Verlag der Buchhandlung Walther König

Verlag der Buchhandlung 

Walther König 

Sommer / Summer 2010

Auslieferungen + Vertreter / 

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Niedersachsen, Hamburg, 

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Saarland 

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Bayern und Österreich 

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verlag der buchhandlung 

walther könig, köln 

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Alle Preise inkl. MwSt. freibleibend. 

Cover: © 2005 Eteri Chkadua, 

Courtesy Sperone Westwater, New York 

aus / from: Gender Check, 2010

17 x 24,5 cm, 632 Seiten, 

88 farbige Tafeln und 86 s/w Abb. 

Hardcover 

Deutsch / English 

978-3-86560-789-8 

€ 48,– 

Kunst / Art 

Nationalgalerie, Berlin, 

04.06. – 27.09.2010 

Autoren / Authors: 

Chimanda Ngozi Adichie, Akin 

Adesokan, Anthony Asiwaju, Daniela 

Bystron, Nnamdi Elleh, Fatima El-Tayeb, 

Bartholomäus Grill, Ryszard 

Kapuscinski, Udo Kittelmann, Horst 

Köhler, Dambisa Moyo, Chika Okeke- 

Agulu, Britta Schmitz, Helmut Strizek, 

Ilija Trojanow, Ulf Vierke, Abdourahman 

Ali Waberi, Binyavanga Wainaina, 

Paul Zeleza, Joachim Zeller, 

Maren Ziese, Christoph Schlingensief 

sommer / summer 2010 

Who Knows Tomorrow. 

Herausgegeben von Udo Kittelmann, Chika Okeke-Agulu und Britta Schmitz 

Dieser reich illustrierte Reader refl ektiert die Situation Afrikas zu Beginn des 21. Jahrhunderts. 

In Essays, literarischen und wissenschaftlichen Texten wird das zeitgenössische 

Afrika und seine kulturelle Landschaft vor der Folie der Kolonialgeschichte betrachtet. 

Eigenheiten von Film, Kunst und Architektur in Afrika werden ebenso untersucht wie 

deren Bezüge zu internationalen Tendenzen. Darüber hinaus wird der westliche Blick auf 

Afrika hinterfragt und in einen historischen Kontext eingebettet. Ein Beitrag geht beispielsweise 

näher auf die vor 125 Jahren stattgefundene Berliner Afrika-Konferenz ein, 

deren Konsequenzen bis heute in den Grenzverläufen der Länder Afrikas weiter wirksam 

sind. Darüber hinaus zeigen die Essays die historischen Verbindungen und Abhängigkeiten 

zwischen Afrika und Europa auf und thematisieren Aspekte der Identitätsfi ndung 

und Globalisierung, die gegenwärtig eine aktuelle Brisanz erfahren. 

Im umfangreichen Künstlerteil auf farbigen Tafeln treten 5 international geschätzte 

Künstler afrikanischer Herkunft in den Dialog mit den Häusern der Berliner Nationalgalerie 

(Hamburger Bahnhof, Alte und Neue Nationalgalerie, Friedrichs werdersche 

Kirche): El Anatsui, Zarina Bhimji, António Ole, Yinka Shonibare und Pascale Marthine 

Tayou. 

This richly illustrated reader refl ects on the situation in Africa at the beginning of the 21st 

century. Contemporary Africa and its cultural landscape is regarded through the lens of colonial 

history using literary and scientifi c texts. The characteristics of fi lm, art and architecture 

in Africa are explored, as is its position within international trends. Furthermore, the Western 

view of Africa is questioned and embedded in a historical context. One contribution, for example, 

takes a closer look at the Berlin Africa Conference, which took place 125 years ago, the 

consequences of which still affect the defi nition of borders between African nations today. 

Additionally, the essays question which and whose history is told and dealt with. They illustrate 

the historical connections and dependencies between Africa and Europe and explore 

the highly topical aspects of identity and globalisation. 

5 internationally acclaimed artists of African heritage enter into dialogue with the 

buildings of the Berlin National Gallery (Hamburger Bahnhof, Alte and Neue Nationalgalerie, 

Fried richswerder Church) on colour plates, in the extensive artist section of the book: 

El Anatsui, Zarina Bhimji, António Ole, Yinka Shonibare and Pascale Marthine Tayou. 

verlag der buchhandlung walther könig, köln 1

2 sommer / summer 2010 

Essays by Eric de Chassey, Richard Deacon, Julian Heynen, Phyllis Tuchmann and 

Claire Wallis 

Richard Deacon is internationally acknowledged as one of the leading fi gures in contemporary 

sculpture. A self-professed ‘fabricator,’ he has explored the potential of numerous 

materials, including wood, metal, ceramic, resin, fabric, paper, vinyl and plastic 

since the early 1980s. His sculptures, heirs to a Minimalist approach, conceal nothing of 

the technical processes of their production and constitute a universe of pervasively sensual 

and sometimes biomorphic forms. 

This catalogue contains a representative selection of sculptures, drawings, prints and 

photographs from various phases in Deacon’s career. The latter comprise an autonomous 

body of work, yet one indissolubly linked with his formal sculptural research. The 

book also includes a number of previously unpublished texts by the artist, which punctuate 

essays by Eric de Chassey, Julian Heynen, Phyllis Tuchman and Clarrie Wallis, offering 

a privileged insight into the development of his work. 

verlag der buchhandlung walther könig, köln

25 x 28 cm, 278 Seiten, 

307 meist farbige, teils ganz- 

bzw. doppelseitige Abbildungen. 

Hardcover 

Deutsche Ausgabe: 

978-3-86560-757-7 

€ 39,80 

English edition: 

978-3-86560-793-5 

€ 39,80 

Kunst / Art 

Richard Deacon, geb. 1949 

in Bangor, Wales, lebt und arbeitet 

in London und New York. 

Musée d’Art moderne et contemporain 

de la Ville de Strasbourg & Museé 

des Arts décoratifs de Strasbourg, 

04.06. – 26.09.2010 

Sprengel Museum, Hannover, 

23.01. – 15.05.2011 


Richard Deacon. 

The Missing Part. Retrospective Catalogue 

Texte von Eric de Chassey, Richard Deacon, Julian Heynen, Phyllis Tuchmann und 

Claire Wallis 

Die hier vorliegende Monografi e bietet einen umfassenden Überblick über Richard 

Deacons bildhauerisches und zeichnerisches Schaffen. Sie versammelt über 100 Werke 

aus Museen und Privatsammlungen sowie aus dem persönlichen Fundus des Künstlers: 

Angefangen mit seinen ersten Arbeiten aus den 1970er Jahren – darunter Druckgrafi 

ken und Archivaufnahmen seiner frühen Performances, die hier erstmals publiziert 

werden – bis hin zu seinen jüngsten Werken. 

Seit Beginn der 1980er Jahre erforscht Deacon als erklärter „Fabrikateur“ das Potenzial 

verschiedenster Materialien, darunter Holz und Metall, aber auch Keramik und Harz, 

Gewebe und Papier, Vinyl oder Kunststoff. Seine Werke, vom Erbe des Minimalismus 

beeinfl usst, verbergen in keiner Weise die technischen Abläufe, aus denen sie hervorgehen. 

So entsteht ein Universum durchdringend sinnlicher, mitunter eindrücklich 

biomorpher Formen. Essays von Eric de Chassey, Julian Heynen, Phyllis Tuchman und 

Clarrie Wallis sowie zahlreiche bislang unveröffentlichte Texte des Künstlers bieten 

ungewöhnliche Einblicke in Deacons Œuvre und dessen Entwicklung. Das Buch entstand 

in enger Zusammenarbeit mit dem Künstler, der maßgeblich an dessen Konzeption 

beteiligt war. 



Die Sammlung Daled in Brüssel galt bislang als eine der berühmtesten, aber zugleich 

unbekanntesten Sammlungen konzeptueller Kunst. Erstmals nun wird sie mit dieser 

umfangreichen Publikation der Öffentlichkeit präsentiert. Die rund 500 Arbeiten, 

die die Sammler zwischen 1966 und 1978 erwarben, sind im Buch in einer vollständigen 

Inventarliste nebst Ankaufpreisen dokumentiert. Der Bildteil umfasst mehr als 

200 Farbtafeln und zeigt Schlüsselwerke der in der Sammlung vertretenen Künstler 

wie Vito Acconci, Carl Andre, Robert Filliou, On Kawara, Richard Long, Bruce Nauman, 

Ian Wilson u. v. a. In zahlreichen Statements äußern sich Herman und Nicole Daled 

zu ihrer Sammlertätigkeit. Die Genese der Sammlung vor ihrem zeitgeschichtlichen 

Hintergrund wird in einem ausführlichen Essay von Birgit Pelzer erläutert. Mit vielen 

interessanten Querbezügen dokumentiert Pelzer sowohl das Schaffen der einzelnen 

Künstler als auch deren Bedeutung innerhalb der Sammlung. Der Harvard-Kunsthistoriker 

Benjamin H. D. Buchloh stellt in seinem Beitrag die Sammlung Daled in den 

Kontext der Kunst der 1960er und 1970er Jahre. Ein umfangreiches Kapitel des Buches 

gewährt Einblick in das die Sammlung begleitende Archiv. Nahezu einmalig sind die 

Dokumente, die Herman und Nicole Daled akribisch genau ablegten und die bisher 

unveröffentlicht sind: Briefe, Notizen, Skizzen, Ausstellungseinladungen, Fotografi en 

etc. Eine ausführliche Chronologie zur Sammlungsgeschichte vervollständigt dieses 

Standardwerk. 

Die Banderole wurde von Lawrence Weiner gestaltet. 


20,5 x 27 cm, 456 pages, 

192 col. plates. 

Softcover with fl aps 

English 

978-3-86560-763-8 

€ 68,– 

Art / Kunst 

Haus der Kunst, Munich, 

2010 


A Bit of Matter and a Little Bit More. 

The Collection and the Archives of Herman and Nicole Daled 

Edited and introduction by Chris Dercon, Dirk Snauwaert and Ulrich Wilmes. 

Texts by Benjamin H. D. Buchloh and Birgit Pelzer. Statements by Herman and Nicole 

Daled. Chronology by Eva Brauer and Patrizia Dander. Design by Walter Nikkels 

The Daled collection in Brussels has long been seen as one of the most famous yet 

unknown collections of conceptual art. This comprehensive publication presents the 

Daled collection to the public for the very fi rst time. All the work collected between 1966 

and 1978, totalling around 500 pieces, is documented in an inventory, complete with 

purchase prices. The illustrated section is made up of more than 200 colour plates and 

shows key works from artists such as Vito Acconci, Carl Andre, Robert Filliou, On Kawara, 

Richard Long, Bruce Nauman, Ian Wilson and many more. These are complemented by 

numerous statements by Herman und Nicole Daled, giving insight into their collecting 

activities. The genesis of the collection and its historical background is elucidated in 

an in-depth essay by Birgit Pelzer. This documents the work of individual artists as well 

as their importance within the collection with many interesting cross-references. The 

Harvard art historian Benjamin H. D. Buchloh’s contribution positions the Daled collection 

within the context of art in the 1960s and 70s. An extensive chapter offers insights 

into the archive that accompanies the collection. These documents, painstakingly fi led 

away by Herman and Nicole Daled and thus far unpublished, are nigh on unique: letters, 

notes, sketches, exhibition invitations, photographs etc. A detailed chronology of the collection’s 

history completes this standard work. 

Lawrence Weiner contributed the design of the belly belt. 



Gregor Scheider’s work is about rooms – visible and invisible, doubled and duplicated, 

labyrinthine rooms within rooms. Rather than following a particular principle, he observes 

the effects that interventions in the common logic of existing architecture have 

on our perception. The result is frightening, disorientating and in an uncanny way, magically 

fascinating. 

Presented here, on numerous colour plates, are two tours that are characteristic of his 

work. These nightmarish trips lead us through suppressed subconscious experiences, 

through ‘black holes,’ familiar yet sinister spaces, oversized, walk-in sculptures with 

rooms that are doubled or duplicated through mirrors and doors. The perception of time 

and space becomes warped and the idea of the artistic original is scrutinised by this continual 

doubling and repetition. 

This book, the most comprehensive monograph on Gregor Schneider to date, was designed 

and photographed by the artist himself. 


27,5 x 37,5 cm, 208 Seiten, 

250 großteils ganz- und 

doppelseitige farb. Abb. 

und 100 s/w Abbildungen. 

Pappband mit Schutzumschlag 


978-3-86560-422-4 

€ 38,– 

Kunst / Art 

Gregor Schneider, geb. 1969 in Rheydt, 

lebt und arbeitet in 

Mönchengladbach-Rheydt. 

Museum Abteiberg, 

Mönchengladbach, 

2009 / 2010 

museum franz gertsch, Burgdorf, 

2008 

weiterhin lieferbar / still available: 

19-20.30 Uhr, 31.05.07. 2007 

978-3-86560-341-8 

€ 18,– 


Gregor Schneider. 

END 

Herausgegeben und mit Essays von Anita Shah und Susanne Titz 

In den Werken von Gregor Schneider geht es um Räume – sichtbare und unsichtbare, 

verdoppelte und gedoppelte. Labyrinthisch baut er Räume in bestehende Räume und 

folgt keinem bestimmten Prinzip, sondern beobachtet, wie sich Eingriffe in die gewöhnliche 

Logik bestehender Architektur auf die Wahrnehmung auswirken – beängstigend, 

desorientierend und auf unheimliche Weise magisch faszinierend. 

Auf zahlreichen farbigen Tafeln zeigt Gregor Schneider hier zwei für sein Werk charakteristische 

„Touren“ mit von ihm selbst fotografi erten Ansichten – alptraumhafte Trips 

durch das Unterbewusste verdrängter Erfahrungen und Ängste. Die erste führt durch 

eine übergroße, begehbare Skulptur durch ein „schwarzes Loch“, schwarze Gänge und 

eine Kellertreppe in sechs Räume, die Schneider aus seinem Langzeitprojekt Haus u r 

aufgebaut hat, das er 1985 begann – zu sehen u.a. auf der Biennale in Venedig und im 

Museum of Contemporary Art Los Angeles. Die Räume sind äußerst sparsam möbliert, 

eine Wäscheleine in der „Abstellkammer“ oder ein Tisch mit Service im „Kaffeezimmer“. 

Die zweite Tour führt durch verdoppelte Räume, in denen einige begehbar, andere 

durch Spiegel erfahrbar sind. Die Orientierung wird hinterfragt, denn das bereits 

Gesehene des einen Raumes wiederholt sich im nächsten: Bin ich hier oder dort? Zeitund 

Raumgefühl verfl üchtigen sich, das Thema der „Verdoppelung“ oder der „Wiederholung“ 

hinterfragt das künstlerische Original. 

Diese bislang umfangreichste Monografi e zu Gregor Schneider hat der Künstler maßgeblich 

mitgestaltet. 


Olafur Eliasson – weiterhin 

lieferbare Titel / still available titles: 

Conversation Series, Vol.13 / 

Obrist. Eliasson, Olafur. 2008 

978-3-86560-335-7 

€ 16,80 

Olafur Eliasson / David Adjaye 

Your Black Horizon. 2008 

978-3-86560-304-3 

€ 29,80 

My now is your surroundings. 2001 

978-3-88375-464-2 

€ 24,80 

TYT. Take Your Time Vol. 2, 2005 

978-3-88375-700-3 

€ 28,– 


Olafur Eliasson’s urban projects often cause furore. Whether through colouring the 

water of a canal in Stockholm green, creating a double sunset in Utrecht or building waterfalls 

in New York, his art is always somewhat bewildering to eyes accustomed to the 

typical urban landscape. 

A number of installations by the artist can now also be discovered in Berlin. These mysterious 

objects are to be found, within the urban context, without any signage or labelling: 

mirrored bicycles, huge driftwood tree trunks and iced-up pavilions. They are all 

part of Eliasson’s exhibition Innen Stadt Außen (Inner City Out), which connects numerous 

installations in Berlin’s urban space with works inside the Martin-Gropius-Bau. 

The culmination of his huge homage to the city of Berlin, where Eliasson has been living 

and working since 1994, is this 400-page-long catalogue. This enchanting picture book 

is not only reminiscent of his illusionistic spaces inside the Martin-Gropius-Bau, but also 

allows the reader to take part in the search for public places, where the artist’s interventions 

can sensitise people to their city in the most astounding fashion. The texts and 

interviews interspersing the illustrations give an insight into Eliasson’s artistic practise 

and working method. 


24 x 30 cm, 424 Seiten, 

212 farbige Tafeln. 

Klappenbroschur 


978-3-86560-765-2 

€ 48,– 

Kunst / Art 

Olafur Eliasson, geb. 1967 

in Kopenhagen. Lebt und arbeitet 

in Kopenhagen und Berlin. 

Martin-Gropius-Bau, Berlin, 

28.04. – 09.08.2010 


Olafur Eliasson. 

Innen Stadt Außen (Inner City Out) 

Herausgegeben von Daniel Birnbaum. 

Texte von Daniel Birnbaum, Lorraine Daston, Olafur Eliasson, Regula Lüscher und 

Mark Wigley 

Mit seinen urbanen Projekten hat Olafur Eliasson schon häufi g für Furore gesorgt. 

Ob er das Wasser der Bucht vor Stockholm vorübergehend grün färbt, bei Utrecht 

einen doppelten Sonnenuntergang erzeugt, mit dem Weather Project die Sonne 

in die Tate Modern in London holt oder in New York Wasserfälle errichtet, stets ist 

seine Kunst eine Irritation für den routinierten Blick des Betrachters im städtischen 

Umfeld. 

Seit einigen Wochen kann man nun auch in Berlin zahlreiche Installationen des 

Künstlers entdecken. Ohne jeden Kommentar stehen und liegen rätselhafte Objekte 

im urbanen Raum: verspiegelte Fahrräder, riesige Treibholz-Stämme und vereiste 

Pavillons. All das ist Teil von Eliassons Ausstellung Innen Stadt Außen, die zahlreiche 

Installationen im Stadtraum Berlin mit seinen Arbeiten im Berliner Martin-Gropius- 

Bau verknüpft. 

Kulmination seiner großen Hommage an die Stadt Berlin, in der er seit 1994 lebt und 

arbeitet, ist der von ihm selbst herausgegebene mehr als 400-seitige Katalog, der als 

hinreißendes, großformatiges Bilderbuch den Leser nicht nur an Eliassons illusionistische 

Räume im Martin-Gropius-Bau erinnert, sondern ihn teilnehmen lässt an der 

Suche nach öffentlichen Orten, an denen der Künstler die Menschen auf erstaunliche 

Weise mit seinen Interventionen für ihre Stadt sensibilisiert. Die zwischen die Bildkapitel 

eingestreuten Texte und Interviews geben Einblick in Eliassons künstlerische 

Praxis und Methode. 


„Ästhetische Adaption der 16 

chemischen Bildschichten von 

SX-70 für eine alchemische 

Verwendung der Fotografi e 

als Malerei“ 

Anna und Bernhard Blume 

„Viele Bildchen blieben so, 

wie sie aus dem Gerät kamen. 

Andere wurden zerschnitten, 

ihre Bildteile verschoben 

und mit wieder anderen 

Bildhälften zusammengeklebt.“ 

Anna und Bernhard Blume 


Anna and Bernhard Blume’s large and grotesque photo series are now well-known. The 

artists stage paranormal events, in a documentary style, within typical bourgeois settings 

or in regions that have symbolic meaning in the German art world (e. g. the Black 

Forest). The objects (dishes, plants, fruit and vegetables) and the protagonists (mainly 

the artists themselves, dressed up as bourgeois characters) are spun into the air, fl y off, 

levitate above the ground or roll around. The undercurrent of madness that is inherent 

in every domestic life is made visible. The Blume’s largely unknown Polaroid pieces are 

characteristic of all of their work, with one trivial difference: they are all small colour 

photos. Simultaneously banal and precious, intimate and bizarre, the Polaroids are miniature 

pieces planned to the smallest detail, possessing no less artistic cogency than their 

monumental counterparts and with a clear stylistic development of their own. 

This artist’s book contains colour illustrations of around 240 Polaroids from a 25-year 

period. These are presented in 4 groups: ‘Polaroid SX-70’—1975/76, ‘natürlich’ (natural)—1982/85, 

‘gegenseitig’ (reciprocal)—1986/89 and ‘Prinzip Grausamkeit’ (the principle 

of cruelty) —1990/98. 

Each of the individual groups of work are introduced by texts by Anna and Bernhard 

Blume themselves. Informative essays by Emmanuelle de l’Ecotais and the Blume’s gallerist 

Françoise Paviot interpret the Polaroid works from various perspectives, placing it 

within an art historical context. 


33 x 22 cm, 160 Seiten, 

239 farbige Abbildungen. 

Hardcover mit Schutzumschlag 

Deutsch / English / French 

978-3-86560-821-5 

€ 38,– 

Kunst / Art 

Anna Blume, geb. 1937 in Bork. 

Bernhard Blume, geb. 1937 

in Dortmund. 

Beide leben und arbeiten in Köln. 

La Maison Européenne 

de la Photographie, Paris, 

23.06. – 29.08.2010 

Es erscheint eine Vorzugsausgabe. / 

A special edition has been published. 

Anna & Bernhard Blume – weiterhin 


Fotoarbeiten (I): 1970–1984, 1989 

978-3-88375-098-9 

€ 49,80 

Fotoarbeiten (II): 1985–1990, 1992 

978-3-88375-163-4 

€ 49,80 


Anna & Bernhard Blume. 

SX-70. Polaroids / Polaroid-Collages 1975 – 2000 

Vorwort von Jean-Luc Monterosso. 

Texte von Emmanuelle de l‘Ecotais, Françoise Paviot und Anna & Bernhard Blume 

Die großen, grotesken Fotoserien von Anna und Bernhard Blume sind heute wohlbekannt. 

In ihnen inszenieren die Künstler im dokumentarischen Gestus paranormale 

Situationen, die sich im Inneren einer „kleinbürgerlichen“ Welt oder in symbolisch besetzten 

Regionen deutscher Kunst (wie dem Schwarzwald) abspielen. Die Gegenstände 

(Geschirr, Pfl anzen, Obst und Gemüse) und die Protagonisten (zumeist die Künstler 

selbst als „deutsche Kleinbürger“ kostümiert) werden in die Luft geschleudert, fl iegen 

davon, schweben über dem Boden oder wirbeln umher. Auf diese Weise machen sie 

den unterschwelligen Wahnsinn sichtbar, der jeglichem häuslichen Leben innewohnt. 

Die weitgehend unbekannten Polaroid-Arbeiten der Blumes sind charakteristisch für 

ihr restliches Werk, mit einem trivialen Unterschied: Es handelt sich einzig und allein 

um kleinformatige Farbfotos. Zugleich banal und kostbar, intim und bizarr, handelt es 

sich bei den Polaroids um bis ins kleinste Detail geplante Miniaturen, die über nicht 

weniger bildnerische Kraft verfügen als ihre monumentalen Pendants und eine sichtbare, 

ihnen eigene stilistische Entwicklung durchlaufen. 

Das Künstlerbuch zeigt in farbigen Abbildungen rund 240 Polaroids aus 25 Jahren. In 

vier Kapiteln werden die Werkgruppen: Polaroid SX-70 – 1975/76, natürlich – 1982/85, 

gegenseitig – 1986/89 und Prinzip Grausamkeit – 1990/98 präsentiert. Vier Texte von 

Anna & Bernhard Blume selbst führen in die einzelnen Werkgruppen ein. Die Essays 

von Emmanuelle de l’Ecotais, „Anna und Bernhard Blume und ‚die kleine magische 

Bilderkiste‘“, sowie der Galeristin der Blumes, Françoise Paviot, „Die kleinen Polarisationen 

der Medusa“, interpretieren die Polaroid-Arbeiten unter verschiedenen Perspektiven 

und binden das Werk in kunsthistorische Bezüge ein. 


From the book Album - Del libro Album - Från boken Album 

Another_innen.indd 48 18.12.2009 11:57:21 Uhr 

Another_innen.indd 49 18.12.2009 11:57:23 Uhr 

Hans-Peter Feldmann – weiterhin 

lieferbare Titel / still available Titles: 

Album. 2008 

978-3-86560-206-2 

€ 68,– 

Smoke. 2007 

978-3-86560-266-4 

€ 28,– 

Book 9. Sprengel Museum. 2007 

978-3-86560-232-9 

€ 29,80 

Langhans Galerie Prag. 2007 

978-80-902816-3-9 

€ 14,80 

12 sommer / summer 2010 koenig books, london 

Die Kunst, Bücher zu machen, ist eines der großen Talente Hans-Peter Feldmanns. 

Er öffnet dem Leser immer wieder neue Türen in seine hinreißenden 

Bilderwelten. Another Book beginnt mit einem programmatischen Brief, der 

die Ideen Feldmanns zum Büchermachen zusammenfasst: 

Zeitungsfotos. 2006 

978-3-86560-177-3 

€ 14,50 

Birgit schminkt sich. 2006 

978-3-86560-067-7 

€ 19,80 

Blau. 2006 

978-3-86560-106-3 

€ 4,80 

Frauen im Gefängnis. 2005 

978-3-88375-962-3 

€ 29,80 

Liebe / Love. 2005 

978-3-86560-002-8 

€ 25,– 

Das kleine Mövenbuch. 2004 

978-3-88375-790-2 

€ 24,50 

Bilder / Pictures. 2002 

978-3-88375-561-8 

€ 28,–

23 x 29,5 cm, 268 pages, 

throughout mostly full page 

colour illustrations. 

Hardcover 

English / Spanish / Swedish 

978-3-86560-738-6 

€ 39,80 

Artist Book / Künstlerbuch 

Hans-Peter Feldmann, born 1941 

in Hilden, lives in Düsseldorf. 

Malmö Konsthall, 2010 

Kunsthalle Düsseldorf, 

19.06. – 22.08.2010 

Museo Nacional Centro 

de Arte Reina Sofía, Madrid, 

22.09.2010 – 28.02.2011 

Hans-Peter Feldmann 

Another Book. Noch’n Buch 

sommer / summer 2010 koenig books, london 

Edited by Helena Tatay. 

Texts by Jacob Fabricius, Hans-Peter Feldmann, Helena Tatay, Teresa Velazquez and Ziba 

Ardalan de Weck. With a conversation between Hans-Peter Feldmann and Kasper König 

The art of making books is one of Hans-Peter Feldmann’s biggest talents. He is forever 

opening new doors to enchanting visual worlds. Another Book begins with a letter that 

summarises Feldmann’s ideas on bookmaking: 

13

Band 2: 

Illustriertes Bestandsverzeichnis. 

Herausgegeben von der Galerie Neue 

Meister Dresden, Ulrich Bischoff 


Dieser Katalog verzeichnet sämtliche Werke der Galerie Neue Meister einschließlich 

der Leihgaben, Kriegsverluste und Restitutionen. Über 2500 Werke sind mit Abbildung 

in künstleralphabetischer Ordnung dokumentiert. Als wissenschaftliches Kompendium 

enthalten die Einträge alle kunsthistorisch relevanten Angaben inklusive der biografi 

schen Informationen zu den Künstlern. 

Das illustrierte Bestandsverzeichnis der Galerie Neue Meister ergänzt in vorzüglicher Weise 

Band 1, der mehr als 420 Werke der ständigen Sammlung farbig abbildet und ausführlich 

kommentiert. Beide Bände zusammen geben erstmals einen fundierten Überblick 

über die bedeutende Gemäldesammlung von der Romantik bis zur Gegenwart. 

Part 2 of the inventory catalogue of the Galerie Neue Meister in Dresden, one of the 

most important collections of paintings from the romantic period to the present, is a 

complete inventory of more than 2500 works in the collection. 


14 x 22 cm, Band 1: 640 Seiten, 

ca. 450 großteils ganzseitige farb. Abb. 

Band 2: ca. 884 Seiten, ca. 3.100 s/w Abb. 

Flexobroschur 

Deutsch 

Bd. 1: ISBN 978-3-86560-736-2 

€ 38,– 

Bd. 2: ISBN 978-3-86560-737-9 

€ 48,– 

beide Bände zusammen: 

ISBN 978-3-86560-856-7 

Sonderpreis € 58,– 

Kunst / Art 

Band 1: 

Galerie Neue Meister Dresden. 

Mit Texten von Ulrich Bischoff, 

Birgit Dalbajewa, Gerd Spitzer, 

Heike Biedermann, Dietmar Elger, 

Andreas Dehmer u. a. 


Gemäldegalerie Alte Meister Dresden. 

Bd. 1. Die ausgestellten Werke, 2006 

978-3-86560-005-9 

€ 28,– 

Gemäldegalerie Alte Meister Dresden. 

Bd. 2. Illustr. Gesamtverzeichnis, 2006 

978-3-86560-006-6 

€ 38,– 


Galerie Neue Meister Dresden. 

Bestandskatalog in 2 Bänden 

Herausgegeben von der Galerie Neue Meister Dresden 

Von Caspar David Friedrich bis Gerhard Richter – herausragende Werke der deutschen 

Romantik, des französischen und deutschen Impressionismus, der Expressionisten mit 

den Künstlern der Dresdner „Brücke“, der Neuen Sachlichkeit bis hin zur Kunst der Gegenwart 

begründen den internationalen Rang der Galerie Neue Meister in Dresden. 

Mehr als 420 Werke der ständigen Sammlung werden in Band 1 farbig abgebildet und 

ausführlich kommentiert. Vergleichsabbildungen geben zusätzliche, oft überraschende 

Anregungen zu den ausgestellten Werken. Der einleitende Essay widmet sich der 

wechselvollen Geschichte der Galerie. Reizvolle Informationen bieten die eingestreuten 

Themenseiten, in denen die Besonderheiten und Schwerpunkte der Sammlung 

erörtert werden. 

Ergänzt wird dieser Band durch Band 2, das Bestandsverzeichnis sämtlicher Werke der 

Galerie Neue Meister einschließlich der Leihgaben, Kriegsverluste und Restitutionen. 

In alphabetischer Ordnung werden über 2500 Werke mit Abbildungen und biografi - 

schen Angaben zu den Künstlern erfasst. 

Beide Bände zusammen geben erstmals einen fundierten Überblick über eine der bedeutenden 

Gemäldesammlungen von der Romantik bis zur Gegenwart. 

Part 1 of the inventory catalogue of the Galerie Neue Meister in Dresden, one of the most important 

collections of paintings from the romantic period to the present, consists of colour 

illustrations and writings on more than 420 works displayed in the exhibition. 


23 x 18 cm, 96 Seiten, 

50 farb. Abbildungen und 

31 s/w Abbildungen. 


Deutsch 

978-3-86560-792-8 

€ 19,90 

Kunst / Art 

Gerhard Richter, geb. 1932 in Dresden, 

lebt und arbeitet in Köln. 

Gerhard Richter – weiterhin lieferbare 

Titel / still available titles 

Gerhard Richter / Hans Ulrich Obrist 

Obrist – O’Brist. 2009 

978-3-86560-692-1 

€ 38,– 


Robert Storr 

September. 

Ein Historienbild von Gerhard Richter 

Vorwort von Sir Brian Urquhart 

Gerhard Richters Gemälde September ist eine Reaktion auf die Anschläge vom 

11. September 2001 und entstand rund vier Jahre nach dem Angriff auf das World Trade 

Center. In einem sehr persönlichen Bericht über jenen Tag des Schreckens in New York 

setzt sich der namhafte Kritiker und Kurator Robert Storr, der seit vielen Jahren mit dem 

Maler zusammenarbeitet, mit Richters Gemälden und dem Ereignis selbst auseinander. 

In einem intelligenten, gut lesbaren und umfangreich mit Vergleichsabbildungen 

ausgestatteten Essay analysiert Storr das kleinformatige kraftvolle Bild und ordnet 

es in Richters bedeutende Werkgruppe der Geschichtsbilder ein wie die Arbeiten zur 

Städte-Bombardierung während des Zweiten Weltkriegs und den Gemälde-Zyklus 

18. Oktober 1977. 

Gerhard Richter’s painting September is a response to the bombing of the World Trade 

Center on September 11th, 2001, made some 4 years after the event. The eminent American 

critic and curator Robert Storr, who has had a long working relationship with Richter, 

explores both the painting and the event itself, through a very personal account 

of his experience of being in New York on the day of the bombing. Storr shows, both 

through words and comparative illustrations, how this painting is part of a current 

running throughout Richter’s career responding to traumatic and controversial events, 

including works based on the bombing of cities in World War II and the capture of the 

Baader-Meinhof terrorist group. 

R. Storr. Cage. 6 Bilder v. G. Richter. 2006 

8-3-86560-591-7 

€ 38,– 

Elbe. (Schriften Richter Archiv Bd. 4). 2009 

978-3-86560-588-7 

€ 19,80 

verlag der buchhandlung walther könig, köln 

Text 1961 – 2007. 2008 

978-3-86560-185-8 

€ 48,– 

Wald. 2008 

978-3-86560-503-0 

€ 58,–

23 x 30,5 cm, 100 Seiten, 




978-3-86560-752-2 

€ 38,– 

Kunst / Art 

Gerhard Richter, geb. 1932 in Dresden, 


Beiheft mit der deutschen 

Übersetzung des Essays 

von Benjamin H.D. Buchloh. 

Marian Goodman Gallery, 

New York, 2009 / 2010 


Gerhard Richter. 

Abstract Paintings 2009 

Essay by Benjamin H. D. Buchloh 

Abstract Paintings is a major representation of works from 2005 to 2009, including 

an important new cycle of paintings entitled Sindbad, individual paintings presenting 

medium to large format abstractions, and a new group of near-monochrome paintings, 

whose underlying chromatic structures are covered by translucent veils of white paint. 

In his essay ‘Voids and Whites: The last paintings before the last,’ Buchloh traces the historical 

and aesthetic framework of Richter’s abstract paintings and considers the artist’s 

recent white, non-representational works within the larger context of a postwar trajectory 

of reductivist painting in the US and Europe. 

Abstract Paintings ist eine umfassende Darstellung der Werke Gerhard Richters von 

2005 bis 2009. Es enthält den wichtigen neuen Zyklus Sindbad von 2008 sowie eigenständige 

mittel- bis großformatige abstrakte Gemälde. Präsentiert wird auch eine 

neue Gruppe großformatiger, nahezu monochromer Ölbilder, deren unterliegende 

Farbschichten von durchsichtigen Schleiern weißer Farbe überlagert werden. 

In seinem Essay „Das Weiße und das Leere: Die letzten Gemälde vor den letzten“, spürt 

der renommierte Kunstwissenschaftler Benjamin H. D. Buchloh dem historischen und 

ästhetischen Bezugssystem Richters abstrakter Gemälde nach und ordnet dessen neue 

Arbeiten in den größeren Kontext der reduktivistischen Malerei der Nachkriegszeit ein. 


19 x 28 cm, 112 Seiten, 


Hardcover 


978-3-86560-855-0 

€ 28,– 

Fotografi e / Photography 

Thomas Florschuetz, geb. 1957 

in Zwickau, lebt und arbeitet in Berlin. 

Kunsthalle Tübingen, 

17.07. – 26.09.2010 


Thomas Florschütz / Durs Grünbein 

Museumsinsel, 2006 

978-3-86560-147-6 

€ 38,– 

Vorzugsausgabe Museumsinsel 

€ 1.200,– 


Thomas Florschuetz. 

Imperfekt. Werke / Works 1997 – 2010 

Herausgegeben von Daniel J. Schreiber. 

Texte von Dieter Bartetzko, Britta Buhlmann, Thomas Florschuetz, 

Johannes Meinhardt, Andrea Richter und Daniel J. Schreiber 

Neben Gursky, Höfer, Ruff oder Struth gehört Thomas Florschuetz zu den wichtigen 

Vertretern der deutschen Dokumentarfotografi e. Als einziger von ihnen hat er jedoch 

seine Laufbahn nicht bei Bernd und Hilla Becher begonnen, sondern autodidaktisch in 

seinem Geburtsort Zwickau, ehemals DDR. 

Auf großformatigen Tafeln zeigt Florschuetz einen von ihm selbst ausgesuchten 

Überblick über sein Werk mit Werkgruppen aus den Jahren 1997 bis 2010. Hauptthema 

der großformatigen, leuchtkräftigen Diasec-Prints ist die Architektur, doch werden 

die baulichen Motive immer wieder mit andere n Sujets konfrontiert. So fügen sich 

Bilder von Fenstern, Pfl anzen, Tieren und Kampfjets mit Aufnahmen von Le Corbusiers 

Kirche in Ronchamp, Oscar Niemeyers Brasilia-Bauten, dem Neuen Museum Berlin 

und dem Palast der Republik in Berlin zu einer durchkomponierten Folge von Bildern. 

Alongside Gursky, Höfer, Ruff and Struth, Thomas Florschuetz is one of the most important 

representatives of German documentary photography. However, unlike the others, 

he did not begin his career under the tutorage of Bernd and Hilla Becher, but rather as 

an autodidact. 

The large format plates in this book present an overview of his work from 1997 to 2010, 

chosen by the artist himself. The main theme of the prints is architecture, but this structural 

motif is confronted again and again by other subjects. Photographs of Le Corbusier’s 

church in Ronchamp, Oscar Niemeyer’s buildings in Brasilia, the New Museum and 

the Palace of the Republic in Berlin are juxtaposed by pictures of windows, plants, animals 

and fi ghter jets in a fi nely composed series of images. 


22 x 28,5 cm, 224 Seiten, 




978-3-86560-741-6 

€ 39,80 


Thomas Weski, geb. 1953 in Hannover, 

Professor für „Kulturen des 

Kuratorischen“ an der Hochschule für 

Grafi k und Buchkunst in Leipzig. 

Sigrid Schneider ist Leiterin des Foto- 

archivs des Ruhrmuseums Essen. 

SANAA-Gebäude, Essen, 

24.04. – 24.10.2010 

Mit Arbeiten von Hilla Becher, 

Laurenz Berges, Joachim Brohm, 

Hans-Peter Feldmann, Andreas Gursky, 

Jitka Hanzlová, Candida Höfer, 

Matthias Koch, Elisabeth Neudörfl , 

Jörg Sasse und Thomas Struth 


Ruhrblicke. 

Ruhr Views 

Herausgegeben von Heike Kramer und Thomas Weski. 

Texte von Sigrid Schneider und Thomas Weski 

RUHRBLICKE vereint Arbeiten von 11 international anerkannten Fotografen verschiedener 

Generationen, meist aus der „Düsseldorfer Schule“, bei ihrer Sicht auf ein Thema. 

Die von Thomas Weski eingeladenen Künstler haben 2009 / 10 selbstgewählte Sujets 

fotografi ert – alle kennen die Region und haben hier gearbeitet, einige knüpfen an 

frühere Projekte an. 

„Auftrag zum Selbstauftrag“ nennt Weski das Prinzip. Denn der Kurator hat die Fotografen, 

nicht aber die Fotografi en ausgewählt. Er hat ihnen ein Jahr Zeit gegeben, um 

zu entscheiden, was sie aufnehmen. 

Bis auf die Arbeiten von Bernd und Hilla Becher sind alle Werke für Ausstellung und 

Buch entstanden und werden hier erstmals publiziert. Was macht die Metropole Ruhr 

heute aus, wie hat sie sich gewandelt? Wie drückt sich das in der Geschichte des „fotografi 

erten“ Ruhrgebiets aus? Diese Frage beantwortet Sigrid Schneider in ihrem gut 

lesbaren und informativen Essay „Rückblicke. Das fotografi erte Ruhrgebiet“. Thomas 

Weski beschreibt die höchst unterschiedlichen dokumentarischen Arbeitsweisen, die 

beispielhaft sind für neue fotografi sche Sichtweisen der heutigen Ruhr-Realität. 

Das Buch bietet eine konzentrierte Übersicht über wesentliche Positionen der deutschen 

zeitgenössischen Fotografi e und erweitert mit überraschenden brillanten Bildern 

unsere Vorstellung vom Ruhrgebiet. 

RUHR VIEWS unites 11 internationally renowned photographers from different generations, 

presenting their views of one theme: the Ruhr. The artists selected their own subjects 

to photograph, all of them knowing and having worked in the area, with some of 

the pieces tying in to earlier projects. Apart from the work of Bernd and Hilla Becher, all 

of the photography was created especially for the exhibition and book and is published 

here for the fi rst time. 

Thomas Weski provides a detailed introduction to the participating artists and their 

work and describes their highly varied documentary working methods, which are exemplary 

of new photographic perspectives of the reality of today’s Ruhr. 


English 

978-3-86560-751-5 

€ 24,80 

Art / Kunst 

English 

978-3-86560-839-0 

€ 29,80 

Art / Kunst 

English 

978-3-86560-746-1 

€ 38,– 

Design 

Richard Hamilton. Modern Moral Matters 

22 x 25,5 cm, 96 pages, 60 col. illustrations. Softcover with dust jacket 

Forword by Elizabeth Peyton-Jones and Hans Ulrich Obrist. 

Texts by Benjamin H. D. Buchloh, Michael Bracewell and Richard Hamilton 

Richard Hamilton has always been ahead of his time in his use of material from popular culture and 

new technologies, often posing questions about how the media captures political events. This publication 

brings together the famous ‘protest’ paintings as well as new political works that reveal the 

artist’s incisive thinking, presenting another landmark by this important British artist. 

Richard Hamilton – Künstler, Designer, Autor und Lehrer – ist einer der einfl ussreichsten britischen 

Künstler des 20. Jahrhunderts. Der vorliegende Band zeigt bedeutende Beispiele Hamiltons 

„politischer“ Werke aus allen Schaffensperioden: Von den berühmten Protest-Bildern der Kent- 

State-Universität von 1970, über die War-Games-Serie zum ersten Golfkrieg bis zu seinen neuen 

erstmals gezeigten Arbeiten zum Israel-Palästina-Konfl ikt aus den Jahren 2009 / 10. 

· Richard Hamilton, born 1922 in London, lives and works in New York. 

· Serpentine Gallery, London, 2010 

Nairy Baghramian and Phyllida Barlow 

25,5 x 22 cm, 87 pages, 26 col. illustrations. Softcover 

Foreword by Julia Peyton-Jones and Hans Ulrich Obrist. Texts by Briony Fer and Vivian Rehberg. 

Interviews with the artists by Julia Peyton-Jones and Hans Ulrich Obrist 

Nairy Baghramian and Phyllida Barlow are 2 artists with quite distinct approaches to sculpture. 

Whereas Baghramian’s work tends to occupy the ‘in-between’ spaces, as minimal interventions, 

Barlow’s sculpture is centric and almost architectural in its size and apparent weight. However, both 

deal with questions of institutional and art historical context, materiality and display. This catalogue 

documents their joint exhibition at the Serpentine Gallery, a fascinating interaction between 

two different responses to the same question. 

Nairy Baghramian und Phyllida Barlow sind 2 Künstler mit sehr unterschiedlicher Herangehensweise 

an die Bildhauerei. Während Baghramians minimale Interventionen oft beinahe übersehen 

werden, zeichnen sich Barlows Arbeiten durch ihre monumentale Größe aus. 

· Nairy Baghramian, born 1971 in Isfahan, Iran, lives and works in Berlin. 

· Phyllida Barlow, born 1944 in Newcastle-upon-Tyne, UK. Lives and works in London. 


Design Real. Shoes Toy Knife 

22 x 25,5 cm, 72 pages, 71 col. illustrations. Hardcover 

Edited by Konstantin Grcic. Texts by Emily King and Jonathan Olivares. Interview with Konstantin 

Grcic by Julia Peyton-Jones and Hans Ulrich Obrist 

Around the globe there is a growing awareness of design and its impact on the world we inhabit. 

Design Real, edited by the renowned industrial designer Konstantin Grcic, presents a selection of 

real items: mass-produced objects that have a practical function in everyday life, such as a chair by 

Jasper Morrison and waterproof shoes by Zaha Hadid. This book offers new perspectives on the material 

world around us, encouraging fresh insights into design. 

Design Real, herausgegeben von dem weltweit anerkannten Industriedesigner Konstantin Grcic, 

präsentiert eine Auswahl 43 „echter“ Design-Objekte seiner Kollegen: funktionale und massenhaft 

produzierte Gegenstände, die dennoch ästhetischen Wert besitzen und eine neue Perspektive 

auf die uns umgebende Materialwelt eröffnen. 

· Konstantin Grcic, born 1965 in Munich, lives and works in Munich. 


20 sommer / summer 2010 koenig books, london

22 x 25,5 cm, 128 pages, 

90 illustrations. 

Softcover 

English 

978-3-86560-853-6 

€ 19,80 

Photography / Fotografi e 

Wolfgang Tillmans, born 1968 

in Remscheid, 

lives and works in London. 

Serpentine Gallery, London, 

26.06. – 19.09.2010 

Wolfgang Tillmans – weiterhin 


Manual. 2007 

978-3-86560-132-2 

€ 49,80 

Concorde, 4. Aufl . 2006 

978-3-88375-273-0 

€ 19,80 

Portraits. 2001 

978-3-88375-506-9 (dt. Ausgabe) 

978-3-88375-535-4 (Engl. edition) 

€ 39,80 

Soldiers. 2000 

978-3-88375-377-5 

€ 24,80 

Wolfgang Tillmans 


Wolfgang Tillmans has been redefi ning photography and the way it is presented for 

over 20 years. From his seemingly casual images of people and objects in the early 

1990s, refl ecting the culture and identity politics of the time, to the deeper exploration 

of abstraction in his more recent work, pushing the boundaries and defi nitions of the 

photographic form. 

This catalogue, arranged and designed by Tillmans himself, brings together the whole 

range of his œuvre in all its diversity: portrait, landscape, and still life photography 

alongside abstract and random pieces, colour-saturated works, and experiments with 

process, forming a kind of meta art work, with a rhythm and logic of its own. ‘I try to approximate 

the way I see the world, not in a linear order but as a multitude of parallel experiences. 

Multiple singularities, simultaneously accessible as they share the same space 

or room.’ This selection of works, presented here in full colour, often on double-page 

spreads, includes many new pieces. The theoretical and historical context of Tillmans’ 

art are tackled in detailed essays by Michael Bracewell and Josef Strau and an interview 

with the artist by Julia Peyton-Jones and Hans Ulrich Obrist provides a fascinating insight 

into his life and work. 

Der von Wolfgang Tillmans selbst konzipierte und gestaltete Band gibt einen Gesamtüberblick 

über sein breitgefächertes künstlerisches Schaffen: Auf farbigen Tafeln 

werden neben den bekannten Porträt- und Landschaftsaufnahmen auch seine fotografi 

schen Stillleben und neuesten abstrakten Arbeiten präsentiert. 

21

24 x 19 cm, 128 Seiten, 

152 s/w und farbige Abbildungen. 



978-3-86560-798-0 

€ 24,80 

Mode / Fashion 

Sammlung Modebild – 

Lipperheidsche Kostümbibliothek, 

Berlin, 08.04. – 01.08.2010 

Modefotografi en u.a. von 

Guy Bourdin, Hubs Flöter, F. C. Gundlach, 

Ursula Knipping, Helmut Newton, 

Rico Puhlmann, Regi Relang, Jeanloup 

Sieff u. a. Modeillustrationen 

von Antonio, René Gruau, Lilo Kittel, 

Trude Rein und Walter E. Voigt 


Sixties Fashion. 

Modefotografi e & -illustration 

Vorwort von Moritz Wullen. Texte von Adelheid Rasche und Hildegard Ringena 

Markante Modeumbrüche und auffälliger Silhouettenwandel refl ektieren in besonderem 

Maße die sozialen, gesellschaftlichen und kulturellen Entwicklungen einer 

Epoche. In kaum einem Zeitraum lässt sich dies deutlicher beobachten als in den bewegten 

1960er-Jahren. London löste Paris erstmalig als trendsetzende Metropole ab, 

Minirock und Jeans wurden weltweit von der Jugend getragen, extravagante Outfi ts, 

Hosenanzüge und orientalisch anmutende Abendgarderobe fanden Eingang in die 

Haute-Couture. Die ausgeprägte Körperlichkeit der 60er-Jahre zeigte sich vor allem 

in der Unterwäsche- und Bademode, die eine vorher nicht gekannte Freizügigkeit gewährte. 

Diesen stilistischen Wandel propagierten die internationalen Medien mit ideenreichen 

und unkonventionellen Modefotografi en und -illustrationen. 

Sixties Fashion zeigt die modische Revolution dieser Ära in einmaliger Weise anhand 

der Sammlung Modebild – Lipperheidsche Kostümbibliothek. In 12 thematischen Abschnitten 

präsentiert das Buch die wichtigsten Modetrends der Dekade. Die Gestaltung 

des Bandes ähnelt dabei im Layout einem Modemagazin der 60er Jahre. 

The revolutionary era of the 1960s saw many societal changes, leaving an unmistakable 

mark on fashion. London took over Paris’ position as the trend-setting capital, mini skirts 

and jeans were being worn by teenagers all over the world, pantsuits and oriental style 

evening wear even found their way into haute couture. The Germans travelled en masse 

to Italy for the fi rst time and beach and bathing wear was more revealing and casual 

than ever before. The international media propagated this change with an unprecedented 

volume and standard in fashion photography and illustration. 

The 60s fashion revolution is illustrated in this book with unique photographs and 

drawings from the Sammlung Modebild—Lipperheidsche Kostümbibliothek, the most 

important trends of the decade represented in 12 thematic chapters. 


19,4 x 25,4 cm, 188 Seiten, 

218 Abbildungen. 


Deutsch 

978-3-86560-761-4 

€ 29,80 

Architektur / Architecture 

Benedikt Boucsein, 

geb. 1979 in Düsseldorf. 

Studium an der ETH Zürich. 

Lebt und arbeitet in Zürich. 


Benedikt Boucsein. 

Graue Architektur. 

Bauen im Westdeutschland der Nachkriegszeit 

Als „Graue Architektur“ bezeichnet der Autor das enorme Bauaufkommen der 1950er 

und 60er Jahre, das meist von unbekannten Architekten entworfen wurde und das 

Bild der deutschen Städte bis heute entscheidend prägt. In Kritik und Analyse ist diese 

„Graue Architektur“ als eigenständiges Phänomen bisher nicht aufgetaucht. Ihr wird 

in der vorliegenden Arbeit nun zum ersten Mal nachgespürt. Es werden ihre vermeintlich 

nicht vorhandenen Entwurfsprinzipien bestimmt und die Geschichte ihrer Entstehung 

erzählt. Damit liegt auch zum ersten Mal eine Geschichte des Wiederaufbaus 

„von unten“ vor. Die „Graue Architektur“ stellt sich dabei als ein keineswegs negatives 

Phänomen dar, sondern als gewaltige kollektive Anstrengung, die unter höchstem 

Zeit- und Finanzierungsdruck entstand und in ihrer Architektursprache Traditionalismus 

und Moderne auf einzigartige Weise verbindet. 

Illustriert ist die Arbeit mit historischem Material sowie mit über 50 professionell 

ausgeführten Fotografi en von Bene Redmann, die den eigenartig stummen Ausdruck 

verschiedener Bauten aus Essen, Düsseldorf und Köln einfangen. 

Das Buch ist ein unentbehrliches Werkzeug für Architekten, Städteplaner oder Denkmalpfl 

eger, sowohl bei Neuplanungen unterhalb der Repräsentativbauten als auch 

bei der Sanierung der zahlreichen in die Jahre gekommenen Bauten der Nachkriegszeit, 

und alle Architekturinteressierten. 

The rebuilding of German cities after World War II was mainly undertaken by unknown 

architects. This ‘grey architecture’ still has a huge impact and importance today, making 

this book, the fi rst of its kind to analyse and critique this phenomenon, indispensable for 

all involved or interested in city planning and architecture. 


21 x 27,5 cm, 300 Seiten, 

490 farb. Abbildungen, davon 130 ganz- 

seitig. 

Broschur 

Deutsch 

978-3-86560-837-6 

€ 32,– 

Kunst / Art 

Museum Ludwig Köln, 

29.05. – 31.10. 2010 


Nam June Paik. Exposition of Music 

978-3-86560-619-8 

€ 24,80 


Bilder in Bewegung. 

Künstler & Video / Film 1958 – 2010 

Vorwort von Kasper König. Texte von Christa Blümlinger, Barbara Engelbach, 

Ursula Frohne und Tom Holert 

Lange tat sich das Museum als Institution schwer mit Film und Video. Bewegte Bilder 

gehörten ins Kino oder Fernsehen, Video galt als Hilfsmittel, das allenfalls zur Dokumentation 

von Kunstwerken taugte. Erst am Ende der 1960er Jahre erkannte man, dass die 

Videokunst in der Lage ist, einen gleichberechtigten Beitrag zur Gegenwartskunst zu 

leisten. Schon damals begannen die Verantwortlichen des Museum Ludwig, die bis heute 

wenig bekannte, aber hochkarätige Sammlung für Videokunst zu schaffen. Anhand 

von nahezu 300 Arbeiten aus ihrem Bestand wird in diesem Band die Geschichte des 

bewegten Bildes in der Kunst erzählt und der eigenständige Status künstlerischer Arbeiten 

in Video und Film betont. Dokumentiert werden z. B. bedeutende Arbeiten von Aernout 

Mik (Reversal Room), Mike Kelley (Kandor #6) oder Nam June Paik (Brandenburger 

Tor). Ein umfangreiches Kapitel widmet sich der Geschichte und Rezeption der Videokunst 

im Rheinland: Von Paiks Exposition of Music, Electronic Television 1963 in Wuppertal 

– von der viele Werke in die Sammlung gelangten – über die Aktivitäten von XSREEN 

in Köln, einer der ersten Adressen für den avantgardistischen Film bis zur Ausstellung 

Videokunst des Kölnischen Kunstvereins. 

This publication, which accompanies the Museum Ludwig exhibition of its video art collection, 

tells the story of the moving image in art and documents works by some of its 

most important protagonists. 


21 x 26 cm, 112 Seiten, 


Hardcover 


978-3-86560-735-5 

€ 28,– 

Kunst / Art 

Bethan Huws, geb. 1961 in Bangor, 

Wales, lebt und arbeitet in Paris. 

kestnergesellschaft, Hannover, 2010 

daadgalerie, Berlin, 2009 

Bethan Huws – weiterhin 


Kat. Bonnefanten Museum Maastricht. 

2006 

978-3-86560-115-5 

€ 28,– 

Selectes Textual Works 1991 – 2003. 

2003 

978-3-88375-740-7 

€ 39,80 


Bethan Huws. 

Il es comme un saint dans sa niche: Il ne bouge pas 

Vorwort von Ariane Beyn und Veit Görner. Texte von Ariane Beyn, Julian Heynen, 

Bethan Huws und Kristin Schrader 

Für Bethan Huws ist die Sprache der Ursprung allen künstlerischen Schaffens. Während 

in ihren textbasierten Arbeiten wie ihren Wortvitrinen oder Neonschriften dieses 

Verständnis konkrete Form annimmt, behandelt Huws auch in anderen Medien wie 

Filmen, Objekten und Aquarellen die Relation von Sprache und Kunst. Hierin sieht 

Huws eine Verwandtschaft ihres Werkes zum Œuvre Marcel Duchamps, das sie intensiv 

erforscht hat und das immer wieder Gegenstand ihrer Kunst wird. Huws Arbeiten 

über Duchamp und die zentrale Rolle der Sprache in beiden Werken stehen im Fokus 

dieser Publikation. Neben zahlreichen Abbildungen fi nden sich Notizen der Künstlerin 

zu Duchamps Werken, ein Filmskript, ein Gespräch mit Huws sowie Texte, die sowohl 

einzelne Arbeiten vorstellen, diese aber auch an das bisherige Werk von Bethan Huws 

rückbinden. 

For Bethan Huws, language is the origin of all artistic creation. While this understanding 

takes on concrete form in her text-based work, such as her word cabinets or neon texts, 

Huws also tackles the relationship between language and art in other mediums such as 

fi lms, objects and watercolours. In this she sees a relationship between her work and the 

œuvre of Marcel Duchamp, which she has researched intensively and is often the subject 

of her art. Huws’ works on Duchamp and the central role of language in both sets of 

work is the focus of this publication. Alongside numerous illustrations, there are notes 

by the artist on Duchamp’s work, a fi lm script, a discussion with Huws as well as texts, 

introducing individual pieces and linking them to the rest of her œuvre to date. 


27 x 39 cm, 1.536 pages, 

various col. illustrations. 

Cloth binding 

English 

978-3-86560-779-9 

€ 128,– 


Anri Sala, born 1974 in Tirana, Albania, 

lives and works in Berlin. 


A Thousand Windows. 2003 

978-3-908617-14-3 

€ 19,80 


Anri Sala. 

Why The Lion Roars. Forecasts 

Why the Lion Roars is an artist’s book based on Anri Sala’s video installation of the same 

name. The artist composed a list of 57 classic feature fi lms, and assigned each one a degree 

of temperature between -11 and +45 degrees Celsius. A thermometer outside the 

cinema or museum continuously measures the temperature and simultaneously edits 

the fi lm program. When the outdoor temperature changes, the program is interrupted, 

the fi lm corresponding to the new temperature starting from where the weather left it 

last, provoking unplanned collisions of meaning. As such, the local weather becomes the 

editor of the daily fi lm program. 

The book is made up of 365 fi lm programs and the local weather forecast for each corresponding 

day of the installations run in Paris. Each fi lm has also been given a colour, 

which highlights its title in the book, creating an almost infi nite fl ow of colours between 

warm and cold. 

Why The Lion Roars ist ein Künstlerbuch, das auf Anri Salas gleichnamiger Videoinstallation 

basiert. Für diese hat der Künstler eine Liste von 57 Spielfi lm-Klassikern erstellt, 

denen er jeweils eine konkrete Wettertemperatur zwischen -11 bis +45 Grad Celsius 

zuordnet. Steigt oder fällt die Außentemperatur in der Kino- bzw. der Museums-Umgebung, 

in welcher die Installation gezeigt wird, so wird der aktuelle Film unterbrochen 

und ein anderer läuft an der Stelle weiter, wo ihn zuletzt das Wetter anhielt. Dadurch 

wird das örtliche Wetter zum Redakteur des täglichen Filmprogramms. 

Das Buch besteht aus 365 Filmprogrammen, gleichsam Tages-Wettervorhersagen, die 

auf der Witterung in Paris, dem Ort der ersten Präsentation der Installation, beruhen. 

Jedem Film ist neben einer bestimmten Temperatur auch eine Farbe zugeordnet, die 

auf den Buchseiten den Filmtiteln unterlegt ist. Anri Sala lässt auf diese Weise eine 

beinahe endlose Redundanz von Filmtiteln und entsprechenden Farbverläufen zwischen 

Warm und Kalt entstehen. 


26 x 23,25 cm, 168 Seiten, 

zahlreiche farbige Abbildungen. 

Hardcover 


978-3-86560-816-1 

€ 44,– 

Kunst / Art 

Roni Horn, geb. 1955 in New York, lebt 

und arbeitet in New York. 

Kunsthaus Bregenz, 2010 


Islands. Becoming a landscape. 2001 

978-3-88243-797-3 

€ 139,– 


Roni Horn. 

Well and Truly 

Herausgegeben von Yilmaz Dziewior, Kunsthaus Bregenz. 

Texte von Julie Ault und Gary Indiana. Interview von Yilmaz Dziewior 

Die hier präsentierten Werkgruppen von Roni Horn aus den letzten Jahren setzen sich 

mit der Vielfältigkeit von Identität, Sprache, Zeichnung und Objekt auseinander. 

Unterschiedliche Materialien und Techniken werden von ihr metaphorisch und oft in 

serieller Folge eingesetzt. 

Roni Horns künstlerische Entwicklung wird in diesem Katalogbuch in sorgfältig recherchierten 

Essays von Gary Indiana und Julie Ault untersucht und in kunsthistorische 

Bezüge gesetzt. Abbildungen ihrer Werke sowie aktuelle Installationsaufnahmen 

aus der Ausstellung vervollständigen dieses Künstler-Werkbuch. 

Roni Horn’s most recent groups of work, presented at the exhibition in Kunsthaus 

Bregenz, deal with the diversity of identity, language, design and object. A variety of materials 

and techniques are used, often metaphorically and in series. 

This catalogue examines Roni Horn’s artistic development and places it within an art 

historical context, with thoroughly researched essays by Gary Indiana and Julie Ault. 

Illustrations of her work and photographs of the current installations in Kunsthaus 

Bregenz complete the publication. 


18 x 23 cm, ca. 320 Seiten, 


Hardcover 


978-3-86560-817-8 

€ 52,– 

Kunst / Art 

Cosima von Bonin, geb. 1962 

in Mombasa, Kenia, 


Kunsthaus Bregenz 

18.07. – 03.10.2010 

Cosima von Bonin – weiterhin 


2 Positionen auf einmal. 2004 

978-3-88375-885-5 

€ 28,– 

Roger and out. 2007 

978-3-86560-289-3 

€ 38,– 


Cosima von Bonin. 

The Fatigue Empire. 

Das Internationale Wollsekretariat 1989 – 2010 


Texte von Yilmaz Dziewior, Mark von Schlegell und John Welchman 

Cosima von Bonin arbeitet mit Skulpturen, Installationen, Filmen, Gemälden und sozialen 

Beziehungen. Wiederkehrendes Motiv ist die textile und dimensionale Verwandlung 

von Objekten, die diese aus ihrem alltäglichen Zusammenhang herauslöst und 

vollkommen neue Wahrnehmungsprozesse und Bezüge freisetzt. 

Die Publikation zu Cosima von Bonin präsentiert nicht nur die in der Ausstellung gezeigten 

neuen und bekannten Werkfolgen, sie erfasst zudem so vollständig wie bis heute 

möglich die bisherigen Arbeiten Cosima von Bonins mit Werkangaben und Abbildungen. 

Neben einem Überblickstext von Yilmaz Dziewior setzt John Welchman ihr Schaffen in 

einen kunsthistorischen Kontext, Mark von Schlegell hat einen fi ktionalen Begleittext geschrieben, 

der Aspekte des Werks assoziativ aufgreift. Ein sorgfältig recherchierter Anhang 

vervollständigt diese grundlegende Publikation zu Cosima von Bonin. 

Cosima von Bonin works with sculpture, installation, fi lm, painting and social relationships. 

The reoccurring motif in her work is the material and dimensional transformation 

of objects, which releases them from their everyday context, opening up completely new 

perceptional processes and references. 

This publication presents not only the new and well-known series of works shown in the 

exhibition, but is the most complete review of Cosima von Bonin’s work to date, with comments 

and illustrations of each of the pieces. Yilmaz Dziewior’s text provides an overview to 

the body of work, while John Welchman places it within an art historical context and Mark 

von Schlegell’s fi ctional text takes an associative look at aspects of the work. A thoroughly 

researched appendix rounds off this essential work on Cosima von Bonin. 


30 x 24 cm, 96 Textseiten, 

10 Seiten Einsteckalbum 

mit Trennblättern, 

10 Seiten perforierte Bögen mit 

360 farbigen Abb. 

in Form von Briefmarken. 

Leinen 


978-3-86560-754-6 

€ 48,– 

Kunst / Art 

Texte von Ursula Panhans-Bühler, 

Diedrich Diederichsen, 

Gunnar F. Gerlach, Laszlo Glozer, 

Roberto Ohrt, Veronika Schöne, 

Ludwig Seyfarth und einem Vorwort 

von Harald Falckenberg 

Sammlung Falckenberg, 

Phoenix Kulturstiftung, Hamburg 2010 


Weißer Schimmel. 

You Can Observe a Lot by Watching 

Nach welchen Regeln erfolgt die Bestimmung der Größe von Bildern und die Reihenfolge 

ihrer Abbildungen in einem Kunstbuch? Eine interessante Antwort darauf bietet 

dieses Buch: 360 Werke von 80 Künstlern werden auf neue und amüsante Art und Weise 

präsentiert: In Briefmarkenform kann der Leser von 10 perforierten Bögen mit jeweils 36 

Abbildungen wählen, die Bildchen nach Belieben aus der Perforation lösen und auf 10 

klassischen Albumseiten neu zusammenfügen, indem er sie wie Briefmarken einsteckt. 

Jede „Briefmarke“ hat auf der Rückseite eine Legende zu dem auf der Vorderseite abgebildeten 

Werk. So kann der Leser seine individuelle Anschauung organisieren, Bildgruppen 

arrangie ren und den persönlichen Tafelteil des Katalogs zusammenstellen. 

Which rules are followed to determine the size and sequence of pictures in an art book? 

This book offers an interesting answer. 360 works by 80 artists are presented in a new 

and amusing fashion: in postage stamp format. The reader becomes curator / editor / 

collector by selecting images, removing them from the perforated pages and then 

arranging them, as with a stamp collection, in the display pockets of 10 classic album 

pages. Each ‘stamp’ has a text about the pictured work on the back. The images all come 

from the inventory of the Harald Falckenberg collection in Hamburg. This book questions 

the normal rules of art book presentation and the whole art ranking system and 

is complimented by interesting and relevant texts by renowned authors. 


23 x 15,5 cm, 518 pages, 

136 col. illustrations. 

Softcover 

English 

978-3-86560-732-4 

€ 48,– 

Art Theory / Kunsttheorie 

weiterhin lieferbar / 

still available: 

KWB 31 

Variantology 1, 2005 

978-3-88375-914-2 

€ 58,– 

KWB 35 


978-3-86560-050-9 

€ 48,– 

KWB 37 


978-3-86560-366-1 

€ 48,– 


Variantology 4. 

On Deep Time Relations of Arts, Sciences and Technologies 

In the Arabic-Islamic World and Beyond 

Edited by Siegfried Zielinski and Eckhard Fürlus 

We orient ourselves here on the Orient. Oriens means literally ‘the rising sun,’ and another 

name for the Orient is the Levant. From this perspective we embarked on the 4th 

variantological expedition to the worlds of arts, sciences, and technologies and the relations 

between them. Our journey took us to the House of Wisdom in Baghdad, where 

in the 9th century programmed music automatons were conceived and built and the 

world was surveyed anew; to a darkened chamber in Cairo, where in the early 11th century 

the laws of seeing and visual perception were rewritten; to the Al-Jazira region 

between the 2 rivers Euphrates and Tigris. At the end of the journey, like Averroes from 

Cordoba we felt we were writing in Latin, thinking in Greek, and dreaming in Arabic. And 

of one thing we are absolutely certain: in the future it will not be possible to write the 

history (and stories) of the arts and the media without taking a long and hard look at 

the deep time of Arabic-Islamic culture. 

Wir orientieren uns gen Morgen(land). Orient heißt wörtlich die aufgehende Sonne. 

In dieser Perspektive ist die 4. variantologische Reise zwischen den Welten der Kü nste, 

Wissenschaften und Technologien organisiert. Sie fü hrt in das Haus der Weisheit nach 

Bagdad, wo im 9. Jahrhundert programmierte Musikautomaten ausgedacht und die 

Welten neu vermessen wurden. Andalusien, Indien, der Iran, Istanbul oder die Klosterschule 

der drei Monde im syrischen Beirut sind weitere Stationen einer Exkursion, bei 

der man aus dem Staunen nicht mehr herauskommt. 


17 x 24 cm, 452 pages. 

Softcover 

English 

978-3-86560-687-7 

€ 29,80 


Deutsch / Englisch 

978-3-86560-683-9 

€ 32,– 

English 

978-3-86560-686-0 

€ 29,80 


See this Sound. Audiovisuology 2. Essays. 

Histories and Theories of Audiovisual Media and Art 

Edited by Dieter Daniels and Sandra Naumann. 

With contributions by Hans Beller, Michel Chion, Diedrich Diederichsen, Christian 

Höller, Katja Kwastek, Birgit Schneider, Chris Salter and Simon Shaw-Miller 

This monograph is comprised of stimulating essays on the current and historical position 

of sound and image in art and media, and their interconnection. The point of departure 

for the prominent authors was the fact that our realm of experience is today shaped by 

an omnipresence of audio-visual products and structures, in which the cultural image and 

sound production are tightly entwined with one another in terms of technology, art and 

market strategy. The project See this Sound explores the current diversity and long history 

of these syntheses and contradictions, this linking, overlapping and sometimes also irreconcilability 

through the perspectives of contemporary art and art and media science. 

Diese Monografi e umfasst anregende Essays zur Gegenwart und Geschichte von Bild 

und Ton in Kunst, Medien und deren Querverbindungen. Ausgangspunkt für die prominenten 

Autoren war der Umstand, dass unsere heutige Erfahrungswelt geprägt ist von 

einer Allgegenwart audiovisueller Produkte und Strukturen, in denen sich die kulturelle 

Bild- und Tonproduktion medientechnisch, künstlerisch und marktstrategisch aufs 

Engste miteinander verschränkt. Die aktuelle Vielfalt und die lange Vorgeschichte dieser 

Synthesen und Widersprüche, dieser Verkoppelung, Überlagerung und manchmal auch 

Unversöhnlichkeit untersucht das Projekt See this Sound unter den beiden Perspektiven 

der zeitgenössischer Kunst und der Kunst- und Medienwissenschaft. 

See this Sound. 

Versprechungen von Bild und Ton / Promises of Sound and Vision 

23 x 29,5 cm, 320 Seiten, 179 farb. und 147 s/w Abbildungen. Klappenbroschur 

mit Lesebändchen 

Herausgegeben von Cosima Reier, Stella Rollig, Dieter Daniels und Manuela Ammer 

Vor dem kulturhistorischen Hintergrund der visuellen Musik im abstrakten Film der 

1920er Jahre und den Intermedia-Entwicklungen seit den späten 1950er Jahren 

zeigt See this Sound das veränderte tönende Bild einer zeitgenössischen Kunst, 

die die unterschiedlichsten Spielarten und Fragestellungen von Sound & Vision zu 

ihrem Thema und Instrumentarium gemacht hat. 

See this Sound aims to make several important aspects of the manifold and diverse 

relationship between image and sound accessible in an interdisciplinary way. 

Audiovisuology 1. See this Sound. 

An Interdisciplinary Compendium of Audiovisual Culture 

17 x 24 cm, c. 436 pages, various cpl. illustrations.Softcover 

Edited by Dieter Daniels and Sandra Naumann 

This all-embracing compendium brings together texts on various art forms in which the 

relationship between sound and image plays a signifi cant role and the techniques used 

in linking the two. 

Dieses umfangreiche Kompendium versammelt Texte zu verschiedenen Kunstformen, 

in denen Ton-Bild-Relationen eine signifi kante Rolle spielen, oder zu Verfahren zur 

Verknüpfung von akustischen und visuellen Phänomenen. 


23 x 30 cm, 392 pages, 


Hardcover 

English 

978-3-86560-783-6 

€ 32,– 

Art / Kunst 

Museum Moderner Kunst 

Stiftung Ludwig Wien, 2010 

Zacheta National Gallery of Art, 

Warsaw, 2010 


Gender Check. 

Femininity and Maskulinity in the Art of Eastern Europe 

Edited by Bojana Pejic. Forword by Agnieszka Morawinska. 

Texts by Edit András, Keti Chukrov, Branko Dimitrijeviç, Katrin Kivimaa, Izabela 

Kowalczyk, Suzana Milevska, Martina Pachmanová, Bojana Pejiç, Piotr Piotrowski, 

Zora Rusinová, Hedwig Saxenhuber and Georg Schöllhammer 

Gender Check is the fi rst comprehensive publication on art with gender themes from 

Eastern Europe. More than 20 years after the fall of the Berlin Wall, Bojana Pejiç and a 

team of experts from 24 different countries have put together a selection of over 400 

works including paintings, sculpture, installations, photography, posters, fi lms and videos. 

Featuring more than 200 artists, the publication paints an exceptionally diverse picture 

of a chapter in art history that until recently had been largely unknown and that 

may also act as an important addition to contemporary gender discourse. 

Auf welche Weise erzeugt eine Gesellschaft sexuelle Rollenbilder? Wie reagiert die 

Kunstwelt auf die Konstruktion gesellschaftlich erwünschter Geschlechterrollen? 

Vor dem Hintergrund dieser Fragen wird die osteuropäische Kunst seit den 1960er 

Jahren hier einer Bestandsaufnahme unterzogen. Im großzügig gehaltenen Abbildungsteil 

werden themenspezifi sche Malereien, Fotografi en, Plakate, Skulpturen, Installationen, 

Filme und Videos gezeigt, die seit Mitte der 60er Jahre in den einzelnen 

ost- und südosteuropäischen Ländern entstanden sind und die gesellschaftspolitische 

Entwicklung sowohl in der Popkultur wie auch bei den Nachfolgern der Avantgarde 

widerspiegeln. 


22,5 x 30 cm, 314 Seiten, 

zahlreiche farbige Abb., Klapptafeln, 

9 Textbeiträge als Inserts, 

“Munich Loves You” 

– München Guide von 

pablo internacional magazine, 

div. künstlerische Beiträge 

als lose Einleger 

(Sticker, Postkarten etc.). 

Broschur 


978-3-86560-771-3 

€ 39,80 

Kunst / Art 


Be Nice Share Everything Have Fun. 

Kunstverein Mü nchen 2005–2009 

Herausgegeben von Stefan Kalmar, Kunstverein München. 

Texte von Michael Bracewell, Hans-Christian Dany, John Giorno, Ang Lee, Alan Moore, 

Andreas Neumeister, Jan Verwoert, Brigitte Weingart und Ian White 

Ein umfassender Remix aus Kunst, Diskurs und Propaganda. Auf der Basis ihres Programms 

im Kunstverein München (2005 – 2009) sammeln und sortieren die Herausgeber 

bereits Gesagtes und Gezeigtes, um es in neuen Konstellationen auf- und 

abzumischen. Ein Buch als Ausstellung, eine Ausstellung als Buch. Dokumentiert 

wird damit auch die Tätigkeit des Kurators Stefan Kalmar, der als Leiter des Münchner 

Kunstvereins ein außergewöhnlich engagiertes und interessantes Ausstellungsprogramm 

verwirklichte. Gestaltet wurde der Band von Scott King und Régis Tosetti. 

A comprehensive remix of art, discourse and propaganda. The editors of this book have 

collected and sorted what was said and shown at the Kunstverein München between 

2005 and 2009, mixing it up and creating new constellations and relationships between 

the various arts and artists. A book as exhibition, an exhibition as book. It is also a documentation 

of the work of the curator and director of Kunstverein Stefan Kalmar, who 

has realised an extraordinarily dedicated and interesting program of exhibitions. The 

book was designed by Scott King and Régis Tosetti. 

33

24 x 28 cm, 264 pages, 

c. 200 col. illustrations. 

Hardcover 

English 

978-3-86560-808-6 

€ 49,– 

Art / Kunst 

Los Carpinteros is a Havana, Cubabased 

art collective since 1991. 

Comprised of Marco Antonio Castillo 

Valdés, born 1971, and Dagoberto Rodríguez 

Sánchez, born 1969, they live 

and work in Havana, Cuba. 

Vertreten durch / Represented by: 

Sean Kelly Gallery, New York 

Alonso Art, Miami 

John Berggruen Gallery, San Francisco 


Los Carpinteros 

Handwork: Constructing the World 

Edited by Gudrun Ankele and Daniela Zyman, T-B A21. 

Texts by Adam Budak, Eugenio Valdés Figueroa, Francesca von Habsburg, 

Paulo Herkenhoff, Helen Molesworth and Rochelle Steiner 

This monograph is a comprehensive survey of Los Carpinteros’ work since 2003, their 

most critically acclaimed period. Since their fi rst collaborations, which focused on the 

traditions of craftsmanship and the colonial architecture of Cuba, as well as the subversion 

of the craftsman and the artist, Los Carpinteros’ installations, sculptures and 

watercolour paintings have explored the political potential of art. In their more recent 

works, they transform simple, everyday objects (such as beds, loudspeakers and coffee 

machines) in dreamlike and associative ways, cracking open the ambiguities of reality 

and producing moments of absurdity and humour. 

Seit ihren frühen Arbeiten, in denen sich Los Carpinteros mit Traditionen des Handwerks 

und der Kolonialarchitektur Kubas auseinandersetzten, loten ihre Installationen, 

Skulpturen und Aquarellzeichnungen das politische Potenzial von Kunst aus. In ihren 

aktuellen Arbeiten transformieren sie einfach Alltagsgegenstände wie Betten, Lautsprecher 

und Kaffeemaschinen auf traumhafte, assoziative Weise. Dieser künstlerische 

Prozess der Verfremdung bringt Brüche und Ambiguitäten in der vermeintlichen Realität 

zum Vorschein und produziert Momente des Absurden wie auch des Unheimlichen. 


22 x 28 cm, ca. 180 Seiten, 

ca. 250 farbige Abbildungen. 

Broschur 


978-3-86560-832-1 

€ 32,– 

Kunst / Art 

Das Spektrum der in Malerei: 

Prozess und Expansion präsentierten 

Werke reicht von historischen Positionen 

des abstrakten Expressionismus (Jackson 

Pollock), der Pop-Art (John Chamberlain, 

Robert Rauschenberg), des Nouveau 

Réalisme (Martial Raysse), der Fluxus- 

Bewegung (Wolf Vostell), des Wiener 

Aktionismus und der Minimal Art (Alan 

Charlton, Dan Flavin, Donald Judd, Robert 

Morris) bis zu aktuellen prozess- und 

raumbezogenen Arbeiten (Bernard Frize, 

Bertrand Lavier, David Reed, Gerwald 

Rockenschaub, Adrian Schiess, Jessica 

Stock holder oder Heimo Zobernig). 


Malerei: Prozess und Expansion. 

Painting: Process and Expansion 

Vorwort von Edelbert Köb. Essays von Edelbert Köb, Rainer Fuchs, Ines Gebetsroither 

und Gabriel Hubmann 

Allen Endzeitszenarien zum Trotz hat sich die Malerei bis heute als wandelbar und 

erneuerungsfähig erwiesen. In der Auseinandersetzung mit technologiegestützter 

und konzeptueller Kunst wurden seit der Mitte des 20. Jahrhunderts die eigenen Rahmenbedingungen 

analysiert und zugleich erweitert. Der Prozess des Malens und die 

Materialität der Farbe wurden dabei ebenso zu Themen der Malerei wie die Aufl ösung 

des traditionellen Bildformats und ihr Potenzial, objekthafte und raumbezogene 

Formen anzunehmen. Der Katalog veranschaulicht diese parallel verlaufenden und 

sich teilweise überlagernden Themenfelder des Prozessualen und Expansiven in ihren 

geschichtlichen und gegenwärtigen Ausformungen. Dabei erweist sich die Malerei 

als diskursives Medium, dessen Entwicklung vom kunsttheoretischen Meinungsstreit 

zwischen seinen Protagonisten und Gegnern mitbestimmt wird. 

Despite all of the doomsday scenarios, painting has proved both fl exible and capable of 

renewing itself. Through confrontation with conceptual and technology based art, the 

defi nition of its own boundaries have been analysed and broadened since the middle 

of the 20th century. The process of painting and the materiality of paint have become 

just as much themes in painting as the dissolution of the traditional picture format 

and its potential to take on object like and spatial forms. This catalogue illustrates these 

parallel, and at times overlapping, themes in their historical and current forms. Painting 

proves itself a discursive medium, whose development is partly determined by the various 

positions of its protagonists and opponents. 


24 x 30 cm, 64 Seiten, 


Halbleinenband 

Deutsch / English / Italian 

978-3-86560-812-3 

€ 25,– 

Kunst / Art 

24 x 32 cm, 180 Seiten, 


Broschur 


978-3-86560-745-4 

€ 28,– 

Kunst / Art 


Stephan S Balkenhol. 

Sempre S più … 

Herausgegeben H 

von Stephan Balkenhol. 

Texte Te von Rainer Marten, Christian Michelsen und Ludovico Pratesi 

Sempre Se più ... (Immer mehr ...), so der Werktitel des überlebensgroßen Torsos, war von 

Oktober O 2009 bis Februar 2010 in einem „See aus Falschgeld“ zwischen den Ruinen 

des d Caesarforums in Rom aufgestellt. Ein Verweis auf die antike Vergangenheit der 

Stadt St ist ebenso erkennbar wie die Verbindung der Figur zum Hier und Jetzt. Neben 

der d Analyse von Balkenhols Holzarbeit widmet sich die Publikation Überlegungen, die 

auch a unabhängig von der Skulptur Bedeutung haben, so z. B. den Auswirkungen von 

menschlicher m 

Gier, dem Bedürfnis, „immer mehr“ zu wollen. 

Sempre S 

più ... (Ever more ...) is the title of Stephan Balkenhol’s larger than life-size cedar 

wood torso. The fi gure was positioned amongst the ruins of the Forum Romanum in 

Rome, surrounded by a ‘sea of false money,’ from October 2009 to February 2010. The 

references made to the city’s ancient past are quite recognisable, yet the fi gure is also 

clearly connected to the here and now. Alongside an analysis of Balkenhol’s wooden 

sculpture, the catalogue is dedicated to philosophical and sociological musings with farreaching 

implications, for example, the effects of human greed, of wanting ‘ever more.’ 

· Stephan Balkenhol, geb. 1957 in Fritzlar, lebt und arbeitet in Karlsruhe und 

Meisenthal. 

Aaron A Curry. 

Bad B Dimension 

Vorworte V von Giacinto di Pietrantonio and Veit Görner. Texte von Alessandro Rabottini, 

Martin M Germann und Local Yokel. Interview zwischen Bruce Hainley und Aaron Curry 

Aaron A Curry zitiert in seinen Skulpturen die Kunstgeschichte des vergangenen Jahrhunderts 

h und verbindet dies mit Fragen der Mediengesellschaft unserer Zeit. 

Seine Se Arbeiten erinnern an kubistische Skulpturen, an amerikanische Folklore, an Science-Fiction-Filme 

e 

aus den 70er Jahren oder an präkolumbianische Kunst vermischt 

mit m Graffi tikunst. Curry zeigt in Bad Dimension die Avantgarde der Pop-Art wie sie ty- 

ppisch 

ist für die ersten Jahre des neuen Jahrtausends. Die erste Monografi e zu seinem 

WWerk 

bietet einen Überblick über seine Arbeiten von 2006 bis heute. 

AAaron 

Curry’s sculpture quotes from the history of art of the last century, connecting 

this to the questions of today’s media-centric society. 

His work is reminiscent of Cubist sculpture, American folklore, 1970s sci-fi fi lms and pre- 

Columbian art mixed with graffi ti. Bad Dimension represents the avant-garde of pop 

art in the 21st century. This monograph provides a comprehensive overview of the wide 

spectrum of his work from 2006 to today. 

· Aaron Curry, geb. 1972 in San Antonio, Texas, lebt und arbeitet in Los Angeles. 

· GAMeC – Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea, Bergamo, 2010; 

kestnergesellschaft, Hannover, 2010 


19 x 26 cm, 160 Seiten, 

168 farbige, teils ganz- bzw. 

doppelseitige Abbildungen. 

Broschur 

Deutsch / English / Spanish 

978-3-86560-750-8 

€ 28,– 

Kunst / Art 

30 x 24 cm, 176 Seiten, 


Hardcover 


978-3-86560-848-2 

€ 34,– 

Kunst / Art 


Meschac M Gaba 

Texte Te von Simon Njami und Marco Scotini 

Meschac M Gaba arbeitet in seiner Kunst vornehmlich mit der Thematik des interkulturellen 

re (Un)-Gleichgewichts. Seine Installationen beziehen sich auf Aspekte afrikanischer 

sc Lebenskultur, verweisen aber gleichzeitig durch den musealen Kontext auf eine 

westlich w geprägte Kunstwelt. Museen erfüllen dabei aus seiner Sicht nicht nur eine 

Funktion Fu als Ausstellungsort: „I believe that, above all, a museum is a place of study, of 

research.“ re Separat wurden die eigenständigen Räume des Museum of Contemporary 

African A Art seit 1997 bereits von unterschiedlichen Institutionen präsentiert. 

Meschac M Gaba’s art is mainly concerned with the topic of intercultural disparity. His installations 

st are related to aspects of African culture, but at the same time, through their 

museal m context, refer to an art world that is shaped by the West. In his point of view, 

museums do not only fulfi l a function as exhibition spaces: ‘I believe that, above all, a museum 

is a place of study, of research.’ The independent rooms of his Museum of Contemporary 

African Art have each been presented separately by various institutions since 1997. 

· Meschac Gaba, geb. 1961 in Cotonou, Benin, lebt und arbeitet in Benin 

und in den Niederlanden. 

· Kunsthalle Fridericianum, Kassel, 2009; Museum De Paviljoens, Almere, 2009; 

Centro Atlántico de Arte Moderno, Las Palmas, 2010 

Thomas Zipp. 

(WHITE REFORMATION CO-OP) 

MENS SANA IN CORPORE SANO 

Vorwort von Rein Wolfs. Text von Veit Loers 

Unter dem Titel (WHITE REFORMATION CO-OP) MENS SANA IN CORPORE SANO widmet 

sich Thomas Zipp intensiv der Fragestellung nach Norm und Abweichung, sozialer 

Ausgrenzung sowie der Einordnung des Selbst in die Gesellschaft und verwandelt 

Räume durch düstere Ästhetik und satirische Übertreibung in seine Vision einer „psychiatrischen 

Anstalt“. Mit dem Untertitel MENS SANA IN CORPORE SANO verweist 

Zipp auf den bekannten Zitatausschnitt des römischen Dichters Juvenal (ca. 60-140 

n. Chr.), der als Satiriker bereits selbst die Zeichen seiner Zeit spitzzüngig kritisierte. 

Under the title (WHITE REFORMATION CO-OP) MENS SANA IN CORPORE SANO, 

Thomas Zipp devotes himself to the question of norms and deviation, social segregation 

as well as the classifi cation of the self in society. He transforms spaces into his vision of a 

mental institution, through the use of gloomy aesthetics and satirical exaggeration. The 

subtitle MENS SANA IN CORPORE SANO refers to the well-known quote by the Roman 

poet Juvenal (circa 60 – 140 AD), who himself had criticised the slogans of his time with 

a sharp satirically tongue. 

· Thomas Zipp, geb. 1966 in Heppenheim, lebt und arbeitet in Berlin. 

· Kunsthalle Fridericianum, Kassel, 2010 


21 x 29,5 cm, 

114 ganzseitige, farbig faksimilierte 

Handzeichnungen. 

Schweizer Broschur 

978-3-88560-734-8 

€ 38,– 

Künstlerbuch / Artist Book 

21 x 29,7 cm, 80 Seiten, 

66 farbige ganzseitige Abbildungen. 

Pappband 

978-3-86560-758-4 

€ 28,– 



Sabine Moritz. 

Lobeda 

Es sind glückliche Umstände, die zum Erscheinen dieses Buches geführt haben. Bei 

einem gemeinsamen Besuch mit Hans Ulrich Obrist im Winter 2009 im Kölner Atelier 

der Künstlerin lagen auf einem Tisch ein Stapel Zeichnungen im Format DIN A3 

und DIN A2 unbeachtet in einer Mappe: Wie in einem Tagebuch erinnert sich Sabine 

Moritz als Studentin in Offenbach und Düsseldorf Jahre später an ihre Kindheit in 

Lobeda, einer Plattensiedlung bei Jena, wo sie ihre Kindheit und Jugend bis 1985 verbracht 

hat: die großen Wohnbauten, Spielplatz, Kindergarten, Schule, die Wohnung, 

das Labor des Vaters … 

It was a set of fortunate circumstances that lead to the publication of this book. While 

visiting the artist’s atelier with Hans Ulrich Obrist in the winter of 2009 we found a 

pile of A3 and A2 sized drawings, lying completely disregarded in a portfolio. They were 

drawn from memory by Sabine Moritz while she was a student in Offenbach and 

Düsseldorf, like a diary of her childhood in Lobeda, a prefab estate near Jena (in what 

was then East Germany), where she lived until 1985; blocks of fl ats, the playground, 

kindergarten, school, the family’s fl at, her father’s laboratory … 

· Sabine Moritz, geb. 1969 in Quedlinburg, lebt und arbeitet in Köln. 

Amelie von Wulffen. 

Bitte keine heiße Asche einwerfen 

Ohne Text und unter Verzicht auf Bildlegenden und Datierung präsentiert Amelie von 

Wulffen 66 neue Zeichnungen und Aquarelle. In Form eines repräsentativen Buchs 

mit ganz- bzw. doppelseitigen farbigen Reproduktionen bedient sie sich der Form 

eines fi ktiven Tagebuchs. Die Dramaturgie setzt auf harte Kontraste von persönlichen 

Träumen, öffentlichen Auftritten und Funktionen des Künstlers als „Container“. 

Amelie von Wulffen presents 66 new drawings and watercolours, without written comment, 

captions or dating. This representative book, with full-page and double-paged 

colour reproductions, takes the form of a fi ctional diary. The dramatic composition of 

the book makes use of the stark contrasts between personal dreams, public appearances 

and the function of the artist as a ‘container.’ 

· Amelie von Wulffen, geb. 1966 in Breitenbrunn, lebt und arbeitet in Berlin. 

· Kunstraum Innsbruck, 2009 


23 x 30 cm, 144 Seiten, 

mit mehr als 200 farbigen 

Abbildungen. 

Broschur 


978-3-86560-788-1 

€ 28,– 

Kunst / Art 

24 x 33,6 cm, 72 Seiten, 

45 Farbtafeln. 

Broschur 

Deutsch 

978-3-86560-834-5 

€ 19,80 

Kunst / Art 


Polke & Co. Ausstellungsdokumentation. 

Wir Kleinbürger! Zeitgenossen und Zeitgenossinnen. 

We Petty Bourgeois! Comrades and Contemporaries. 

Nach der Monographie zu Sigmar Polkes Werkgruppe Wir Kleinbürger! erscheint nun 

die detaillierte Dokumentation der Ausstellung in der Hamburger Kunsthalle, die 

2009 zur „Ausstellung des Jahres“ gekürt wurde. 

Die sich von „Clique“ über „Pop“ zu „Politik“ ergänzenden Teile gaben erstmals Einblick 

in die bislang von der Kunstgeschichte vernachlässigte Produktion des Künstlers in 

den 1970er Jahren. Die Publikation dokumentiert mit Hunderten von farbigen Abbildungen 

Raum für Raum die Installationsarbeiten, Vitrinen und Videos der Ausstellung. 

Alle Wand- und Saaltexte sind abgedruckt. Ein eigenes Kapitel widmet sich den 

fi lmischen Tagebüchern Polkes. Den Abschluss der überaus informativen Publikation 

bildet eine Liste sämtlicher Exponate. 

After the monograph on the Wir Kleinbürger! (We petty bourgeois!) series comes this 

detailed documentation of the Sigmar Polke exhibition in the Hamburger Kunsthalle, 

which was named ‘exhibition of the year’ in 2009. 

The three-part exhibition, divided into ‘clique’, ‘pop’ and ‘politics’, gives the fi rst real insight 

into Polke’s long ignored work from the 1970s. This publication documents the 

exhibition, from room to room, with hundreds of colour illustrations of installations, 

vitrines and videos. All of the texts from the exhibition are also included and there’s a 

whole chapter dedicated to Polke’s fi lmic dairies. 

· Sigmar Polke, geb. 1941 in Oels, gest. 2010 in Köln. 

· Hamburger Kunsthalle, 2009 / 2010 

Albert Oehlen. 

Fingermalerei 

Herausgegeben und mit einem Text von Alexander Klar und einem Interview 

mit Albert Oehlen 

Das Thema der „postgegenständlichen“ Malerei Albert Oehlens ist das Malen selbst, 

und damit die Erfi ndung von Form. Seine Gemälde sind Projektionsfl ächen für Gesten, 

die ebenso bildliche Kommentare sein können wie gemalte Emotion. Seit 2007 bearbeitet 

Albert Oehlen Fragmente und Ausschnitte großfl ächiger Plakate mit Farbgesten, 

deren Sprache sich zwischen ironischem Kommentar der fragwürdigen Ästhetik 

der darunterliegenden Werbung und dem freien Aufgreifen der dort gefundenen Formen 

bewegt. Die oft mit den Fingern sparsam aufgetragenen Gesten verändern die 

grellen Plakate zu abstrakten Bildfl oskeln von aufregender Intensität. 36 neue großformatige 

Bilder von 2008 werden hier erstmals ganzseitig und farbig abgebildet. 

This book presents 36 new ‘finger paintings’ by Albert Oehlen, in full-page colour 

illustrations. 

· Albert Oehlen, geb. 1954 in Krefeld, lebt und arbeitet in der Schweiz und Spanien. 

2000- 2009 Professor an der Kunstakademie Düsseldorf. 

· Emil Schumacher Museum, Hagen, 29.05. – 22.08.2010 


26,5 x 18,2 cm, 68 pages, 

c. 45 b/w illustrations. 

Softcover 

978-3-86560-813-0 

€ 28,– 


29,7 x 42 cm, 42 Seiten, 


Broschur 

Deutsch 

978-3-86560-778-2 

€ 38,– 


Jane Stockdale. 

I Predict A Riot 

I Predict A Riot is the fi rst book by Scottish photographer Jane Stockdale and documents 

the G20 demonstrations that took place in London in April 2009. Hyped up in the UK 

media as ‘The Summer of Rage’ and ‘Meltdown in the City,’ this photo book documents 

what really happened that day outside the Bank of England when protests brought the 

City of London to a standstill. 

I Predict A Riot ist das erste Buch der schottischen Fotografi n Jane Stockdale. Es doku- 

mentiert die Demonstrationen, die im April 2009 in London anlässlich des G20-Gipfels 

stattfanden. Von den britischen Medien wurde das Ereignis als „Sommer der Wut“ und 

„Zusammenbruch in der Stadt“ umschrieben. Der Fotoband zeigt, was vor dem Sitz der 

Bank von England wirklich geschah, als die Proteste die Stadt London in einen Schockzustand 

versetzten. 

· Jane Stockdale lives and works in London. 

Andreas Mühe. 

1997 – 2010 

Texte von F. C. Gundlach und Christof Kaldonek 

Als romantisch, mystisch, manchmal auch schwer und geheimnisvoll werden die 

Aufnahmen des jungen Berliner Fotografen beschrieben. F. C. Gundlach, der Doyen 

der deutschen Fotografi e, ist ein entschiedener Förderer von Andreas Mühe. Schon 

früh hat er die außerordentliche Konsequenz in dessen Werk gelobt. Reduziert und 

konzentriert auf das Wesentliche zeigen seine Porträts Künstler wie Markus Lüpertz, 

Jonas Burgert, Daniel Brühl oder Sibel Kekili, aber auch Schriftsteller wie Moritz von 

Uslar und Politiker wie Angela Merkel, Helmut Schmidt oder Egon Krenz. 

Dies ist der erste Bildband des Shootingstars der angewandten Fotografi e. Sowohl die 

Porträt- als auch seine Landschafts- und Architekturaufnahmen werden im großzügigen 

DIN-A3-Format präsentiert. 

The fi rst fully illustrated book presenting the portrait, landscape and architectural 

photography of shooting star Andreas Mühe in A3 format. 

· Andreas Mühe, geb. 1979 in Karl-Marx-Stadt, lebt und arbeitet in Berlin. 

· Camera Work, Berlin, 2010 

40 sommer / summer 2010 koenig books, london / verlag der buchhandlung walther könig, köln

19 x 26,5 cm, 128 Seiten, 


Broschur mit Schutzumschlag 

978-3-86560-814-7 

€ 28,– 


11,5 x 17 cm, 92 Seiten, 


Leinen mit Schutzumschlag 

978-3-86560-748-5 

€ 28,– 


Wade Guyton. 

Zeichnungen für ein großes Bild. 

Das „große Bild“ im Format 7,75 m x 1,75 m ist eine Wandabwicklung im „Heldensaal“ 

des Museum Ludwig. Als Teil seiner Ausstellung dort hat Wade Guyton ein Künstlerbuch 

geschaffen, in dem er auf mehr als 60 farbigen Doppelseiten Einblick in seine 

Arbeitsmethode gewährt. Er verzichtet auf jeden Text und demonstriert rein visuell 

seine künstlerische Vorgehensweise, die darin besteht, dass er für seine „Druckgemälde“ 

bereits reproduzierte Bilder und Ausschnitte aus Büchern oder Kunstzeitschriften 

verwendet. Der Stapel Bilder und Magazinausschnitte auf den ersten Seiten dieses 

Flipbuchs wird, je weiter man nach hinten blättert, immer weniger. Für den Leser wird 

auf diese Weise die Malerei von Wade Guyton erfahrbar, die sich – wie das Buch – auf 

das Ausgangsmaterial und den Herstellungsprozess selbst bezieht. 

The ‘große Bild’ (‘big picture’) is a mammoth wall display in the Museum Ludwig. As part 

of the exhibition, Wade Guyton created an artist’s book with more than 60 double-sided 

colour pages. It demonstrates his artistic approach, in which he uses reproduced images 

and cut-outs from books and art magazines to create ‘print-paintings,’ in a purely visual 

manner. The pile of pictures and magazine snippets on the fi rst page of this fl ip book 

grows ever smaller as the pages are turned, as such allowing the reader to experience 

the painting process. 

· Wade Guyton, geb. 1972 in Hammond, Indiana, USA, lebt und arbeitet in New York. 

· Museum Ludwig, Köln, 23.04. – 22.08.2010 

Tobias Hantmann. 

Sets 

Die geschliffene Unterseite von Kochtöpfen dient Tobias Hantmann als Malgrund. Es 

entstehen Bilder, die die meist refl ektierenden Böden imitieren. Durch die immer wieder 

unterschiedliche arrangierte Beobachtung und Deutung des Spiegelphänomens 

schafft er in Sets zweifelhafte Wirklichkeiten. Gleichzeitig entstehen dabei abstrakte 

Bildstrukturen. Dieses Künstlerbuch zeigt eine Auswahl von 84 Abbildungen der Sets. 

Tobias Hantmann uses the polished bases of cooking pots as a painting surface. The 

images he creates mostly imitate the original refl ective base. Through the multiple observations 

and interpretations of this mirror phenomenon, Sets simultaneously creates 

questionable realities and abstract visual structures. This artist book presents a selection 

of 84 illustrations of the Sets. 

· Tobias Hantmann, geb. 1976 in Kempten, lebt und arbeitet in Köln. 

sommer / summer 2010 verlag der buchhandlung walther könig, köln 

41

19 x 24 cm, 208 Seiten, 


Broschur 


978-3-86560-833-8 

€ 28,– 

Kunst / Art 

22 x 28 cm, 150 Seiten, 


Broschur 


978-3-86560-753-9 

€ 29,90 

Kunst / Art 


Bettina Pousttchi. 

Echo Berlin 

Texte von Bettina Pousttchi, Diedrich Diederichsen, Tom McCarthy, Markus Miessen, 

Hans Ulrich Obrist, Angela Rosenberg und Esther Ruelfs 

Bettina Pousttchi hat Fotografi en des mittlerweile abgerissenen Palastes der Re- 

publik so gestaltet, dass rund 970 auf die Außenwände der Temporären Kunsthalle 

applizierte Einzelplakate den Eindruck einer Miniaturausgabe des verschwundenen 

Repräsentationsbaus der DDR ergeben. Durch Bildbearbeitung erzielt die Künstlerin 

irritierende Momente. Ein digital erzeugter Zeileneffekt erinnert an Aufnahmen von 

Überwachungskameras bzw. an einen heimlichen Blick durch heruntergelassene Jalousien. 

Mit dieser Inszenierung refl ektiert Pousttchi die individuelle Erinnerungsfähigkeit 

und die suggestive Rolle, die das Medium Fotografi e dabei spielt. 

Bettina Pousttchi staged photographs of the Palace of the Republic, which has since been 

pulled down, so that around 970 individual posters attached to the exterior walls of the 

temporary art gallery give the impression of a miniature version of the former East German 

ceremonial building. The artist achieves confusing moments through image processing. 

A digitally created line effect is reminiscent of close-circuit camera footage or a secret 

peek through closed blinds. Pousttchi’s staged photographs refl ect on the individual’s faculty 

of memory and the suggestive role that the medium of photography plays in it. 

· Bettina Pousttchi, geb. 1971 in Mainz, lebt und arbeitet in Berlin. 

· Temporäre Kunsthalle Berlin, 2009 / 2010 

Tatiana Trouvé. Il Grande Ritratto 

Herausgegeben von Adam Budak und Peter Pakesch. 

Texte von Adam Bubak, Pamela M. Lee, Louise Neri, Francesca Pietropaolo, 

Dieter Roelstraete, Tatiana Trouvé und Dino Buzzati 

Tatiana Trouvé erschafft Welten, die ohne Sprache auskommen, voll von nebelhaften 

Grenzfl ächen und Übergängen zwischen Innen und Außen: In fast irre anmutenden 

Akten räumlicher Umgestaltung dekonstruiert die Künstlerin in ihren Ausstellungen 

die museale Umgebung, durchtränkt, verdichtet und entschleunigt sie. So entsteht 

eine surreale Landschaft, die ihre eigene räumliche und zeitliche Grammatik etabliert. 

Dass die Künstlerin sich in dieser sprachlosen Welt ausgerechnet auf die Novelle „Il 

Grande Ritratto“ von Dino Buzzatti beruft, erklärt sie so: „Die Geschichte ist eine literarische 

Auseinandersetzung mit einem Begriff, der mir ganz besonders wichtig ist: 

Heimlichkeit: das Geheimnis als Ort des Exils.“ 

Tatiana Trouvé creates worlds where no language is needed, full of hazy boundaries and 

interfaces between inside and outside. The artist’s exhibitions deconstruct the museal 

surroundings, saturating, compressing and decelerating them in almost insane acts of 

spatial redesign. A surreal landscape is created, which establishes its own spatial and 

temporal grammar. 

· Tatiana Trouvé, geb. 1968 in Cosenza, lebt und arbeitet in Paris. 

· Kunsthaus Graz, 2010 


24 x 31 cm, 320 Seiten, 

350 farbige Abbildungen und Pläne. 

Leinen mit Prägung 

und Schutzumschlag 


978-3-86560-742-3 

€ 58,– 


20,8 x 25 cm, 216 pages, 


Softcover with fl aps 

English 

978-3-86560-822-2 

€ 28,– 

Architecture / Architektur 

Ortner & Ortner. Baukunst vom Tag. 

Architecture out of the Ordinary 

Texte von Laurids und Manfred Ortner. Interview von Agnes Giannone mit 

Manfred Ortner 

Die Bauten des Architektenduos Ortner & Ortner in diesem Buch vermitteln eine neue 

Dynamik der gebauten Stadt. Dokumentiert werden ihre weniger großen, weniger 

spektakulären, aber umso interessanteren städtebaulichen Projekte aus den Jahren 

2001 – 2009, wobei der Fokus auf den Bauten der letzten beiden Jahre liegt. Viele der 

55 Beispiele sind hier erstmals publiziert. Die Motivation für das von den Architekten 

selbst konzipierte Buch beschreibt Laurids Ortner so: 

„Was bei zahllosen Architekturpublikationen auf der Strecke bleibt, ist die gebaute 

Stadt mit ihren alltäglichen Bauten. Sie allerdings sind wesentlich für die Funktionen 

und Atmosphären der Stadt. Sie bestimmen unbemerkt die Szenerie und Stimmung, 

die uns spätestens in Filmen völlig in den Bann schlägt.“ 

The buildings of the architect duo Ortner & Ortner impart a new dynamism in the constructed 

city. This book documents their less grand and less spectacular, yet all the more 

interesting urban projects from the years 2001 to 2009. Many of the 55 examples are 

published here for the fi rst time. Laurids Ortner describes the motivation behind this 

book, which was designed by the architects themselves. 

· Laurids Ortner, geb. 1941 in Linz. Manfred Ortner, geb. 1943 in Linz. 1987 Gründung 

des gemeinsamen Architekturbüros. 

Robbrecht en Daem. Pacing through Architecture 

A conversation between Stefan Devoldere, Iwan Strauven and Paul Robbrecht. 

Text by Maarten Delbeke. 2nd Edition 

This book offers the fi rst comprehensive overview of the work of the architects Robbrecht 

en Daem. The spectrum of Robbrecht en Daem’s architecture is represented by 7 key 

projects: a dovecote in Dorst, a public square in Knokke, a woodland cabin in Flanders, 

2 ‘high views’ in Lincolnshire, UK, a concert hall in Bruges, a former dairy in Gaasbeek and 

their own offi ce in Ghent, all extensively documented with sketches, plans and photographs 

by Kristien Daem. From lookout towers to concert halls, from art galleries to municipal 

archives—an overview of 40 major projects completes this monograph and documents 

the rare variety and maturity of the architecture of Paul Robbrecht and Hilde Daem. 

Diese erste umfassende Monografi e der Bauten und Projekte des belgischen Architektenbüros 

Robbrecht en Daem erscheint nun in 2. Aufl age als Klappenbroschur. Die 

Arbeiten werden in 7 wegweisenden Projekten vorgestellt: dem Taubenschlag in 

Dorst, einem öffentlichen Platz in Knokke, einer Holzhütte in Flandern, 2 Aussichtsorten 

in Bosten und Lincoln, einer Konzerthalle in Brügge sowie durch ihr eigenes 

Büro in Gent. Eine Übersicht über 40 weitere Projekte dokumentiert die Bandbreite 

und die Entwicklung der Architektur von Robbrecht en Daem. 

· Paul Robbrecht and Hilde Daem, both born in 1950, they live and work 

in Ghent, Belgium. 

· Whitechapel Art Gallery, London, 2010 

sommer / summer 2010 verlag der buchhandlung walther könig, köln / koenig books, london 

43

20 x27 cm, 80 pages, 

450 illustrations. 

Softcover 

English 

978-3-86560-828-4 

€ 29,80 

Art / Kunst 

16 x 23 cm, 104 Seiten, 


Leinen 


978-3-86560-843-7 

€ 19,80 

Film 

Tabaimo. T 

Boundary B Layer 

Essays Es by Ziba Ardalan de Weck and JJ Charlesworth 

Boundary B Layer is the fi rst full publication on Tabaimo’s work, illustrating the largescale 

sc interactive video pieces featured in the show, including Japanese Kitchen (1999), 

hanabi-ra h (2003), guigunorama (2006), public conVENience (2006) and yudangami 

(2009). (2 The book discusses Tabaimo’s beautiful yet disturbing hand drawn animations, 

which w mix traditional Japanese imagery with digital video techniques. It illustrates both 

dark d satirical pieces that critique modern Japanese society as well as those inspired by 

the th media and Tabaimo’s own personal experiences. 

Boundary B Layer ist die erste umfassende Publikation zu den animierten Grafi ken, die 

Tabaimos Ta 

großformatige interaktive Videoarbeiten illustrieren, darunter Japanese 

Kitchen (1999), hanabi-ra (2003), guigunorama (2006), public conVENience (2006) und 

yudangami (2009). Tabaimos handgezeichnete, bestrickende aber auch verstörende 

Animationen, in denen er die traditionelle japanische Malerei mit der digitalen Videotechnik 

verknüpft, werden von Ziba Ardalan de Weck und J J Charlesworth in gut lesbaren 

und informativen Essays analysiert. Behandelt werden sowohl die dunklen satirischen 

Arbeiten, die die moderne japanische Gesellschaft kritisieren, als auch jene, 

die von den neuen Medien und Tabaimos persönlichen Erfahrungen inspiriert sind. 

· Tabaimo, born 1975 in Hyogo, Japan, lives and works in Tokyo. 

· Parasol unit, London, 26.05. – 06.08.2010 

Lutz Dammbeck. 

Re_Re-Education. Filme 1979 – 2003 

Hg. von Inka Schube / Sprengel Museum Hannover und Lutz Dammbeck 

Von der bildenden Kunst kommend entdeckte Lutz Dammbeck in den frühen 1970er 

Jahren den Animationsfi lm als Experimentierfeld und Ausdrucksmittel. 1982 begann 

er unter Einbeziehung unterschiedlichster Medien (Bild-, Text- und Körpersprache / 

Tanz) mit dem Herakles-Konzept – ein sich permanent fortschreibendes Gesamtkunstwerk, 

Archiv und Collage zugleich, an dem die Arbeit bis heute fortdauert. 

In Dokumenten, Filmen und Radierungen wird erstmals dieser große Werkbereich dokumentiert, 

der das Verhältnis zwischen bildender Kunst, Geisteswissenschaften und 

Technologieentwicklung und Populärkultur in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts 

thematisiert. 

Lutz Dammbeck fi rst discovered the experimental and expressive possibilities of animation 

in the early 1970s. In 1982 he began the Herakles-Konzept, Gesamtkunstwerk, archive 

and collage all in one, using various media such as images, text and dance, which 

he has worked on and added to continuously to the present day. 

This huge collection of work, which deals with the relationship between visual art, the 

social sciences and technological development and popular culture in the 2nd half of 

the 20th century, is chronicled here for the fi rst time in documents, fi lms and etchings. 

· Lutz Dammbeck, geb. 1948 Leipzig, lebt und arbeitet in Hamburg und Dresden. 

· Sprengel Museum, Hannover, 19.05. – 26.09.2010 

44 sommer / summer 2010 koenig books, london / verlag der buchhandlung walther könig, köln

18 x 23 cm, 232 Seiten, 

ca. 90 farb. Abbildungen. 

Hardcover 


978-3-86560-782-9 

€ 48,– 

Kunst / Art 

23 x 25 cm, ca. 208 Seiten, 

ca. 14 Klapptafeln. 

Pappband 


978-3-86560-850-5 

€ 29,80 

Kunst / Art 


Candice Breitz. 

The Scripted Life. 

Œuvreverzeichnis der Videoinstallationen 1999 – 2010 


Texte von Beatrice von Bismarck, Colin Richards, Okwui Enwezor und Edgar Schmitz 

In diesem als Werkverzeichnis der Film- und Videoarbeiten konzipierten Buch setzen sich 

Beatrice von Bismarck, Colin Richards und Okwui Enwezor kenntnisreich mit dem Schaffen 

von Candice Breitz auseinander. Jedes Werk der Südafrikanerin wird zudem einzeln 

in einem von Edgar Schmitz verfassten Text vorgestellt. Zusammen mit den großzügigen 

Abbildungen und dem sorgfältig zusammengestellten Anhang ist dieser Œuvrekatalog 

zugleich die erste umfangreiche Monografi e zum Werk von Candice Breitz. 

This book, which takes the form of a catalogue raisonné, provides an in-depth analysis 

of Candice Breitz’ complete fi lm and video œuvre. Well-informed essays by Beatrice von 

Bismarck, Colin Richards and Okwui Enwezor are complemented by a fantastic selection 

of images. Each individual piece is introduced by a text by Edgar Schmitz. A meticulously 

compiled appendix rounds off this catalogue, which is the most comprehensive publication 

on the work of Candice Breitz to date. 

· Candice Breitz, geb. 1972 in Johannesburg, Südafrika, lebt und arbeitet in Berlin. 

· Kunsthaus Bregenz, 2010 

· Vertreten durch / Represented by: White Cube, London; Yvon Lambert, Paris, 

New York; Art & Public, Genf; KH Bregenz 

Robert Wilson. Video Portraits 

Herausgegeben von Peter Weibel. 

Texte von Norman Bryson, Ali Hossaini, Noah Khoshbin, Matthew Shattuck, 

Nicola Suthor, Peter Weibel und Robert Wilson 

In Robert Wilsons Videoporträts kulminieren Stile der Hoch- und Popkultur mit klassischen 

wie neuen Medien. Die dargestellten Persönlichkeiten verweisen dabei teils 

auf eigene biografi sche Details, teils auf kulturgeschichtliche Quellen. Robert Downey 

Jr. stellt beispielsweise den Leichnam von Rembrandts Gemälde Anatomie des Dr. 

Nicolaes Tulp (1632) dar, während Brad Pitt die mimische Kraft seiner Schauspielkunst 

mit Pistole und in Boxershorts demonstriert. 

The styles of high and pop culture come together with the classical and new media in 

Robert Wilson’s video portraits. The personalities they present refer in part to their own 

biographical details, but also to sources in cultural history. For example, Robert Downey 

Jr. plays the part of the corpse in Rembrandt’s painting The Anatomy Lesson of Dr. Nicolaes 

Tulp (1632), while Brad Pitt demonstrates the expressive power of his acting with 

pistol and boxer shorts. 

· Robert Wilson, geb. 1941 in Waco, Texas, lebt und arbeitet in New York. 

· ZKM, Karlsruhe, 13.05. – 22.08.2010 


29,5 x 20 cm, 128 pages, 


Hardcover 

English 

978-3-86560-759-1 

€ 39,80 

Art / Kunst 

22,5 x 31 cm, 80 Seiten, 

22 Abbildungen in Duplex. 

Hardcover 

Deutsch / English / French / Italian 

978-3-86560-840-6 

€ 25,– 

Kunst / Art 


Eija-Liisa Ahtila. 

Where is where? 

Edited by Ziba Ardalan de Weck. 

Texts by Alison Butler and Nancy Princenthal 

Few other artists use the medium of cinema as masterfully as Eija-Liisa Ahtila. Inspired 

by true stories, her fi lms depict people whose worlds appear to fall apart completely. 

This publication is a thorough and detailed analysis of her newest fi lm, Where is Where?, 

which tells the incredible story of a Finnish author who is paid a visit by death, while 

researching a terrible crime. Ahtila brings together the documentary and the staged, 

the exterior and the interior world of her characters. Unlike in commercial cinema, these 

fi lmic fragments fi rst form a unifi ed whole in the mind of the viewer. It is this overtness 

of structure, in which the artist asks the questions and seems to leave all of the answers 

to the audience, which makes this work utterly fascinating. 

Dieses Buch ist eine umfassende und detaillierte Dokumentation von Eija-Liisa Ahtilas 

neuestem Film Where is where?. 

· Eija-Liisa Ahtila, born 1959 in Hämeenlinna, Finland, lives and works in Helsinki. 

· Parasol unit, London, 26.02. – 25.04.2010 

Charles Avery. Onomatopoeia. The Port 

Texte von Charles Avery und René Zechlin 

Seit 2004 verdichtet sich Averys Zeichenkosmos in dem epischen Projekt The Islanders. 

In der Darstellung einer fi ktiven Inselgruppe vermischt sich Inselromantik mit Endzeitvorstellungen. 

Alte Mythen von Drachen, Gnomen und mutierten Wesen integrieren 

sich in die Alltagsdarstellungen einer Inselwelt, in der das Vertraute und Groteske, 

das Magische und Absonderliche eine spannungsvolle Allianz eingehen. 

Als 2. Teil von The Islanders erscheint nun dieses Künstlerbuch. Im Zentrum steht die 

überdimensionale Bleistift- und Tuschezeichnung View of the Port at Onomatopoeia 

(2010), eine Charakterisierung des Hafens der Hauptstadt der fi ktiven Inselgruppe namens 

Onomatopoeia („Lautmalerei“). 

Charles Avery has created an extraordinary and epic piece of artistic work, in which large 

format drawings and sculptures connect with and complement one another within a 

fi ctional narrative structure. The point of departure in this narrative is the description of 

the discovery of a fi ctive island, its secrets and its mysterious inhabitants, which Avery 

published in 2008 under the title The Islanders – An Introduction. Part 2 is this artist’s 

book, with a reproduction of the huge pencil and ink drawing View of the Port at Onomatopoeia 

as its centrepiece. 

· Chares Avery, geb. 1973 in Oban, Schottland, lebt und arbeitet in London. 

· Le Plateau / FRAC Île-de-France, Paris, 26.05. – 08.08.2010; Kunstverein Hannover, 

28.08. – 07.11.2010; Ex3, Centro per l’arte contemporanea, Firenze,04.02. – 10.04.2011 


15 x 21 cm, 108 Seiten, 

31 farb. Abbildungen. 

Hardcover 


978-3-86560-797-3 

€ 24,80 


24 x 34,5 cm, 144 pages, 

27 b/w illustrations. 

16 sheets of wrapping paper (colour) 

48 x 69 cm 

English 

978-3-86560-774-4 

€ 24,90 



Micol Assaël. 

Foreword by Rein Wolfs, András Pálffy and Letizia Ragaglia. Texts by Rein Wolfs, 

Olesya Turkina and Massimiliano Gioni 

ФОМУШКА, das jüngste großformatige Werk von Micol Assaël, steht im Mittelpunkt 

dieser Publikation. Ausgehend von der leidenschaftlichen Faszination der Künstlerin 

für wissenschaftliche Theorien und physikalische Prinzipien wurde die komplexe 

Arbeit in enger Zusammenarbeit mit Ingenieuren der Moskauer Hochschule für Energetik 

entwickelt. Assaëls minimale Arrangements spielen häufi g mit dem Spektrum 

sinnlicher Wahrnehmungen und erlauben ungewöhnliche Erfahrungen, die durchaus 

unangenehme und beunruhigende Momente einschließen. So baut ФОМУШКА ein 

starkes elektrostatisches Feld auf, welches dafür sorgt, dass dem Betrachter buchstäblich 

die Haare zu Berge stehen. 

The focus of this book is ФОМУШКА, Micol Assaël’s most recent large format piece. As- 

saël is fascinated by scientifi c theory and physical principles and this complex piece was 

developed in close cooperation with engineers from the Moscow Power Engineering Institute. 

Assaël’s minimal arrangements often play with the spectrum of sensual perception 

and initiate unusual experiences, with unpleasant and unsettling moments. In this 

case, ФОМУШКА generates a strong fi eld of static electricity that makes the viewers hair 

quite literally stand on end. 

· Micol Assaël, geb. 1979 in Rom, lebt und arbeitet in Rom und Moskau. 

· Kunsthalle Fridericianum, Kassel, 2009; Secession, Wien, 2009; 

Museion, Bozen / Bolzano, 2010 

Nick Mauss. 

Geschenkpapiere 

Texts by Kirsty Bell and Emmelyn Butterfi eld-Rosen 

This artist’s book, designed in collaboration with Manuel Raeder, reimagines the pages of 

a catalogue as sheets of wrapping paper, which are intended to be torn out by the reader 

and used to wrap gifts. The designs, conceived by Nick Mauss specifi cally for this book, are 

derived from various sources in the fi ne and decorative arts. The wrapping paper materialises 

those isolated elements on which the mind snags and questions the distinctions 

between the presentation of gifts and the presentation of textual or visual information. 

Illustrated essays by Emmelyn Butterfi eld-Rosen and Kirsty Bell explore the cultural and 

philosophical context of Nick Mauss’ work and the position of this book within it. 

Anstatt der zu erwartenden Katalogtafeln entdeckt der Leser in diesem Künstlerbuch 

Geschenkpapierblätter, die ausgerissen und zum Verpacken von Präsenten verwendet 

werden können. Die verschiedenen, von Nick Mauss eigens für das Buch entworfenen 

Muster sind voll von Sinnbezügen zu verschiedenen Quellen der bildenden und ornamentalen 

Kunst. 

· Nick Mauss, born 1980 in New York, lives and works in New York. 


21,6 x 28 cm, 144 pages, 


Softcover 

English / Greek 

978-3960-99314-0-3 

€ 29,80 


14,8 x 20,5 cm, 544 pages, 

1 b/w illustration. 

Cloth 

Japanisch 

978-3-86560-770-6 

€ 49,80 



Matthew M Barney / Elizabeth Peyton. 

Blood B of Two 

Text Te by Angus Cook 

Blood B of Two ist ein Künstlerbuch, von Matthew Barney und Elizabeth Peyton gemeinsam 

sa gestaltet. Es zeigt eine außergewöhnliche Performance, die sie im Sommer 2009 

auf a der griechischen Insel Hydra gemeinsam veranstaltet haben. Sie stellten dort einen 

gläsernen g Sarg aus, der aus der Ägäis gehoben wurde und in einer langen Prozession 

bei b Sonnenaufgang am Tag der Ausstellungseröffnung zum Ausstellungsort, ein altes 

Schlachthaus, Sc 

gebracht wurde. Im Sarg enthalten waren Porträts von Elizabeth Peyton. 

Gefi G lmt wurde diese Zeremonie von den beiden Künstlern. Das Buch enthält neben 

Filmstills Fi und dokumentarischen Fotos auch einen Text des Künstlers Angus Cook. 

This Th 

catalogue, an artist’s book designed by Matthew Barney and Elizabeth Peyton, documents 

their Blood of Two exhibition at the DESTE Foundation’s project space on the 

Greek island of Hydra, in the summer of 2009. 

A written piece by Angus Cook is complemented by documentary photographs of the 

production and installation of the exhibition, as well as images of the opening day procession 

at sunrise, which lead visitors to the work of art. 

· Matthew Barney, born 1967 in San Francisco, lives and works in New York. 

· Elizabeth Peyton, born 1965 in Danbury, Connecticut, lives and works in New York. 

· Slaughterhouse, DESTE Foundation Project Space, Hydra, 16.06.2009 – Spring 2010 

Jay J Chung and Q Takeki Maeda. 

Hans H Ulrich Obrist Interviews Volume I-1 

For F their fi rst artist’s book, Jay Chung and Q Takeki Maeda have translated Hans Ulrich 

Obrist’s O Interviews, Volume 1 into Japanese. In producing this book by their own limited 

it means, and undertaking the entire task as individuals, this work of art represents a 

process p of patient and solitary labour. The end product of this hermit like undertaking 

is is more than 500 pages long and transforms the original book into a foreign object of 

sorts, s a sculpture to be distributed in bookshops, opaque and mysterious to its beholders. 

Für F ihr erstes Buch haben Jay Chung und Q Takeki Maeda sämtliche Interviews von 

Hans H Ulrich Obrist ins Japanische übersetzt. Da sie die gesamte Übersetzungsarbeit 

als a Laien fast ohne Hilfsmittel aus verschiedenen Sprachen durchgeführt haben, 

repräsentiert re 

das entstandene Werk einen Prozess einsamer und geduldiger Arbeit. 

Das D mehr als 500 Seiten starke Ergebnis ihres eremitenhaften Tuns lebt von der 

Visualität der japanischen Schrift. 

· Jay Chung, born 1976 in Madison, USA. Q Takeki Maeda, born 1977 in Nagoya, Japan. 

Both artists currently live and work in Berlin. 


20,5 x 24 cm, 120 Seiten, 


Halbleinen 


978-3-86560-767-6 

€ 28,– 

Kunst / Art 

42 x 27 27,9 9 cm cm, 120 Seiten Seiten, 

29 farbige und 3 s/w Abbildungen. 

Broschur mit Schutzumschlag 


978-3-86560-846-8 

€ 49,80 



Ludger Gerdes. 

Paralipomena 

Herausgegeben von Julian Heynen und Thomas Schütte. 

Interview von Trevor Gould mit Ludger Gerdes 

Paralipomena – also Übergangenes, Beiseitegelassenes – hat Ludger Gerdes eine Serie 

von 77 Zeichnungen, Aquarellen, Collagen und Textfragmenten genannt, die in den 

frühen 1980er Jahren als zusammenhängende Arbeit entstanden ist. Die Idee zur 

Publikation der Arbeit geht auf Thomas Schütte zurück, in dessen Besitz sich dieses 

Konvolut befi ndet. Das Buch dokumentiert alle 77 Blätter der „Paralipomena“ in ganzseitigen 

Abbildungen und enthält ein ausführliches Interview, das der kanadische 

Künstler Trevor Gould 1987 mit Gerdes geführt hat. 

Paralipomena—the ignored, the left-out—is the name of a series of 77 related drawings, 

watercolours, collages and text fragments, which Ludger Gerdes created in the 

early 1980s. The idea of publishing the work came from Thomas Schütte, who currently 

owns the collection. The book documents all 77 pages of the ‘Paralipomena’ in full-page 

illustrations and includes an in-depth interview, which the Canadian artist Trevor Gould 

conducted with Gerdes in 1987. 

· Ludger Gerdes, geb. 1954 in Lastrup, gest. 2008 bei Dülmen. 

Paola Pivi. 

It’s a Cocktail Party 

Vorworte von Melanie Ohnemus und Larys Frogier. Texte von Robert Cailliau, Massimiliano 

Gioni, Martin Herbert und Scott Jonsson 

Paola Pivis auf den ersten Blick absurde, gleichzeitig amüsante Ideen erstaunen in 

ihrer künstlerischen Umsetzung. Zunächst bekannt wurde die Italienerin durch ihre 

Fotografi en, die Tiere in ungewohnter Umgebung zeigen, wie z. B. einen Esel in einem 

Holzkahn auf dem Meer. Pivi setzt in ihren Arbeiten immer wieder bekannte Dinge in 

ungewohnte Kontexte und entkleidet sie ihrer Funktion, sodass durch neue Kombinationen 

kulturelle, soziale und gesellschaftliche Konventionen aufgebrochen werden. 

In diesem großformatigen Künstlerbuch „erzählt“ sie von ihrer neuesten Arbeit: Von 

fünf Meter hohen Röhren und Pumpen, die Rotwein, Milch, Glyzerin, Tinte, Olivenöl, 

Espresso, Wasser, Gesichtstonic und Erdbeerjoghurt in ein Bassin schleudern. 

Paola Pivi’s ideas, which seem absurd and amusing at fi rst glance, are astounding in their artistic 

realisation. The Italian artist fi rst became known for her photographs of animals in unusual 

surroundings, like, for example, a donkey in a wooden boat on the sea. Her work continues 

to place familiar things in unusual contexts, stripping them of their function and thus 

breaking cultural and social conventions through new combinations. In this large format 

artist’s book, Pivi ‘talks about’ her most recent work: 5-metre-tall pipes that pump red wine, 

milk, glycerine, ink, olive oil, espresso, water, face tonic and strawberry yoghurt into a basin. 

· Paola Pivi, geb. 1971 in Mailand, lebt und arbeitet in Anchorage (Alaska). 


21 x 27 cm, 128 Seiten, 

64 ganzseitige farbige Abb. 

Hardcover 


978-3-86560-762-1 

€ 28,– 

Kunst / Art 

23 x 30 cm, 264 pages, 


Hardcover 

English 

978-3-86560-800-0 

€ 39,80 

Art / Kunst 


Uwe Henneken. Stille Woche 

Texte von Martin Lichtmes, Katrin Meder, Gabriele Sand, David Tibet und Ethan Wagner 

Uwe Henneken konstruiert Naturbilder, die Sehnsüchte und Erwartungen an die Vorstellung 

eines über die Jahrhunderte gepfl egten Bildes einer „schönen“ Landschaft vorführen. 

Mit Darstellungen, die an Carl Blechen, Carl Gustav Carus und Caspar David Friedrich 

erinnern, schafft Uwe Henneken eine fantastisch-schöne Welt. Diese taucht er in eine 

knallbunte Farbigkeit mit starken Kontrasten und unwirklichen Farben, die das Geschehen 

ins Surreale und Absurde steigern und dem verwendeten Landschaftsgenre eine aktuelle 

zeitgenössische Perspektive ermöglichen. Ebenso spielt Henneken mit der Darstellung 

tragikomischer Figuren auf seinen Gemälden. Die Auswahl von mehr als 60 Arbeiten – 

Gemälden und Skulpturen – von 2005 – 2010 zeigt Henneken als Meister des skurrilen 

und ungezügelten Humors und als Künstler, der auch zum Lachen einlädt. 

Uwe Henneken constructs pictures of nature, which demonstrate the desires and expectations 

of the idealised ‘beautiful’ landscape image that has been groomed for centuries. 

They are, however, drenched in lurid and unreal colour schemes, shifting the subject 

matter into surreality and absurdity and informing a contemporary perspective on the 

classical landscape genre. Henneken plays with the representation of tragicomic fi gures 

in his paintings in a similar way. 

This selection of more than 60 paintings and sculptures from between 2005 and 2010 

presents Henneken as a master of bizarre and unbridled artistic humour. 

· Uwe Henneken, geb. 1974 in Paderborn, lebt und arbeitet in Berlin. 

· Kunstverein Braunschweig, 04.06. – 15.08.2010 

Rachel Harrison. 

Museum with walls 

Texts by Tom Eccles, David Joselit, Iwona Blazwick, Jack Bankowsky, Paul Chan, John 

Kelsey, Allan McCollum, Lucy Raven, Amy Sillman and Steven Stern 

This catalogue documents Rachel Harrison’s fi rst retrospective. All of her large-scale 

installations of the last 10 years, as well as independent sculptural and photographic 

works, are presented here, the illustrations leading the reader through the complex and 

precisely constructed exhibition at the Bard College in New York. The book also includes 

essays by Tom Eccles, David Joselit, Iwona Blazwick and Jack Bankowsky, as well as contributions 

by Paul Chan, John Kelsey, Allan McCollum, Lucy Raven, Amy Sillman and Steven 

Stern. With 264 pages and 250 colour illustrations, the book is the most comprehensive 

monograph of Rachel Harrison’s innovative and challenging work to date. 

Der Katalog zu Rachel Harrisons erster großer Retrospektive umfasst all ihre Rauminstallationen 

der letzten 10 Jahre. Darüber hinaus werden eigenständige skulpturale 

und fotografi sche Arbeiten der New Yorker Künstlerin gezeigt. 

· Rachel Harrison, born 1966 in New York, lives and works in New York. 

· Bard College, Annandale-on-Hudson / New York, 2009; Portikus, Frankfurt am Main, 

2010; Whitechapel Art Gallery, London, 2010 

· Distribution for Center for Curatorial Studies, Bard College 


23,5 x 31 cm, 96 Seiten. 

6 s/w und ca. 50 farbige Abbildungen. 

2 x 8 Seiten Leporello zum Ausklappen. 

Softcover 


978-3-86560-841-3 

€ 35,– 


15 x 22,5 cm, 220 pages, 


Softcover 

English 

978-3-86560-823-9 

€ 19,– 

Art / Kunst 


Francis Upritchard. 

In die Höhle 

Herausgegeben von Jeanette Pacher, Secession Wien. 

Vorwort von András Pálffy. Texte von David Mitchell 

Charakteristisch für die Arbeit der Künstlerin sind die gleichwertige Behandlung von 

Kunst, Kunsthandwerk und Design. 

Das Künstlerbuch sticht durch seine außergewöhnliche Gestaltung und Konzeption 

hervor. Der britische Bestsellerautor David Mitchell („Der Wolkenatlas“) hat mit seiner 

neuen, eigens hierfür verfassten Kurzgeschichte „All Souls Day“ eine literarische Parallelerzählung 

zu Francis Upritchards Arbeit entworfen. 

Antike Skulpturen, Models, klassische Werkabbildungen, Skizzen, historische Fotos 

werden gleichermaßen in psychedelisch anmutende, kräftige Leuchtfarben eingefärbt, 

Werke mit Inspirationsquellen collagiert, aktuelle Ausstellungsfotos historischen 

gegenübergestellt; 3 Hefte mit goldenem Faden zu einem Buch vernäht. 

This artist’s book, published on the occasion of the exhibition Francis Upritchard. In die 

Höhle (In hell) at the Vienna Secession, stands out in its extraordinary design and conception. 

The bestselling British author David Mitchell has created a parallel literary narrative 

to Francis Upritchard’s work with a new short story written especially for the book. 

· Francis Upritchard, geb. 1976 in New Zealand, lebt und arbeitet in London. 

· Secession, Wien, 2010 

Tactics of Invisibility. 

Contemporary Artistic Positions from Turkey 

Edited by Gudrun Ankele, Emre Baykal and Daniela Zyman. 

Texts by Gudrun Ankele, Gülsen Bal, Emre Baykal, Pelin Tan, Jalal Toufi c, Nermin 

Sayba¸sili, Daniela Zyman etc. 

Tactics of Invisibility brings together 15 representative Turkish artistic positions from the 

past 30 years. These include works by pioneering fi gures such as Sarkis, Füsun Onur, and 

Ay¸se Erkmen, who have infl uenced the artistic practises of the younger generation and 

paved the way for contemporary Turkish art to receive international attention. 

Each position is illustrated and commented on in an individual chapter. The book is introduced 

by in-depth essays on the overarching concept of invisibility as aesthetic and 

political ambiguity within the socio-political context of Turkish art. 

Konzipiert als Überblicksband zur türkischen Kunst der letzten 30 Jahre präsentiert 

der Katalog 15 Künstler, darunter Pioniere wie Sarkis, Füsun Onur und Ay¸se Erkmen. 

Jede künstlerische Position wird in einem eigenen Kapitel illustriert und kommentiert. 

· Thyssen-Bornemisza Art Contemporary, Wien, 16.04. – 15.08.2010; TANAS, Berlin, 

September 2010; ARTER, Istanbul, May 2011 


English 

978-3-86560-654-9 

€ 16,80 

Art / Kunst 

English 

978-3-86560-475-0 

€ 19,80 

Art / Kunst 

English 

978-3-86560-633-4 

€ 19,80 

Art / Kunst 


Rirkrit Tiravanija. Hans Ulrich Obrist. The Conversation Series Vol. 20 

13,4 x 21 cm, 132 pages, c. 14 illustrations. Softcover 

In these conversations, which took place between 1993 and 2008, Rirkrit Tiravanija takes Hans Ulrich 

Obrist rowing on a lake and on trips in his car—an accurate refl ection of this fascinating artist’s 

dynamic working method. Tiravanija talks enthusiastically about his beginnings as an artist, 

the people and things that have infl uenced him, past and present projects and his various working 

methods. As such, the reader is presented with a detailed picture of the artist and his art, which 

deals with complex themes such as space, time and ownership. 

Die Interviews mit Rirkrit Tiravanija führte Hans Ulrich Obrist von 1993 bis 2008 bei einer Bootsfahrt, 

im Auto oder auf einem Fußmarsch ins Museum, ständig unterwegs, wie es auch dem Leben 

und der Arbeitsweise des Künstlers entspricht. Tiravanija erzählt in den Interviews bereitwillig 

von seinen Anfängen als Künstler, seinem künstlerischen Umfeld, Einfl üssen, die ihn geprägt 

haben, früheren und aktuellen Projekten sowie seinen Arbeitsweisen. 

· Rirkrit Tiravanija, born 1961 in Buenos Aires, lives and works in Bangkok, Berlin and New York. 

Marina Abramovic. Hans Ulrich Obrist. Conversations Series Vol. 23 

13,4 x 21 cm, 192 pages, 32 b/w illustrations. Softcover 

Hans Ulrich Obrist hat Marina Abramovic auf Reisen – auf Bahnhöfen, in Hotels und Galerien – 

und im Studio getroffen. Die Künstlerin, die seit Jahrzehnten ihren Körper in den Mittelpunkt 

zahlreicher, mitunter quälender Performances stellt, erscheint als faszinierende Persönlichkeit. Sie 

spricht offen über ihre Kindheit, in der ihre Eltern strengste Disziplin von ihr forderten, von ihren 

künstlerischen Arbeiten und ihren zahlreichen damit verbundenen Reisen mit ihrem zeitweiligen 

Partner Ulay. Und nicht zuletzt geht es natürlich um ihre Retrospektive im MoMA, New York. 

Hans Ulrich Obrist met Marina Abramovic in various situations: waiting for trains, relaxing in hotel 

rooms as well as at work in art galleries. The artist, whose performance has made her body the 

centre of attention for decades, is revealed as a fascinating personality. She speaks openly about her 

childhood and her parent’s strict discipline, about her artistic work and the many journeys associated 

with it and of course about the preparations for her epochal retrospective, which opened at 

MoMA, New York in March 2010. 

· MoMA, New York, 2010; Guggenheim, New York, 26.03.10 - 06.09.10 

Cerith Wyn Evans. Hans Ulrich Obrist. The Conversation Series Vol. 24 

13,4 x 21 cm, c. 204 pages. Softcover 

Hans Ulrich Obrist met up with the artist Cerith Wyn Evans several times between 2002 and 2009. 

Their in-depth conversations encompass the artist’s own œuvre—early fi lm works through to his 

installation and Morse code pieces—his interest in Japan and the Japanese culture, and his position 

with regard his contemporaries and the world of art in general. Evans not only describes his working 

methods, he uncovers one of its most fundamental themes: the understanding and misunderstanding 

of signs and language. A former teacher and mentor, Peter Gidal, takes part in one of the interviews, 

while another one is conducted at the home of the French author and fi lmmaker Alain Robbe-Grillet. 

Hans Ulrich Obrist hat mit dem Künstler von 2002 bis 2009 in Frankreich, England und Belgien 

mehrere Interviews geführt. Evans erklärt dabei nicht nur sein Werk und seine Arbeitsweisen, er 

erläutert auch eine Grundidee seines Schaffens: die Verständlichkeit oder Unverständlichkeit von 

Signalen und Sprache. 

· Cerith Wyn Evans, born 1958 in Llanelli, Wales, lives and works in London. 


17 x 24 cm, 206 pages, 


Hardcover 

English 

978-2-916275-64-2 

€ 28,– 

Art / Kunst 

12 x 19 cm, 440 pages. 

Hardcover 

English 

978-2-916275-73-4 

€ 24,– 



Yves Klein. USA 

Texts by Yves Klein and Robert Pincus-Witten. Interview with Rotraut Klein-Moquay 

This book, produced in collaboration with the Yves Klein Archives, is the fi rst of its kind to 

illustrate the relationship between Yves Klein, one of the most important artists of the 

postwar period, and the United States of America—a relationship of mutual fascination 

and infl uence. Photos, letters and notes, many of which are previously unpublished, 

bear witness to the ties that Yves Klein forged with the USA throughout his working life. 

Important fi gures of the American art scene (Leo Castelli, Robert Rauschenberg, Jasper 

Johns, Frank Stella, Marcel Duchamp) all play a part in the story—as does President Eisenhower! 

This exceptional album opens with an interview with Rotraut Klein-Moquay, who 

describes her trip to the USA with Yves Klein in 1961, and is followed by the artist’s refl ections 

on his own work. A further perspective is provided by the American art critic Robert 

Pincus-Witten, who worked for the New York art dealer Leo Castelli during this time. 

This book covers a fascinating period in the history of 20th-century art and features several 

unabridged documents from the archives, including the Chelsea Hotel Manifesto. 

Dieses Buch ist die erste Publikation, die die Beziehung zwischen dem Künstler Yves 

Klein und den Vereinigten Staaten von Amerika in den Mittelpunkt rückt – eine Beziehung, 

die gekennzeichnet ist von gegenseitiger Beeinfl ussung und Faszination. 

· Yves Klein, born 1928 in Nizza, died 1962 in Paris. 

· Walker Art Center, Minneapolis, 23.10.2010 – 13.02.2011; Hirshhorn Museum, 

Washington, 2010 

· Distribution for Éditions Dilecta 

Klaus Ottmann. 

Yves Klein by himself 

Yves Klein by himself is an intellectual biography of one of the most infl uential artists 

of the 2nd half of the 20th century. His innovative use of painting, sculpture, performance, 

fi lm, and photography has infl uenced Minimalism, conceptual art, and performance 

art from the late 1960s through to the present day. This book intermixes biographical 

fact with texts written by some of the many artists who have been inspired 

by this charismatic agitator for social change. A glossary of keywords is complete with 

defi nitions by Klein himself, many of which are previously unpublished. The biography 

is rounded off by a selection of critical writings from Klein’s own time, including an indepth 

analysis of his philosophical ideas by Klaus Ottmann. 

Dieses Buch ist eine biografi sche Collage zu Yves Klein: Fakten aus seinem Leben 

werden bedeutenden Ausstellungskritiken aus den 1950er und 60er Jahren gegenübergestellt. 

Ottmanns brillanter Analyse von Kleins philosophischen Konzepten 

ergibt im Zusammenspiel mit Texten anderer Künstler, die durch Klein beeinfl usst 

wurden, ein faszinierendes Bild von einem der einfl ussreichsten Künstler der 2. Hälfte 

des 20. Jahrhunderts. 

· Klaus Ottmann, born 1954 in Nuremberg, lives and works in New York. 

· Distribution for Éditions Dilecta 


27 x 21 cm, 48 Seiten, 

unpaginiert, 37 farbige Abbildungen, 

48-seitiger Textinsert. 

Broschur 


978-3-86560-796-6 

€ 19,80 

Kunst / Art 

12 x 18 cm, 180 Seiten, 

50 farbige, teils 

doppelseitige Abbildungen. 


Deutsch / French 

978-3-86560-829-1 

€ 18,– 

Kunst / Art 


Christian C Jankowski. 

Strip S The Auctioneer at Christie’s 

Herausgegeben H 

von Christian Jankowski und dem 

Nassauischen N 

Kunstverein Wiesbaden. 

Texte Te von Elke Gruhn, Ann Demeester, Arno Verkade, Katharina Schlüter, 

Madita M Manhardt, Aaron Moulton und Lars Bang Larsen 

Das D Buch folgt in Aufbau und Layout einem Auktionskatalog von Christie’s. Es passiert 

Seite Se für Seite genau das, was der Titel verspricht: Bei einer Auktion von Christie’s in 

Amsterdam A 

entkleidet sich der Auktionator Stück für Stück und versteigert fast alles, 

was w er am Leibe trägt. Dokumentiert durch den offi ziellen Christie’s-Fotografen gibt 

dder 

Text wörtlich die Liveübertragung im Internet wieder – eine wunderbare Posse, die 

zu 

zugleich die Strategie des Kunstwerkes offenlegt. 

This book follows the design and layout of a Christie’s auction catalogue. Just as the 

title suggests, each page documents a Christie’s auction in Amsterdam in which the auctioneer 

gradually striped, auctioning off each item of clothing as he did. Documented by 

the offi cial Christie’s photographer, the text is a script-like reproduction of the internet 

live-streaming of the performance—a wonderful farce, which simultaneously reveals 

the strategy of the piece. 

· Christian Jankowski, geb. 1968 in Göttingen, lebt in Berlin, Hamburg und New York. 

atelier le balto. 

Les pieds sur terre 

Herausgegeben von Brigitte Franzen. Texte von atelier le balto und Brigitte Franzen 

atelier le balto sind die Landschaftsgestalter Marc Pouzol, Véronique Faucheur und 

Marc Vatinel. Sie arbeiten in Berlin und Le Havre. Seit nunmehr 10 Jahren macht das 

atelier le balto mit bemerkenswerten Gartenprojekten international auf sich aufmerksam. 

Besonders hervorgetan hat es sich durch die Gestaltung der Gärten von 

Kunst- und Kulturinstitutionen, wie z. B. der Jardin Sauvage am Palais de Tokyo in 

Paris 2003, der Garten der Kunst-Werke in Berlin oder den Gärten der Villa Romana in 

Florenz. Die Künstler überzeugen durch eine Handschrift minimaler Eingriffe unter 

Berücksichtigung des Vorhandenen. Damit erschließen sie abgeschottete, verwilderte 

und brachliegende innerstädtische Grünräume neu und machen sie der Öffentlichkeit 

zugänglich. Neben einem retrospektiven Blick auf ihre Projekte wird hier auch ihre 

„Überarbeitung“ des Museumsparks für das Ludwig Forum, Aachen, präsentiert. 

This publication presents atelier le balto’s newest project; a reworking of the museum 

park in the Ludwig Forum, Aachen, as well as a retrospective overview of their garden 

projects to date. 

· Ludwig Forum für Internationale Kunst, Aachen, 09.05 – 18.08.2010 


33,5x 23,8 cm, 118 Seiten, 


Hardcover 

978-9-07988-108-6 

€ 38,– 


22 x 26,4 cm, 312 Seiten, 

ca. 350 teils ganzseit. Abbildungen. 

Schweizer Broschur 

Deutsch 

978-3-86560-835-2 

€ 24,– 



Sergey Bratkov. 

Ukraine 

Sergey Bratkov zählt zu den wichtigsten russisch-ukrainischen Fotografen der Gegenwart. 

Sein künstlerisches Schaffen ist sozialdokumentarisch und auf die Abbildung 

des Alltags in ehemaligen Sowjetgebieten konzentriert, gleichzeitig von einer starken 

poetischen Kraft. 1994 gründet er mit Boris Mikhailov und Sergej Solonski die „First 

Reaction Group“, die sich in ihrer ersten Ausstellung Wenn Ich Ein Deutscher Wäre mit 

den Grausamkeiten der deutschen Soldaten im Zweiten Weltkrieg auseinandersetzt. 

Sein Künstlerbuch Ukraine enthält 57 großformatige Panoramaaufnahmen, die dem 

Betrachter einen liebevoll ironischen Blick auf sein Heimatland gewähren. 

Sergey Bratkov is one of the most important contemporary Russian-Ukrainian photographers. 

His documentary work concentrates on illustrating daily life in the former 

Soviet region and has a distinct poetic style. In 1994 he formed the ‘First Reaction Group’ 

with Boris Mikhailov and Sergej Solonski, which tackled the cruelties perpetrated by 

German soldiers in World War II. 

His artist’s book, Ukraine, contains 57 large-format panorama pictures, which give an 

affectionate and ironic insight into his homeland. 

· Sergei Bratkov, geb. 1960 in Kharkiv, Ukraine, lebt und arbeitet in Kharkiv. 

· PinchukArtCentre, Kiew, 2010 

· Distribution für / for PinchukArtCentre, Kiew / Kyiv 

Skulpturenpark Berlin_Zentrum 

Herausgegeben von KUNSTrePUBLIK e.V. / Matthias Einhoff, Philip Horst, 

Markus Lohmann, Harry Sachs und Daniel Seiple. 

Texte u. a. von Martin Conrads, Andrej Holm, Rodney LaTourelle und Matteo Pasquinelli 

Seit 2006 hat sich die Künstlergruppe KUNSTrePUBLIK einer Brache in der Stadtmitte 

Berlins unweit des Axel-Springer-Gebäudes angenommen und zahlreiche viel beachtete 

Ausstellungen organisiert. Die Künstler haben sich dabei stets eingelassen auf 

die Besonderheiten von öffentlichem und privatem Raum auf dem seit rund 20 Jahren 

eingezäunten und grob vernachlässigten Grundstück. 

Das Buch diskutiert und kommentiert diesen Umgang in Interviews und fundierten, 

kritischen Essays zur kunsthistorischen, soziologischen und ökonomischen Perspektive 

des Projektes und stellt die vielschichtigen Bezugssysteme des Skulpturenpark- 

Gebietes dar. 

Beteiligte Künstler und Kuratoren: Ayreen Anastas / Rene Gabri, Marius Babias, 

Etienne Boulanger, Simon Faithfull, Wiebke Grösch / Frank Metzger, Eva Hertzsch & 

Adam Page, Sofi a Hultén, Daniel Knorr, Stephen Kovats, Folke Köbberling / Martin 

Kaltwasser, Gergely Laszlo, Angela Melitopoulos, Edit Molnár, Hajnal Németh, Kai 

Schiemenz, Katarina Sévic, Adam Sutherland, Pelin Tan, Tim Voss u. a. 

Skulpturenpark Berlin_Zentrum tackles the questions of public and private space and 

presents the sociological and economical perspectives of this art project on an area of 

disused land in the middle of Berlin. 


22 x 28 cm, 104 Seiten, 

48 farb. und 24 s/w Abbildungen. 

Broschur 


978-3-86560-784-3 

€ 19,90 

Kunst / Art 

16,7x 23,2 cm, 144 Seiten, 


Hardcover 

Deutsch 

978-3-86560-781-2 

€ 24,– 

Kunst / Art 


Catch Me! 

Geschwindigkeit fassen 

Herausgegeben von Peter Pakesch. 

Texte von Katrin Bucher Trantow, Renata Salecl und Andreas Broeckmann 

Die Sehnsucht nach dem Warten und die Lust auf Geschwindigkeit stehen im Mittelpunkt 

von ausgesuchten Arbeiten von Künstlern wie Daniel Hafner, Carsten Höller, 

Anri Sala, Roman Signer, Ed Ruscha, Fischli & Weiss und anderen. Es geht um die Faszination 

von zugespitzten Situationen, um den Kitzel zunehmender Dynamik wie auch 

um den Rausch, der durch Geschwindigkeit erzeugt werden kann. 

The group exhibition Catch Me! and this accompanying catalogue deal with the phenomenon 

of acceleration—the personal experience of speed relative to time and space. 

The selected works by artists such as Daniel Hafner, Anri Sala, Roman Signer, Ed Ruscha, 

Lisi Raskin and Markus Wilfl ing are about the fascination of tense situations, the thrill of 

acceleration or the intoxication of speed. 

· Kunsthaus Graz, 2010 

Ludwigs Grafi k 2. 

West / Ost 

Vorwort von Brigitte Franzen. Texte von Annette Lagler und Myriam Kroll 

Im Ludwig Museum in Aachen schlummert eine exzeptionelle Sammlung moderner 

und zeitgenössischer Druckgrafi ken von mehr als 2000 Bildern höchster Qualität. 

Der 2. Band des Bestandskatalogs liegt nun vor mit mehr als 600 Blättern aus Westeuropa 

und der ehemaligen DDR. Eine Besonderheit bilden die sogenanten großen 

grafi schen Konvolute, die das Schaffen von Georg Baselitz, Markus Lüpertz, A. R. Penck 

und Günter Grass umfassend dokumentieren. Ein weiteres Kapitel ist dem grafi schen 

Bestand aus der ehemaligen DDR gewidmet, das neben herausragenden Einzelgängern 

und bedeutenden Vertretern der Hochschule der Künste in Dresden auch die 

wichtigsten Mitbegründer der Leipziger Schule und deren Adepten versammelt. 

This is the 2nd volume in a series of books chronicling the Ludwig Forum’s huge collection 

of graphical prints. Volume 2 presents a selection from West Europe and the former 

East Germany. 

· Ludwig Forum, Aachen, 2010 


978-3-86560-820-8 

€ 7,80 



978-3-86560-785-0 

€ 18,– 

Kunst / Art 


978-3-86560-730-0 

€ 14,80 



Jochen Lempert. Drift 

15 cm x 21 cm, 20 Seiten, 8 s/w Abbildungen. Broschur 

Seit Jahren begleiten wir verlegerisch das Werk von Jochen Lempert und haben auf eine umfassende 

Monografi e gehofft. Erschienen ist jetzt Drift, eine Folge von 8 schwarz-weiß Fotogra fi en 

einer schwarzen Wolke, die an dem Vulkan Stromboli aufsteigt, ihre Form verändert und langsam 

verfl iegt, bis der helle Horizont gegen den dunklen Vordergrund und den rauchgeschwärzten 

Himmel zu sehen ist. Es ist ein bescheidenes Heft voller Poesie. 

We, as publisher, have followed the work of Jochen Lempert for many years and have been hoping 

for a comprehensive monograph. For now we have Drift, a series of 8 black and white photographs 

of a black cloud, which climbs the volcano Stromboli, changes its form and slowly fl ies away until 

the bright horizon is visible against a dark foreground and the smoke-blackened sky. This is a modest 

book full of poetry. 

· Jochen Lempert, geb. 1958 in Moers, lebt und arbeitet in Hamburg. 

· Museum Ludwig, Köln, 2010 

Michail Pirgelis. Aerialist 

22 x 17 cm, 80 Seiten. 23 ganz- und doppelseitige farb. Abb., 27 s/w Abbildungen. Leinen 

Mit einem Gespräch von Heike van den Valentyn und Michail Pirgelis 

Der erste Preisträger des Adolf-Loos-Preises der 2008 gegründeten Van den Valentyn Foundation 

ist der Kölner Bildhauer Michail Pirgelis. Seine Skulpturen generiert er meist aus Flugzeugsegmenten. 

Mit klaren Schnitten, Oberfl ächenbehandlungen, Verschiebungen und Verdoppelungen 

transformiert er das gebrauchte Material in autonome Skulpturen, die bei aller Perfektion 

von aktuellen Werten und (Utopie-)Verlusten zeugen. Der vorliegende Band gibt erstmals einen 

umfassenden Überblick der Skulpturen, Objekte und Installationen des Künstlers. 

The winner of the fi rst Adolf-Loos price, awarded by the Van den Valentyn Foundation, is the 

Cologne-based sculptor Michail Pirgelis. He generates most of his sculptures from segments of airplanes. 

Through the use of clear cuts, surface treatments, displacements and duplications he transforms 

the second-hand material into autonomous sculptures. This book is the fi rst comprehensive 

overview of the artist’s sculptures, objects and installations. 

· Michail Pirgelis, geb. 1976 in Essen, lebt und arbeitet in Düsseldorf und Köln. 

· 01 Adolf-Loos-Preis van den Valentyn Foundation 

Jens Risch. Seidenstück II 

13,5 x 9,5 cm, 176 Seiten, 108 s/w und 3 farbige Abbildungen. Klappenbroschur 

Herausgegeben und mit einem Text von Andreas Bee 

Jens Risch widmet sich täglich mehrere Stunden einem 1000 Meter langen Seidenfaden, bei dem 

er Knoten an Knoten setzt – so lange, bis kein Knoten mehr möglich ist und ein faustgroßes, kompaktes 

Gebilde entsteht –, ein aufs Äußerste verdichteter Klumpen Zeit. Seidenstück II hat Risch 

vom 1.10.2004 bis 18.1.2009 komplett durchgeknotet. Entstanden ist ein Konzentrat voller Energie, 

ein Lob der Langsamkeit und ein pointierter Kommentar zu Themen wie Arbeit, Geschwindigkeit 

und Kunstproduktion. 

Jens Risch spends many hours every day tying knots in a 1000-metre-long silk thread, knots tied 

upon knots until it becomes impossible to tie another one. The results are compact, fi st-sized masses: 

extremely compressed balls of time. Between the 1st of October 2004 and the 18th of January 2009, 

Risch knotted Seidenstück II. It’s a concentration of energy, an accolade to slowness and a pointed, 

critical comment on issues such as work, speed and art production. This book documents the process 

from start to fi nish as well as explaining Risch’s knotting method. 

· Jens Risch, geb. 1973 in Rudolstadt, lebt und arbeitet in Berlin. 


57

978-3-86560-804-8 (dt. Ausg.) 

978-3-86560-805-5 (Engl. ed.) 

€ 39,90 

Kunst / Art 

Deutsch 

978-3-86560-852-9 

€ 29,80 

Kunst / Art 


978-3-86560-845-1 

€ 29,90 

Kunst / Art 

Changing Channels. Kunst und Fernsehen 

22 x 28 cm, 296 Seiten, 188 meist farbige Abbildungen, Hardcover. 

Changing Channels widmet sich der künstlerischen Refl exion und Nutzung des Massenmediums 

Fernsehen von den 1960er bis in die 1980er Jahre und stellt Arbeiten u. a. von Nam June Paik, Wolf 

Vostell, Peter Weibel, Andy Wahrhol vor, die den zunehmenden gesellschaftlichen Einfl uss sowie 

die ökonomischen, technologischen und gesellschaftlichen Mechanismen dieses Mediums zur Diskussion 

stellen. 

Changing Channels is a historical survey of art’s confrontation with the mass medium of television. 

This catalogue begins with early TV works by Nam June Paik and Wolf Vostell, then leads 

on to principally Anglo-American techno-utopias and activist works. 

· MUMOK Wien, 2010 

Lebenslust und Totentanz. Olbricht Collection 

21 x 25,5, 192 Seiten, ca. 150 farb. Abb., Hardcover 

Herausgegeben von Wolfgang Schoppmann und Hans-Peter Wipplinger. Texte von Nicole Fritz, 

Rainer Metzger, Karin Pernegger, Burkart Schmidt und Hans-Peter Wipplinger 

Der Katalog zeigt mit rund 150 Werken die bisher umfangreichste Präsentation einer der renommiertesten 

Sammlungen Europas, der Olbricht Collection. Die Schau ermöglicht eine Abenteuerreise durch 

die Kunst- und Kulturgeschichte der letzten 400 Jahre. Der historische Bogen erstreckt sich von Kunst 

und Wunderkammer-Exponaten aus dem 16. Jahrhundert bis hin zu Arbeiten des 20. und 21. Jahrhunderts. 

Motivisch und inhaltlich verbunden, treffen Albrecht Dürer auf Damien Hirst, Emil Nolde auf 

Gerhard Richter oder Bettina Rheims auf Cindy Sherman und gehen außergewöhnliche formale und 

thematische Korrespondenzen ein, die Kunst- und Kulturgeschichte neu und spannend erzählen. 

This exhibition and accompanying catalogue of around 150 works is the most comprehensive presentation 

of the Olbricht collection to date: a journey through the art and cultural history of the last 

400 years, addressing existential topics such as religion, sexuality, love, beauty, transience and death. 

· Kunsthalle Krems, 18.07. – 07.11.2010 

Human Condition. Mitgefühl und Selbstbestimmung in prekären Zeiten 

28 x 22 cm, ca. 150 Seiten, ca. 40 farbige und 15 s/w Abbildungen. Broschur; Vorwort von Peter 

Pakesch. Texte von Adam Budack, Sophie Loidolt, Hannah Arendt, Jeremy Rifkin und Judith Butler. 

Human Condition untersucht Übergangsriten, die von den sozialen, politischen und kulturellen 

Entwicklungen verschiedener Gesellschaften des neuen Jahrtausends geprägt sind. Die Komplexität 

der aktuellen Situation, in der das Prekariat und die Brüchigkeit globaler Wirtschaftssysteme 

und politischer Ordnungen im Vordergrund stehen, ruft nach einer eingehenden Refl exion von 

zeitgenössischen Mechanismen sozialer Bewegungen und Arbeitsstrukturen, von der Machtverteilung 

und der Ethik des Urteilsvermögens. 

Human Condition examines rites of passages that have been affected by the social, political and 

cultural developments in various societies in the new century. The complexity of the current situation, 

in which the precariousness and fragility of global economic systems and political orders are 

very much in the foreground, calls for a detailed refl ection on the present mechanisms of social 

change, the structures of work, the spread of power and the ethics of judgement. 

· Kunsthaus Graz, 12.06. – 12.09.2010 

58 sommer / summer 2010 verlag der buchhandlung walther könig, köln

Deutsch 

978-3-86560-825-3 

€ 28,– 

Kunst / Art 

Deutsch 

978-3-86560-787-4 

€ 5,80 

Kunsttheorie / Art Theory 

English 

978-3-86560-806-2 

€ 20,– 



Arbeit am Bild. Ein Album für Michael Diers 

17 x 24 cm, 248 Seiten und 32 farbige Tafeln als Vor- und Abspann. Klappenbroschur 

Mit Beiträgen von Gottfried Boehm, Hartmut Böhme,Thomas Demand, Andreas Gursky, 

Candida Höfer, Barbara Klemm, Jonathan Meese, Herbert Molderings, Hans Ulrich Obrist u. v. a. 

Dieses Album versammelt künstlerische und wissenschaftliche Beiträge von Freunden, Kollegen 

und Schülern zum 60. Geburtstag von Michael Diers. Mit seinen beiden Professuren an der Hochschule 

für bildende Künste Hamburg und der Humboldt-Universität zu Berlin ist er ein Vermittler 

zwischen Praxis und Theorie, und beide Welten versucht auch dieses Buch zu vereinen. Die Kunst 

steht dabei am Anfang und am Ende, von Fotografi e, Film- und Videostill bis hin zu Malerei und 

Collage. Das Album möchte ebenso Sammlung sein wie ein Werkzeug und Auslöser für die Arbeit 

am Bild. 

This album is a collection of artistic and scientifi c contributions dedicated to the art professor 

Michael Diers on the occasion of his 60th birthday. 

· Michael Diers, geb. 1950, lebt und arbeitet in Berlin und Hamburg. 

Alexander Galloway. Außer Betrieb: Das müßige Interface 

(The Unworkable Interface). Flusser Lectures 

11 x 19 cm, 48 Seiten, 7 s/w Abbildungen. Broschur 

Was ist ein Computer-Interface und inwiefern strukturiert es Arbeitsprozesse? Der Titel Das 

müßige Interface deutet die Frage nach seiner fortlaufenden und passiven Existenz an. Als entbehrlich, 

talentlos, resigniert beschreibt Alexander R. Galloway seinen trägen Zustand. Der 

Literaturwissenschaftler Gérard Genette spricht von dem „Bereich der Unschlüssigkeit“, der 

„zone of indecision“, die der Programmierer und Medienphilosoph Galloway als Grundlage für 

seine humorvolle Auseinandersetzung mit der entbehrlichen Schnittstelle nutzt. 

In this lecture, Alexander Galloway discusses ‘The Unworkable Interface’ between the inside and 

outside of media. 

Vilém Flusser: We shall survive in the memory of others. 

Wir überleben in der Erinnerung anderer. Flusser Lectures 

DVD: 87 minutes, Booklet: 13 x 18 cm, 44 pages. 

Between 1988 and 1991, under the initiative of the Hungarian art historian Miklós Peternák, 4 

audio-visual documents were created: a recording of Flusser’s lecture on the importance of the electronic 

image in the light of the Romanian Revolution, and 3 interviews that Peternák conducted 

with Flusser during this period. The theories that Flusser presents here focus on the believability 

of the electronic image, the role of religion and memory, as well as the new language systems and 

apparatus of the digital avant-garde era. 

Zwischen 1988 und 1991 entstanden auf Initiative des ungarischen Kunsthistorikers Miklós 

Peternák 4 audiovisuelle Dokumente: Vilém Flussers Vortrag zur Bedeutung des elektronischen 

Bildes in der Zeit der rumänischen Revolution und 3 Interviews, die Peternák in diesem Zeitraum 

mit Flusser geführt hat. 

· Vilém Flusser, born 1920 in Prague, died 1991 in Prague. 



978-3-86560-739-3 

€ 19,80 


English 

978-3-86560-809-3 

€ 34,– 

Art / Kunst 


978-3-86560-811-6 

€ 16,80 

Kunst / Art 


Marc M Camille Chaimowicz. A Folio for Secession 

21,5 21 x 26,5 cm (Mappe mit Seitenklappen), 34 Seiten, 8 farbige Abbildungen, 

5 Musterblätter 4c, 13 Seiten Faksimile-Brief 

Vorwort V von András Palffy. Texte von Silvia Eiblmayr und Marc Camille Chaimowicz 

Marc M Camille Chaimowicz löst in seinen raumbezogenen Arbeiten das Verhältnis zwischen angewandter 

g 

und bildender Kunst lustvoll auf. Als radikaler Schritt in den frühen 1970er Jahren galt 

seine se Auseinandersetzung mit der Domäne des Häuslichen, die traditionell weiblich konnotiert 

war w und aus der sein bis heute anhaltendes Interesse für Dekor und Muster resultiert. 5 Musterblätter 

b können aus dem Folio entnommen und nach Wunsch an die Wand gehängt werden. 

Marc M Camille Chaimowicz’s spatial works dissolve the relationship between applied and fi ne arts 

with gusto. His analysis of the domestic domain was a radical and emancipatory statement in the 

early 1970s. Since then he has maintained a strong interest in décor and patterns. The folio contains 

5 patterned leaves, which can be taken out and hung on the wall. 

· Marc Camille Chaimowicz, geb. in Paris, lebt und arbeitet in London und in Burgund. 


Paul Chan. Waiting for Godot in New Orleans. A Field Guide 

19 x 25,3 cm, 352 pages, 211 illustrations. Hardcover 

Contributions by Alain Badiou, Terry Eagleton, Robert Green, Susan Sontag and other. 

The book centers around the production of Samuel Becketts play in 2 New Orleans neighbourhoods. 

Re-imagining the post-Katrina landscape of New Orleans as the setting for the 20th century’s most 

emblematic story of waiting, the production illuminated the personal and political conditions 

facing the people of New Orleans and the evacuees in surrounding cities. 

Im November 2007 gab Paul Chan in den Straßen der vom Hurrikan Katrina verwüsteten Stadt 

New Orleans 5 Aufführungen von Samuel Becketts Warten auf Godot. Das Publikum bestand vornehmlich 

aus Anwohnern, in deren Ohren Becketts klassische Zeilen mit existenzieller 

Dringlichkeit klingen mussten. Dieser Band ist eine reichhaltige Sammlung von Fotos, Grafi ken, 

Zeitungsartikeln und Essays zu Chans engagierter und aufsehenerregender Inszenierung. 

· Paul Chan, born 1973 in Hong Kong, lives and works in New York. 

Arturo Herrera. Home 

24 x 16,5 cm, 104 Seiten, 61 farbige Abbildungen. Broschur 

Vorwort von Katja Blomberg. Text von Kassandra Nakas 

Mit Home führt uns Arturo Herrera das eigene Zuhause als einen Ort voller Erinnerungssplitter 

vor. Weil Erinnerungen meist bruchstückhaft sind, ist für ihn das Collagieren die adäquate Technik. 

Herrera kombi niert in seinem Werk Bilder aus Comicheften oder Kinderbüchern mit abstrakter 

Malerei. Er untersucht die Frage, inwieweit Ikonen der Comic- und Kinderbuchkultur überhaupt 

abstrahiert werden können. Ist es möglich, dass ein Disney-Zwerg oder Pinocchios Silhouette 

durch künstlerische Interventionen neue Bedeutungen annehmen kann? 

Arturo Herrera presents the Home as a place full of fragments of the memory. He combines images 

from popular sources, such as comics and children’s books, with abstract painting, exploring the extent 

to which the icons of this children’s culture can be abstracted. Is it possible for a Disney dwarf 

or Pinocchio’s silhouette to take on new meanings through artistic interventions? His pictures are 

enigmatic and unstable, constantly rearranged through the memories and desires of the viewer. 

· Arturo Herrera, geb. 1959 in Caracas, Venezuela, lebt und arbeitet in Berlin. 

· Haus am Waldsee, Berlin, 2010 


Englisch / Türkisch 

978-3-86560-566-5 

€ 29,80 

Architecture / Architektur 


978-3-86560-740-9 

€ 16,80 

Kunst / Art 


978-3-86560-854-3 

€ 29,– 

Kunst / Art 


Matthew Ritchie. The Morning Line. 

24,5 x 20,5 cm, 200 pages, c. 30 col. and 50 b/w illustrations. Hardcover 

Edited by Eva Ebersberger and Daniela Zyman / Thyssen-Bornemisza Art Contemporary, Vienna. 

Texts by Benjamin Aranda, Caroline A. Jones, Chris Lasch, Tony Myatt, Hans Ulrich Obrist, Matthew 

Ritchie and Mark Wasiuta. Photographs by Todd Eberle 

The Morning Line ist eine Struktur aus 17 Tonnen beschichtetem Aluminium, 8 Meter hoch und 20 

Meter breit, von Matthew Ritchie zugleich als ein permeabler „Anti-Pavillon“, als Ruine und Denkmal 

bezeichnet. In ausführlichen Texten und Interviews zwischen Ritchie und den beteiligten Architekten 

wird der „Anti-Pavillon“ als interdisziplinäre Arbeit zwischen Architektur, Kunst, Musik, 

Mathematik und Kosmologie „erforscht“. 

The Morning Line is a 17-ton aluminium structure, which Matthew Ritchie calls a permeable ‘antipavilion,’ 

a ruin and a monument all in one. In-depth texts and interviews between Ritchie and the 

architects involved discuss this ‘anti-pavilion’ as an interdisciplinary piece, somewhere between art, 

architecture, music, mathematics, cosmology, and science. 

· Matthew Ritchie, born 1964, lives and works in New York. 

· 3rd International Biennal of Contemporary Art of Sevilla, 2009; Eminönü Square, Istanbul, 2010 

Eberhard Havekost. Retina 

21 x 27 cm, 64 Seiten, 44 farbige, 4 s/w Abbildungen. Schweizer Broschur 

Herausgegeben von Max Hollein und Heide Häusler. Texte von Jean-Charles Vergne 

Die Werkgruppe Retina zeigt 19 bislang nicht ausgestellte Arbeiten aus dem Jahr 2009. Für den 

Titel des Buchs stand eine Serie von 6 Ölgemälden Pate, die sich mit der optischen Wahrnehmung 

der gegenständlichen Welt und deren Abstraktion auseinandersetzt. Die Arbeiten bilden durch 

die völlige Abwesenheit gegenständlicher Bezüge eine Zäsur im Werk des Künstlers. Sie stellen 

die Frage nach der Wirklichkeit von Bildern und entwickeln die malerische Beschäftigung mit diesem 

Thema innerhalb seines Œuvres präzise weiter. 

Retina presents a group of 19 news works by Eberhard Havekost. The inspiration for the title came 

from a series of 6 oil paintings that deal with the optical perception of the world of objects and 

their abstraction. These pieces form a visible caesura in the artist’s work and yet are a precise 

development of his engagement with the questions of the reality of the image within his œuvre. 

· Eberhard Havekost, geb. 1967 in Dresden, lebt und arbeitet in Berlin und Dresden. 

· Schirn Kunsthalle, Frankfurt am Main, 2010 

Tue Greenfort. Medusa 

20 x 28 cm, 96 Seiten + 4-seitigem Coverposter, 7 s/w und 80 Farbabbildungen. Softcover 

Herausgegeben von Jeanette Pacher, Secession Wien. 

Vorwort von Barbara Holub. Essay von Diane Baldon 

In seiner Ausstellung Medusa fokussierte Tue Greenfort auf die komplexen Zusammenhänge von 

Monokulturalisierung und deren Folgen wie beispielsweise der Verlust von Vielfalt und Lebensräumen 

– in der Natur ebenso wie im urbanen, öffentlichen Raum. Die Publikation Tue Greenfort. 

Medusa bietet auf 100 durchgehend farbigen Seiten einen detaillierten Überblick nicht nur zu 

diesem „Werkkomplex” Tue Greenforts, sondern auch zu seinen umfassenden Recherchen und 

Ausgangsmaterialien. 

In his exhibition Medusa, Tue Greenfort focused on the complex relationships between the spread of monoculture 

and its consequences as well as in urban, public spaces. The publication Tue Greenfort. Medusa 

presents a detailed overview, not only of this group of works, but also his extensive research material, on 

100 colour pages. 

· Tue Greenfort, geboren 1973 in Dänemark, lebt und arbeitet in Berlin. 



Deutsch 

978-3-86560-715-7 

€ 19,80 


Deutsch 

978-3-86560-786-7 

€ 19,80 

Kunst / Art 


978-3-86560-807-9 

€ 19,80 

Kunst / Art 


Kunst und Öffentlichkeit. 40 Jahre Neuer Berliner Kunstverein 

16 x 23 cm, 456 Seiten, mehr als 300 teils farbige Abbildungen, mit Audio-CD. Klappenbroschur 

Herausgegeben von Marius Babias. Texte von Sophie Goltz und Marius Babias sowie Interviews 

mit René Block, Katja Jedermann, Wolf Kahlen, Barbara Straka, Christian Wagner u. a. 

1969 wurde der Neue Berliner Kunstverein als Initiative Berliner Bürgerinnen und Bürger gegründet. 

Das Ausstellungs- und Vermittlungsprojekt Kunst und Öffentlichkeit. 40 Jahre Neuer Berliner 

Kunstverein lässt die letzten 4 Jahrzehnte Revue passieren, indem es zeitgenössische Perspektiven 

der heutigen Kunstvermittlung in der Kunstszene Berlin und darüber hinaus aufzeigt, die aus 

einer Neubestimmung des Verhältnisses von Kunst und Öffentlichkeit hervorgegangen ist. In 

thematischen Kapiteln dokumentiert dieses Buch eine Kartografi e Berlins, welche die Geschichte 

des Kunstvereins mit künstlerischen und kulturellen Entwicklungen im geteilten und vereinigten 

Berlin verknüpft. 

The book documents 40 years of the community run Neuer Berliner Kunstverein in Berlin, exploring 

the changing relationship between art and the public sphere. 

· Neuer Berliner Kuntverein, 2009 

Asta Gröting. n.b.k. Ausstellungen Bd. 6 

16 x 23 cm, ca. 192 Seiten, 140 farbige und 10 s/w Abbildungen. Klappenbroschur 

Herausgegeben von Marius Babias und Stella Rollig. 

Texte von Asta Gröting, Brigitta Kuster, Stella Rollig und Marius Babias 

Asta Gröting ist bereits in den 1980er Jahren als eine der führenden Bildhauerinnen ihrer 

Generation wahrgenommen worden. In den 1990er Jahren mit amorph-organischen Skulpturen 

berühmt geworden, wandte sie sich mit ihren „Bauchredner-Videos“ dem Thema der Sprache zu. 

Seit Kurzem experimentiert Gröting mit Installationen und Interventionen, die an die Frage geknüpft 

sind, ob Kunst eine Form von Realität annehmen kann, die nicht an Materialien gebunden 

ist, so in der berühmt gewordenen Skulptur Space between two people having sex (2008). 

This book is a review of Asta Gröting’s works from 1981 to 2009, highlighting her beginnings as a 

sculptor and the numerous transformations her working method has taken since. 

· Asta Gröting, geb. 1961 in Herford, lebt und arbeitet in Berlin. 

· Lentos Kunstmuseum, Linz, 2010; Neuer Berliner Kunstverein, 2010 

Dolores Zinny & Juan Maidagan. Compartment. Das Abteil 

30 x 23 cm, 80 Seiten, ca. 45 großformatige farbige Abbildungen. Pappband Leinen 

Herausgegeben von Susanne Gaensheimer, Bernd Reiß und MMK Museum für Moderne Kunst 

Frankfurt am Main. Vorwort von Susanne Gaensheimer. Text von Ranjit Hoskote 

In den meisten ihrer Arbeiten beschäftigen sich Zinny & Maidagan mit Architektur. Mit Compart- 

ment / Das Abteil zeigen sie Werke, die den konkreten Ortsbezug abstrahieren und ein hohes 

Maß an formaler Autonomie aufweisen. Der aufwendig gestaltete und reich bebilderte Katalog 

zeigt alle Facetten ihres Werks. 

Most of Zinny & Maidagan’s work is concerned with architecture. Compartment / Das Abteil 

is showing works that are abstracted from a concrete locational context and which exhibit a high 

level of formal autonomy. This lavishly designed and richly illustrated catalogue presents all the 

facets of their work. 

· Dolores Zinny, geb. 1968 in Rosario, Argentinien. Juan Maidagan, geb. 1957 Rosario, Argentinien. 

Die Künstler leben und arbeiten in Berlin. 

· MMK Frankfurt (Zollamt), 2010 


�� 

English 

978-3-86560-731-7 

€ 14,80 

Art / Kunst 

English 

978-3-86560-539-9 

€ 58,– 

Art / Kunst 

Deutsch 

978-3-86560-824-6 

€ 48,– 



Jack Ja Smith. Cologne Art Fair 1977 

84 x 119,2 cm leafl et folded up to A 4 size with, in part colour, illustrations. 

Edited Ed by Michael Krebber. 

Jack Ja Smith presented his performance Irrational Landlordism of Bagdad as part of the Cologne Art 

Fa Fair fringe in the summer of 1977. Many other events were documented photographically and can 

nnow 

be found in the Cologne Art Fair archives—not so Smith’s performance. This book shows him in 

hhis 

fair stall and during his performance for the fi rst time. The pictures are perfect documents of a 

co completely eccentric transaction by this pioneering director and performance artist. 

Im 

Sommer 1977 zeigte Jack Smith im Rahmenprogramm des Kölner Kunstmarkts seine Perfor- 

mmance 

Irrational Landlordism of Bagdad. Zwar wurden viele andere Aktionen damals fotografi sch 

dokumentiert, nicht so aber die Darbietung von Smith. Im vorliegenden Band wird er nun zum 

ersten Mal in seiner Messekoje und während der Performance gezeigt. Es sind perfekte Dokumente 

einer völlig exzentrischen Transaktion dieses bahnbrechenden Regisseurs und Performance-Künstlers, 

der viele seiner Hauptwerke in Deutschland schuf, insbesondere während der Besuche in Köln. 

· Jack Smith, born 1932 in Columbus, Ohio, died 1989 in New York. 

SONIC YOUTH ETC.: SENSATIONAL FIX 

18 x 18 cm, 784 pages, c. 700 colour illustrations. Embossed cloth. With 2 vinyl disks. Hardcover 

Edited by Roland Groenenboom. 2nd Edition 

Texts by Elein Fleiss, Kim Gordon, Roland Groenenboom, Richard Hell, Carlos van Hijfte, Mike 

Kelley, Jutta Koether, Alan Licht, Lydia Lunch, John Miller, Gene Moore, Thurston Moore, Aaron 

Mullan, Lee Ranaldo, Steve Shelley, Paul Sztulman, Mike Watt and Christophe Wavelet. 

For the fi rst time ever, the multidisciplinary activities of the American alternative rock band Sonic Youth 

are presented in book form, showcasing their collaborative efforts with visual artists, fi lmmakers, de- 

signers, and other musicians since the band’s inception in 1981. By including works created and also 

selected by Sonic Youth, this volume explores an alternative kind of contemporary culture, focusing on 

the connections between high culture and pop culture, between serious music and music entertainment. 

Erstmals werden in einem Buch die multidisziplinären Aktivitäten der US-Band Sonic Youth, umfassend 

vorgestellt. Seit ihrer Gründung 1981 arbeitet die Band mit bildenden Künstlern, Filmemachern, 

Designern und Musikern zusammen. Mit Arbeiten von Sonic Youth sowie von der Band 

zusätzlich ausgewählten Kunstwerken wird die alternative Szene beleuchtet. 

Peter Stauder. Raum-Schale Raum-Orte 

21 x 30 cm, 128 Seiten, 61 farbige Abbildungen. Hardcover 

Texte von Peter Stauder und Lothar Hönninghausen 

In einer Abfolge themenbezogener Projekte (Raum Zeichen Weltstellung, Mythos und Entstellung, 

Landschaft als Modell, Ding und Gegenstand, Totes und Unlebendiges) versucht der Künstler seine 

zentrale Aussage zu präzisieren. Das vorliegende Buch beschäftigt sich mit dem Modellcharakter 

unseres Naturzugangs im Hinblick auf die strukturalen Bedingungen der Raumwahrnehmung. 

Die abgebildeten Zeichnungen und Ölbilder können als Beispiele aufgefasst werden für die beiden 

Möglichkeiten, wie Raum aufgefasst werden kann: als der geschlossene Raum der Raum- 

Schale oder als der offene Raum zwischen Raum-Orten. 

This book presents drawings and oil paintings by Peter Stauder, which deal with our approach to nature 

with regard to the structural conditions of spatial perception. 

· Peter Stauder, geb. 1951, lebt und arbeitet in Bonn und Rolandseck. 

· Krings-Ernst-Galerie, Köln, 2010 


22,5 x 30 cm, 144 Seiten. 


Deutsch 

978-3-00031102-4 

€ 29,– 


21 x 21 cm, ca. 223 Seiten, 


Broschur 

Deutsch 

978-3-88364-003-1 

€ 22,– 



Baukunst an der Kunstakademie Düsseldorf. 

Dudler – Ortner – Petzinka – Schultes 

Herausgegeben von Siegfried Gohr 

Texte von Lea Kamecke und Michael Mönninger. Interviews mit den Architekten 

Sie gehören zu den maßgeblichen und im deutschsprachigen Raum einfl ussreichs- 

ten Architekten ihrer Generation: Max Dudler, Laurids Ortner, Calle Petzinka und 

Axel Schultes. Aktuell sind alle 4 Professoren der Baukunst an der Kunstakademie 

Düsseldorf. 

Mit zahlreichen Hauptwerken sowie neuen Arbeiten, die erst für Ausstellung und 

Katalog entstanden sind, werden die Positionen der Architekten erstmals gemeinsam 

präsentiert. 

This catalogue accompanies the exhibition of major works and new pieces by 4 of the 

most signifi cant and infl uential architects of their generation: Max Dudler, Laurids Ortner, 

Calle Petzinka and Axel Schultes. 

· Akademie-Galerie, Kunstakademie Düsseldorf, 07.05. – 25.07.2010 

· Distribution für Kunstakademie Düsseldorf 

Stadtbaukunst. Die Treppe. 

Dortmunder Architekturheft No. 22 

Herausgegeben von Christoph Mäckler 

Die jährlich erscheinenden Dortmunder Architekturhefte widmen sich in diesem 

Jahr dem Thema Treppe. Die umfangreich bebilderten Essays sind überarbeitete 

Beiträge von Architektur- und Kunsthistorikern wie Jean-Christophe Ammann, Arno 

Lederer, Christoph Mäckler, Fritz Neumeyer, Jan Pieper, Hans Stimmann, Helmut 

Weihsmann u. a. 

Im Tafelteil stellen 25 zeitgenössische renommierte Architekten eine von ihnen gebaute 

Treppe vor. Im Kontext zeigt jeder seine historische „Lieblingstreppe“. 

This year’s edition of the annual publication Dortmunder Architekturheft is devoted to 

the theme of stairs. 

· Distribution für Universität Dortmund 


Das Dach 

3-88364-061-7 

€ 19,80 


English 

978-0-920293-76-8 

€ 18,– 

Art / Kunst 


978-8-89650-111-5 

€ 26,– 

Kunst / Art 

English / Spanish 

978-84-938030-0-1 

€ 35,– 

Art / Kunst 


Roe Ethridge / Cheyney Thompson. 

Lynn Valley 6 

19 x 16,5 cm, 100 pages, 55 col. illustrations. Softcover 

Edited by Roger Bywater & Reid Shier. Designed by Roe Ethridge & Cheyney Thompson 

Lynn Valley 6 is a collaborative bookwork by New York artists Roe Ethridge and Cheyney Thompson. 

Ethridge is a photographer known for his clear depictive style and eclectic subject matter, while 

Thompson’s most recent works are abstract and semi-representational paintings on canvas. 

Together, they have created a book that combines 2 highly diverse practises into a unique dialogue. 

Lynn Valley 6 includes selected documentary details of Thompson’s paintings and outtakes from 

Ethridge’s commercial magazine work. 

Neben Schnappschüssen aus den Ateliers beider Künstler enthält das Buch auch eine Material- 

Dokumentation in Form von Skizzen, Collagen, Gewebemustern und mehreren Farbskalen. 

· Roe Ethridge, born 1969 Miami, Forida. Cheyney Thompson, born 1975 in Baton Rouge, Louisiana. 

Both artists live and work in New York. 

· Distribution for Bywater Editions 

Gabriel Kuri. 

Soft Information in Your Hard Facts 

18 x 25 cm, 112 Seiten, ca. 64 Farb- und 16 s/w-Abbildungen. Softcover 

Herausgegeben von Vincenzo de Bellis. Texte von Letizia Ragaglia und Catherine Wood 

Soft Information in Your Hard Facts ist ein Hybrid aus Katalog und Künstlerbuch. Kuri thematisiert 

den dialektischen Gegensatz zwischen Hart und Weich – in der Beschaffenheit der Arbeiten, wie 

in der jeweiligen metaphorischen Bedeutung und in subtilen Anspielungen. Das Buch enthält 

einen umfangreichen visuellen Essay des Künstlers und zeigt darüber hinaus einige seiner bedeutendsten 

Werke seit 2003. 

Soft Information in Your Hard Facts is somewhere between a catalogue and an artist’s book, published 

on the occasion of Gabriel Kuri’s solo show at Museion in Bolzano. It features an extensive 

visual essay composed of images and details of works in and around the project, which the artist 

has worked on over the last 7 years. 

· Gabriel Kuri, geb. 1970 in Mexiko, lebt und arbeitet in Mexiko-City und Brüssel. 

· Distribution für / for Museion Bozen/Bolzano und / and Mouse Publishing 

Márgenes M de Silencio. Margins of Silence. 

Helga H de Alvear Collection 

24 x 27 cm, 288 pages, 287 col. and b/w illustrations. Softcover 

Edited Ed by Helga de Alvear Collection. Texts by José Maria Viñuela 

MMargins 

of Silence is the opening exhibition at the new gallery space, Centro de Artes Visuales 

Fu Fundación Helga de Alvear in Cáceres. This catalogue, introduced with an essay by the curator José 

MMaria 

Viñuela, illustrates 115 of the exhibited works from the Helga de Alvear collection and includes 

bbiographies 

of the artists represented and a complete bibliography. 

MMárgenes 

de Silencio versammelt 115 Ausstellungsexponate der Sammlung Helga de Alvear. 

DDer 

Katalog mit Texten von José Maria Viñuela, ausführlichen Biografi en der vertretenen Künstler 

sowie ein Gesamtverzeichnis aller vorgestellten Werke laden zum Entdecken dieser außergewöhnlichen 

Sammlung ein. 

· Centro de Artes Visuales Fundación Helga de Alvear, Cáceres, 03.06. – 09.01.2011 

· Distribution for Centro de Artes Visuales Fundación Helga de Alvear, Cáceres 


Verantwortlich für das 

Programm sind Matthias Haase, 

Alexandra Heimes, David Horst, 

Maria Muhle und Dirk Setton. 

10 x 16 cm, 112 Seiten, 


Broschur 

Deutsch 

978-3-941360-08-2 

€ 9,80 


Volker Pantenburg, 

geb. 1973 in Leverkusen, 

ist Professor für 

Bildtheorie an der 

Bauhaus-Universität in Weimar. 

August Verlag Berlin 

66 sommer / summer 2010 august verlag berlin 

Imprint im Verlag der Buchhandlung Walther König, Köln 

Der August Verlag ist ein Forum für Theorie im Schnittpunkt von Philosophie, Politik 

und Kunst. Die KLEINE EDITION steht in der Tradition des Essays, jenes Genres der 

Inter vention, die zu lang für eine Zeitschrift und zu kurz für ein herkömmliches Buch 

ist. Im großen Format werden zeitgenössische Theorie und moderne Klassiker veröffentlicht. 

Volker Pantenburg. 

Ränder des Kinos. 

Godard – Wiseman – Benning – Costa (Kleine Edition 3) 

Wo der „Rand“ und wo das „Zentrum“ des Kinos liegen soll, ist heute angesichts einer 

Unzahl privater und öffentlicher Abspielmöglichkeiten und Erscheinungsweisen 

von Filmen unklarer als je zuvor. Die agitatorischen Filme der Dziga-Vertov-Gruppe um 

Jean-Luc Godard, Frederick Wisemans Kleinstadtsymphonien, James Bennings 

US-amerikanische Landschaftsstudien und Pedro Costas dokumentarische Fiktionen 

fassen die Frage nach den Rändern je unterschiedlich auf. Mal technisch-materialistisch 

wie Godard und Jean-Pierre Gorin, mal narrativ wie Benning, mal gesellschaftlich 

wie Pedro Costa, der seine Filme aus dem langfristigen Zusammenleben mit den 

Marginalisierten im Lissabonner Stadtteil Fontainhas erarbeitet. 

Volker Pantenburg explores the margins of cinema through the fi lms of Godard, Wiseman, 

Benning and Costa.

10 x 16 cm, 60 Seiten, 

11 s/w-Abbildungen. 

Broschur 

Deutsch 

978-3-941360-02-0 

€ 9,80 


Anselm Haverkamp. 

Begreifen im Bild: Methodische Annäherung 

an die Aktualität der Kunst (Kleine Edition 1) 

Die Aktualität der Kunst ist eine des Begreifens – dies ist die 

Bestimmung, um die Anselm Haverkamp in seinem Essay zur 

Methodologie der Kunst kreist: Kunst als Begreifsgeschichte, 

in der es nicht um die Bewältigung geschichtlich überkommener 

Schuld geht, sondern um eine bildliche Epistemologie: 

um die Möglichkeiten des Erkennens zugleich verborgener und 

historisch mächtiger Hypotheken. 

· Anselm Haverkamp ist Professor für Literaturwissenschaften 

in Frankfurt / Oder und New York. 

11 x 18 cm, 292 Seiten, 

16 col. and 14 b/w 

illustrations. Softcover 

English 

978-3-941360-04-4 

€ 29,80 


sommer / summer 2010 august verlag berlin 

10 x 16 cm, 92 Seiten, 

10 s/w-Abbildungen. 

Broschur 

Deutsch 

978-3-941360-03-7 

€ 9,80 


Barbara Vinken. Eine Legende der Moderne. 

Flauberts Einfaches Herz (Kleine Edition 2) 

In ihrer Lektüre vom „Einfachen Herz“ verschränkt Barbara Vinken 

Flauberts Aneignung des Maria-Topos der Dienstmädchenliteratur 

mit der Analyse des Vogelreigens in der Malerei des 19. Jahrhunderts. 

Das „Einfache Herz“ wird so als verkehrter Bildungsroman lesbar, 

in dem Félicité als Nullpunkt moderner Subjektivität zugleich 

zum Paradigma des Zustands der Sprache in der Moderne wird. 

· Barbara Vinken ist Professorin für Allgemeine und Französische 

Literaturwissenschaft in München. 

· Das Buch erscheint im Rahmen der von Barbara Vinken herausge - 

gebenen Flaubertvorlesungen des Centre Flaubert München / Paris. 

11 x 18 cm, 360 Seiten. 

Broschur 

Deutsch 

978-3-941360-00-6 

€ 29,80 


Sun Tropes. Tropes Georges Canguilhem. 

Canguilhem 

Sun City and (Post-)Apartheid Culture in South Africa 

Edited by Aljoscha Weskott and Marietta Kesting 

Die Erkenntnis des Lebens 

Der 1965 erschienene Band „La connaissance de la vie“, der nun 

Sun Tropes follows traces of Sun City through South African’s history in deutscher Übersetzung vorliegt, versammelt Canguilhems 

from the late 70s until today. As the African imitation of Las Vegas, Aufsätze, die aus biologischer, medizinischer und neo-vitalisti- 

the book (re-)constructs the ‘mythical’ location of Sun City as a hisscher Perspektive die Beziehung zwischen Denken und Leben 

torical and visual case study, as a fragmented space of post-Apart- untersuchen. 

heid memory and a paradigm of the development of Johannes- · Georges Canguilhem (1904–1995) war einer der führenden 

burg’s urban space into a fragmented collection of gated “paradises”. Philosophen und Wissenschaftshistoriker Frankreichs. Zu 

· Marietta Kesting is academic assistent for contemporary 

seinen Schülern zählen Michel Foucault, Pierre Bourdieu und 

and cultural art history at the university of Vienna. 

Aljoscha Weskott is political scientist, filmmaker and author. 

Alain Badiou. 

67

Tobias Hantmann. Hantmann Sets 

Aufl age: 10 + 2 A. P. 

Objekt in Papp umhüllung, Polystyrol, 

Schnur, 15 x 22 x 3 cm. Buch: 11,5 x 17 cm, 

80 Seiten, Leinen mit Schutzumschlag 

Jeder Vorzugsausgabe liegt ein signiertes 

und individuell bearbeitetes Objekt 

bei: bemalte Metallplatten aus Kupfer, 

Messing oder Stahl, Reststücke aus der 

Metallverarbeitung. Hantmann bezeichnet 

seine Malerei als „heranzoomen auf 

den Mittelpunkt der Spiegelung“, sie zeigen 

ein statisches Bild einer Refl exion. 

Preis: € 180,– 

Albert Oehlen Oehlen. Abstract Re Reality 

Aufl age: 30. 

Buch: 24 x 33,5 cm. Loselagensammlung, 

Banderole. 32 Seiten mit 36 farbigen 

Abb. auf 8 Falzlagen Bilderdruck, 

24 Seiten auf 6 Falzlagen Werkdruck. 

Cover als Bilddruck 70 x 100 cm, 

dreifach gefalzt. 

Der Einband der Vorzugsausgabe unterscheidet 

sich im Druck des Plakates von 

der Normalausgabe. Signiert und nummeriert, 

in schwarzer Mappe. 

Preis: € 380,– 

editionen / vorzugsausgaben 

Candida Höfer. 

Neues Museum Berlin 

Aufl age: 100 + 14 A. P., davon 70 in dt. 

und 30 in engl. Sprache. 

Buch: 21,6 x 28 cm, 288 Seiten, 132 farbige 

Abbildungen. Klappenbroschur mit 

Otabind-Bindung. 

Der Vorzugsausgabe liegt eine Original 

Fotografi e (C-Print) der Größe 33 x 42,5 

cm bei, signiert, nummeriert, mit Passepartout, 

im Stülpdeckelkarton. 

Preis: € 950,– 

Peter Stauder. 

Landschaft als Modell. 

Aufl age: 30. 

Buch: 20,5 x 28,7 cm, 175 Seiten, 


Hardcover. 

Jeder Ausgabe liegt ein Unikat bei, 

eine signierte, nummerierte Zeichnung 

der Größe 21 x 29,5 cm, betitelt auf der 

Rückseite, im Stülpdeckelkarton. 

Preis: € 300,– 

68 sommer / summer 2010 verlag der buchhandlung walther könig, köln 

Sabine Moritz. 

Lobeda 

Aufl age: 30 + 5 A. P. 

Buch: 21 x 29,5 cm, 114 ganzseitige, 

farbig faksimilierte Handzeichnungen. 

Schweizer Broschur. 

Der Vorzugsausgabe liegen drei nummerierte 

und signierte faksimilierte 

Handzeichnungen der Größe 42 x 56,2 

bzw. 42 x 58,3 cm bei, aufgeklebt auf 

weißen Karton der Größe 51 x 71 cm, signiert, 

nummeriert, in schwarzer Mappe. 

Preis: € 340,–

Aufl age: 10 + 3 A.P. + 1 h.c. Exemplare, 

signiert und nummeriert, 

Leinen kassette, Spiegel, Drehbuch als 

verschraubter Buchblock, 110 Blätter. 

English 

€ 1.400,– 


Aufl age: 10 + 3 A.P. + 1 h.c. Exemplare 

48,5 x 68 cm, 22 Seiten, 

signiert und nummeriert. 

Leineneinband mit Siebdruck 

English 

€ 2.700,– 

Subs. -Preis € 2.400,– 

bis 31.10.2010 


künstlereditionen / artist’s editions 

Johannes Wohnseifer. Irresistible Impulse 

The fi lm Taxi Driver by Martin Scorsese was a decisive infl uence in the attempted 

assassination of the then US president Ronald Reagan. The assassin John Hinckley Jr. 

was obsessed with Jodie Foster, who played a leading role in the fi lm, and wanted to 

impress her with this act. 

Johannes Wohnseifer’s artist’s book, Irresistible Impulse, picks up this constellation and 

adds a further layer to it, by claiming that the fi lm Taxi Driver was only shot in order 

to generate the perfect trigger for an attempt on the president’s life: the original script 

is completely blacked-out except for the words ‘kill’ and ‘president’ and can be read like 

the instructions for a potential assassination. 

Der Film Taxi Driver von Martin Scorsese war ein entscheidender Einfl uss für das 

Attentat auf den damaligen US-Präsidenten Ronald Reagan. Der Attentäter John 

Hinckley Jr. war besessen von der im Film mitwirkenden Jodie Foster und wollte ihr 

mit seiner Aktion am 30. März 1981 imponieren. 

Johannes Wohnseifers Künstlerbuch Irresistible Impulse greift diese Konstellation auf 

und fügt eine weitere Ebene hinzu, indem es die Behauptung aufstellt, der Film Taxi 

Driver sei nur gedreht worden, um den perfekten Auslöser für einen Anschlag auf den 

Präsidenten zu generieren: Das Original-Drehbuch wurde in Wohnseifers Künstlerbuch 

bis auf die Worte „kill“ und „president“ geschwärzt und kann wie die Anleitung 

eines potenziellen Attentats gelesen werden. 

· Johannes Wohnseifer, geb. 1967 in Köln, lebt und arbeitet in Köln und Erftstadt. 

Johannes Wohnseifer. 

The Thin Commandments. 

The Thin Commandments is a publication to the 10-part series of pictures of the same 

name. The list of ‘Thin Commandments,’ which are screen-printed in this museum 

catalogue, stems from the work of a psychologist, who summarised her experience in 

the treatment of people with eating disorders in a list of ten commandments. 

The Thin Commandments ist die Publikation zu der gleichnamigen, zehnteiligen Bilderserie. 

Der Museumskatalog bildet mit per Siebdruck aufgetragenen gebrochenen 

Farben einen malerischen Hintergrund für die „10 Gebote“. 

(Die Liste der „Thin Commandments“ geht auf die Arbeit einer Psychologin zurück, 

die ihre Erfahrungen in der Behandlung von Menschen mit Essstörungen zu einer Liste 

von zehn Geboten zusammengefasst hat.) 

sommer / summer 2010 verlag der buchhandlung walther könig, köln 

69

3 volumes, each 24,5 x 30,5 cm. 

linen with embossed cover 

and spine in a slip case. 

Limited edition of 400 

numbered and signed copies. 

English 

978-3-88375-741-4 

€ 750,– 

Art / Kunst 

Roman Signer, born 1938 

in Appenzell, Switzerland, 

lives and works in St. Gallen. 

Es erscheint eine Vorzugsausgabe. / 

A special edition has been published. 


künstlereditionen / artist’s editions 

Roman Signer. 

Works. Volumes 1-3. Catalogue Raisonné 

of Works 1971 – 2002 

Edited by Peter Zimmermann. 

Foreword by Beat Wismer and Peter Zimmermann. 

Film- and videostills by Aleksandra Signer. Text by Roman Signer 

Signer’s working materials—water, fi re, air and earth—are elements that ‘intervene in 

the design of the work and complete it.’ They require extremely precise preparation and 

meticulous planning, and making the processes of production visible in its execution is 

usually part of Roman Signer’s work. Over the past 4 years the artist, with the help of 

Peter Zimmermann, has compiled a unique, monumental publication: a catalogue of 

works and an autonomous description of the work, all in one. 

Book 1: 1971 – 1983. 500 pages with 779 colour, partly full-page, illustrations. 



Signers Umgang mit seinen Werkstoffen – Wasser, Feuer, Luft und Erde – sind Elemente, 

die „in die Gestaltung des Werkes eingreifen und es vollenden“. Sie erfordern 

äußerst präzise Vorbereitung und akribische Planung. Bei der Durchführung ist das 

Sichtbarmachen der Produktionsvorgänge meist Teil Roman Signers Arbeit. Mit dieser 

ihm eigenen Methode hat der Künstler mit Hilfe von Peter Zimmermann in einem 

Zeitraum von 4 Jahren eine einzigartige, monumentale Edition erarbeitet: ein Œuvrekatalog 

und eine autonome Werkbeschreibung in einem. 

Band 1: 1971 – 1983. 500 Seiten mit 779 farbigen, teils ganzseitigen Abbildungen. 




15 x 23 cm, 192 Seiten, 

30 farbige und 35 s/w Abbildungen. 


Deutsche Ausgabe: 

978-3-86560-488-0 

€ 29,80 

English edition: 

978-3-86560-605-1 

€ 29.80 


Hans Belting, Kunsthistoriker, 

Bildtheoretiker und 

Mitbegründer der Hochschule 

für Gestaltung in Karlsruhe, 

ist bekannt geworden 

als Autor von Büchern wie 

„Bild und Kult“,„Die Erfi ndung 

des Gemäldes“ oder, zuletzt, 

„Florenz und Bagdad. Eine 

westöstliche Geschichte des Blicks“. 


aus unserer backlist / from our backlist 

Hans Belting. 

Der Blick hinter Duchamps Tür. Kunst und Perspektive 

bei Duchamp. Sugimoto. Jeff Wall / 

Looking through Durchamp’s Door. Art and Perspective 

in the Work of Duchamp. Sugimoto. Jeff Wall 

Hans Belting vereint in seinem neuen Buch drei monographische Essays unter einer 

gemeinsamen Fragestellung: der Frage nach einer Perspektive nach dem Ende der Perspektive 

in der modernen Kunst. Hans Belting eröffnet nicht nur neue Perspektiven zu 

den Werken von Marcel Duchamp, Hiroshi Sugimoto und Jeff Wall, das Buch handelt 

vom Begriff der Perspektive in den Arbeiten der drei Künstler. 

Die Tür, die Marcel Duchamp in Philadelphia einbauen ließ, ist eine Metapher für eine 

brillante Strategie, den abgenutzten Blick in der Perspektive auf sich selbst zurück zu 

führen. Der Japaner Hiroshi Sugimoto und der Kanadier Jeff Wall haben beide durch 

diese Tür geschaut, als sie ihr Werk begannen, und sich immer wieder auf Duchamp 

bezogen. Aber auch bei Duchamp, dem Großmeister der modernen Konzeptkunst, eröffnen 

Beltings Analysen und seine überraschenden Funde einen neuen Blick auf ein 

lebenslanges Experiment, bei dem die Kunst, im Namen der Perspektive, frei mit dem 

Betrachter ausgehandelt wird. 

In this new book by Hans Belting, three monographic essays are united by one common 

problematic – the need for perspective after the end of perspective in modern art. Hans 

Belting not only opens up new ways of looking at the works of Marcel Duchamp, Hiroshi 

Sugimoto and Jeff Wall, but also deals with the concept of perspective in their work. 

The door that Marcel Duchamp installed in Philadelphia is a metaphor for a brilliant 

strategy that redirects the worn out view of perspective back to ones self. 

Hiroshi Sugimoto and Jeff Wall both looked through this door as they became artists 

and have both referenced Duchamp time and again. Belting’s analysis and surprising 

discoveries also open up a new way of looking at Duchamp—a lifelong experiment, in 

which art, in the name of perspective, is freely negotiated with the viewer. 


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Robert ��b��Storr. Storr. ��Cage 

Cage – 6 Bilder 

ld 

von �� Gerhard �� Richter 

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25,5 �� x 25,5 �� cm, �� 200 S., 82 s/w 

und �� 

168 farb. Abb., Hardcover 

978-3-86560-591-7 

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€ 38,– 

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Christian �� Boltanski. Catherine 

Grenier �� – �� Das mögliche �� Leben 

�� 

des �� Christian �� Boltanski �� 

14 ��x �� 20,5 �� cm, �� 272 S., 27 �� s/w Abb. 

Broschur �� 

978-3-86560-607-5 

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€ �� 19,80 �� 

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Index 

A 

Abramovic, Marina … 52 

Ahtila, Eija-Liisa … 46 

Assaël, Micol … 47 

atelier le balto … 54 

Audiovisuology / See this Sound … 31 

August Verlag … 66f. 

Avery, Charles … 46 

B 

Baghramian, Nairy … 20 

Balkenhol, Stephan … 36 

Barlow, Phyllida … 20 

Barney, Matthew … 48 

Belting, Hans … 71 

Be Nice Share Everything Have Fun … 33 

Bilder in Bewegung … 24 

Blume, Anna & Bernhard … 10f. 

Bonin, Cosima von … 28 

Boucsein, Benedikt … 23 

Bratkov, Sergey … 55 

Breitz, Candice … 45 

C 

Catch Me! …56 

Chaimowicz, Marc Camille …60 

Chan, Paul …60 

Changing Channels …58 

Chung, Jay …48 

Canguilhem, Georges …67 

Curry, Aaron … 36 

D 

Daled, Sammlung … 4f. 

Dammbeck, Lutz … 44 

Deacon, Richard … 2f. 

Design Real … 20 

Diers, Michael … 59 

Dortmunder Architekturheft … 64 

Dudler, Max … 64 

E 

Eliasson, Olafur … 8f. 

Ethridge, Roe … 65 

Evans, Cerith Wyn … 52 

F 

Falckenberg, Sammlung … 29 

Feldmann, Hans-Peter … 12f. 

Florschuetz, Thomas … 18 

Flusser, Vilém … 59 

Fürlus, Eckhard … 30 

G 

Gaba, Meschac … 37 

Galerie Neue Meister Dresden … 14f. 

Galloway, Alexander … 59 

Gender Check … 32 

Gerdes, Ludger … 49 

Graue Architektur … 23 

Greenfort, Tue … 61 

Grcic, Konstantin … 20 

Gröting, Asta … 62 

Guyton, Wade … 41 

H 

Hamilton, Richard … 20 

Hantmann, Tobias … 41, 68 

Harrison, Rachel … 50 

Havekost, Eberhard … 61 

Haverkamp, Anselm … 67 

Henneken, Uwe … 50 

Herrera, Arturo … 60 

Höfer, Candida … 68 

Horn, Roni … 27 

Human Condition … 58 

Huws, Bethan … 25 

J 

Jankowski, Christian … 54 

K 

Kalmar, Stefan … 33 

Klein, Yves 53 

Kunst u. Öffentlichkeit … 62 

Kuri, Gabriel 65 

L 

Lebenlust und Totentanz … 58 

Lempert, Jochen … 57 

Los Carpinteros … 34 

Ludwigs Grafi k … 56 

Lynn Valley … 65 

M 

Maeda, Q Takeki … 48 

Maidagan, Juan … 62 

Malerei: Prozess u. Expansion … 35 

Márgenes de Silencio … 65 

Mauss, Nick … 47 

Moritz, Sabine … 38, 68 

Mühe, Andreas … 40 

N 

n.b.k. … 62 

O 

Obrist, Hans Ulrich … 52 

Oehlen, Albert … 39, 68 

Olbricht Collection … 58 

Ortner, Laurids … 43, 64 

Ortner & Ortner … 43 

Ottmann, Klaus … 53 

P 

Paik, Nam June … 24 

Pantenburg, Volker … 66 

Petzinka, Calle … 64 

Peyton, Elizabeth … 48 

Pirgelis, Michail … 57 

Pivi, Paola … 49 

Polke, Sigmar … 39 

Pousttchi, Bettina … 42 

R 

Richter, Gerhard … 16f. 

Risch, Jens … 57 

Ritchie, Matthew … 61 

Robbrecht en Daem … 43 

Ruhrblicke … 19 

S 

Sala, Anri … 26 

Schneider, Gregor … 6f. 

Schultes, Axel … 64 

Signer, Roman … 70 

Sixties Fashion … 22 

Skulpturenpark Berlin_Zentrum … 55 

Smith, Jack … 63 

Sonic Youth … 63 

Stauder, Peter … 63, 68 

Stockdale, Jane … 40 

Storr, Robert … 16 

Sun Tropes … 66 

T 

Tabaimo … 44 

Tactics of Invisibility … 51 

Tillmans, Wolfgang … 21 

Tiravanija, Rikrit … 52 

Thompson, Cheyney … 65 

Trouvé, Tatiana … 42 

U 

Upritchard, Francis … 51 

V 

Variantology … 30 

Vinken, Barbara … 67 

W 

Weißer Schimmel … 29 

Who knows tomorrow … 1 

Wilson, Robert … 45 

Wohnseifer, Johannes … 69 

Wullfen, Amelie von … 38 

Z 

Zielinski, Siegfried … 30 

Zinny, Dolores … 62 

Zipp, Thomas … 30

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walther könig, köln 

Ehrenstraße 4, d-50672 Köln 

tel. +49 (0)221 205 96 53 

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