. 

Exhibition Documenta 12, 2007. 

Ai Weiwei, Herzog & de Meuron. 

Beijing, Venice, London 

Texts by Aaron Betsky and Charles Merewether. 

Interview between Ai Weiwei and Jacques Herzog 

Beijing, Venice, London is published to mark the collaboration between Ai Weiwei 

and Herzog & de Meuron. Volume I of this large-format, twin-volume gallery edition 

documents the construction of the National Stadium, Beijing, through a series of 100 

photographs taken between 2005 and 2008. Refl ection on ‘The Bird’s Nest’ continues 

in Volume II by means of the 24 Hour Series – a sequence of photographs taken of the 

stadium by Ai Weiwei once an hour during a day and a night. Also featured is the major 

installation created by the artist and architects for the Venice Biennial of Architecture, 

2008, along with a number of related works in London. In addition to Merewether’s 

essay exploring the works produced for each of the three cities and an interview 

between Ai Weiwei and Jacques Herzog is an essay by Aaron Betsky, Director of the 

Venice Biennial of Architecture 2008, which addresses the photographs documenting 

the construction process of the National Stadium Beijing. 

Beijing, Venice, London dokumentiert in ganzseitigen farbigen Fotos die Zusammenarbeit 

des chinesischen Künstlers Ai Weiwei mit den Schweizer Architekten Herzog 

& de Meuron. Zwischen März 2005 und März 2008 begleitete Ai Weiwei den Bau 

des Pekinger Olympiastadions mit der Kamera. In zwei großen Fotoserien refl ektiert 

er den Konstruktionsprozess und das kontinuierliche Neu-Formieren und Lichten 

des Areals und seiner wandernden Materialsammlungen. 2008 setzten Ai Weiwei 

und die Architekten ihre Kooperation mit einer großen Bambus-Installation auf 

der Architektur-Biennale in Venedig und in London fort, wo Ai Weiwei eine weitere 

Bambus-Konstruktion zeigte. Eine überaus aufwendige Publikation, die Künstlerbuch 

und Dokumentation zugleich ist. 

distribution for albion gallery, london 


64 

16, 5 x 22 cm, 256 Seiten, 


Broschur 

Deutsch / Polish / English 

978-3-86560-578-8 

€ 28,– / chf 49,– 

Kunst / Art 


12,2 x 17 cm, 44 Seiten 


Broschur 


978-3-00-025588-5 

€ 14,– / chf 25,90 

Kunst / Art 


So ist es und anders / Porza˛dki urojone / Delusive orders 

Katalogdokumentation zum Gemeinschaftsprojekt des Museums Abteiberg mit dem 

Muzeum Sztuki in Łódz´ und dem Instytut Awangardy in Warschau 2007/2008 Ł 

Ausgangspunkt von So ist es und anders ist der besondere Kontext, in dem die 

beiden Ausstellungsorte – das Muzeum Sztuki in Łódz´ und das Museum Abteiberg 

in Mönchengladbach – bekannt wurden. Im Łódz´ Museum ist es die Tradition der 

konstruktivistischen Avantgarde und ihrer Ausläufer nach dem Zweiten Weltkrieg 

– im Museum Abteiberg jene von Minimalismus und Konzeptualismus der 1960er 

und 1970er Jahre. Das Gemeinschaftsprojekt handelt weniger von der Erinnerung an 

historische Positionen der Kunst, sondern vielmehr von dem heutigen Potenzial, sie zu 

aktualisieren und zu überarbeiten. 

The point of departure for So ist es und anders is the particular contexts in which the 

two locations – the Muzeum Sztuki in Lódz´ and the Museum Abteiberg in Mönchengladbach 

– became famous and now work. In the case of the Museum in Lódz´ it is the 

constructivist avant-garde tradition and its offshoots after the Second World War, for 

the Museum Abteiberg it is the minimalism and conceptualism of the 1960s and 70s. 

This joint project is not so much about the remembrance of these historical positions in 

art but rather the current potential to update and rework them. 

• Museum Abteiberg Mönchengladbach, 09.03. – 01.06.2009 

Muzeum Sztuki Lódz´ 2007/08 

• Künstler / Artists: Cezary Bodzianowski, Marcel Broodthaers, Martin Creed, 

Oskar Dawicki, Tacita Dean, Olivier Foulon, Edward Krasinski, Kitty Kraus, Igor Krenz, 

Peter Piller, Jozéf Robakowski, Monika Sosnowska, Monika Stricker, Katja Strunz 

und Jens Ullrich. 

Andreas Slominski. 

Benedictio 

In entsprechender Bilderabfolge kann der Leser den letzten Kindergottesdienst von 

Pater Friedhelm Mennekes, Gründer der Kunst-Station Sankt Peter, nachvollziehen, 

anlässlich dessen Andreas Slominski einen spektakulären Feuerwehreinsatz initiierte: 

Fontänengleich, unter hohem Druck, spritzten Feuerwehrleute Wasser in einem 

mächtigen Bogen über das Kirchendach von der einen auf die andere Seite, wo es 

von vielen Mädchen und Jungen mit den Händen aufgefangen und behutsam in die 

Kirche getragen wurde, um mit diesem Wasser das Taufbecken zu füllen. Andreas 

Slominski setzt hier ein besonders eindringliches Zeichen von künstlerischer Intervention 

in der Öffentlichkeit. 

This publication documents Andreas Slominski’s extraordinary action piece Benedictio 

that took place in Sankt Peter’s church, Cologne in 2008. The reader can retrace the last 

children’s service conducted by Father Friedhelm Menneke, founder of the Kunst-Station 

in Sankt Peter, in which a spectacular fi re brigade operation took place, through a series 

of pictures. A short text describes the action piece with regards to the fi re brigade and 

the themes of baptism and blessing. Andreas Slominski hereby makes a particularly 

striking mark on public artistic intervention. 

• Andreas Slominski, geb. 1959 in Meppen, lebt und arbeitet in Hamburg. 

distribution für kunst-station st. peter, köln 


12,5 x 19 cm, 120 Seiten, 

38 farbige Abbildungen, meist auf 

mehrteiligen Falttafeln sowie zahlreiche 

farbige Kleinabbildungen. 

Broschur 


978-3-86560-551-1 

€ 19,80 / chf 35,90 

Kunst / Art 


22,5 x 30,5 cm, 170 Seiten, 

ca. 75 farbige (z. T. doppelseitige) 

und 12 s/w Abbildungen. 

Leineneinband mit Schutzumschlag 


978-3-86560-535-1 

€ 58,– / chf 98,– 

Kunst / Art 


Andreas Eriksson. 

Walking the Dog, Lying on the Sofa 

Vorwort von Edelbert Köb. Interview von Eva Badura-Triska mit Andreas Eriksson 

Walking the Dog, Lying on the Sofa versammelt auf farbigen Klapptafeln die poetische 

Arbeit von Andreas Eriksson, deren Ausgangspunkt und Inhalt das Erleben von Natur 

ist. Der Künstler fängt mittels der Fotografi e die Eindrücke seiner täglichen Spaziergänge 

– Walking the dog –, aber auch die nächtlichen Schatten im Haus – Lying on 

the sofa – ein und kombiniert sie mit abstrakten Gemälden zu mehrteiligen Werken. 

Erikssons Skulpturen basieren auf Bronzeabgüssen von Naturobjekten – tote Vögel, 

die an die Scheiben seiner Atelierfenster fl ogen oder Bäume –, mit denen er Metaphern 

des Werdens und Vergehens schafft. 

Walking the Dog, Lying on the Sofa is a collection of Andreas Eriksson’s poetic work, 

printed on colour fold-outs, whose point of departure and content is the experience of 

nature. The artist captures impressions from his daily walks – walking the dog – as well 

as the shadows in his house at night – lying on the sofa – with his photography and 

combines that with abstract paintings to form composite works. Eriksson’s sculptures 

are based on bronze casts of natural objects – dead birds that have fl own into his atelier 

window or trees – with which he creates metaphors of becoming and passing away. 

• Andreas Eriksson, geb. 1975 in Björsäter, lebt und arbeitet in Medelplana, am Südufer 

des Vänersees, Schweden. Bâloise-Kunst-Preis 2007. Studium an der Royal Academy 

of Fine Arts, Stockholm. 

• MUMOK, Wien, 2008/09, Galleri Andersson Sandström, Umea 

Jan Fabre. 

From the Cellar to the Attic – From the Feet to the Brain 

Texte von Yuko Hasegawa, Vincent Huguet, Katerina Koskina, Philippe Van Cauteren 

und Bart Verschaffel 

Das in enger Zusammenarbeit mit Jan Fabre gestaltete Buch präsentiert die fünf im 

Kunsthaus Bregenz gezeigten Werke, die sich zu symbol- und anspielungsreichen skulpturalen 

Tableaus fügen. Die Inszenierung folgt der Gestalt des menschlichen Körpers 

– beginnend mit den Füßen, über Geschlecht, Bauch, Herz und endet schließlich mit 

dem Gehirn. In seiner Einführung thematisiert Eckhard Schneider die Idee skulpturaler 

Tableaus und deren Umsetzung und Interpretation in diesem rätselhaften Gesamtkunstwerk 

Fabres. Die Publikation zeigt mit zahlreichen Ausklapptafeln und großformatigen 

Installationsaufnahmen die beeindruckenden fünf inszenierten Tableaus. 

This catalogue, which has been designed in close collaboration with Jan Fabre, presents 

the fi ve pieces shown at the Kunsthaus Bregenz, which come together as sculptural tableaus 

rich in symbolism and references. The piece follows the form of the human body, 

beginning with the feet, then the genitals, the stomach, the heart and fi nally the brain, 

each tableau fi lling a whole fl oor of the building. In his introduction, Eckhard Schneider 

broaches the subject of sculptural tableaus and Fabre’s execution and interpretation of 

them in this cryptic gesamtkunstwerk. 

• Jan Fabre, geb. 1958 in Antwerpen, Belgien, lebt und arbeitet in Antwerpen. 

Performances, Choreografi e, Body Art, Mixed Media, Zeichnungen, Design. 

• Kunsthaus Bregenz, 2008/09 


66 

23,3 x 26 cm, ca. 128 Seiten, 

ca. 40 farbige Abbildungen. 

Hardcover 


978-3-86560-536-8 

€ 42,– / chf 71,– 

Kunst, Film / Art, Film 


22 x 28 cm, 168 Seiten, 


Broschur 


978-3-86560-590-0 

€ 29,90 / chf 49,90 

Kunst / Art 


Markus Schinwald. 

Vanishing Lessons 

Texte von Jörg Heiser und Hans Dieter Huber 

In der Verfremdung von Raum und menschlichem Körper stellt Markus Schinwald das 

Normale und dessen Wahrnehmung in künstlerischen Bildern in Frage. Im Mittelpunkt 

der Publikation stehen die großzügig präsentierten Installationsfotos aus dem 

Kunsthaus Bregenz, ergänzt durch zahlreiche Abbildungen zentraler Werke aus den 

letzten Jahren. Die Gestaltung des Werkbuchs erfolgte in enger Zusammenarbeit mit 

dem Künstler. Essays aus kunsthistorischer und kunst- und medientheoretischer Sicht 

erläutern das von Schinwald vielschichtig inszenierte Spiel aus Realität, Erfahrung 

und Wahrnehmung. 

Markus Schinwald questions the normal and its perception in artistic images through 

the alienation of space and the human body. At the centre of this publication are the 

amply presented installation photographs from Kunsthaus Bregenz, complemented by 

numerous depictions of pivotal works from the past few years. Essays elucidate Schinwald’s 

complex staging of the game of reality, experience and perception. The design of 

the artist’s-workbook was done in close collaboration with the artist. 

• Markus Schinwald, geb. 1973 in Salzburg, Österreich, arbeitet in den unterschiedlichsten 

Medien – Film, Skulptur, Malerei aber auch Design- und Kleiderentwurf. 

• Kunsthaus Bregenz, 2009 

Diana Thater. 

Gorillagorillagorilla 

Herausgegeben von Adam Budak und Peter Pakesch 

Texte von Giorgio Agamben, Bergit Arends, Adam Budak, Peter Pakesch, 

Laurence A. Rickels, Jason Smith und Frans B. M. de Waal 

Diana Thaters Wissen über Bilder ist geschult durch die Überlegungen konzeptioneller 

Kunst, die Erfahrung mit experimentellem Film und den Umgang mit den digitalen 

Bildern „neuer“ Medien. Ihr Interesse gilt der Frage, auf welche Art und Weise 

Menschen sehen. Thema ihrer großen Installation ist die 150-jährige Geschichte 

der medialen Repräsentation von Gorillas, die geprägt ist von Angst und Ekel. Den 

historischen Filmen setzt Thater eigene Bilder fundamentaler Schönheit entgegen, 

Filmaufnahmen, die sie über längere Zeit in Kamerun gemacht hat. 

The large-format video installations of Californian artist Diana Thater analyses the 

complexity of nature and its relationship with mankind. Her new work, gorillagorillagorilla 

is a study of human and animal behavior and the artist’s further investigation of 

the medium of video as an image production tool. The pictorial section comprises both 

installation shots from the Kunsthaus Graz and a photographic essay by Diana Thater 

with pictorial material generated during the fi lming of gorillagorillagorilla in Cameroon. 

• Diana Thater, geb. 1962 in San Francisco, USA, lebt und arbeitet in Los Angeles, USA. 

• Kunsthaus Graz, 31.01. – 17.05.2009 


21 x 29,5 cm, 92 pages, 


Hardcover 

English 

978-3-86560-625-9 

€ 29,80 / chf 49,90 

Art / Kunst 


Robert Mangold, 

born 1937 in North Tonawanda, 

New York, lives and works in 

Washingtonville, New York. 

Parasol Unit London, 2009 

Robert Mangold. 

X, Plus and Frame Paintings. Works from 1980s 

Edited by Ziba de Weck Ardalan 

Essays by Dieter Schwarz and Ziba de Weck Ardalan 

Robert Mangold is one of the foremost American artists of his time. Concentrating on 

Mangold’s works from the 1980s, the book explores three groups of paintings created 

between 1980 and 1986, entitled the X, Plus and Frame Paintings. The series of works 

included are the outcome of the artist’s extensive experimentation with multiple 

rectangles and squares, painted in vivid and intense colour combinations highlighting 

the interplay of scale and perception. Through examination of such works, this book 

charts the development of Mangold’s revolutionary approach to the relationship 

between fi gure and surface that played a pivotal role in his artistic career. The two 

catalogue essays by renowned contemporary art experts Dieter Schwarz and Ziba de 

Weck Ardalan investigate respectively the intellectual and visual effects of the X, Plus 

and Frame Paintings series and examine the process involved in the making of these 

paintings. A selection of illustrations of Mangold’s series make this book a truly vibrant 

and glowing publication. 

Robert Mangold ist einer der führenden amerikanischen Künstler unserer Zeit. 

Die Reihe X, Plus and Frame Paintings – Malereien, die zwischen 1980 und 1986 

entstanden – war der Anfang Mangolds umfangreicher Experimentierfreudigkeit 

mit Rechtecken, Quadraten und Kreisen in satten Farben und dynamischen 

Kombinationen. Mangolds revolutionärer Ansatz und die Auseinandersetzung mit 

dem Thema Gestalt und Oberfl äche ist ausschlaggebend für sein künstlerisches 

Schaffen. 


68 

23,5 x 32,2 cm, 150 Seiten, 

126 Duoton-Abbildungen. 

Hardcover 

Deutsch / English / Arabic 

978-9948-04-596-0 

€ 68,– / chf 115,– 

Kunst / Art 


Sharjah Art Museum 

2008–2009 

Focus Orient. 

Orientalistische Fotografi e des späten 19. und frühen 

20. Jahrhunderts, Thomas Walther Collection 

Vorwort von Thomas Walther. Texte von Andreas Blühm und Lily Farhoud 

Das Buch präsentiert auf 126 Tafeln in Duoton perfekt gedruckte Fotografi en des 

späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts aus dem Orient. Mit großer Kennerschaft 

wurden diese von dem international bekannten Sammler Thomas Walther über Jahre 

zusammengetragen. Es sind Dokumente einer längst verschwundenen Welt, welche 

einst die Fantasie der europäischen Maler und Schriftsteller befl ügelten. Früheste 

Fotografen wie u. a. Francis Frith, Émile Béchard, Félix Bonfi ls, Lehnert & Landrock 

erhalten in einem Zyklus von 126 Fotografi en komplex und übergreifend eine 

Werkschau ihrer Albuminabzüge, Gelatinesilberdrucke, Salzdrucke von Papier- und 

Glasnegativen. 

Focus Orient presents a rare collection of Orientalist photographs from the late 19th 

and early 20th centuries. The internationally renowned collector Thomas Walther is 

an authority on photography. After decades of collecting he has decided to show this 

extraordinary selection of Orientalist motifs from his private collection publicly for the 

fi rst time. The photographs are documents of a long lost world and one which once 

fi red the imagination of European artists and authors. The earliest photographers such 

as Francis Frith, Émile Béchard, Félix Bonfi ls, Lehnert & Landrock are preserved in a cycle 

of 126 photographs; a complex and comprehensive retrospective of their albumin prints, 

gelatine silver prints and salt prints from paper and glass negatives. 

distribution für galerie brigitte schenk, köln 


24 x 30 cm, 448 Seiten, 

67 farbige Tafeln und 

150 s/w Textabbildungen. 

Broschur 

Deutsch 

978-86560-641-9 

€ 49,90 / chf 84,– 

Kunst / Art 


Staatliche Kunstsammlungen 

Dresden, 2009 

Verwandelte Götter – Antike Skulpturen 

des Museo del Prado 

Herausgegeben von Stephan F. Schröder 

Texte von Miguel Ángel, Elvira Barba, Beatrice Caciotti, José Beltrán Fortes, 

Dagmar Grassinger, Rolf Hurschmann, Kordelia Knoll, Frank Martin, Joachim Raeder, 

Stephan F. Schröder, Friederike Sinn, Christiane Vorster und Paul Zanker 

In diesem Katalog treffen zwei bedeutende Antikensammlungen zusammen, die 

nicht nur die gleichen historischen Wurzeln haben und die berühmten Werke 

antiker Skulptur ihr eigen nennen, sondern die sich auch in der großen Vielfalt ihres 

Bestandes ähneln. Sie haben außerhalb Italiens ihre ganz eigene Entwicklung genommen. 

An den Dresdner Antiken formten sich mit Johann Joachim Winckelmann die 

Leitgedanken des europäischen Klassizismus, und in gesellschaftlicher und kultureller 

Hinsicht wirkten sie bis ins 20. Jahrhundert hinein. Beide haben ihren Ursprung in 

Rom, wo sie im Laufe des 17. und 18. Jahrhunderts zusammengetragen wurden. Für die 

Ausstellung, die der Katalog begleitet, wurde unter den Hauptwerken der Dresdner 

Sammlung – Skulpturen nach Vorbildern der griechischen Klassik, des Hellenismus 

und der römischen Kaiserzeit – eine Auswahl an 42 Zimelien antiker Bildhauerkunst 

getroffen. Zur Dresdner Auswahl ordnen sich 18 kostbare Skulpturen aus dem Prado, 

die noch nie außerhalb Madrids zu sehen waren. Ergänzend zum reichen Abbildungsteil 

enthält der Katalog substanzielle, verständlich geschriebene Essays, die die neuen 

Forschungsergebnisse berücksichtigen. 

Two important collections of ancient art, which not only have the same historical roots 

and include the most renowned works of ancient sculpture, but which are also very 

similar in the huge variety of their inventories, are brought together in this exhibition 

catalogue. 


70 

20 x 26 cm, 192 Seiten, 


Broschur 

Deutsch / English / French 

978-3-86560-620-4 

€ 23,– / chf 41,– 



13 x 20 cm, 328 Seiten, 


Hardcover 


978-3-86560-581-8 

€ 19,80 / chf 35,90 

Design 


Jens Haaning. 

Nichts Neues / Nothing New / Rien de nouveau 

Herausgegeben von Jeanette Pacher und Jens Haaning 

Texte von Robert Gassner, Jens Haaning, Søren Heuseler, Poul Pilgaard Johnsen, 

Lars Bang Larsen, Mette Mortensen, Anne Ring Petersen, Trine Ross, Katrine Nyland 

Sørensen, Jørgen Staun, Camilla Stockmann 

Formal folgt dieses Künstlerbuch der Idee der klassischen Künstlermonografi e – die 

Arbeiten von 1994 bis 2008 mit vielen Abbildungen stehen im Zentrum des Buches. 

Inhaltlich bricht Haaning jedoch dieses Format auf, sei es durch subtile Verschiebungen 

in der Aufbereitung der Informationen oder durch seine Entscheidung, die 

sonst üblichen Auftragstexte von TheoretikerInnen und KritikerInnen mit Artikeln, die 

in dänischen Medien erschienen sind, zu ersetzen. 

Jens Haaning. Nothing New offers an overview of the artist’s work from 1994 to 2008. 

The richly illustrated artist book formally follows the conception of the classical artist 

monograph; contentwise, however, Haaning opens up this format, be it by means of 

subtle shifts in the way information is edited, or be it due to his decision to replace the 

conventional commissioned texts from theorists and critics with articles that have been 

published in Danish media. 

• Jens Haaning, geb. 1965 in Hoersholm, Dänemark, lebt und arbeitet in Kopen hagen. 

• Secession, Wien, 2007 

Uta Brandes – she, and she as a collective novel 

Herausgegeben von Michael Erlhoff 

Ein Geschenk der Freunde zum 60. Geburtstag von Uta Brandes, interessant und 

unterhaltsam zu lesen. 

This book was written by friends of Uta Brandes and besides being an absorbing and 

delightful read, it offers opportunities to think about identity, the relationship between 

the genders, about cars and secret agents, history and life, biography and design. And, of 

course, it provides insightful, as well as entertaining, information about Uta Brandes as 

a researcher and as a woman. 

• Uta Brandes, geb. 1949, ist Professor für Gender und Design an der Köln International 

School of Design. Lebt und arbeitet in Köln. 

• Autoren u. a.: Gudrun Axeli-Knapp, Silke Becker, Regina Becker Schmidt, Tim Benson, 

Bazon Brock, Wan-Ru Chou, Susanne Dickel, Jürgen Häusler, Philipp Heidkamp, 

Achim Heine, Motoko Ishii, Lorraine Justice, Welfhard Kraiker, Alfred Krovoza, Cheng- 

Neng Kuan, Birgit Mager, Tim Marshall, Albert Mayr, Alessandro Mendini, Sigrid 

Metz-Göckel, Hanna Mittelstädt, Anthony Moore, Christina Moritz, Sandra Müller, 

Shutaro Mukai, Milena Mussi, Kunihiko Nakagawa, Claudia Neumann, Sybille 

Petrausch, Marco Piva, Britta Pukall, Dieter Rams, Christine Reck und Hans Ulrich Reck 


22 x 28 cm, 140 Seiten, 

ca. 45 farbige und 

25 s/w Abbildungen. 

Softcover 


978-3-86560-657-0 

€ 29,90 / chf 49,90 

Kunst / Art 


Kunsthaus Graz, 

06.06. – 06.09.2009 


Saâdane Afi f, Cory Arcangel, 

Art & Language mit 

The Red Crayola, Sam Durant, 

Kim Gordon & Jutta Koether, Renée 

Green, Stefan Hablützel, Mike Kelley, 

Klara Lidén, Lucy McKenzie, Dave Muller, 

Albert Oehlen, Katrin Plavcak, 

Mathias Poledna, Uwe Schinn, 

Nico Vascellari. 

Schere – Stein – Papier. / Rock – Paper – Scissors. 

Pop-Musik als Gegenstand Bildender Kunst / Pop Music as 

Subject of Visual Art 

Einleitung von Peter Pakesch. Texte von Diedrich Diederichsen, Christian Höller, 

Dirck Linck, Nora Sdun 

Popmusik ist ein Hybride, den einst die Parallelität von Bild und Ton, von Fernsehen, 

Fanmagazinen und Plattencovern hervorgebracht hat. Nicht musikalische Valeurs, 

sondern das Gefühl direkter Verbundenheit mit Personen bildet ihren Kern. Diese können 

als Sex-Objekte ebenso wie als Verkörperung neuer Lebensformen funktionieren. 

Für die bildende Kunst ist das System Popmusik ein herausfordernder Zerrspiegel und 

zugleich eine Konkurrenzveranstaltung. In Schere – Stein – Papier sind Künstlerinnen 

und Künstler versammelt, deren Werk und Methoden schon lange von einer engen 

Beziehung zur Popmusik bestimmt sind. 

Im vorliegenden Katalog machen sich Kurator Diedrich Diederichsen sowie renommierte 

Autoren Gedanken über die wilde Wechselbeziehung Popmusik – bildende 

Kunst während der letzten sehr ereignisreichen 50 Jahre zwischen den ersten Fernsehpopstars 

und dem heutigen YouTube-Alltag. 

Pop music is a hybrid originally spawned by the parallelism of sound and image found 

in TV programmes, fanzines and record covers. At its heart is a feeling of direct involvement 

with people rather than musical values. These can function as sex objects or the 

embodiment of new lifestyles. For art, the system of pop music is as much a disturbing 

mirror as a rival event. Rock – Paper – Scissors brings together artists whose works and 

techniques have long been defi ned by a close relationship with pop music. 

In the present catalogue, Dirck Linck, Nora Sdun, Christian Höller and curator Diedrich 

Diederichsen ponder about pop music and art and their wild but reciprocal relationship 

during the last turbulent fi fty years between the fi rst TV pop stars and the YouTube 

reality of today. 


Editionen Vorzugsausgaben: 

Bereits angekündigt / Previously 

announced: 

Allora & Calzadilla. 

Stop, Repair, Prepare: Variationen 

zur Ode „An die Freude“ für ein 

präpariertes Klavier / Variations on 

“Ode to Joy” for a Prepared Piano 

Köln 2009. 21 x 26,5 cm, 80 Seiten, 

27 s/w und 22 farbige Abbildungen, 

Hardcover, im Stülpdeckelkarton. 

Die Vorzugsausgabe enthält eine nummerierte 

und signierte Farbfotografi e 

im Format 20,5 x 30,5 cm. 

Aufl age: 20 + 5 A.P. Exemplare, signiert 

und nummeriert. 

Preis: € 298,– 

Olaf Nicolai. 

Conversation Pieces 

Köln 2009. 22 x 32 cm, 186 Seiten, 16 s/w 

und 48 farbige Abbildungen, alle drei 

Bände als Broschur mit Banderole. 

Der Vorzugsausgabe liegt eine Mappe 

mit drei farbigen, signierten und nummerierten 

Fotos im Format 21 x 31,5 cm (2) 

und 21 x 29 cm bei. 

Aufl age: 20 + 5 A.P. Exemplare, 

signiert und nummeriert. 

Preis: € 480,– 

Neu / New 2009: 

Werner Büttner. 

Lohn des Schweigens. 

Erotica, Dionysiaca, Vanitatia 

Hrsg. von Werner Büttner. Köln 2009. 

17,5 x 23,5 cm, 144 Seiten, 63 farbige 

ganzseitige Abbildungen. Leineneinband, 

im Stülpdeckelkarton, 

25,5 x 33,5 cm. 

Das nummerierte und signierte Buch 

in leinenbezogener Kassette mit einer 

farbigen, nummerierten und signierten 

Collage. 

Aufl age: 30 Exemplare, signiert und 

nummeriert, davon die Exemplare 

1 bis 7 + 2 A.P. Exemplare, mit Collage, 


Preis: € 1.800,– 

72 

Enrico David. 

Köln 2009. 18,8 x 26 cm, 52 Seiten mit 

44-seitigem Insert, 22 farbige Abbildungen. 

Hardcover. 

Ca. 50 x 45 cm Siebdruck. Eingelegt 

in einem dreiseitig aufklappbaren 

schwarzen Pappkarton mit Befestigungslaschen. 

Fat Poof, der Titel der Edition von 

Enrico David, erscheint zusammen mit 

einer signierten und nummerierten 

Ausgabe des Buches. 

Aufl age: 20 + 5 A.P. Exemplare 

Preis auf Anfrage 

Bernhard Fuchs. 

Straßen und Wege / Roads and Paths 

Bottrop 2009. 24,5 x 27,8 cm, 120 

Seiten, mit 53 farbigen ganzseitigen 

Abbildungen. Leineneinband, im Stülpdeckelkarton, 

33 x 35 cm. 

Die Vorzugsausgabe erscheint in zwei 

Varianten, in englischer und deutscher 

Sprache. Sie enthält eine beigelegte, 

nummerierte und signierte Farbfotografi 

e im Format 20,5 x 21 cm, im 

Passepartout 32,5 x 34,7 cm. 

Aufl age: deutsch 20 + 5 A.P. Exemplare, 


englisch 20 + 5 A.P. Exemplare, 


Preis: € 380,– 

Katharina Grosse. 

Shadowbox 


36 farbige Abbildungen. Broschiert. 

Ca. 40 x 50 x 60 cm. 

Katharina Grosse hat aus PU-beschichteten, 

farbig besprayten Styroporblöcken 

eine Zwischenform aus funktionalem 

Präsentationsdisplay und 

konzeptionellem Objekt geschaffen. 

Aufl age: 20 + 5 A.P. Exemplare 

Preis: € 450,– 


Richard Hawkins. 

Of two minds, simultaneously 


100 farbige Abbildungen, im Schuber. 

Im Unterschied zur handelsüblichen 

Ausgabe sind der Vorzugsausgabe 

handgefertigte Collagen hinzugefügt. 

Hawkins verwendet Bilder aus der 

Alltagskultur – aus Modekatalogen und 

Magazinen – und produziert dadurch 

eine weitere assoziative Ebene. 

Jedes der 20 Exemplare ist individuell 

bearbeitet. 



Preis: € 428,– bis 30.06.2009, 

ab 01.07.2009 € 480,– 

Johannes Wohnseifer. 

White Men 

Köln 2009. 20 x 23 cm, 64 Seiten 

mit 32 montierten Tafeln. Broschiert. 

Das Buch erscheint nur als Vorzugsausgabe. 



Preis: € 440,– bis 30.06.2009, 

ab 01.07.2009 € 480,–

14,5 x 24 cm, 190 pages, 


Softcover 

English 

978-3-86560-569-6 

€ 19,80 / chf 35,90 

Art / Kunst 


15,5 x 24 cm, 272 Seiten, 


Leinen mit Prägung 

978-3-86560-371-5 

€ 38,– / chf 64,– 



koenig books, london 

A Question of Evidence 

Texts by Jeebesh Bagchi, Diana Baldon, Monique Behr, Gabrielle Cram, T. J. Demos, 

Francesca von Habsburg, Amar Kanwar, Sybille Krämer, Charles Merewether, 

Aung Myint Htet, et al. 

The catalogue incorporates a variety of artistic and cultural approaches – including 

moving image, still photography, text, archival material, installation, and theatrical 

performance – that encompass diverse viewpoints on the nature and function of 

representation in the face of ‘real’ events and socio-political circumstances. Some 

participants present a side of their practice that is interdisciplinary, collaborative, or 

hybrid. Most of them, in fact, regularly collaborate with grassroots collectives that, 

faced with restricted channels of communication, manage to conduct research and 

disseminate information through Internet-based networks, video and fi lm databases, 

open-source initiatives, and other means. 

Die Publikation präsentiert eine Auswahl von Künstlern und Produzenten aus dem 

süd- und zentralasiatischen Raum, die in ihren Arbeiten eine persönliche und oftmals 

poetische Dringlichkeit vermitteln und dabei kritische Perspektiven auf politisch 

brisante Realitäten einnehmen. 

• Thyssen-Bornemisza Art Contemporary, Vienna, 2009 

• Artists / Künstler: Nikolaus Hirsch & Michel Müller (Germany), Amar Kanwar (India), 

Raqs Media Collective (India), Ritu Sarin & Tenzing Sonam (India/Exile-Tibetans), 

in collaboration with Amnye Machen Institute (India), Heman Chong (Singapore), 

Cybermohalla Ensemble (India), Gonkar Gyatso (UK/Exile-Tibetans), Marine Hugonnier 

(France/UK), Khin Khin Su (Birma), Pak Sheung Chuen (Hong Kong), Qiu Zhijie (China). 

bereits angekündigt / previously announced 

John Stezaker. 

3rd Person Archive 

Seit 30 Jahren sammelt John Stezaker fotografi sche Stadtansichten aus den 1920er 

und 1930er Jahren. Sein Interesse gilt den dort meist zufällig mit aufgenommenen 

Personen. Hunderte von meist briefmarkengroßen Ausschnitten erfasst er in seinem 

The 3rd Person Archive und beschreibt dieses Archiv als Möglichkeit, in der Zeit zu 

reisen. Die „Miniaturen“, vierfarbig von Schwarzweiß-Vorlagen reproduziert, haben 

für den Leser eine enorme Imaginationskraft. Er fühlt sich als Voyeur, der unbeteiligt 

Schicksale und Begegnungen von Menschen in urbanen Labyrinthen beobachtet, 

eine surreale Situation, die ebenso befremdlich wie faszinierend ist. 

John Stezaker has been collecting photographic city views from the 1920s and 1930s for 

thirty years. His interest lies in the people that were usually photographed by chance. 

In his The 3rd Person Archive, he records hundreds of mostly stamp-size details. He 

describes the archive as a possibility to travel in time. For the viewer, these ‘miniatures’, 

four-colour reproductions of the black-and-white originals, unfold an enormous imaginative 

power. One feels like a voyeur observing, in an uninvolved way, the fates and 

encounters of people in urban labyrinths, a surreal situation that is as disconcerting as 

it is fascinating. 

• John Stezaker, geb. 1949 in Worcester / GB. Lehrer von Peter Doig u.a. 

Lebt und arbeitet in London. 


74 

39 x 26 cm, 252 Seiten, 

187 Farbtafeln, 9 Einsteckblätter. 

Leinen 


978-3-86560-476-7 

€ 148,– / chf 248,– 

Kunst / Art 

Oktober / October 2008 

Sigmar Polke, geb. 1941 in Oels, 

Niederschlesien, lebt und arbeitet 

in Köln und Hamburg. 

52. Biennale von Venedig, 2007 


Sigmar Polke. 

Achsenzeit / Axial Age 

Essay von Chrissie Iles 

Achsenzeit lautet der Titel einer Serie von sieben Gemälden von 2005 – 2007, 

deren Malprozess Sigmar Polke fotografi sch dokumentiert hat. Für dieses Buch 

hat er 187 seiner Fotografi en ausgewählt, die als farbige Tafeln durchgehend 

ganzseitig abgebildet sind. Aus unterschiedlichen Blickwinkeln und mit 

unterschiedlichen Lichtverhältnissen macht Polke die Materialität der Bilder 

und ihre strukturelle Vielschichtigkeit sichtbar. Sigmar Polke hat den gesamten 

Entstehungsprozess des Buches, das deutlich wie selten zuvor Analogien zu seinem 

Gesamtwerk herstellt, begleitet. 

2007 zeigte Robert Storr die großformatigen Achsenzeit-Gemälde (300 x 480 cm) in 

der Ausstellung Think with the Senses – Feel with the Mind: Art in the Present Tense auf 

der 52. Biennale von Venedig. 

Axial Age is the title of a series of seven paintings completed by Sigmar Polke between 

2005 and 2007. With his camera, Polke created a fascinating photo documentary of the 

painting process, including 187 images specially selected by the artist to be featured in 

this book. Each image is reproduced as a high quality, full-page colour plate. 


25 x 27 cm, 256 Seiten, 

138 farbige ganzseitige 

Abbildungen. Leinen mit 

Schutzumschlag 


978-3-86560-501-6 


978-3-86560-530-6 

€ 68,– / chf 115,– 


Oktober / October 2008 

On Kawara, geb. 1933 in Kariya / Aichi, 

Japan, lebt und arbeitet in New York. 

Candida Höfer, geb. 1944 in Eberswalde, 



Candida Höfer. On Kawara. 

Date Paintings 

Vom 4. Mai 2004 bis zum 17. Juni 2007 war Candida Höfer auf Reisen, um in privaten 

Sammlungen die Datumsbilder von On Kawara aufzunehmen. Sie begann in Köln und 

beendete das Projekt in Frankreich. Während sie in Island, Schweden oder Österreich 

nur jeweils ein Reiseziel dokumentieren konnte, fand sie in Deutschland, Belgien, der 

Schweiz, Frankreich, England, den USA und Japan zahlreiche Arbeiten. 

Entstanden sind keine Architekturstudien, sondern Lebensstudien, Forschungen im 

Feld der Befi ndlichkeiten abwesender Personen. Es sind Räume, in denen Menschen 

leben, die jedoch selbst niemals sichtbar werden, sondern sich durch die von ihnen 

bewohnten Situationen sozusagen unfreiwillig und ohne Ähnlichkeiten im mimetischen 

Sinne „porträtiert“ fi nden. 

Ob elegante Wohnungen in großen, repräsentativen Häusern oder spartanische 

Apartments – die Sammler sind herausgefordert, für die auratischen Bilder den richtigen 

Platz zu fi nden. Die dokumentarischen Fotos zeigen häusliche Privatszenen eines 

Sammlertypus, dessen Wohnungen niemals in Lifestyle-Magazinen zu fi nden sind. 

On Kawaras Datumsbilder wurden häufi g mit Worten beschrieben, mit denen auch 

die Fotoszenen Candida Höfers dokumentiert werden – Ruhe, Stille, Ausgeglichenheit. 

For this book, the photographer Candida Höfer travelled through Asia, America and 

Europe between 2004 and 2007 to take pictures of On Kawara’s Date Paintings in the 

spaces of private collectors. On Kawara created his famous Date Paintings from 1960 on. 

On her trip following the trace of these pictures, Candida Höfer performed photographic 

‘fi eld work’. The collectors are never depicted, yet they are objectively portrayed all the 

same through the situations in which they live. 



Text 1961 bis 2007 

17,7 x 23,2 cm, 600 S., 104 Abb., 

gebunden, Dt. 

978-3-86560-185-8 

€ 48,– / chf 81,– 

Hans-Peter Feldmann. 

Album 

24 x 30 cm, 308 S., 3.000 Abb. 

gebunden 

978-3-86560-260-2 

€ 68,– / chf 115,– 

Experiment Marathon. 

Hans Ulrich Obrist & 

Olafur Eliasson 

16 x 21,4 cm, 215 S., 283 Abb. 

broschiert, Engl. 

978-3-86560-507-8 

€ 24,80 / chf 44,– 

Simryn Gill 

18 x 24 cm, 160 S., 130 Abb. 


978-3-86560-399-9 

€ 28,– / chf 49,– 

76 


Wald 

16 x 24 cm, 396 S., 285 Abb. 

gebunden, Dt. 

978-3-86560-503-0 

€ 58,– / chf 98,– 

aus unserer backlist / from our backlist 

Jörg Immendorff. 

Zeichne / Draw 

24,5 x 32 cm, 288 S., 537 Abb. 

gebunden, Dt. / Engl. 

978-3-86560-321-0 

€ 78,– / chf 132,– 

Richard Prince. 

3rd Place. A Children’s 

Colouring Book 

21,5 x 27,5 cm, 82 S., 72 Abb. 

broschiert 

978-3-86560-492-7 

€ 14,80 / chf 27,50 

Yoko Ono. 

Between The Sky And My Head 

17,5 x 24 cm, 208 S., 183 Abb. 

gebunden, Engl. 

978-3-86560-531-3 

€ 29,80 / chf 49,90 

Richard Hawkins. 

Of Two Minds, Simultaneously 

21 x 26 cm, 208 S., 100 Abb. 


978-3-86560-425-5 

€ 38,– / chf 64,– 

Looking for Mushrooms 

Beat Poets, Hippies, Funk, 

Minimal Art 

21 x 28 cm, 240 S., 216 Abb. 

broschiert, Dt. / Engl. 

978-3-86560-548-1 

€ 38,– / chf 64,– 

Ays¸e Erkmen. 

Weggefährten 

21,3 x 28,4 cm, 240 S., 137 Abb. 


978-3-86560-516-0 

€ 29,80 / chf 49,90 

Florian Pumhösl 

21 x 27,5 cm, 142 S., 77 Abb. 


978-3-86560-461-3 

€ 22,– / chf 39,– 


Un Coup de Dés. 

21,5 x 28 cm, 250 S., 300 Abb. 


978-3-86560-543-6 

€ 38,– / chf 64,– 

Reiner Ruthenbeck. 

Werkverzeichnis / Catalogue 

Raisonné 

24 x 32 cm, 400 S., 400 Abb. 

gebunden, Dt. 

978-3-86560-502-3 

€ 58,– / chf 98,– 

Tatiana Trouvé 

24,5 x 28,5 cm, 244 S., 194 Abb. 

gebunden 

Engl. 978-3-86560-352-4 

Frz. 978-3-86560-443-9 

€ 49,80 / chf 84,– 

Maria Eichhorn. 

The Artist’s Contract 

16,5 x 24 cm, 300 S., 50 Abb. 


978-3-86560-421-7 

€ 29,80 / chf 49,90

Index 

A 

Angel Dust . . . 56 

Al-Ghoussein, Tarek . . . 70 

Allora & Calzadilla . . . 73 

B 

Baldessari, John . . . 43 

Baumgarten, Lothar . . . 23 

Beckmann, Otto . . . 58 

Birnbaum, Charlotte . . . 24 

Birnbaum, Dara . . . 30 

Bismarck, Beatrice von . . . 39 

Bock, John . . . 53 

Boltanski, Christian . . . 1, 43 

Brandes, Uta . . . 70 

Brandlhuber . . . 35 

Braun, Matti . . . 18 

Büttner, Werner . . . 33, 72 

C 

Caspari, Carlheinz . . . 39 

Cattelan, Maurizio . . . 59 

Chapman, Jake & Dinos . . . 19 

Chisa, Anetta Mona . . . 61 

Conversation Series, The . . . 42f. 

D 

Dahn, Walter . . . 35 

David, Enrico . . . 12, 72 

Dörstel, Wilfried . . . 39 

E 

Eriksson, Andreas . . . 65 

Erkmen, Ays˛e . . . 22 

Exile on Main St. . . . 51 

F 

Fabre, Jan . . . 65 

Focus Orient . . . 68 

Fuchs, Bernhard . . . 11, 72 

G 

Genzken, Isa . . . 2f. 

Grenier, Catherine . . . 1 

Grochowiak, Thomas . . . 46 

Grasskamp, Walter . . . 46 

Grosse, Katharina . . . 31, 72 

H · I · J 

Haaning, Jens . . . 70 

Hawkins, Richard . . . 73 

Henneken, Uwe . . . 54 

Herzog & de Meuron . . . 63 

Höfer, Candida . . . 6f., 75 

Hoerle, Angelika . . . 48 

Indian Highway . . . 26 

Jacob, Luis . . . 29 

K 

Kami, Y.Z. . . . 52 

Kanwar, Amar . . . 58 

Kawara, On . . . 75 

Keyser, Raoul De . . . 48 

Kelm, Annette . . . 10 

Kiecol, Hubert . . . 18 

KölnSkulptur . . . 47 

Kogler, Peter . . . 55 

Kriesche, Richard . . . 60 

Krystufek, Elke . . . 56 

Kuehn Malvezzi . . . 6 

Kunstwissenschaftliche 

Bibliothek . . . 38f. 

L 

Lassnig, Maria . . . 20 

Lempert, Jochen . . . 40 

Lewandowsky, Via . . . 60 

M · N 

Malewitsch, Kasimir . . . 45 

Making of Art . . . 16 

Man Ray . . . 21 

Mangold, Robert . . . 67 

Manual for the 21st Century . . . 25 

Margreiter, Dorit . . . 56 

Marx, Harald . . . 44 

Medium Religion . . . 49 

Meese, Jonathan . . . 14 

Mekas, Jonas . . . 27 

Mir, Aleksandra . . . 57 

Møller, Simon Dybbroe . . . 57 

Molderings, Herbert . . . 21 

Morris, Sarah . . . 15 

Moudov, Ivan . . . 62 

Moulène, Jean-Luc . . . 13 

Näher, Christa . . . 24 

Nicolai, Olaf . . . 73 

O 

Opie, Julian . . . 50 

Österreich-Pavillon . . . 56 

Oulton, Dick . . . 54 

Oursler, Tony . . . 50 

P · Q 

Paik, Nam June . . . 32, 46 

Parades and Processions . . . 62 

Pickshaus, Peter Moritz . . . 46 

Polke, Sigmar . . . 4f., 74 

Question of Evidence . . . 73 

R 

Radical Nature . . . 17 

Richter, Gerhard . . . 8f., 36f. 

Robbrecht & Daem . . . 34 

Roth, Daniel . . . 28 

S 

Schere – Stein – Papier . . . 71 

Schinwald, Markus . . . 66 

Sehnsucht und Wirklichkeit . . . 44 

Slominski, Andreas . . . 64 

So ist es und anders . . . 64 

Starling, Simon . . . 31, 72 

Stezaker, John . . . 73 

Streeruwitz, Marlene . . . 61 

Synergien / Energien . . . 46 

T · V 

Thater, Diana . . . 66 

Thek, Paul . . . 24 

Tkácová, Lucia . . . 61 

Verwandelte Götter . . . 69 

W · Z 

Warren, Rebecca . . . 26 

Weinberger, Franziska & Lois . . . 56 

Weiwei, Ai . . . 63 

Wilmes, Ulrich . . . 8 

Wohnseifer, Johannes . . . 72 

Wool, Christopher . . . 41 

Zobernig, Heimo . . . 52

verlag der buchhandlung 

walther könig, köln 

Ehrenstraße 4, d-50672 Köln 

tel. +49 (0)221 205 96 53 

fax +49 (0)221 205 96 60 

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Verlag der Buchhandlung Walther König Sommer / Summer 2009

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