Verlag Walthe Herb - Buchhandlung Walther König

Verlag der Buchhandlung 

Walther König 

Herbst / Fall 2009

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Buch 2000 

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verlag der buchhandlung 

walther könig, köln 

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Cover: Candida Höfer, Nordkuppelsaal, Neues Museum Berlin 

© VG Bild-Kunst, Bonn 2009, für Candida Höfer

18 x 24,5 cm, 80 pages, 

58 col. illustrations. 

Hardcover with dust jacket 

English 

978-3-86560-584-9 

€ 24,80 / chf 44,– 

Artist Book / Künstlerbuch 

Ellsworth Kelly, born 1923 in 

Newburgh, New York, lives and 

works in Spencertown, New York. 

Hans Ulrich Obrist, 

born 1968 in Zurich, lives and 

works in London. 

herbst / fall 2009 

Ellsworth Kelly. 

Thumbing through the Folder. 

A Dialogue on Art and Architecture with Hans Ulrich Obrist 

Ellsworth Kelly, now more than 85 years old, reminisces with great enthusiasm and not 

a hint of nostalgia, on his life, his work and encounters and experiences with teachers 

and colleagues. These include Max Beckmann, Brancusi, Léger and Vantongerloo, whom 

he visited weekly while in Paris, in order to watch him paint. Central to the book is a 

series of painted over and collaged postcards dating from 1949 – 1984, which Kelly has 

released for publication for the fi rst time. By means of these ‘recollections’ he discusses 

his artistic credo and development of an ‘artistic manifesto’. He talks about his interest 

in architecture, about the painters who infl uenced him and his proposal for the Ground 

Zero site. 

It is the positive spirit of this great maverick of art that makes this small book a huge 

literary journey. 

Ohne nostalgischen Ton und mit großer Begeisterung erinnert sich der heute weit 

über 85-jährige Künstler an sein Leben, seine Arbeit und Begegnungen mit Lehrern 

und Künstlerkollegen, so an Max Beckmann, Brancusi, Léger und Vantongerloo, den er 

zeitweise wöchentlich in Paris besuchte, um ihm beim Malen zuzusehen. Mittelpunkt 

des Buches ist eine Reihe von übermalten und collagierten Postkarten aus den Jahren 

1949–1984, die er erstmals aus seinem Archiv zur Veröffentlichung freigibt. Anhand 

dieser „Erinnerungen“ erörtert er sein künstlerisches Credo und seine Entwicklung als 

„künstlerisches Manifest“. Er spricht über sein Interesse an Architektur, über Maler, 

die ihn beeinfl usst haben, bis hin zu seinem Entwurf für das World Trade Center. 

Es ist die positive Haltung des großen Einzelgängers in der Kunst der letzten 70 Jahre, 

die das bescheidene Buch zu einer großen Lesereise macht. 

verlag der buchhandlung walther könig, köln 1

Gerhard Richter – weiterhin lieferbare 

Titel / still available titles: 

Zur Entstehung der abstrakten 

Bilder. 2009 

978-3-86560-651-8 

€ 19,80 / chf 35,90 

18. Oktober 1977. 3. Aufl age. 2005 

978-3-88375-105-4 

€ 19,80 / chf 35,90 

66 Zeichnungen. Halifax 1978. 1997 

978-3-88375-263-1 

€ 19,80 / chf 35,90 

Arbeiten auf Papier / 

Works on paper. 2005 

978-3-00-017217-5 

€ 28,– / chf 49,– 

Atlas. Deutsche Ausgabe. 2006 

978-3-88375-801-5 

€ 49,80 / chf 84,– 

2 herbst / fall 2009 

Atlas. English edition. 2006 

978-3-86560-152-0 

€ 49,80 / chf 84,– 

Robert Storr. Cage. 

6 Bilder von Gerhard Richter. 2009 

978-3-86560-591-7 

€ 38,– / chf 64,– 

Das Kölner Domfenster. DVD. 2008 

978-3-86560-547-4 

€ 24,– / chf 43,– 

Elbe. 2009 

978-3-86560-588-7 

€ 19,80 / chf 35,90 

Sechs Vorträge über 

Gerhard Richter 

978-3-86560-299-2 

€ 29,80 / chf 49,90 

verlag der buchhandlung walther könig, köln 

Survey. English edition. 2000 

978-3-88375-479-6 

€ 24,80 / chf 44,– 

Text 1961 – 2007. 2008 

978-3-86560-185-8 

€ 48,– / chf 81,– 

Übersicht. 2000 

978-3-88375-446-8 

€ 24,80 / chf 44,– 

Wald. 2008 

978-3-86560-503-0 

€ 58,– / chf 98,– 

Zufall – das Kölner Domfenster 

und 4900 Farben. 2007 

978-3-86560-298-5 

€ 34,– / chf 58,–

17 x 25 cm, 184 pages, 

102 col. illustrations, 

the book can be used vice versa. 

Softcover with relief embossing 

English 

978-3-86560-692-1 

€ 38,– / chf 64,– 


Gerhard Richter, 

born 1932 in Dresden, 

lives and works in Cologne. 


Gerhard Richter. 

Obrist – O’Brist 

Gerhard Richter and Hans Ulrich Obrist have known each other since 1985. Their collaboration 

began seven years later when the 24-year-old Obrist curated his fi rst Richter 

exhibition. The following year he published a collection of his writings. Now Gerhard 

Richter has dedicated an artist’s book to this long-standing relationship. 

The texts in the book have been created by rearranging interviews by Hans Ulrich Obrist 

using a random generator. These are set in blocks without defi ned passages or paragraphs. 

The colour plates are made up of photographs, both portraits and mementos, 

of Hans Ulrich Obrist from the past 15 years and close-ups of Richter’s paintings, which 

Richter has then painted over using brushes and scrapers. 

Richter has arranged the image, text and interleaf pages into a composition that gives 

the book a thrilling dramaturgy. Upside down pages appear time and again meaning 

that the book, which has two different sleeves, can be viewed from both sides. Both of 

the original sleeve designs, Obrist and O’Brist, are embossed, the motif standing out 

from the background. 

Dem Buch als autonomes Kunstwerk schenkt Gerhard Richter seit einigen Jahren 

größere Aufmerksamkeit. Nach War Cut und Wald ist seine Beziehung zum Kurator 

und Autor Hans Ulrich Obrist, mit dem er seit 1985 immer wieder zusammengearbeitet 

hat, Thema dieses Künstlerbuches. Es ist eine persönliche Auseinandersetzung 

zwischen Distanz und Nähe mit manchmal liebevoller Ironie. 

Der Text wurde mithilfe eines Zufallsgenerators aus englischsprachigen, von Hans 

Ulrich Obrist geführten Interviews generiert und ohne Einzüge und Absätze fl ächig 

gesetzt. Die „Familienfotos“ hat Richter mit Ölfarbe mit dem Pinsel oder Rakel übermalt 

und durch freie Arbeiten ergänzt. 

Bild-, Text- und Vakatseiten wurden von Richter zu einer Komposition zusammengestellt, 

die dem Buch eine spannende Dramaturgie verleiht. Immer wieder stehen 

Seiten auf dem Kopf, sodass das mit zwei vice versa angeordneten Umschlägen 

versehene Buch von beiden Seiten gelesen werden kann. 

Obrist – O’Brist ist ein facettenreiches Porträt, in dem emotionale Phasen durch 

strenge relativiert werden. 


15,2 x 21,2 cm, 164 pages, 


Hardcover with embossing 

English 

978-3-86560-669-3 

€ 34,– / chf 58,– 


Jennifer Allora (*1974, Philadelphia, USA) 

and Guillermo Calzadilla (*1971, Cuba) 

are based in San Juan, Puerto Rico, 

and have been working 

collaboratively since 1995. 

Temporäre Kunsthalle Berlin, 2009 

Allora & Calzadilla – still available 

titles / weiterhin lieferbare Titel: 

Stop, Repair, Prepare. 2008 

978-3-86560-474-3 

€ 32,– / chf 55,– 

Ω Vorzugsausgabe 

Allora & Calzadilla. Stop, Repair, Prepare 

(m. beiliegender Fotografi e) Aufl . 20 + 5 A.P. 

€ 298,– / chf 500,– 


Allora & Calzadilla. 

& Etcetera 

This artist book presents a selection of images that Allora & Calzadilla have collected 

over the course of a decade. None of these images are documentation or research 

for any particular work. Rather, these images present a parallel component to their 

practice. They are presented in this book as a succession of pairings, organized in a 

non-illustrative and ultimately intuitive arrangement. This series of pictures can be 

understood as an independent, intuitive composition, which offers insight into the 

artist’s thinking and methodology. Arranged in pairs of pictures, this is a sequence 

of paintings, illustrations and photographs, which don’t follow any illustrative or 

conclusive order, but rather reveal a contradictory system of interests and motivations. 

Die Künstler haben vor zehn Jahren begonnen ein Bildarchiv anzulegen. Keines dieser 

Bilder wurde bisher als Anregung oder Vorlage für Arbeiten gebraucht. 

Die Bilderfolge ist ein eigenständiges, intuitiv zusammengestelltes Werk, das einen 

Einblick in das Denken und die Arbeitsweise der Künstler liefert. Jeweils als Bildpaar 

angeordnet handelt es sich dabei um eine Abfolge von Gemälden, Illustrationen und 

Fotografi en, die keiner illustrativen oder abgeschlossenen Ordnung gehorcht, sondern 

vielmehr ein widersprüchliches System von Interessen und Motivationen offenlegt. 

koenig books, london

19 x 28,5 cm, 124 Seiten, 

186 farbige Abbildungen. 

Klappenbroschur 

Deutsch / English 

978-3-86560-689-1 

€ 28,– / chf 49,– 

Kunst / Art 

Lucy McKenzie, geb. 1977 in Glasgow, 

lebt und arbeitet in Glasgow und 

Brüssel. Sie studierte am Duncan of 

Jordanstone College of Art und 

Design, Dundee und an der 

Kunstakademie Karlsruhe. 


Lucy McKenzie. 

Chêne de Weekend 

Essays von Lucy McKenzie. Mit einem Beitrag von Barbara Engelbach und einem 

Nachwort von Kasper König 

Die Gemälde der schottischen Künstlerin Lucy McKenzie machen deutlich, wie 

heutige Malerei, die über die rein ästhetische Erfahrung hinausgeht, begriffen 

werden kann. In dem von ihr selbst konzipierten und gestalteten Buch stellt sie in 

Text und Bild ihre Arbeiten der letzten drei Jahre vor. Die großformatigen Gemälde 

zeigen Interieurs, die sich auf Entwürfe von Inneneinrichtungen des 19. Jahrhunderts 

beziehen. Bei diesen bis zu acht Meter hohen Gemälden nutzt sie die historische 

Technik der Trompe-l’œil-Malerei und stellt sie wie eine Theaterkulisse in Museen in 

Edinburgh, San Francisco, New York und Köln auf. 

Die handwerkliche Qualifi kation der angewandten Künste sieht sie als ein Vorbild, 

das sie auch durch Aufträge und Kollaborationen im Bereich von Mode und Musik 

sowie durch ihre Teilnahme an „Atelier“ – einer Gruppe für Inneneinrichtungsprojekte 

– einzubringen versteht. 

In dem Buch legt die Künstlerin ihre Motivation für ihre komplexe Herangehensweise 

in einem eigenen Text dar, ergänzt durch zwei weitere Texte der Künstlerin: zum einen 

ein fi ktionalisierter Bericht ihrer Ausbildungszeit an der Ecole van der Kelen (einer 

traditionellen Malschule in Brüssel) zur Trompe-l’œil-Malerin, sowie zum anderen 

eine Hommage an die Modedesignerin Beca Lipscombe, mit der sie u.a. in „Atelier“ 

zusammenarbeitet. 

This book, which was conceived and designed by the artist herself, presents her work of 

the last three years in text and image. Her huge paintings illustrate interiors and reference 

interior design drafts from the 19th century. In these paintings, which are up to 

eight metres tall, she uses the historical technique of Trompe-l’œil painting and exhibits 

them like pieces of theatre scenery in museums in Edinburgh, San Fransisco, New York 

and Cologne. 

In this book she explains the motivation behind her complex approach. This is complimented 

by two more written pieces: a fi ctional account of her time studying Trompel’œil 

painting at the Ecole van der Kelen (a traditional painting school in Brussels) and a 

homage to the fashion designer Beca Lipscombe, one of her collaborators in ‘Atelier’. 



In this new book by Hans Belting, three monographic essays are united by one common 

problematic—the need for perspective after the end of perspective in modern art. Hans 

Belting not only opens up new ways of looking at the works of Marcel Duchamp, Hiroshi 

Sugimoto and Jeff Wall, but also deals with the concept of perspective in their work. 

The door that Marcel Duchamp installed in Philadelphia is a metaphor for a brilliant 

strategy that redirects the worn-out view of perspective back to one’s self. 

Hiroshi Sugimoto and Jeff Wall, two protagonists of photography in contemporary 

art, both looked through this door as they became artists and have both referenced 

Duchamp time and again. Belting’s analysis and surprising discoveries also open up a 

new way of looking at Duchamp—a lifelong experiment, in which art, in the name of 

perspective, is freely negotiated with the viewer. It was a bout of seasickness on a trip 

to Buenos Aires that gave Duchamp the impulse for his highly original refl ection on 

horizon, perspective and gravity. 

Hans Belting’s very knowledgeable and coherent reasoning makes for a highly 

captivating book, embellished with 79 illustrations to help lead the reader through 

the pictorial art of perspective. 

verlag der buchhandlung walther könig, köln

15 x 23 cm, 192 Seiten, 

30 farbige und 35 s/w Abbildungen. 

Pappband mit Schutzumschlag 

Deutsche Ausgabe: 

978-3-86560-488-0 

€ ca. 29,80 / chf 49,90 

English edition: 

978-3-86560-605-1 

€ c. 29,80 / chf 49,90 

Kunsttheorie / Art Theory 

Oktober / October 2009 

Hans Belting, Kunsthistoriker und 

Bildtheoretiker, war Mitbegründer der 

Hochschule für Gestaltung in Karlsruhe 

und berät derzeit das Projekt Global Art 

and the Museum am Zentrum für Kunst 

und Medientechnologie in Karlsruhe. 

Er ist bekannt geworden als Autor von 

Büchern wie Bild und Kult, 

Die Erfi ndung des Gemäldes oder 

zuletzt, Florenz und Bagdad. Eine 

westöstliche Geschichte des Blicks. 


Hans Belting. 

Der Blick hinter Duchamps Tür. 

Kunst und Perspektive bei Duchamp. Sugimoto. Jeff Wall / 

Looking through Duchamp’s Door. 

Art and Perspective in the Work of Duchamp. Sugimoto. 

Jeff Wall 

Hans Belting vereint in seinem neuen Buch drei monografi sche Essays unter einer 

gemeinsamen Fragestellung: der Frage nach einer Perspektive nach dem Ende der 

Perspektive in der modernen Kunst. Hans Belting eröffnet nicht nur neue Einblicke 

in die Werke von Marcel Duchamp, Hiroshi Sugimoto und Jeff Wall, das Buch handelt 

vom Umgang mit der Perspektive in den Arbeiten der drei Künstler. 

Die Tür, die Marcel Duchamp in Philadelphia einbaute, ist eine Metapher für eine 

brillante Strategie, den abgenutzten Blick in der Perspektive auf sich selbst zurückzuführen. 

Der Japaner Hiroshi Sugimoto und der Kanadier Jeff Wall, zwei Protagonisten der 

Fotografi e in der zeitgenössischen Kunst, haben beide durch diese Tür geschaut, als 

sie ihr Werk begannen, und sich immer wieder auf Duchamp bezogen. Aber auch bei 

Duchamp, dem Großmeister der modernen Konzeptkunst, eröffnen Beltings Analysen 

und seine überraschenden Funde einen neuen Blick auf ein lebenslanges Experiment, 

bei dem die Kunst, im Namen der Perspektive, frei mit dem Betrachter ausgehandelt 

wird. Auf der Reise nach Buenos Aires gibt die Seekrankheit Duchamps den Impuls für 

eine höchst originelle Refl exion über Horizont, Perspektive und Schwerkraft. 

Das Buch besticht durch Hans Beltings höchst kenntnisreiche und verständliche 

Argumentationslinie. Die 65 Abbildungen führen den Leser durch die Bildkunst der 

Perspektive. 


Joseph Rykwert, geb. 1926 in 

Warschau, 1939 nach England 

emigriert. Architekturhistoriker, lehrte 

an den Universitäten von Essex und 

Cambridge. Emeritus der Paul-Philippe- 

Cret-Professur für Architektur und 

Professor für Kunstgeschichte an der 

University of Pennsylvania. 

Thomas Weski, geb. 1953 in Hannover, 

Kurator beim Siemens Arts Program, 

München, Fotogalerie Spectrum im 

Sprengel Museum Hannover. 

1992–2000 Kurator am Sprengel 

Museum, Hannover. 

Peter-Klaus Schuster, geb. 1943 in Calw, 

1978–1981 Konservator am Germanischen 

National museum, Nürnberg. 

1988 Hauptkonservator der Berliner 

National galerie, 1999–2008 Generaldirektor 

der Staatlichen Museen zu 

Berlin und Direktor der Nationalgalerie. 

„Bauherr “ des Neuen Museum. 


This book, edited by David Chipperfi eld, documents his most important project to date: 

the Neues Museum, the centrepiece of the Berlin Museumsinsel. Here he connects 

the old and the new in a completely novel way. As he says himself, he ‘proceeded like 

a painter, who painstakingly considers every dab of paint’. Photographs by Candida 

Höfer show the rooms after their completion and before they were furnished. As Höfer 

avoided using artifi cial light, the rooms are bathed in a soft natural light. These critical 

moments are perfectly reproduced in the book as matt colour plates. The photographer 

is inspired by the empty rooms and grandiose corridors of space to then dedicate her 

attention to the architect’s interventions. 

This artistic-photographic documentation is complimented by texts from wellknown 

architects, architectural historians, art historians and conservation architects. 

They highlight the fundamental principles of the project of conservation and 

complementation. 

Kenneth Frampton discusses the almost historical endeavour to restore such a building 

and responds to Chipperfi eld’s architectural interventions, purely abstract forms 

that avoid any trace of kitsch. Joseph Rykwert describes the fragmented history ‘of 

which this building is evidence, thanks to its manifold layers’. An interview with David 

Chipperfi eld by Wolfgang Wolters imparts insights into the problems and questions 

that the restoration posed and in his contribution, Thomas Weski takes a closer look 

at Candida Höfer’s photography. In addition, a chronology offers an overview of 

the history of the building, the request for proposals for its reconstruction and the 

restoration itself. 


17 x 24 cm, 288 Seiten, 

104 s/w und 72 farbige Abbildungen. 

Klappenbroschur mit Otabind-Bindung 


978-3-86560-353-1 

€ 38– / chf 58,– 


978-3-86560-704-1 

€ 38,– / chf 58,– 

Architektur / Architecture 

Neues Museum Berlin, 2009 

David Chipperfi eld, geb. 1953 in London, 

eröffnete 1984 sein Büro. Heute arbeiten 

rund 180 Mitarbeiter für David Chipperfi 

eld Architects in London, Berlin, Mailand 

und Shanghai. Das Büro hat mehr als 

40 nationale und internationale Wettbewerbe 

und zahlreiche internationale Preise 

und Auszeichnungen gewonnen. 

Kenneth Frampton, geb. 1930 in Woking, 

Großbritannien. Architekt, Kritiker und 

Historiker, Ware-Professur für Architektur 

an der Graduate School of Architecture, 

Planning, and Preservation der 

Columbia University, New York. 

Jonathan Keates, geb. 1946 in Paris, 

studierte am Magdalen College, 

Oxford. Unterrichtet er an der 

City of London School. 

Distribution in the UK by 

Thames & Hudson, London 


Neues Museum Berlin 

David Chipperfield Architects 

in Zusammenarbeit mit Julian Harrap 

Fotografien von Candida Höfer 

Texte von Kenneth Frampton, Julian Harrap, Jonathan Keates, 

Rik Nys, Joseph Rykwert, Karsten Schubert, Peter-Klaus Schuster, 

Álvaro Siza, Thomas Weski, Wolfgang Wolters im Gespräch 

mit David Chipperfield 

Ω „Weder wollten wir der Zerstörung 

ein Denkmal setzen, noch 

eine historische Nachbildung 

bauen. Unsere Vision war es, diese 

einzigartige Ruine, die nicht nur die 

Kriegszerstörungen, sondern auch 

den Erosionsprozess der letzten 60 

Jahre überlebt hat, zu bewahren 

und sinnvoll nutzbar zu machen.“ 

(David Chipperfi eld) 

Neues Museum Berlin. 

David Chipperfi eld Architects in Zusammenarbeit mit 

Julian Harrap. Fotografi en von Candida Höfer. / 

David Chipperfi eld Architects in Collaboration with 

Julian Harrap. Photography by Candida Höfer 

Vorwort von Álvaro Siza. Einleitung von David Chipperfi eld. Texte von Kenneth 

Frampton, Julian Harrap, Jonathan Keates, Rik Nys, Joseph Rykwert, Karsten Schubert, 

Peter-Klaus Schuster und Thomas Weski, Wolfgang Wolters im Gespräch mit 

David Chipperfi eld 

Das von David Chipperfi eld herausgegebene Buch dokumentiert sein bisher 

wichtigstes Projekt: Das Neue Museum, Herzstück der Berliner Museumsinsel. 

Hier verbindet er Alt und Neu auf ganz neue Art und Weise. Er sei „wie ein Maler 

vorgegangen, der jeden Farbtupfer sorgfältig bedenkt“, sagt er von sich. Die 

Fotografi en von Candida Höfer zeigen die Räume nach ihrer Fertigstellung und vor 

deren Einrichtung. Da Höfer auf künstliches Licht verzichtet hat, sind die Räume 

in ein sanftes Tageslicht getaucht. Im Buch werden diese kritischen Momente als 

matt gedruckte Farbtafeln perfekt wiedergegeben. Die Fotografi n begeistert sich 

an den leeren Räumen und grandiosen Raumfl uchten, um dann den Eingriffen des 

Architekten ihre Aufmerksamkeit zu widmen. 

Diese künstlerisch-fotografi sche Dokumentation wird durch Texte namhafter 

Architekten, Architekturhistoriker, Kunsthistoriker und Denkmalpfl eger ergänzt. Sie 

beleuchten das dem Projekt zugrunde liegende Prinzip von Erhaltung und Ergänzung. 

Kenneth Frampton erörtert die fast historisch zu nennende Anstrengung, den 

Bau solcherart wiederherzustellen, und geht auf Chipperfi elds architektonische 

Interventionen ein, seine rein abstrakten Formen, die jeglichen Anfl ug von Kitsch 

vermeiden. Joseph Rykwert beschreibt die fragmentarische Geschichte, „von 

der dieses Gebäude dank seiner vielfältigen Schichten zeugt“. Ein Interview von 

Wolfgang Wolters mit David Chipperfi eld gewährt Einblicke in die Probleme 

und Fragestellungen, die die Restaurierung aufwarf. Thomas Weski schließlich 

geht in seinem Beitrag näher auf die Fotografi en von Candida Höfer ein. Eine 

Chronologie bietet zusätzlich einen Überblick über die Geschichte des Gebäudes, die 

Ausschreibung zum Wiederaufbau und die Restaurierung. 


20 x 27 cm, 160 pages, 

c. 126 col. illustrations. 

Softcover with dust jacket 

English 

978-3-86560-688-4 

€ 28,– / chf 49,– 

Architecture / Architektur 

David Chipperfi eld, born 1953 in 

London. His bureau David Chipperfi eld 

Architects was established in 1984 and 

the practice currently has over 180 staff 

at its main offi ces in London, Berlin 

and Milan and representative offi ce in 

Shanghai. The practice has won over 

40 competitions and many international 

awards and citations for design 

excellence, including RIBA, RFAC & AIA 

awards and the Stirling Prize 2007. 

Design Museum, London, 

21.10.2009 – 31.01.2010 


David Chipperfi eld. 

Form Matters 

Introduction by Deyan Sudjic. Essays by David Chipperfi eld 

This publication was initiated by David Chipperfi eld who also is responsible for concept 

and design. In four chapters he refers to topics he also writes on: ‘On Form’, ‘Language’, 

‘Composition’, and ‘Materiality’. He did also choose for the images and architectural 

sketches and drawings. 

Ω ‘As architects we must both be part of and stand apart from the culture within 

which we operate. To be effective we must embrace power but also distance ourselves, 

we must engage in dialogue and we must refuse to listen, we must explore 

the familiar and the unfamiliar, we must embrace history and reject it. Finally we 

must resolve our ideas in matter and form.’ (David Chipperfi eld) 

David Chipperfi eld presents a very personal ‘notebook’ that follows no fi xed system, 

but rather documents the realisation of formal ideas from his own viewpoint, using 

sketches, plans and illustrations of built and unbuilt projects—a personal statement on 

his work to date. He explores the relationship between form and matter, both conceptually 

and in its concrete realisation in architecture. 

David Chipperfi eld legt ein ganz persönliches „Notizbuch“ vor, das keiner festgelegten 

Systematik folgt, sondern aus seiner eigenen Sicht die Umsetzung von formalen 

Ideen mit Skizzen, Plänen und Abbildungen von gebauten sowie ungebauten Projekten 

dokumentiert. 


22 x 25,5 cm, 96 pages, 



English 

978-3-86560-680-8 

€ 24,80 / chf 44,– 

Art / Kunst 

SANAA (Sejima and Nishizawa 

and Associates) was founded in 1995 

by the architects Kazuyo Sejima, born 

1956, and Ryue Nishizawa, born 1966. 

They live and work in Tokyo. 

Serpentine Gallery, London, 2009 


SANAA. 

Serpentine Gallery Pavilion 2009 

Foreword by Julia Peyton-Jones and Hans Ulrich Obrist. Texts by Mark Wigley and 

Beatrice Galilee. Interview by Julia Peyton-Jones and Hans Ulrich Obrist with Kazuyo 

Sejima and Ryue Nishizawa 

The Serpentine Gallery Pavilion 2009 has been designed by Kazuyo Sejima and Ryue 

Nishizawa of leading Japanese architecture practice SANAA. The architects have created 

a stunning Pavilion that resembles a refl ective cloud or a fl oating pool of water, sitting 

atop a series of delicate columns. The metal roof structure varies in height, wrapping 

itself around the trees in the park, reaching up towards the sky and sweeping down 

almost to the ground in various places. Open and ephemeral in structure, its refl ective 

materials make it sit seamlessly within the natural environment, refl ecting both the 

park and sky around it. 

Die beiden Architekten, Kazuyo Sejima und Ryue Nishizawa, haben einen atemberaubenden 

Pavillon kreiert, der einer besinnlichen Wolke oder einer fl ießenden Wasserlache, 

die von mehreren zerbrechlichen Säulen gestützt wird, ähnelt. Das metallene 

Dachgerüst, das sich um die Bäume zu schlängeln scheint, hat keine einheitliche 

Höhe: Mal scheint es sich gen Himmel zu strecken, dann berührt es wieder fast den 

Boden. Durch die offene, vergängliche Struktur und das refl ektierende Material, 

das den Park und den Himmel spiegelt, passt der Pavillon nahtlos in die natürliche 

Umgebung. Das Buch gibt den gewachsenen, poetischen Charakter des scheinbar 

schwebenden Baldachins am polierten Aluminium mit pastös perfekt gemessenen 

Farbtafeln auf festem chamoisfarbigen Papier kongenial wieder. 

koenig books, london 11

22 x 27,2 cm, 138 Seiten, 




978-3-86560-676-1 

€ 34,– / chf 58,– 

Kunst / Art 

Dirk Stewen, geb. 1972 in Dortmund, 

lebt und arbeitet in Hamburg. 

1995–2001 Hochschule für bildende 

Künste Hamburg. 

Overbeck – Gesellschaft, Lübeck, 2009 


Dirk Stewen. 

While you were out 

Herausgegeben von Yilmaz Dziewior 

Mit Texten von Elke aus dem Moore und Yilmaz Dziewior. Mit einem Gespräch 

zwischen John Stezaker und Dirk Stewen 

Dirk Stewen bewegt sich in seinen Aquarellen, Collagen und Fotografi en in privat 

anmutenden Szenen, denen er keinen eindeutigen erzählerischen Rahmen zuordnet. 

Seine Arbeiten spielen mit Momenten intensiver Gefühle und experimentieren mit 

erotischen Anspielungen. Auf fast obsessiv zu nennende Art erzählen sie von Ängsten, 

Verletzlichkeit oder Erschöpfung. 

Diese erste umfassende Monografi e – von Dirk Stewen selbst gestaltet – vereint 

Arbeiten aus allen seinen Werkgruppen. Hierzu zählen seine bekannten, großen dunklen 

Bilder, bei denen er unbenutzte Fotopapiere mit Tinte einschwärzt, um sie dann 

mit der Nähmaschine und buntem Konfetti in abstrakte Kompositionen zu verwandeln. 

Ebenso stellt das Buch exemplarisch seine nicht weniger wichtigen Aquarelle 

vor, die von historisch anmutenden Personen bevölkert werden oder nicht fi gurative 

Formen wie Kreise bzw. andere amorphe Ensembles aufweisen. 

Essays von Yilmaz Dziewior und Elke aus dem Moore sowie ein Interview zwischen 

Dirk Stewen und dem Künstler John Stezaker refl ektieren die theoretischen Hintergründe 

seiner Vorgehensweise und deren emotionale wie analytischen Prämissen. 

Hierbei kommt seine Auseinandersetzung mit dem Medium der Fotografi e ebenso 

zur Sprache wie seine Beschäftigung mit dem Kunstsystem, die Stellung des Autors 

und sein Verhältnis zu Künstlern wie Robert Mapplethorpe oder Odilon Redon. 

This fi rst comprehensive monograph, which is designed by Dirk Stewen himself, brings 

together pieces from all of his groups of work. These include his well-known dark 

pictures in which unused photo paper is blacked-out with ink before being transformed 

into abstract compositions using a sewing machine and colourful confetti. The book 

also presents his no less important watercolours, which are inhabited by historical people 

or feature non-fi gurative shapes such as circles or other amorphous ensembles. 


30 x 24 cm, 192 pages, 

150 col. and 30 b/w illustrations. 

Hardcover with slip case 

English 

978-3-86560-703-4 

€ 39,80 / chf 67,– 

Art / Kunst 

Edward Ruscha, born 1937 

in Omaha, Nebraska, lives and 

works in Los Angeles. 

Hayward Gallery, London, 

14.10.2009 – 10.01.2010; 

Haus der Kunst, München; 

Moderna Museet, Stockholm 


Ed Ruscha. 

Fifty Years of Painting 

Foreword by Ralph Rugoff. Texts by James Ellroy, Ralph Rugoff, Alexandra Schwartz, 

Bruce Wagner and Ulrich Wilmes. Interview by Kristine McKenna 

Ed Ruscha is one of the most infl uential and pioneering American artists of the past 

half-century. He has forged a richly experimental approach to painting by drawing on 

his interests in printed matter, graphic design, cinema, photography and the fl attened 

cultural landscape of the American West. While his painting has been consistently 

distinguished by its acute wit and visual elegance, Ruscha has repeatedly reinvented 

his artistic vocabulary throughout his career, creating substantial new bodies of work 

in each decade. Indeed, at one time or another during the past fi fty years, he has been 

alternately celebrated as one of the fi rst Pop artists; a forerunner of Conceptualism; a 

latter-day Surrealist; a conceptual landscape painter; and a pioneer of Postmodernism 

whose use of language as subject matter has been enormously infl uential. This lavishly 

illustrated book includes new texts by James Ellroy, Ralph Rugoff, Alexandra Schwartz, 

Bruce Wagner and Ulrich Wilmes, together with an interview with the artist by Kristine 

McKenna, an illustrated chronology and an exhibition history. 

Ed Ruscha ist einer der einfl ussreichsten Künstler der Gegenwart und hat einige der 

bekanntesten Bilder unserer Zeit gemalt und sich dennoch ein gewisses Misstrauen 

gegenüber der klassischen Malerei bewahrt. Er wusste ständig die Mittel und Wege 

des klassischen Malprozesses zu umgehen. Es gab Zeiten, in denen er kaum oder gar 

nicht gemalt hat, wie in den Jahren 1969–1981. Jede Art von Etikettierung der Pop-Art 

oder Konzeptkunst lehnte er ab, obwohl er beiden Stilrichtungen wichtige Impulse 

gegeben hat. 

Der Katalog zeigt bedeutende Beispiele aus allen Schaffensperioden: Die großen, 

querformatigen Bilder der Standard Oil Tankstellen, die Schatten, Silhouetten und 

Segelschiffe, die des historischen Zugs, der Pioniere nach Westen des amerikansichen 

Kontinents, Präriewagen, Pferde, Kakteen und Koyoten. Viele jüngere Künstler schreiben 

seinen Fotobüchern der 1960er Jahre sowie seinen Zeichnungen und Gemälden 

bedeutenden Einfl uss auf ihr Werk zu. 


23,2 x 26 cm, 168 Seiten, 


Broschur mit DVD 


978-3-86560-719-5 

€ 44,– / chf 75,– 

Kunst / Art 

November 2009 

Tony Oursler, geb. 1957 in 

New York, lebt und arbeitet 

in New York. 

Kunsthaus Bregenz, 

24.10.2009 – 17.01.2010 


Tony Oursler. 

Lock 2, 4, 6 

Texte von Gunter Gebauer, Friedemann Malsch. Interview von John Welchman 

mit Tony Oursler 

Fast zehn Jahre hat sich Tony Oursler, von kleineren Ausstellungen abgesehen, aus 

der Kunstwelt zurückgezogen. Der jetzt erscheinende Katalog zeigt in groß formatigen 

Abbildungen neue, für das Kunsthaus Bregenz entstandene Werke. In seinem 

kenntnisreichen Essay verbindet Friedemann Malsch das gesamte bisherige Schaffen 

Ourslers mit den neuen Arbeiten, die Konsum und Werbung thematisieren. Tony 

Oursler und John Welchman vertiefen in ihrem in New York geführten Gespräch 

Ourslers neue Impulse, die über die Einbeziehung der Malerei zum Ausdruck kommen. 

Gunter Gebauer untersucht indes Ourslers werkbestimmende Ambivalenz zwischen 

Faszination und Kritik an der Bildschirm- und Medienwelt. 

Eine DVD ergänzt die zahlreichen Abbildungen. 

For almost ten years Tony Oursler has withdrawn himself from the art world. This catalogue 

presents large format pictures of new works created for the Kunsthaus Bregenz. In 

a well-informed essay, Friedemann Malsch of the Kunstmuseum Liechtenstein connects 

Oursler’s complete œuvre to his current works, whose central themes are consumption 

and advertising. Tony Oursler discusses his new motivations, which are expressed through 

the incorporation of painting, with John Welchman, and Gunter Gebauer examines his 

ambivalent approach to the media world, fl uctuating between fascination and criticism. 

A DVD compliments the numerous illustrations. 


22 x 28 cm, 204 Seiten, 

67 farb. und 63 s/w Abbildungen. 

Broschur 


978-3-86560-684-6 

€ 29,90 / chf 49,90 


978-3-86560-693-8 

€ 29,90 / chf 49,90 

Kunst / Art 


Kunsthaus Graz, 

26.09.2009 – 10.01.2010 

Weiterhin lieferbare Titel / 

still available titles: 

Shadows and other 

signs of life. 2008 

978-3-86560-384-5 

€ 39,80 / chf 67,– 

J. Smith / C. Wool: 

Can Your Donkey do 

the Dog. 2007 

978-2-930439-04-4 

€ 38,– / chf 64,– 

Ladies & Gentlemen. 

Sex Parts. 2003 

978-3-931354-28-2 

€ 59,– / chf 100,– 

Andy Warhol: 

Head Shots. 2000 

978-3-931354-14-5 

€ 39,80 / chf 67,– 

Polaroids. 1999 

978-83-913075-2-6 

€ 39,80 / chf 67,– 


Warhol Wool Newman: 

Painting Real / Screening Real: Conner Lockhart Warhol 

Herausgegeben von Peter Pakesch 

Texte von Giuliana Bruno, Achim Hochdörfer, Christian Höller, Hans Dieter Huber, 

Peter Pakesch, Wolfram Pichler, Ferdinand Schmatz, Gabriel Ramin Schor, Marc Siegel 

und Ian White 

Das Buch bringt die beiden Künstlerlegenden Warhol und Newman mit Christopher 

Wool zusammen. Dieser wirft – als einer der eigenwilligsten zeitgenössischen Maler 

– mit seinen Gemälden einen kritischen „Blick“ auf die beiden Titanen der Moderne. 

Zu Lebzeiten war Andy Warhol bereits ein Mythos. Dieser Umstand gehörte zu seiner 

Strategie. Wie eine Sphinx, als die er oft bezeichnet wurde, verstand er es, seine wahre 

künstlerische Bedeutung hinter medial inszenierten Camoufl agen zu verstecken. 

In der amerikanischen Malerei geschah in den 1950er Jahren mit dem Werk von 

Barnett Newman ein Sprung in eine neue Welt. Newman entwickelte eine fundamentale, 

abstrakte Formensprache, die den physischen, mentalen und spirituellen Raum 

neu defi nierte. 

Die Publikation zeigt die prominentesten Bilder sowohl von Warhol als auch von 

Newman aus diesen Jahren und kontrastiert diese mit den Word Paintings von 

Christopher Wool, die einen weiteren Schritt in der Mediatisierung des Bildes 

darstellen und in einer mit Warhol vergleichbaren Radikalität Unmittelbarkeit, 

Indifferenz und Engagement miteinander verbinden. 

In the 1950s, American painting took a leap into a new world through the work of 

Barnett Newman. Newman developed a fundamental, abstract formal language, which 

redefi ned the physical, mental and spiritual space. 

This publication presents the most prominent pictures of this period from both Warhol 

and Newman and contrasts them with Christopher Wool’s Word Paintings, which represent 

a further step in the mediatisation of the image and connects, with a radicalness 

comparable with Warhol, immediacy, indifference and engagement. 


21 x 26 cm, 160 Seiten, 

ca. 240 s/w Abbildungen. 

Broschur 

978-3-86560-718-8 

€ 29,80 / chf 49,90 

Künstlerbuch / Artist Book 


Monica Bonvicini, geb. 1965 in 

Venedig, lebt und arbeitet in Berlin. 

MUSEION Bozen/Bolzano, 

02.10.2009 – 10.01.2010 


Monica Bonvicini. 

This Hammer Means Business 

Das neue Künstlerbuch von Monica Bonvicini ist eine Abfolge von Abbildungen aus 

ihrer Arbeit der letzten zehn Jahre, gleichgesetzt mit der Dokumentation von Produktions- 

und Ausstellungsorten. Ein visuelles Essay, das durch eine stringente Schwarz- 

Weiß-Grafi k Einblick in das „Machen“ und „Bauen“ von Kunst ermöglicht. 

The new artist’s book by Monica Bonvicini is a series of illustrations of her work over the 

past ten years, counterbalanced by documentation of the places she has worked and 

exhibited in. A visual essay that enables insight into the ‘making’ and ‘building’ of art 

through a stringent black and white design. 


22 x 26 cm, 200 Seiten, 


Leinen mit Schutzumschlag 


978-3-86560-696-9 

€ 38,– / chf 58,– 

Kunst / Art 


Jack Goldstein, geb. 1945 in Montreal, 

Kanada, 2003 gest. in Los Angeles. 

Studium im California Institute of the 

Arts, in der ersten Klasse von John 

Baldessari. Ausstellungen auf der 

documenta 7, 1982; Städtische Galerie 

Erlangen, 1985; Centre National d’Art 

Contemporain, Grenoble 2002; 

Whitney Biennal, 2004. 

MMK, Frankfurt a.M., 

26.09.2009 – 03.01.2010 

Jack Goldstein – weiterhin lieferbare 


Filme, Schallplatten, 

Performances. 2002 

978-3-88375-638-7 

€ 24,– / chf 43,– 


Jack Goldstein 

Ω „Ich interessiere mich 

für die Lücke zwischen 

Minimalismus und Pop- 

Art: für die Objekthaftigkeit 

und Autonomie im 

Minimalismus sowie für 

den Stoff unserer Kultur, 

der sich in der Pop-Art 

fi ndet.“ (Jack Goldstein) 

Vorwort von Susanne Gaensheimer. Texte von Klaus Görner, Chrissie Iles und 

Shepherd Steiner. Interview von Chris Dercon mit Jack Goldstein 

Von Kollegen und dem Fachpublikum international geschätzt, blieb das Werk von 

Jack Goldstein einem breiteren Publikum lange Zeit verschlossen. In den 1980er 

Jahren galt er neben Richard Prince, Sherrie Levine, Robert Longo und David Salle als 

einer der wichtigsten Vertreter der sogenannten Picture Generation. Sein außergewöhnliches 

Œuvre zeichnet sich durch Vielfalt und Eigenständigkeit aus: Es umfasst 

Performances, Filme, Schallplatten, Gemälde, grafi sch gestaltete Aphorismen und 

Texte. Die Ausstellung im MMK ist die erste umfassende Museumsausstellung des 

Künstlers in Deutschland seit 1985. Der umfangreiche Katalog enthält Abbildungen 

aller ausgestellten Werke, ein Interview von Christ Dercon mit Jack Goldstein von 1985 

sowie Texte von Klaus Görner, Chrissie Iles und Shepherd Steiner. 

Jack Goldstein (1945–2003) is one of the most important artist’s-artists of the past 

30 years. Priced by colleagues and a specialist audience around the world, his work 

remained inaccessible to the wider public for a long time. In the 1980s, Goldstein was 

considered one of the most important exponents of the so-called Picture Generation, 

alongside Richard Prince, Sherrie Levine, Robert Longo and David Salle. His extraordinary 

œuvre is characterised by its diversity and independence: it encompasses performances, 

fi lms, LPs, paintings, graphically designed aphorisms and texts. The exhibition in MMK 

is the fi rst comprehensive Goldstein museum exhibition in Germany since 1985. This 

extensive catalogue contains illustrations of all the exhibited works, an interview with 

Jack Goldstein from 1985 by Christ Dercon as well as written pieces by Klaus Görner, 

Chrissie Iles and Shepherd Steiner. 


24,3 x 32 cm, 116 pages, 


Hardcover 

English, French, Polish 

978-3-86560-649-5 

€ 28,– / chf 49,– 

Art / Kunst 

21,6 x 27,9 cm, 400 pages, 

various col. and s/w illustrations. 

Softcover 

English 

978-3-86560-691-4 

€ 34,– / chf 58,– 

Art / Kunst 


Isaac Julien. 

Western Union: Small Boats 

Edited by Milada Slizinska 

London based artist Isaac Julien’s multiscreen fi lm installation Western Union: Small 

Boats is about migration and the risks some people take to get a better life. Julien 

describes the work as concerning journeys made across the seas of the Mediterranean. 

The migrants, often escaping wars and famines can be seen as economic migrant 

workers, who bear witness to modernity’s failed hopes and dreams, and who now travel 

across oceanic spaces some never to arrive or return. 

Die Multiscreen-Filminstallation Western Union: Small Boats des in London lebenden 

Künstlers Isaac Julien handelt von Migration und den Risiken, die Menschen eingehen 

in der Hoffnung auf ein besseres Leben. Julien beschreibt seine Arbeit als eine 

berührende Reise über das Wasser des Mittelmeerraums. Die Migranten, die oftmals 

vor Kriegen, Hungersnot oder Arbeitslosigkeit fl iehen, haben vielfach den Verlust 

ihrer Hoffnungen und Träume erfahren müssen. Sie reisen über die Ozeane, viele von 

ihnen, um nie anzukommen oder jemals zurückzukehren. 

• Isaac Julien, born 1960 in London, where he currently lives and works. 

• Centre for Contemporary Art Ujazdowski Castle, Warsaw, 2009 

Michael Riedel. 

Meckert 

Foreword by Ingo Niermann. Introduction by Marcel Bugiel. Texts by Michael Riedel 

Using numerous pictures and sound recordings, the latter in the form of transcribed 

texts, Meckert Riedel’s continues his series of publications (Scheißen und Brunzen, 

2000; Oskar, 2003; Johnson–Robert, 2004; Tirala, 2006; Gedruckte und nicht gedruckte 

Poster, 2008; amongst others), which are published as independent works parallel to his 

exhibitions. 

Catherine, Tuesday, Fiontan and Mieke are four new texts that were recorded during his 

exhibitions in Cork, New York, London and Basel. The dialogues come from phone calls, 

in which the current situation at each respective exhibition is described. 

Mit zahlreichen Bild- und Tonaufnahmen, letztere in Form von transkribierten Texten, 

setzt Meckert Riedels Publikationsreihe fort (Scheißen und Brunzen, 2000; Oskar, 2003; 

Johnson–Robert, 2004; Tirala, 2006; Gedruckte und nicht gedruckte Poster, 2008; u. a.), 

die er parallel zu seinen Ausstellungen als eigenständige Arbeiten veröffentlicht. 

Catherine, Tuesday, Fiontan und Mieke sind vier neue Texte, die während seiner 

Ausstellungen in Cork, New York, London und Basel aufgenommen wurden. Bei den 

Gesprächen handelt es sich um Telefonate, in denen immer wieder die gegenwärtige 

Situation am Ausstellungsort beschrieben wird. 

• Michael Riedel, born 1972, lives and works in Frankfurt a.M. 


24, 5 x 30,5 cm, 351 Seiten, 




978-87-91132-21-6 

€ 68,– / chf 115,– 


978-87-91132-20-9 

€ 68,– / chf 115,– 

Kunst / Art 

22 x 32 cm, 202 Seiten, 

108 farbige und 20 s/w-Abbildungen. 



978-3-86560-661-7 

€ 32,– / chf 55,– 

Kunst / Art 


Poul Erik Tøjner. 

Per Kirkeby. Malerei 

2. bearbeitete und ergänzte Aufl age 

Die 2003 erstmals erschienene Monografi e gilt unbestritten als das Standardwerk 

über Werk und Leben des heute 70-jährigen dänischen Künstlers. Der Autor hat 

dieses Buch mit einem weiteren Kapitel fortgeschrieben und um ca. 50 Farbtafeln mit 

Bildern der letzten Jahre ergänzt. 

This monograph, fi rst published in 2003, is widely considered the defi nitive book on the 

work and life of the Danish artist. The author has updated the book with an extra chapter 

and enhanced it with around 50 colour plates of pictures from the past few years. 

• Per Kirkeby, geb. 1938 in Kopenhagen, lebt und arbeitet in Kopenhagen. 1957–64 

Studium der Geologie (Promotion). Arbeitet seit Anfang der 1960er Jahre künstlerisch, 

zunächst vorwiegend mit grafi schen Arbeiten und als Performancekünstler. 

1973 entstand die erste Backsteinskulptur, 1974 die ersten Ölgemälde. Professuren in 

Karlsruhe und an der Frankfurter Städelschule. Zahlreiche Einzelausstellungen weltweit. 

Mehrfache Teilnahme an der Biennale von Venedig sowie an der documenta 7 

und 9. 

• Poul Erik Tøjner, geb. 1959, seit 2000 Direktor des Louisiana Museum of Modern Art 

in Humlebæk, Dänemark. 

• Distribution für Forlaget Bjerggaard, Kopenhagen 

Olav Christopher Jenssen. 

Panorama 

Texte von Erlend Høyersten, Arja Miller und Anna Krogh 

Dieser als japanische Broschur vom Künstler selbst gestaltete Katalog zeigt zahlreiche 

unpublizierte Arbeiten der letzten Jahre auf meist ganzseitigen Farbtafeln: großformatige 

Gemälde, kleine, weiß glasierte Keramiken und meterhohe Stelen. 

Es sind alles Arbeiten, die deutlich erkennen lassen, wie stark Jenssen seine künstlerische 

Sprache vereinfacht hat. 

This catalogue presents the latest works of the Norwegian artist Olav Christopher 

Jenssen. The exhibition shows approximately 40 works including paintings, drawings 

and sculptures. Olav Christopher Jenssen has made his name with an original 

rethinking of abstract painting. Stylisticly he has moved from a renewed vigilance on 

abstract expressionism in the 1980s to a more distinct expression in today’s paintings. 

• Olav Christopher Jenssen, geb. 1954 in Sortland, Norwegen, lebt und arbeitet seit 1983 

in Berlin. Teilnehmer an der documenta 9 1992. 

• Kunsthallen Brandts, Odense, DK, 2009; Sørlandets Kunstmuseum, Kristiansand, NO, 

20.09. – 15.11.2009; KIASMA, Helsinki, FI, 22.01. – 28.03.2010 


22,5 x 30 cm, ca. 176 Seiten, 

ca. 70 Farbabbildungen. 

Pappband 


978-3-86560-616-7 

€ 52,– / chf 88,– 

Kunst / Art 

19 x 25,5 cm, 100 pages, 


Cloth 

English / French 

978-3-86560-695-2 

€ 24,– / chf 43,– 

Kunst / Art 


Antony Gormley 

Mit Texten von Antonio Damasio, Yilmaz Dziewior und Marcus Steinweg 

Im Mittelpunkt des Schaffens Antony Gormleys steht der menschliche Körper, mit 

dem der Künstler in immer neuen skulpturalen Konstellationen großer Ensembles 

oder in Form von Einzelfi guren Raum und Wahrnehmung hinterfragt. Unablässig 

ergründen die Arbeiten, die sich einer Fetischisierung des Objekts widersetzen, die 

Grenzen und die Syntax des Mediums Skulptur und seiner Ausdrucksmittel und 

beanspruchen in zunehmender Weise die Aufmerksamkeit des Betrachters. Der 

Katalog führt vier zentrale Serien aus Gormleys Gesamtwerk zusammen, die in den 

letzten 15 Jahren entstanden sind. Seit den frühen 1980er Jahren entwickelt der 

Künstler Werke, in denen er die Phänomenologie des Raumerlebens und die Grenzen 

des Erfahrungshorizonts über die physischen Grenzen des Körpers hinaus erforscht. 

The human body is central to Anthony Gormley’s work. Whether through sculptural 

constellations of large ensembles or in the form of individual fi gures, the artist uses 

the body to scrutinise space and perception. The work, which resists a fetishization of 

the object, unceasingly probes the boundaries and syntax of sculpture as a medium. 

The catalogue brings together four key series of Gormley’s œuvre from the past 15 

years. Since the early 1980s, the artist has been developing pieces that explore the 

phenomenology of experiencing space and the bounds of possible experience beyond 

the physical constraints of the body. 

• Anthony Gormley, geb. 1950 in London, lebt und arbeitet in London. 

• Kunsthaus Bregenz, 2009 

Pia Fries. 

Merian’s Surinam 

Text by Christine Buci-Glucksmann und Camille Morineau 

Merian’s Surinam focuses on a new series of 14 diptychs by Pia Fries. In this body of artworks 

the artist uses reproductions by the painter and botanist illustrator Maria Sybilla 

Merian (1647–1717). By means of facsimiles, she includes in her paintings plates of plants, 

fl owers, animals and insects. Then she works with oil paint, from thin to thick impasto, 

to cover them partially or to elaborate signs and gesture, which are echoing the naturalist 

shapes. The paintings appear to be an open and playful dialogue between the two 

women. 

Der Titel weist auf die enge Verbindung zu den botanischen Zeichnungen von Marie 

Sybille Merian (1647–1717) hin. Deren Illustrationen greift Pia Fries in ihren Bildern 

auf, collagiert und übermalt diese mit Ölfarbe. Die ursprünglichen Motive werden so 

teilweise verdeckt und zu neuen Zeichen und Gesten verbunden, die jeweils auf ihre 

natürliche Formgebung verweisen. Es erscheint ein offener und spielerischer Dialog 

zweier Frauen über die Repräsentation von Natur. 

• Pia Fries, born 1955, the Swiss artist Pia Fries was a student of Gerhard Richter at 

the Kunstakademie of Düsseldorf in the 80s. She was the winner of the Fred Thieler 

price this year and the Berlinische Galerie devoted her an exhibition on this occasion. 

• MERIAN’S SURINAM at Galerie Nelson-Freeman, Paris, 19.09. – 07.11.2009 


21 x 29,7 cm, 96 Seiten, 

ca. 160 farbige Abbildungen. 

Pappband 


978-3-86560-725-6 

€ 29,80 / chf 49,90 

Kunst / Art 


Pawel Althamer, 

geb. 1967 in Warschau, 

lebt und arbeitet in Warschau. 

Ausstellungen u.a. documenta 10, 

Kassel, 1997, Skulptur Projekte 

Münster, 2007, Secession Wien, 2009. 

Kunsthalle Fridericianum, 

Kassel, 2009 


Pawel Althamer & Kids. 

Frühling 

Herausgegeben von Rein Wolfs 

Interview von Rein Wolfs mit Pawel Althamer. Texte aus der Ausstellung 

Es war einmal ein Künstler, der in seinem Leben schon viele verschiedene Projekte 

gemacht hatte. Eines Tages überlegte er sich, dass er etwas ganz Neues machen 

möchte. Er überlegte und überlegte, doch ihm fi el nichts ein. Da fragte er seine 

Tochter, und die sagte: „Mach doch mal etwas mit Kindern! Wir haben immer 

genug Fantasie!“ „Hhm, gute Idee! … Aber wie und wo?“ Da erinnerte er sich, dass 

er schon einmal in Kassel gewesen war und es ihm dort in der Stadt sehr gut 

gefallen hatte. Und vor allem gab es dort ja auch ein wunderschönes altes Museum, 

das Fridericianum. Der Künstler dachte sich, warum sollen denn dort immer nur 

berühmte Künstlerinnen und Künstler ausstellen? Warum nicht auch einmal Kinder? 

So entstand das Projekt Frühling im Fridericianum Kassel. Pawel Althamer lud 

mehrere hundert Kinder ein, über tausend Quadratmeter dieses weltbekannten 

Ausstellungsortes mit seiner Vergangenheit als Bibliothek und Parlamentsgebäude 

zu besetzen und mit junger und kühner, vor allem aber mit ihrer noch „freien Kreativität“ 

zu beleben und zu verwandeln. Die Kinder waren die Hauptakteure, und Pawel 

Althamer nahm die Rolle ihres „Assistenten“ ein. Bis zum Ende des Projekts konnte 

sich ein ungewöhnliches Prozesskunstwerk entwickeln, das hier dokumentiert wird. 

Pawel Althamer invited hundreds of children to this world famous and historically 

charged exhibition site. They occupied a huge area of the exhibition space, which they 

then revitalised and transformed with their youthful, bold and, above all, free creativity. 

The children were the key actors while Pawel Althamer himself took on the role of their 

‘assistant’. This book documents this unusual work of action art, which developed and 

changed right up until the end of the project. 


23 x 28 cm, 192 Seiten, 


Broschur 


978-3-86560-682-2 

€ 28,– / chf 49,– 

Kunst / Art 

Kunsthalle Baden-Baden, 2009 

Künstler / Artists: 

Dirk Bell, Michael Beutler, Henning 

Bohl, Friedrich Kunath, Kalin Lindena, 

Alex Müller / Shannon Bool, 

Silberkuppe 


7 x 14 

Vorwort von Karola Kraus. Texte von Eric Aichinger, Will Benedict, Cora von Pape, 

Josef Strau und Julia Wirxel 

Ausstellung und Katalog sind eine Hommage an die legendäre Ausstellungsreihe 

14x 14, in der Klaus Gallwitz zwischen 1968 und 1973 in einer Zeit des politischen und 

gesellschaftlichen Umbruchs jungen Künstlern die Möglichkeit bot, ihre Arbeiten zu 

zeigen. 

Als Vorspann zeigt der Katalog die rekonstruierten Räume bzw. Arbeiten der historischen 

Installationen von Georg Baselitz, Almut Heise, Imi Knoebel, KRIWET, Markus 

Lüpertz, Palermo, Gerhard Richter, Ulrich Rückriem und Reiner Ruthenbeck. 

Der Idee folgend hat Karola Kraus, die heutige Direktorin, junge Künstler eingeladen, 

die Räume der Kunsthalle für jeweils 14 Tage zu nutzen. Ähnlich wie bei 14x 14 sind es 

Künstler, die am Anfang ihrer Karriere stehen, deren kontextbezogene Rauminstallationen 

wiederum in Anwesenheit des Publikums entstanden. Der Katalog dokumentiert 

ausführlich in Text und Bild diese überaus lebendige Form der Auseinandersetzung 

mit dem aktuellen Kunstgeschehen. 

7 x 14 presents the reconstruction of historical rooms and selected works by artists who 

participated in the legendary exhibition series 14 by 14, held between 1968 and 1972 

at Kunsthalle Baden-Baden. At the time, Klaus Gallwitz offered Georg Baselitz, Almut 

Heise, Imi Knoebel, KRIWET, Markus Lüpertz, Palermo, Gerhard Richter, Ulrich Rückriem, 

Reiner Ruthenbeck and others the opportunity to use the exhibition rooms at the 

Staatliche Kunsthalle Baden-Baden for 14 days to stage a sort of ‘work in progress’. 

Processual aspects in art and its relation to space are also central concerns for the 

seven young artists (Michael Beutler, Kalin Lindena, the art space Silberkuppe, Friedrich 

Kunath, Dirk Bell, Alex Müller / Shannon Bool, Henning Bohl) who, following the historical 

part of the exhibition, realized spatial installations, sculptures, paintings, wall installations, 

videos and performances in the presence of the audience. 


21,5 x 27 cm, 111 Seiten, 


Broschur 

Deutsch / Englisch 

978-3-86560-681-5 

€ 22,– / chf 39,– 

Kunst / Art 

Kunsthalle Baden-Baden, 2009 


Richard Artschwager, 

Nairy Baghramian, Cosima von Bonin, 

Marc Camille Chaimowicz, 

Fischli & Weiss, Martin Kippenberger, 

Janette Laverrière, Meuser, 

Carlo Mollino, Claes Oldenburg, 

Tobias Rehberger, Franz West 


Entre Deux Actes. 

Loge de Comédienne 

Vorwort von Karola Kraus. Texte von Yves Badetz, Nairy Baghramian, Vivian Rehberg 

und David Riedel 

Janette Laverrière gestaltet seit mehr als sieben Jahrzehnten Möbel und Spiegelobjekte, 

die in Frankreich zu musealen Ehren gelangt sind. Ausgangspunkt ist die 1947 

entworfene Garderobe einer Schauspielerin. Es ist ein frühes Beispiel ihrer Auseinandersetzung 

mit der Spannung zwischen Gebrauchsgegenstand und eigenständigem 

Kunstwerk. 

In Werk- und Installationsfotos dokumentiert der Katalog in exemplarischen Rauminstallationen 

Arbeiten der 12 Künstler, die sich in den letzten Jahrzehnten intensiv am 

grundlegenden Diskurs zu den Begriffen Kunst und Design, Angewandte Kunst und 

Gebrauch beteiligt haben. 

Neben historischen, radikalen Installationen beteiligt sich u.a. auch Tobias Rehberger 

mit der Op-Art-Camoufl age Was du liebst, bringt dich auch zum Weinen, einer Skulptur, 

die Rehberger als Kaffeehaus gestaltet hat. 

For more than 70 years Janette Laverrière has designed furniture and mirrored objects, 

which have managed to attain museal status in France. The starting point for this book 

is the wardrobe she designed for an actress in 1947, an early example of her exploration 

of the possibilities of and tension between the functional object and the independent 

artwork. Using photographs of the work and installations, the catalogue documents 

room installations of the artist’s work, which has been intensely involved in the fundamental 

discourse on the terms art and design, applied art and functionality over the 

last few decades. 

Alongside these historical and radical installations are contributions from, among 

others, Tobias Rehberger with the Op-Art-Camoufl age Was du liebst, bringt dich auch 

zum Weinen (What you love also makes you cry), a sculpture designed in the form of 

a café. 


22 x 27 cm, 120 pages, 



English 

978-3-86560-665-5 

€ 28,– / chf 49,– 

Art / Kunst 

Silke Otto-Knapp, 

born 1970 in Osnabrück, Germany, 

lives and works in London. 

Modern Art Oxford, 2009 


Silke Otto-Knapp. 

Present time exercise 

Essays by Suzanne Cotter, Catherine Wood, Jan Verwoert 

Silke Otto-Knapp works with watercolour and gouache paints on canvas, building up 

and breaking down the painted surface to create works of subtle effect. Her paintings 

and drawings explore the interplay of rural and urban aesthetics while illuminating her 

characters‘ quotidian experience. Inspired by theatre sets and botanical gardens, these 

dreamlike compositions are populated by ghostly fi gures, shadows and open-aired 

amphitheatres. 

The catalogue surveys Otto-Knapp’s paintings from the past fi ve years, in which staged 

fi gures and landscapes are at the centre of her explorations into the construction of 

pictorial space. 

Silke Otto-Knapp arbeitet mit Aquarellfarben und Gouache auf Leinwand. Durch 

ihre Maltechnik, die Gesichter nur andeutet, entsteht eine Arbeit mit raffi niertem 

Effekt. Ihre Bilder und Zeichnungen erforschen das Zusammenspiel von ländlicher 

und städtischer Ästhetik, indem sie alltägliche Erlebnisse beleuchten. Inspiriert von 

Theaterbühnen und botanischen Gärten, werden die traumhaften Kompositionen 

mit geisterhaften Figuren, Schatten und Freiluftamphitheatern bevölkert. 

Der Katalog bildet auf ganzseitigen Farbtafeln Bilder der letzten zwei Jahre ab. 


20 x 28 cm, 72 Seiten, 


Pappband 


978-3-86560-699-0 

€ 24,80 / chf 44,– 

Kunst / Art 

Johannes Wohnseifer, geb. 1967 

in Köln, lebt und arbeitet in Köln und 

Erftstadt. Ausstellungen in der 

Galerie Johann König, Berlin und 

Gisela Capitain, Köln/Berlin. 

Galleri K, Oslo, Norway, 2009 

Johannes Wohnseifer – weiterhin 

lieferbare Titel / still available titles: 

Kleenex Mathematics. 

Lynn Valley 2. 2007 

978-0-920293-73-7 

€ 22,– / chf 39,– 


(siehe Seite 73) 

White Men. 2009 

€ 480,– / chf 810,– 

Ω Es erscheint eine Vorzugsausgabe 

(10 Years of Painting) 


Johannes Wohnseifer. 

10 Years of Painting 

Text von Daniel Baumann 

Nach mehreren kleinen Katalogen liegt jetzt die erste Übersicht der Bilder von 

Johannes Wohnseifer vor. In chronologischer Folge beginnt sie mit den 1999 auf der 

German Open gezeigten Primer Paintings, die bewusst halbfertig mit Grundierung 

gemalt wurden, den Lightweight-Paintings, den Spam-Arbeiten von 2005, die auf 

Spam-Nachrichten basieren, den Beyoncé-Portraits, den Painter Pants sowie den 

Recent Reconstructions, eine Folge von 10 fi ktiven Plattencovern der Band The Smiths. 

Das Buch schließt mit der Private Collection von 2009, eine Gruppe von Bildern, die 

auf nicht aus geführten Bildideen beruht. 

After a series of smaller catalogues, this monograph gives an overview of Johannes 

Wohnseifer’s paintings from over the past ten years. Beginning with the pictures that 

were produced for the 1999 exhibition German Open in the Kunstmuseum Wolfsburg, 

then to the Primer Pictures, which deliberately look half-fi nished and are only painted 

with primer, up to the Lightweight Paintings—perforated, monochrome aluminium 

pictures, that are related to a mural in the same colour. Finally, the newest series of pictures 

Private Collection, produced for the exhibition in Oslo in 2009, is presented. This 

group of works is made up of un-painted or undeveloped ideas from the last ten years. 


21,3 x 27,5 cm, 120 Seiten, 




978-3-86560-667-9 

€ 29,80 / chf 49,90 

Kunst / Art 

Luis Jacob, geb. 1971 in Lima, Peru, 

lebt und arbeitet in Toronto, Kanada. 

Städtisches Museum Abteiberg, 

Mönchengladbach, 2009 


Luis Jacob. 

7 Pictures of Nothing Repeated Four Times, 

In Gratitude 

Herausgegeben von Susanne Titz 

Text von Luis Jacob. Nachwort von Susanne Titz 

7 Pictures of Nothing Repeated Four Times, In Gratitude ist wörtlich zu nehmen: Jacob 

hat Bilder von Mark Rothko nachgebildet, die der Sammler Panza dem Museum als 

Leihgabe versprochen hatte und für die der Architekt Max Hollein einen Raum baute, 

die dann aber nach Los Angeles gingen. 

Das Buch handelt von Nachbildungen und Anleitungen, von Bildern, die von der 

Wahrnehmung von Bildern handeln und diese wiederum zur Wahrnehmung bringen. 

As a companion piece to Jacob’s exhibition at Museum Abteiberg, Mönchengladbach, 

this volume features two related projects. An exhibition of re-made works by Mark 

Rothko from the Panza Collection, uncannily repeated and reconfi gured four times, 

makes up the fi rst part of the project. A special re-hanging of works from the Museum’s 

permanent collection is arranged by the artist in the manner of works from his Album 

series, featured in documenta 12, and makes up the second part of this multi-faceted 

project. The publication acts as a catalogue documenting the exhibition, and functions 

as an artistbook with aesthetic value in its own right. 

Luis Jacob – weiterhin lieferbare 


Album III. 2007 

978-3-86560-245-9 

€ 32,– / chf 55,– 


Towards a Theory of Impressionist 

and Expressionist Spectatorship. 2009 

978-3-86560-579-5 

€ 34,– / chf 58,–

21,5 x 28 cm, 152 Seiten, 




978-3-86560-679-2 

€ 29,80 / chf 49,90 

Kunst / Art 

Danica Dakić, geb. 1962 in Sarajevo, 

lebt und arbeitet in Düsseldorf. 

1981 – 1985 Studium der Malerei an der 

Akademie der Künste Sarajevo, dann 

bis 1988 an der Akademie der Künste 

Belgrad. Studierte 1988– 1990 an der 

Kunstakademie Düsseldorf als Meisterschülerin 

von Nam June Paik. Ausstellungen 

u.a. documenta 12, Kassel. 

Kunsthalle Düsseldorf, 

29.08. – 08.11.2009 


Danica Dakić 

Texte von Horst Bredekamp, Sabine Folie und Tom Holert. Mit einem Gespräch 

zwischen Ulrike Groos, Tihomir Milovac und Danica Dakić 

An den Schnittstellen von künstlerischer Arbeit zu persönlicher und kultureller, geografi 

scher und spiritueller Identität entwickelt Danica Dakić ihre Video-Installationen. 

Ihre Aufmerksamkeit gilt Menschen sowie den Sprachen, Zeichen und Symbolen 

ihrer Kommunikation, ihrer Bewegungsfolgen und Interaktionen. Der öffentliche 

Raum „zwischen dem Zuhause und Anderswo“ ist dabei Ort erhöhter Wahrnehmung, 

Werkstatt und bevorzugtes Präsentationsareal. 

Der Katalog ist zugleich die erste Monografi e ihrer Arbeiten von 1997 –2009. 

In her fi lms, photography, video and sound installations, Danica Dakić addresses the 

cultural, political and geographical parameters of language and identity. Drawing on 

her experience as an immigrant, she examines the construction of identity and home 

through war, social change and globalisation processes. 


19,7 x 25,9 cm, 112 Seiten, 

59 s/w Abbildungen. 

Broschur 

Deutsch 

978-3-86560-685-3 

€ 24,80 / chf 44,– 

Kunst / Art 

Per Kirkeby, 

geb. 1938 in Kopenhagen, lebt und 

arbeitet in Kopenhagen. 1957–1964 

Studium der Geologie an der 

Universität Kopenhagen, Abschluss 

mit Promotion. Arbeitet seit Anfang 

der 1960er Jahre künstlerisch, zunächst 

vorwiegend mit grafi schen Arbeiten 

und als Performancekünstler. 1973 

entstand die erste Backsteinskulptur, 

1974 die ersten Ölgemälde. Professuren 

in Karlsruhe und an der Frankfurter 

Städelschule folgten. Zahlreiche 

Einzelausstellungen weltweit. 

Mehrfache Teilnahme an der 

Biennale von Venedig sowie an 

der documenta 7 und 9. 


Per Kirkeby. 

Bilderklärungen 

Der Maler, Zeichner, Bildhauer, Architekt und Schriftsteller Kirkeby liebt Bücher. 

Textbände und Künstlerbücher sind ein autonomer Teil seines Gesamtwerkes. Das 

1968 unter dem Titel Billedforklaringer auf Dänisch erschienene Buch ist das am 

wenigsten bekannte und als „Manifest“ von besonderer Bedeutung. Hier erläutert 

Kirkeby in kurzen Erzählungen, Refl ektionen, Parabeln und Zeichnungen seine 

Bildfi ndung, Komposition und Arbeitsweise. 

Die deutsche Ausgabe folgt im Layout dem Original und wurde vom Künstler 

persönlich betreut. 

The painter, drawer, sculptor and author Kirkeby loves books. Text and artist’s books are 

an autonomous part of his œuvre. This book, which was published in Danish under the 

title Billedforklaringer in 1968, is his least well known and of particular signifi cance as a 

‘manifesto’. Kirkeby elucidates his accompanying illustrations, as well as the symbolism 

of his method, in short stories, refl ections and parables. The German edition mirrors the 

original in its layout and has been personally overseen by the artist. 

Per Kirkeby – weiterhin lieferbare Titel / 

still available titles: 

DC. Kirkeby, Per. 122 x 122. 2002 

978-3-88375-640-0 

€ 14, 80 / chf 27,50 

Backsteinskulptur und Architektur. 1998 

978-3-88375-301-0 

€ 29,90 / chf 49,90 


Ω „Ich sammle mein Wissen 

in Modellen. Sie ändern sich 

unentwegt, weil immer neues 

Wissen hinzukommt.“ 

(Per Kirkeby) 

Das Steinhaus. Ein Bauwerk von Per 

Kirkeby. Von Lars Morell. 2006 

978-3-86560-125-4 

€ 14,80 / chf 27,50 

1957–1977. Ane Hejlskov Larsen. 2004 

978-3-88375-674-5 

€ 198,– / chf 330,–

21 x 29,7 cm, ca. 200 Seiten, 

zahlreiche s/w Abbildungen, 

mit eingelegter DVD. 

Pappband 

Deutsch 

978-3-86560-632-7 

€ 48,– / chf 81,– 


Jonathan Meese, 

geb. 1970 in Tokio, lebt und arbeitet 

in Berlin und Hamburg. 

Jonathan Meese – weiterhin lieferbare 


Mama Johnny. Hamburg, 

Deichtorhallen. Engl/ Franz. 2008 

978-3-86560-212-1 

€ 49,80 / chf 84,– 

Totale Neutralität. 2008 

978-3-86560-506-1 

€ 39,80 / chf 67,– 

Vorzugsausgabe Totale Neutralität. 

Titelei bemalt. 2008 

€ 150,– / chf 279,– 

23. Januar 1970. XXL Edition. 2008 

978-3-931355-45-6 

€ 150,– / chf 279,– 

Das Theater ist ein Tank… 2007 

978-3-931355-40-1 

€ 24,80 / chf 44,– 

General Tanz. 2006 

978-3-931355-31-9 

€ 20,– / chf 35,90 


Jonathan Meese. 

Die Diktatur der Kunst. Das radikalste Buch 

Texte von Jonathan Meese und Jan Bauer. Mit eingelegter DVD 

mit Performance-Videos 

„Die Diktatur der Kunst ist das Radikalste, das jemals seit Menschengedenken 

formuliert wurde.“ Was Jonathan Meese zur Veröffentlichung dieser Behauptung 

veranlasst, ist aus seinem wohl bisher frechsten und radikalsten Künstlerbuch zu 

erfahren. Schonungslos wettert er gegen alle historischen und gegenwärtigen 

Gesellschaftsordnungen und erklärt sie für gescheitert und auch für die Zukunft 

völlig unbrauchbar. 

Meese wäre jedoch nicht Meese, würde er es nur wie viele seiner Zeitgenossen 

beim Anprangern bzw. „schöngeistigen Refl ektieren“ der bestehenden Verhältnisse 

belassen. Seinem metabolischen Denken und Handeln verdankt er schließlich die 

Erkenntnis von der Herrschaft einer Sache. Dieses Prinzip legt Meese auf alle unsere 

politischen Herrschaftsformen um und proklamiert, dass weltweit alle Menschenmachtsfanatistenpolitiker 

abdanken und ihre Macht einer Sache übertragen sollen. 

Und diese alles überragende, von Menschenmacht vollkommen unabhängige Sache 

sieht Jonathan Meese in nichts anderem als in der Kunst. Der Sache Kunst jegliche 

politische Menschenmacht zu schenken und von da an über alle und alles diktatorisch 

regieren zu lassen, sagt Jonathan Meese, sei die ultravisionärste Totalutopie aller Zeiten. 

Mit der Herausgabe dieser Kampfschrift, sagt er, könne niemand mehr behaupten, 

dass er von nichts „was gewusst“ haben will. 

‘The Dictatorship of Art is the most radical ever formulated since the beginning of 

human thought.’ What provokes Jonathan Meese to make this assertion can be 

discovered in this, his most insolent and radical artist’s book to date. He relentlessly 

rages against all historical and contemporary social orders and declares them failed and 

henceforth completely redundant. 


11 x 16,5 cm, 265 Seiten, 

mehr als 800 s/w Abbildungen. 

Broschur 

978-3-86560-658-7 

€ 9,95 / chf 18,90 

Kunst / Art 

Hans-Peter Feldmann – weiterhin 

lieferbare Titel / still available titles: 

Album. 2008 

978-3-86560-260-2 

€ 68,– / chf 115,– 

Smoke. 2007 

978-3-86560-266-4 

€ 28,– / chf 49,– 

Book #9. Sprengel Museum. 2007 

978-3-86560-232-9 

€ 29,80 / chf 49,90 

Langhans Galerie Prag. 2007 

978-80-902816-3-9 

€ 14,80 / chf 27,50 

Zeitungsfotos. 2006 

978-3-86560-177-3 

€ 14,50 / chf 27,– 


Hans-Peter Feldmann. 

Voyeur 

4. veränderte Aufl age 

Der Feldmann-Klassiker in der 4. veränderten Aufl age! 

Was wird wohl der Herzog von York, vornehm leicht das Haupt geneigt, auf dem 

Rücken die Hände verschränkt, zu den wie Orgelpfeifen aufgereihten Ballmädchen 

und -jungen sagen, denen er „traditionsgemäß“ zunächst seine volle Aufmerksamkeit 

schenkt, um sodann, gemächlich die Reihe abgeschritten, auf die Gewinner von 

Wimbledon zuzuhalten und ihnen die Pokale zu überreichen? Mit Bildern diesen und 

ähnlichen Kalibers ist der Band Voyeur von Hans-Peter Feldmann Seite um Seite reichlich 

gefüllt, auch sind ganz unvermutet die Fotos nackter Frauen neben die Schnappschüsse 

abstürzender Flugzeuge montiert. Was sagt uns das? Sind wir Voyeure, wie 

der Künstler selbst, oder hat er uns ertappt? 

The Feldmann classic is in its 4th edition! 

What does the Duke of York, head slightly bowed and hands folded behind his back in 

a stately manner, say to the ball girls and boys, arranged in a row like the pipes of a 

church organ, on his unhurried procession towards presenting the Wimbledon champion 

with the cup? Each and every page of Voyeur by Hans-Peter Feldmann is packed 

full of pictures of this calibre. Completely unexpectedly, photos of naked women are 

arranged next to snapshots of airplane crashes. What can this tell us? Are we voyeurs 

like the artist himself, or has he caught us out? 

Die beunruhigenden Musen. 

KH Kiel. 2006 

978-3-86560-080-6 

€ 9,95 / chf 18,90 

Birgit schminkt sich. 2006 

978-3-86560-067-7 

€ 19,80 / chf 35,90 

Blau. 2006 

978-3-86560-106-3 

€ 4,80 / chf 9,– 

Frauen im Gefängnis. 2005 

978-3-88375-962-3 

€ 29,80 / chf 49,90 

Liebe / Love. 2005 

978-3-86560-002-8 

€ 25,– / chf 44,– 


Das kleine Mövenbuch. 2004 

978-3-88375-790-2 

€ 24,50 / chf 43,90 

Bilder / Pictures. 2002 

978-3-88375-561-8 

€ 28,– / chf 49,– 

Views out of hotel. 2002 

978-3-933485-07-6 

€ 29,80 / chf 49,90

17 x 22 cm, 130 Seiten, 


Broschur 


978-3-86560-660-0 

€ 28,– / chf 49,– 

Kunst / Art 

Hans-Peter Feldmann, 

geb. 1941 in Düsseldorf, lebt und 

arbeitet in Düsseldorf. Seit der 

legendären documenta 5 zahlreiche 

Ausstellungen. Einzelausstellung seiner 

Bücher auf der diesjährigen Biennale in 

Venedig / Stirling Pavillion. 


Hans Ulrich Obrist. Hans-Peter Feldmann. 

Interview 

Hans-Peter Feldmann und Hans Ulrich Obrist, die sich seit 20 Jahren kennen, haben 

lange Zeit über die Möglichkeit eines Interviews gesprochen. Schließlich habe man 

sich dafür entschieden, dass Obrist seine Fragen schriftlich stellt und Feldmann sie 

jeweils mit einem Bild beantwortet. 

Hans Ulrich Obrist and Hans-Peter Feldmann, who have known each other for around 

20 years, talked about the possibility of an interview for quite some time. They fi nally 

decided that Obrist pose the questions in writing and Feldmann answer each of them 

with a picture. 


Ω „Ich verfalle im Moment zurück in die 

,Kindheit des Gestaltens‘ – in eine Art 

Dilettantismus des Herumprobierens … 

Bei dem Buchprojekt geht’s mehrspurig 

zu … die Konstruktion / der Zusammenbau 

der Architektur ist das Zentrale an 

diesem Monstrum. Es repräsentiert die 

Schönheit / Offenheit aller Baustellen, 

bevor sie – zu 90% – durch Fertigstellung 

langweilig werden … Die vielleicht 10% 

über dieses Zusammenbauen hinaus 

machen allerdings die Stimmung in 

diesem Parkhaus aus … Alla … Polizei! ... 

was machen Sie denn hier? … Zeigen Sie 

mal ihre Ausweise! Eine Spur – hinein in 

diese Architektur – ist der Siebdruck, sind 

die Bilder, die wie eingefärbter Beton … 

in dieser ,Masse Stadt Köln‘ liegen … eine 

andere, sehr wichtige, sind die kleinen 

Doku-Heftchen von Harald Pridgar, 4I 

dokumentieren … dazu kommen 

Autochen, ausgeschnittene Werbeschnipsel 

– and whatever.“ 

(Thomas Bayrle) 


Parkhaus Köln is a truly three-dimensional book, fi nished with beech inlay, silvery grey 

card and birch plywood. It is made up of eight pages: two covers and two 7 cm thick 

‘leaves’. The doubled-sided pages, attached to the 25 cm wide spine with an aluminium 

hinge, are made up of ‘loopings’—curving, bending roads, with a faded out broken 

white line. All the pages have Cologne motifs silk-screened on them. More than 430 

slots in the streets and a further cut-out pattern, which guarantee stability with the 

help of wooden brackets, give the book a mysterious, Piranesi-esque shape, similar to 

that of a multi-storey car-park. There are coloured cars on the roads or parked up. In 

four of the parking bays there are books, mostly leporellos, that are attached to the 

book, but which can be ‘backed-out’ by the reader. The books present the entire process 

of the installation of the exhibition 40 Jahre Looping in Museum Ludwig, Cologne in 

2008, the numerous drafts and models for the production of the book, written pieces by 

the artists, Cologne souvenirs, etc. 

Each copy is unique—every page has been worked with in a different way by Thomas 

Bayrle, using watercolours and collages. The book is protected by a wooden slipcase 

with recessed grips. 

Bayrle’s long lasting interest in and experimentation with patterns and modules, 

building blocks, which he constantly repeats, reaches new heights in the threedimensionality 

of Parkhaus Köln. The streets form a hybrid between architecture and 

machine, a ‘monster’, as Thomas Bayrle himself calls it. 


43 cm Höhe, 37 cm Breite, 

23 cm Rückenstärke. Buchenfurnier, 

silbergraue Pappe, Birkenholz. 

Vier Hefte, je 20–80 Seiten. Farbig 

bedruckter Holzschuber. 

Ausgabe A: Birkenholz, Aquarell, 

Collage, A 1/18 – 18/18 + 3 A.P. 

Ausgabe B: Pappe, Siebdruck, Aquarell, 

Collage, B 1/35 – 35/35 + 5 A.P. 

Alle Exemplare nummeriert und signiert. 

Subskriptionspreis Ausgabe A: 

€ 8.000,– / chf 13.500,– 

Ab 01.01.2010 € 9.000,– / chf 15.200,– 

Subskriptionspreis Ausgabe B: 

€ 7.000,– / chf 11.800,– 

Ab 01.01.2010 € 8.000,– / chf 13.500,– 



Grafi k in Zusammenarbeit 

mit Harald Pridgar 

Thomas Bayrle, geb. 1937 in Berlin, lebt 

und arbeitet in Frankfurt a.M. 

Ausstellungen u.a. documenta 3, 1964, 

documenta 6, 1977, zuletzt Museum 

Ludwig, Köln, 2008/2009, Museu d’Art 

Contemporani de Barcelona (MACBA). 

1975 –2002 Professur an der 

Städelschule, Frankfurt a.M. 

Thomas Bayrle – weiterhin lieferbare 


40 Years Chinese Rock ’n’ Roll. 2006 

978-3-86560-100-1 

€ 49,80 / chf 84,– 

Grafi k von 1969 – 72. 1995 

978-3-88375-220-4-72 

€ 18,– / chf 32,90– 


Thomas Bayrle. 

Parkhaus Köln 

Parkhaus Köln ist ein vollplastisches Buch, gefertigt aus Buchenfurnier, silbergrauer 

Pappe und Birkensperrholz. Es besteht aus acht Seiten: zwei Deckeln und zwei „Blättern“ 

von je 7 cm Stärke. Die mit einem Aluminiumscharnier an dem 25 cm breiten 

Rücken befestigten Doppelseiten werden von „Loopings“ gebildet – sich windenden 

Autostraßen, deren unterbrochener Mittelstreifen ausgefräst ist. Sämtliche Seiten 

sind mit Köln-Motiven im Siebdruck versehen. Die mehr als 430 Schlitze auf den 

Straßen und eine weitere Rasterstanzung, die mithilfe von Holzstützen die Statik 

garantieren, geben dem Buch eine geheimnisvolle, piranesihafte Gestalt, ähnlich 

einem mehrgeschossigen Parkhaus. Farbige Miniaturautos sind auf den Straßen 

unterwegs bzw. haben ihren Parkplatz gefunden. In vier Parkbuchten befi nden sich 

zwei Bücher sowie zwei Leporellos, die fest mit dem Buch verbunden sind, aber vom 

Leser herausgefahren werden können. Die Bücher zeigen die komplette Abwicklung 

der Installation der Ausstellung 40 Jahre Looping im Museum Ludwig Köln 2008, die 

zahlreichen Entwürfe und Modelle zur Herstellung des Buches, Texte des Künstlers, 

Köln-Souvenirs etc. 

Jedes Exemplar ist ein Unikat, da es Seite für Seite mit Aquarellfarbe und Collagen 

unterschiedlich von Thomas Bayrle bearbeitet wurde. Ein Holzschuber mit 

Griffmulden schützt das Buch. 

Bayrles jahrelanges Interesse an und Experimentieren mit Rastern und Modulen, 

Bausteinen, die er ständig wiederholt, fi nden in der Dreidimensionalität beim 

Parkhaus Köln einen neuen Höhepunkt. Die Straßen bilden einen Zwitter zwischen 

Architektur und Maschine, ein „Ungetüm“, wie Thomas Bayrle es selber nennt. 


24,7 x 32,5 cm, 32 Seiten, 

Aufl age 500, nummeriert 

978-3-86560-722-5 

€ 48,– / chf 81,– 



Cerith Wyn Evans, geb. 1958 in Wales, 

lebt und arbeitet in London. 

deSingel, Antwerpen, 

15.10.2009 – 10.01.2010 

Cerith Wyn Evans – weiterhin lieferbare 


Cerith Wyn Evans. 

Bubble Peddler. 2007 

978-3-86560-208-4 

€ 29,– / chf 49,– 


Cerith Wyn Evans. 

“ ...” – Delay 

Hier bezieht sich Cerith Wyn Evans in Aufmachung und Umfang auf zwei wegweisende 

Publikationen des 20. Jahrhunderts: Zum einen auf die 1914 erschienene Ausgabe 

Un coup de dés jamais n’abolira le hasard-poême (Ein Würfelwurf wird niemals 

den Zufall auslöschen) von Stéphane Mallarmé, die als erster Hypertext der Sprachgeschichte 

gilt. Zum anderen auf die 1969 in der Galerie Wide White Space erschienene 

gleichnamige Replika von Marcel Broodthaers, der darin mit einer dandyartigen Geste 

sämtliche Textzeilen geschwärzt und die Ausgabe mit dem Untertitel image (Bild) 

versehen hatte. Die aufwendig gestaltete Hommage enthält nur einen, über 32 Seiten 

verteilten Text, dessen Buchstaben er laserperforiert: „Permit yourself to drift from 

what you are reading at this very moment into another situation ... Imagine a situation 

that, in all likelihood, you’ve never been in.“ (Erlaube es dir, wenn du diesen Text 

liest, dich in einer anderen Situation vorzustellen . . . Führe dir einen Ort vor Augen, 

den du vermutlich zuvor nie gesehen hast). 

Cerith Wyn Evans ist ein Meister des kodierten Umgangs mit Bild, Sprache und Zitat. 

Dabei bezieht er sich nicht nur auf Mallarmé und Broodthaers, sondern indirekt auch 

auf Josef Albers, Guy Debord, Marcel Duchamp und sein eigenes Œuvre. 

In his new artist’s book, Cerith Wyn Evans references two publications from the 20th 

century in both design and scope. Firstly, the 1914 edition of Un coup de dés jamais 

n’abolira le hasard-poême (A throw of the dice will never abolish chance) by Stéphane 

Mallarmé, which is considered to be the fi rst hypertext in the history of language, 

and secondly the 1969 replica of the same name by Marcel Broodthaers, in which he 

blacked-out all the lines of text in a dandyish gesture and subtitled it ‘image’. 

This laboriously designed homage by Cerith Wyn Evans contains just one text, spread 

over 32 pages, whose letters are laser perforated: “Permit yourself to drift from what you 

are reading at this very moment into another situation … Imagine a situation that, in 

all likelihood, you’ve never been in.” Cerith Wyn Evans is a master of the coded handling 

of image, language and quotation. In doing so he references not only Mallarmé and 

Broodthaers, but indirectly Josef Albers, Guy Debord and his very own œuvre. 


19,2 x 25,4 cm, 144 pages, 


Thread stitching without cover 

English 

978-3-86560-700-3 

€ 28,– / chf 49,– 


Olafur Eliasson born 1967, studied at the 

Royal Danish Academy of Fine Arts. Represented 

Denmark at the 50th Venice Biennale 

in 2003 and installed The weather 

project in the Turbine Hall of Tate Modern, 

London. As professor at Universität der 

Künste Berlin, he has founded the Institut 

für Raumexperimente in 2009. 

Mediare l’esperienza: i libri di Olafur 

Eliasson (Mediatin experience: books by 

Olafur Eliasson), Biblioteca Universitaria 

di Bologna, Italy, 2009 as part of the 

Artelibro Festival del Libro d’Arte. 

Olafur Eliasson – still available titles / 

weiterhin lieferbare Titel: 

Conversation Series, Vol.13 / Obrist. 

Eliasson, Olafur. 2008 

978-3-86560-335-7 

€ 16,80 / chf 31,– 

Eliasson, Olafur / Adjaye, David. 

Your Black Horizon. 2007 

978-3-86560-304-3 

€ 29,80 / chf 49,90 

Eliasson, Olafur. My now is your 

surroundings. 2001 

978-3-88375-464-2 

€ 24,80 / chf 44,– 


Olafur Eliasson. 

Printed Matter – Catalogue Raisonné of the Books 

= Take Your Time. Vol. 2 

Foreword by Luca Cerizza. Text by Olafur Eliasson. With a conversation between 

Olafur Eliasson and Luca Cerizza 

Olafur Eliasson invites the reader into his library to show us 25 of his many autonomous 

artist’s books. He talks about motivation, ideas, about form and design, about collaborations 

with producers and browses through his books in long series of images. Despite 

the manifold forms of appearance, his authorship is always clearly recognisable. The 

layout of this book and the various glimpses of his other books give us an idea of what 

his preferences are. He devotes great attention to small, inconspicuous books and often 

changes the perspective in the process. It is captivating to see how important and existential 

these seemingly marginal pieces are to the artist’s large œuvre. 

The conclusion of the book is made up of a scientifi c catalogue raisonné of all published 

books by, with or about him. It begins with No. 1, 1997 and ends with this publication 

itself, No. 57. 

Olafur Eliasson lädt den Leser in seine Bibliothek ein, um 25 seiner zahlreichen 

autonomen Künstlerbücher zu zeigen. Er spricht über den Anlass, die Idee, über Form 

und Gestaltung, über die Zusammenarbeit mit Produzenten und blättert in langen 

Abbildungsfolgen in seinen Büchern. Trotz vielfältiger Erscheinungsformen ist die 

Autorenschaft immer deutlich zu erkennen. Sein Layout und der unterschiedliche 

Blick in die Bücher lassen seine Vorlieben erkennen. So widmet er kleinen, unscheinbaren 

Büchern große Aufmerksamkeit und wechselt dabei häufi g die Perspektive. Es 

ist hinreißend zu erleben, wie wichtig und existenziell dem Künstler diese scheinbar 

marginale Arbeit seines großen Œuvre ist. 

Den Schluss des Buches bildet ein wissenschaftliches Werkverzeichnis aller von ihm, 

mit oder über ihn erschienen Bücher. Es beginnt bei No. 1, 1997 und endet mit der 

vorliegenden Publikation, die No. 57 trägt. 


22 x 25,5 cm, 96 pages, 



English 

978-3-86560-690-7 

€ 24,80 / chf 44,– 

Art / Kunst 

Gustav Metzger, born 1926 in Nuremberg, 

Germany to Polish-Jewish parents. 

He was evacuated to England with his 

brother Max/Mendel as part of the Kindertransport 

in 1939. During the 1940s 

Metzger studied at various art schools 

in Cambridge, London, including David 

Bomberg’s class at the Borough Polytechnic, 

Antwerp and Oxford. 

Serpentine Gallery, London, 

29.09. – 08.11.2009 


Gustav Metzger. 

Decades: 1959–2009 

Foreword by Julia Peyton-Jones and Hans Ulrich Obrist. Texts by Norman Rosenthal 

and Sophie O’Brien. Interview with the artist by Clive Phillpot 

Metzger’s practice represents a life-long involvement in left-wing politics, ecology 

and the creative and destructive powers of twentieth century industrialised societies. 

The publication draws together the threads of Metzger’s practice from 1945– 2009. 

Exploring archives, the exhibition will bring the themes and methodologies that have 

informed the artist’s practice for over sixty years to a new generation, who themselves 

have witnessed the effects of industrialisation, capitalism and globalisation in recent 

world events. 

A broad cross-section of Metzger’s work is presented, including the auto-destructive and 

auto-creative works of the 1960s such as the pioneering use of liquid crystals projections; 

the Historic Photographs series of the 1990s, which respond to major events 

and catastrophes of the twentieth century, and later works exploring ecological issues, 

globalisation and commercialisation. Film footage of seminal performances and actions 

is also presented. 

Die Publikation fasst das künstlerische Schaffen von Gustav Metzger der letzten 50 

Jahre zusammen. Metzgers Kunst ist geprägt durch sein lebenslanges Engagement 

in linker Politik, Ökologie und durch eine intensive Auseinandersetzung mit den kreativen 

wie auch zerstörerischen Kräften der Industriegesellschaften. In der Monografi e 

werden erstmals die wichtigsten Werkkomplexe gezeigt: die „selbstdestruktiven“ und 

„autokreativen“ Arbeiten aus den 1960er Jahren, in denen Metzger beispielsweise 

fl üssige Kristalle als Projektionsfl äche verwendet, wie auch Auszüge aus seiner 

Historic Photographs-Series aus den 1990er Jahren, in denen er die wesentlichen 

historischen Ereignisse und Katastrophen des 20. Jahrhunderts verarbeitet. Aber auch 

die späteren Arbeiten, in denen von Metzger verstärkt ökologische Fragestellungen, 

die Globalisierung und fortschreitende Kommerzialisierung thematisiert werden, 

sind enthalten. 


22 x 25,5 cm, 88 pages, 



English 

978-3-86560-666-2 

€ 24,80 / chf 44,– 

Art / Kunst 

Jeff Koons, born 1955 in York, 

Pennsylvania, lives and works in New 

York and York, Pennsylvania. 



Jeff Koons. 

Popeye Series 

Foreword by Julia Peyton-Jones and Hans Ulrich Obrist. Texts by Frederic Tuten, 

Arthur C. Danto, Dorothea von Hantelmann, and Jeff Koons in Conversation with 

Julia Peyton-Jones and Hans Ulrich Obrist 

In this publication Jeff Koons presents paintings and sculptures from his Popeye series, 

which he began in 2002. The works incorporate some of Koons’s signature ideas and 

motifs, including surreal combinations of everyday objects, cartoon imagery, art-historical 

references and children’s toys. Those typically used by children in a swimming 

pool are cast in aluminium, their surfaces painted to bear an uncanny resemblance to 

the original objects. He juxtaposes these replica readymades with unaltered everyday 

objects, such as chairs or rubbish bins. The paintings are complex and layered compositions 

that combine disparate images both found and created by Koons, including 

images of the sculptures in the series. The immediately recognisable fi gures of Popeye 

and Olive Oyl are central in this series and appear in several prominent works within 

the publication. 

Die Konzentration auf die Popeye-Arbeiten – Bilder und Skulpturen –, bei denen auch 

Olive Oyl präsent ist, verleiht dem Buch eine heitere Note. Aufblasbare Gummitiere 

dienen als Vorlage für die farbigen Aluminiumskulpturen: Sie hängen von der Decke 

oder machen einen Handstand auf Stuhl und Papierkorb. Die Gemälde sind wiederum 

aufwendige und vielschichtige Bildkompositionen, in denen verschiedene Bildebenen 

miteinander kombiniert werden, nachdem sie zuvor von Koons ausgewählt und 

bearbeitet wurden. Immer wieder tritt uns der Comic-Matrose entgegen, der sich 

vor genau 80 Jahren mit übermenschlicher Kraft der Weltwirtschaftskrise entgegenstemmte. 

In seinem Essay A New World for Popeye geht der Philosoph und Kunstkritiker Arthur 

C. Danto auf die kunsthistorischen Verweise von Koons Werken ein: den Surrealismus 

und auf das Stillleben des 17. Jahrhunderts, Marcel Duchamp und René Magritte. 


21 x 29,7 cm, 304 pages, 

141 b/w illustrations. 

Swiss binding with 4 staples 

English 

978-3-86560-694-5 

€ 34,– / chf 58,– 

Art / Kunst 

October / Oktober 2009 



Marina Abramovic, Rasheed Araeen, 

Athanasios Argianas, Pier Vittorio 

Aureli, Christian Boltanski, Nicolas 

Bourriaud, Andrea Branzi, Paul Chan, 

Peter Cook, Ekaterina Degot, Jimmie 

Durham, Brian Eno, Henry Flynt, 

Yona Friedman, Gilbert & George, 

John Giorno, Fritz Haeg, K8 Hardy, 

Susan Hefuna, Eric Hobsbawm, David 

Hockney, Karl Holmqvist, Stewart 

Home, Terence Koh, Silvia Kolbowski, 

Hilary Koob-Sassen, Rem Koolhaas, 

Zak Kyes, Nick Laessing, John Latham, 

Jean-Jacques Lebel, Manifesto Club, 

Tom McCarthy, Jonas Mekas, Nathaniel 

Mellors, Gustav Metzger, Ingo 

Niermann, Yoko Ono, Yvonne Rainer, 

Tino Sehgal, Taryn Simon, SpRoUt, 

Barbara Steveni, Elaine Sturtevant, 

Mark Titchner, Richard Wentworth, 

Vivienne Westwood, Stephen Willats. 


Manifesto Marathon. 

Serpentine Gallery 

Manifesto Marathon, the third in the Serpentine Gallery’s acclaimed series of Marathon 

events, took place in the closing weekend of the Serpentine Gallery Pavilion 2008, 

designed by Frank Gehry. The Manifesto Marathon came at a time when artists had 

begun to work less in formal groups and defi ned artistic movements. The publication 

showcased a new generation of artists alongside practitioners from the worlds of 

literature, design, science, philosophy, music and fi lm who were returning to the historical 

notion of the manifesto. The Manifesto Marathon drew on the Serpentine Gallery’s 

close proximity to Speakers’ Corner in Hyde Park, which has been used as a platform by 

Karl Marx, Vladimir Lenin, George Orwell and William Morris, among many others. 

Das Buch dokumentiert die dritte Marathonveranstaltung der Serpentine Gallery, die 

in dem von Frank Gehry gestalteten Pavillion 2008 stattfand. Vorausgegangen war 

die grundsätzliche Beobachtung, dass sich viele Künstler nicht mehr auf genau vordefi 

nierte Kunstrichtungen festlegen wollen. Die Publikation stellt eine neue Generation 

von Künstlern vor, die in der Welt der Literatur, des Designs, der Wissenschaft, der 

Philosophie, der Musik oder des Films tätig sind und zu der historischen Bedeutung 

des Manifests zurückkehren möchten. Insbesondere die Nähe der Serpentine Gallery 

zur Speakers’ Corner im Hyde Park, die neben vielen anderen von Karl Marx, Vladimir 

Lenin, George Orwell und William Morris als Podest genutzt wurde, unterstreicht den 

Bezug zur Geschichte des Manifests. 


19,4 x 25,4 cm, 256 pages, 


Softcover 

English 

978-3-86560-587-0 

€ ca. 29,80 / chf 49,90 

Film 

November 2009 

Harun Farocki, born 1944 in Novy Jicin 

(Neutitschein), Czech Republic, 

lives and works in Vienna and Berlin. 

Raven Row, London, 

19.11.2009– 07.02.2010 

Harun Farocki – still available titles / 


Nebeneinander. 2007 

978-3-86560-286-2 

€ 28,– / chf 49,– 


Harun Farocki. 

Against What? Against Whom? 

Edited by Antje Ehmann and Kodwo Eshun 

Foreword by Alex Sainsbury. Texts by Harun Farocki, Michael Baute, James Benning, 

Christa Blümlinger, Nicole Brenez, Sabeth Buchmann, Elisabeth Büttner, Alice Creischer, 

Diederich Diederichsen, George Didi-Hubermann, Antje Ehmann, Thomas Elsässer, 

Tom Holert, Ute Holl, Ruchir Joshi, Thomas Keenan, Klaus Kreimeier, Christian Petzold, 

Volker Pantenburg, Bert Rebhandl, Wolfgang Schmitt, Suddhabrata Senggupta, Andreas 

Siekmann and Florian Zeyfang 

Against What? Against Whom? is a monograph about the author, fi lm maker and 

video artist Harun Farocki. It’s the fi rst book about Farocki that is neither a purely 

academic publication nor an exhibition catalogue. It brings together the most diverse 

of themes, tonalities and approaches: alongside a complete fi lmography and list of 

installations, there are 21 contributions that take a discursive (or use drawings to) 

look at Farocki’s complex œuvre. Additionally there are two key Farocki texts, previous 

refl ections on his fi lm and video work, and a new text he has written especially for this 

book, which begins quite biographically and underhandedly becomes a short history of 

the making of fi lms and art in (West) Germany over the past 40 years. 

The themes discussed are as varied as the authors involved, with much focus on 

individual Farocki fi lms, beginning with the early political, Marxist, educational 

fi lms, via his cinema direct fi lms and his essay fi lms, that have become classics in the 

meantime, up to the fi lms and installations, which for the most make use of found 

footage of the most varied types of image, such as amateur recordings, archive pictures, 

surveillance images, technical images and computer animations. 

Against What? Against Whom? ist eine Monografi e über den Autor, Filmemacher 

und Videokünstler Harun Farocki. Es ist das erste Buch über Farocki, das weder eine 

rein akademische Publikation noch ein Ausstellungskatalog ist. Es versammelt die 

verschiedensten Themen, Tonarten und Herangehensweisen: Neben der kompletten 

Filmografi e und Liste der Installationen gibt es 21 Beiträge, die sich diskursiv (oder mit 

Zeichnungen) dem komplexen Œuvre Farockis nähern. 


17 x 24 cm, c. 436 pages, 

various col. illustrations. 

Softcover 

English 

978-3-86560-686-0 

€ 29,80 / chf 49,90 

Art / Kunst 


Audiovisuology 2. 

Histories and Theories of 

Audiovisual Media and Art 

Edited by Dieter Daniels 

and Sandra Naumann 

This compendium brings toghether 

new essays of theorists on sound and 

image, such as Michel Chion, Diedrich 

Diederichsen, Christopher Salter et.al. 

288 pages, various illustrations 

978-3-86560-687-7 

€ ca. 24,80 / chf 44,– 

Available in March 2010 


Audiovisuology 1. 

See this sound. An Interdisciplinary Compendium 

of Audiovisual Culture 

Edited by Dieter Daniels and Sandra Naumann 

Texts by Claudia Albert, Amy Alexander, Rainer Bellenbaum, Hans Beller, Sabeth 

Buchmann, Gerhard Daurer, Hinderk M. Emrich, Barbara Flückiger, Golo Fällmer, 

Tina Frank, Maureen Furniss, Marc Glöde, Andrea Gottdang, Florian Grond, 

Boris von Haken, Justin Hoffmann et al. 

This all-embracing compendium brings together texts on various art forms in which the 

relationship between sound and image plays a signifi cant role and the techniques used 

in linking the two. The entire spectrum of audiovisual art and phenomena is presented 

in 35 dictionary entries. Overarching issues are explored deeply in thorough essays and 

individual works are represented in audiovisual documentation and scientifi c comment. 

The list of defi nitions and terms, elucidated by various prominent authors, ranges from 

Gesamtkunstwerk, literature, painting, music theatre, animation fi lm, light shows, 

music videos, sound art and expanded cinema right up to text-image analogies, 

synchronisation, electronic transformation and software. 

Dieses umfangreiche Kompendium versammelt Texte zu verschiedenen Kunstformen, 

in denen Ton-Bild-Relationen eine signifi kante Rolle spielen, oder zu Verfahren zur 

Verknüpfung von akustischen und visuellen Phänomenen. Das gesamte Spektrum 

der audiovisuellen Künste und Phänomene wird durch historische Längsschnitte 

und systematische Querschnitte in 35 Lexikoneinträgen dargestellt. Übergreifende 

Themen werden anhand von längeren Essays vertieft. Auf der Werkebene werden 

exemplarische Beispiele audiovisuell dokumentiert sowie wissenschaftlich 

kommentiert. 

Die Liste der Begriffe und Themenfelder, zu denen herausragende Autoren schreiben, 

reicht von Gesamtkunstwerk, Malerei, Musiktheater, Aminationsfi lm, Light Shows, 

Filmmusik, Expanded Cinema, Musikvideo, Klangkunst oder interaktive Kunst bis hin 

zu Farbe-Ton-Analogien, Synchronisation, elektronische Transformation oder Software. 


23 x 29,5 cm, 320 Seiten, 


Klappenbroschur mit Lesebändchen 


978-3-86560-683-9 

€ 32,– / chf 55,– 

Kunst / Art 

Lentos Kunstmuseum Linz, 

28.08.2009 – 10.01.2010 


Laurie Anderson, Martin Arnold, 

Michael Asher, Atelier Hopfmann 

(Judith Hopf & Deborah Schamoni), 

John Baldessari, Gottfried Bechtold, 

Jordan Belson, Manon de Boer, George 

Brecht, Mary Ellen Bute, John Cage, 

Lucinda Childs, Ira Cohen, Tony Conrad, 

Kevin Cummins, Josef Dabernig, 

Jeremy Deller, E.A.T. – Experiments 

in Art and Technology, Einstürzende 

Neubauten, Viking Eggeling, VALIE 

EXPORT, Oskar Fischinger, Morgan 

Fisher, Andrea Fraser, William Furlong, 

Kerstin von Gabain, Jack Goldstein, 

Douglas Gordon, Dan Graham, Rodney 

Graham, Granular Synthesis, Andrew 

Gowans, Brion Gysin, Carl Michael 

von Hausswolff, Gary Hill, Ludwig 

Hirschfeld-Mack, Heidrun Holzfeind, 

Derek Jarman, Jutta Koether, DIE KRUPPS, 

Peter Kubelka, Louise Lawler, Bernhard 

Leitner, LIA, Alvin Lucier, Len Lye u.a. 


See this Sound. 

Versprechungen von Bild und Ton / 

Promises of Sound and Vision 

Herausgegeben von Cosima Rainer, Stella Rollig, Dieter Daniels und Manuela Ammer 

Texte von Manuela Ammer, Dieter Daniels, Diedrich Diederichsen, Helmut Draxler, 

Matthias Dusini, Thomas Edlinger, Heidi Grundmann, Christian Höller, Gabriele Jutz, 

Liz Kotz, Cosima Rainer und Stella Rollig 

Die stillen Hallen der Museen sind Vergangenheit. Stattdessen tönt und lärmt es, 

denn Künstler agieren heute ganz selbstverständlich mit dem Klang der Welt. Die 

einstige Hegemonie des Visuellen ist mittlerweile durch ein Wechselspiel von Bild 

und Ton ersetzt. Vor dem kulturhistorischen Hintergrund der visuellen Musik im 

abstrakten Film der 1920er Jahre und den Intermedia-Entwicklungen seit den späten 

1950er Jahren zeigt die Publikation das veränderte tönende Bild einer zeitgenössischen 

Kunst, die die unterschiedlichsten Spielarten und Fragestellungen von Sound 

& Vision zu ihrem Thema und Instrumentarium gemacht hat. See this Sound präsentiert 

und diskutiert unterschiedliche Positionen, Ansätze und Umsetzungen zeitgenössischer 

Kunst und Kunstwissenschaft. Die aufgezeigten Bezugsfelder reichen von 

der Popkultur bis zur Wahrnehmungstheorie und Medientechnologie. 

The quiet halls of the museum are a thing of the past. Instead, music and sounds are 

heard everywhere, as visual artists today take for granted the integration of the world 

of sounds in their works. The former hegemony of the visual has meanwhile given way 

to a diverse interplay of image and sound. The fi rst pioneers in this expanded fi eld of 

artistic work already emerged during the 1920s. The alleged hierarchy of the senses, 

refl ection on perceptions, and the search for synergies were the greatest challenges. 

‘Media Art’ later became a means of socio-political engagement and a topos of the 

avant-garde. Major technical changes in media, audio-visual experiments and the 

charged relationship between narration and abstraction led again and again to new 

ways of working. The project See this Sound aims to make several important aspects 

of this manifold and diverse relationship between image and sound accessible in an 

interdisciplinary way. 


18 x 22,5 cm, 96 pages, 


Softcover 

English 

978-3-86560-706-5 

€ 22,– / chf 39,– 

Art / Kunst 

November 2009 

Andrei Smirnov, born and lives in 

Syktyvkar (Russia). Interdisciplinary 

artist, author, curator, instrument 

builder and educator. 

Matt Price is an editor, writer and 

curator based in Birmingham and 

London. He started his career as an 

editor for Hans Ulrich Obrist before 

being appointed Managing Editor of 

Flash Art International, Milan. 

Jeremy Deller, born 1966 in London, 

studied History of Art at the Courtauld 

Institute of Art. Deller won 

the Turner Prize in 2004 for Memory 

Bucket—a documentary about 

Crawford, Texas and the siege in Waco. 

Sound in Z is developed from an 

exhibition of the same name at the 

Palais de Tokyo, Paris, in 2008. 


Andrei Smirnov. 

Sound in Z. Experiments in sound and electronic music 

in early 20th-century Russia 

Edited by Matt Price and David Rogerson 

Foreword by Jeremy Deller. Text by Andrei Smirnov 

Russia, 1917—inspired by revolutionary ideas, artists and enthusiasts developed innumerable 

musical inventions, instruments and ideas often long ahead of their time—a 

culture that was to be cut off in its prime as it collided with the totalitarian state of 

the 1930s. Smirnov’s account of the period offers an engaging introduction to some of 

the key fi gures and their work, including Arseny Avraamov’s open-air performance of 

1922 featuring the Caspian fl otilla, artillery guns, hydroplanes and all the town’s factory 

sirens, and Alexei Gastev, the polymath who coined the term ‘bio-mechanics’. Shedding 

new light on better-known fi gures such as Leon Theremin (inventor of the world’s fi rst 

electronic musical instrument, the Theremin), the publication also investigates the work 

of a number of pioneers of electronic sound tracks using ‘graphical sound’ techniques. 

Sound in Z documents an extraordinary and largely forgotten chapter in the history of 

music and audio technology. 

Sound in Z dokumentiert ein außergewöhnlich innovatives, nahezu vergessenenes 

Kapitel der Geschichte der Musik und Soundtechnik. Schauplatz ist Russland, 1917: 

Von revolutionären Ideen getragen kam es zu zahlreichen musikalischen Erfi ndungen, 

neuen Instrumenten und visionären Ansätzen, die ihrer Zeit weit voraus waren. Der 

Autor – zugleich Künstler, Forscher und Entwickler von elektronischen Musikinstrumenten 

– Andrei Smirnov führt in die Schlüsselfi guren dieser Zeit und ihre wegweisenden 

Arbeiten ein. Sei es in Arseny Avraamovs Freiluft-Performance von 1922, 

bei der Schiffssirenen, Artilleriekanonen, Bus- und Autohupen und die Fabriksirenen 

einer Stadt am Kaspischen Meer zu einem gewaltigen Orchester formiert wurden 

oder etwa in Alexei Gastevs „Biomechanik“. Zudem eröffnet Smirnov einen neuen 

Blick auf den bekannten Erfi nder elektronischer Instrumente, Leon Theremin, aber 

auch auf jene Pioniere, die mit ihrer „grafi schen Soundtechnik“ außergewöhnliche 

elektronische Soundtracks geschaffen haben. 


13,4 x 21 cm, 116 Seiten, 


Broschur 


978-3-86560-673-0 

€ 19,80 / chf 35,90 

Kunst / Art 

Thomas Demand, geb.1964 in 

München, lebt und arbeitet in Berlin. 

Neue Nationalgalerie Berlin, 

18.09.2009 – 17.01.2010 


Thomas Demand und die Nationalgalerie. 

Gespräch über die Ausstellung mit / A Conversation About 

the Exhibition with Hans Ulrich Obrist, Berlin 2009 

Das Buch gibt Auskunft über die Arbeitsweise, Strategie und Verantwortung des politisch 

denkenden Künstlers. Es war der ausdrückliche Wunsch von Thomas Demand, 

mit Hans Ulrich Obrist über die Konzeption, Vorbereitung und Dramaturgie seiner 

Ausstellung in der Nationalgalerie Berlin im Herbst 2009 zu sprechen. 

Ω „Im Grunde ist diese Ausstellung eine Gruppenausstellung für mich, Botho Strauß, 

hoffentlich Alexander Kluge, der englische Architekt Caruso St John und all die Gäste, 

welche wir für das Rahmenprogramm der Ausstellung zu gewinnen versuchen, nicht zu 

vergessen mein Sparringpartner Udo Kittelmann.“ 

Ω „Man erwartet eben Bilder, die zeigen, was das sein soll, eine Nationalgalerie.“ 

Ω „Es ist interessant zu sehen, dass genug Material vorhanden ist, aber es ist nicht ganz 

klar, ob sich daraus ein schlüssiger Gedanke ableiten lässt.“ 

Ω „Die Nationalgalerie ist ein Lackmustest. Man sieht sofort, ob sie hält oder nicht.“ 

(Gerhard Merz, Lehrer von Thomas Demand) 

The book provides information about the method, strategy and accountability of this 

political artist. It was Thomas Demand’s express wish to talk with Hans Ulrich Obrist 

about his exhibition in the Nationalgalerie Berlin in Autumn 2009. 

Thomas Demand – weiterhin lieferbare 


Conversation Series, Vol.10 / 

Obrist. 2007 

978-3-86560-204-6 

€ 16,80 / chf 31,– 

L’esprit de l’escalier. 2007 

978-3-86560-210-7 

€ 48,– / chf 81,– 

B & K. Biennale Sao Paulo 2004. 2004 

978-3-88375-876-3 

€ 14,80 / chf 27,50 


Kunstwissenschaftliche Bibliothek, 

Bd. 40 / Essay 

Herausgegeben von Christian Posthofen 

12,5 x 17 cm, 160 Seiten. Broschur 

Kunstwissenschaftliche Bibliothek – Weiterhin lieferbar / Still available: 

KWB 32. Wyss, Beat. 

Vom Bild zum Kunstsystem. 

2006 

978-3-86560-030-1 

€ 48,– / chf 81,– 

KWB 38. Kinomuseum. 

Towards an Artists’ Cinema. 

2008 

978-3-86560-325-8 

€ 19,80 / chf 35,90 

Deutsch 

978-3-86560-702-7 

€ 14,– / chf 21,– 



Die Kunst, das Geld und die Krise 

Herausgegeben von Holger Liebs 

Texte von Andreas Beyer, Daniel Birnbaum, Chris Dercon, Thomas Girst, Holger Liebs 

und Beat Wyss 

Geht die Kunst nach dem Geld, giert sie sogar danach? Kommt erst das Geld und 

dann die Kunst? Was bleibt von der Kunst, wenn das Geld verschwindet? Die Kunstwelt 

erlebt einen gewaltigen Umbruch – aber er ist beileibe nicht der erste seiner Art. 

Es ist also an der Zeit, grundsätzlich zu werden – und den Horizont über die „Blasen“ 

und „Krisen“ des Kunstmarkts hinaus zu erweitern. 

Sechs Essays erklären fallweise, wie der Handel mit Kunst entstand – und wie er zur 

Grundlage nicht nur der Produktion, sondern auch der Rezeption von Kunst wurde, 

auch und gerade in den Museen. Was das für Künstler, Sammler und Sponsoren 

bedeutet. Und warum unsere öffentlichen Kunsthäuser schon jetzt zu den bedrohten 

Arten zählen. 

Six essays explain how the trade in art began—and how this became the basis not only 

of the production, but also the reception of art, particularly in museums. The question 

of what this means for artists, collectors and sponsors and why our public art galleries 

and museums are already under threat is broached. 

• Holger Liebs, geb. 1966, seit 2001 Leiter des Feuilletons der Süddeutschen 

Zeitung, lebt und arbeitet in München. 

KWB 33. Cepl, Jasper. 

Oswald Mathias Ungers. Eine 

intellektuelle Biografi e. 2007 

978-3-86560-158-2 

€ 48,– / chf 81,– 

KWB 39. Beatrice von 

Bismarck. Auftritt als Künstler. 

Erscheint Oktober 2009 

978-3-86560-517-7 

€ 58,– / chf 98,– 

KWB 36. Funcke, Bettina. 

Pop oder Populus. Kunst 

zwischen High und Low. 2007 

978-3-86560-288-6 

€ 29,80 / chf 49,90 

KWB 41. Crosskick. European 

Art Academies as guests in 

German Kunstvereine. 2008 

978-3-86560-518-4 

€ 19,80 / chf 35,90 


KWB 37. Zielinski, Siegfried. 

Variantology 3. On Deep Time 

Relations of Arts, Sciences 

and Technologies in China 

and Elsewhere. 2008 

978-3-86560-366-1 

€ 48,– / chf 81,– 

KWB 43. Wilfried Dörstel. 

Ein Labyr ist kein Labyr. 

2009 

978-3-86560-636-5 

€ 48,– / chf 81,–

15,5 x 23 cm, 408 pages, 


Softcover 

English 

978-3-86560-721-8 

€ ca. 49,80 / chf 84,– 

Art Theory / Kunsttheorie 

Kunstwissenschaftliche Bibliothek, Vol. 42 

Series Editor Christian Posthofen 

Martin Schmidl, born 1962 in Gräfelfi ng, 

Munich, lives and works in Aachen. 

Martin Schmidl – still available Titles / 


Martin Schmidl. 

Uni-Ball Eye Mitsubishi 1. 2004 

978-3-88375-836-7 

€ 48,– / chf 81,– 


Zeichnungen. 

Uni-Ball Eye Mitsubishi 2. 2006 

978-3-86560-164-3 

€ 48,– / chf 81,– 



Postwar Exhibition Design. Displaying Dachau 

Martin Schmidl writes of the history of exhibition design from 1945 to today. His specifi c 

object of investigation, the exhibition of Nazi atrocities in a concentration camp in 

Dachau, near Munich, mirrors the international development of exhibition design in the 

last 60 years. From this fi rst exhibition in Dachau, which was organised in a makeshift 

manner by US soldiers and former concentration camp prisoners directly after its liberation, 

up to today’s history museums, Schmidl also presents the fundamental problem 

with memorials—the growing distance between a narrative history and professional 

visualisation. 

Martin Schmidl schreibt die Geschichte eines bisher kaum bekannten Ausstellungsdesigns 

von 1945 bis heute. Sein besonderer Untersuchungsgegenstand, die 

Ausstellung über die Nazi-Verbrechen in dem durch die US-Armee befreiten Konzentrationslager 

in Dachau bei München, spiegelt die internationale Entwicklung der 

Ausstellungsgestaltung der letzten 60 Jahre. Von der ersten Ausstellung in Dachau, 

unmittelbar nach der Befreiung provisorisch von US-Armee und KZ-Häftlingen eingerichtet, 

bis zum heutigen Geschichtsmuseum zeigt Schmidl auch das grundsätzliche 

Problem von Gedenkstätten, das Auseinandertreten von erzählter Geschichte und 

professioneller Visualisierung. 

Ω ‘Those fucking Germans really pulled it off (…) a nice mixture of decorum and 

hygiene, a perfect sense of the tragic but without the horror, just as it should be, 

and yet (…) that damn museum is quite something, really nicely done, I mean well 

presented, well organized, coherent, educational(…).’ 

(Jack Miller) 


24 x 33,6 cm, Loselagensammlung, Banderole. 

32 Seiten mit 36 farbigen Abbildungen 

auf 8 Falzlagen Bilderdruck, 

24 Seiten auf 6 Falzlagen Werkdruck. 

Grafi k im Format 70 x 100 cm 

als Umschlag umgelegt 

Deutsch / English / Français 

978-3-86560-727-0 

€ 28,– / chf 49,– 

Kunst / Art 

Albert Oehlen, geb. 1954 in Krefeld, 

lebt und arbeitet in der Schweiz und 

Spanien. 2000–2009 Professur an der 

Kunstakademie Düsseldorf. 

Musée d’Art moderne de la 

Ville de Paris / ARC, 

01.10.2009 – 03.01.2010 

Ω Vorzugsausgabe mit einer 

nummerierten und signierten, 

farbigen Lithografi e in einer 

Aufl age von 1/40 – 40/40 + 7 A.P. 


Albert Oehlen. 

Abstract Reality 

Mit einem Gespräch von Anne Montfort mit Albert Oehlen 

Als lose Sammlung von gefalteten Bögen präsentiert sich diese vom Künstler gestaltete 

Publikation. Eine neue Serie von großformatigen Gemälden und Zeichnungen 

von 2008/2009 mit leuchtenden Farben und ausgeprägter malerischer Gestik – hier 

erstmals publiziert – stellt Oehlen einer Folge von Arbeiten der Jahre 1990–2000 

gegenüber. Er zeigt die Geschichte der Arbeiten aus seiner eigenen Sicht – immer 

wieder arbeitet er mit Zitaten aus seinen Werken. Die losen Bögen können vom Leser 

auch in eine andere Reihenfolge gebracht werden, worin sich sein Begriff von Chronologie 

und Werkentwicklung widerspiegelt. 

Im Gespräch mit der Kuratorin Anne Montfort spricht Oehlen über Action Painting, 

über seinen Begriff von abstrakter und fi gurativer Malerei, seine Arbeitsweise und 

darüber, was denn ein „Albert Oehlen Gemälde“ eigentlich ausmacht. „Ich weiß 

wirklich nicht, was ich will, außer Gemälde zu schaffen, die ich selbst sehen will“, 

sagt er von sich. 

This publication, designed by the artist, is presented as a collection of folded looseleaves. 

Oehlen contrasts a new series of large format paintings and drawings from 

2008/2009, marked by their bright colours and pronounced painterly gestures and 

published here for the fi rst time, with a cycle of works from the period 1990–2000. 

He shows the history of the pieces from his own point of view—he constantly works 

with references from previous pieces. 


17 x 24 cm, 304 Seiten, 

ca. 100 farbige und ca. 40 s/w 

Abbildungen. 

Broschur 

978-3-86560-710-2 

€ 29,80 / chf 49,90 

Kunst / Art 

Jahresring 56 

Jahrbuch für moderne Kunst 

Herausgegeben von Brigitte Oetker 

im Auftrag des Kulturkreises der 

deutschen Wirtschaft im BDI e.V. 

Yilmaz Dziewior, Autor und Kurator, lebt 

in Bonn. Von 2001–2008 Direktor des 

Kunstvereins in Hamburg. Von Oktober 

2003 – März 2009 unterrichtete er 

Kunsttheorie an der Hochschule für bildende 

Künste in Hamburg. Ab Oktober 

2009 Direktor des Kunsthaus Bregenz. 

Weiterhin lieferbar / still available: 

Jahresring 55. Psychonauten. 

Kunst in Ekstase. 2008 

978-3-86560-524-5 

€ 29,80 / chf 49,90 

Jahresring 54. Mögliche Museen. 2007 

978-3-86560-290-9 

€ 28,– / chf 49,– 

Weitere Jahrgänge lieferbar. 


Wessen Geschichte. 

Vergangenheit in der Kunst der Gegenwart 

Herausgegeben von Yilmaz Dziewior 

Vorwort von Brigitte Oetker. Texte von Sheriff El Azama, Jean-Luc Nancy, Dieter Roelstraete, 

Niels Werber, Krystian Woznicki. Interviews mit Sheriff El Azama, Yto Barrada, 

Willie Doherty, Diango Hernández, Andree Korpys/Markus Löffl er, Gabriel Kuri, Little 

Warsaw, David Maljković, Victor Man, Silke Schatz, Johannes Wohnseifer, Danh Vo und 

Haegue Yang 

Globalisierung und Identität sind miteinander im Konfl ikt. Der diesjährige Jahresring 56 

beschäftigt sich mit der künstlerischen Auseinandersetzung kollektiver Identitäten 

in Zeiten der Globalisierung. Anhand welcher Geschichte(n) formieren sich Gemeinschaften 

im 21. Jahrhundert, und wer hat daran Anteil? Wer ist Urheber dieser 

Geschichte(n)? 

Es werden Künstler vorgestellt, die sich in ihrem Werk mit der Vergangenheit in ihren 

Heimatländern auseinandersetzen und in ihren Arbeiten die eigenen, subjektiven 

Erfahrungen refl ektieren, um bestimmte historische Situationen oder Entwicklungen 

anschaulich zu machen. Neben visuellen Essays und Abbildungen der Werke enthält 

der Band Interviews mit den Künstlern. Darüber hinaus erschließen fünf längere 

Essays weitere Aspekte des Themas. Die Essays und Interviews sind jeweils in Originalsprache 

Deutsch und Englisch belassen. 

This book introduces artists whose work grapples with the past in their home countries 

and refl ects their own, subjective experiences of particular historical events or developments. 

Alongside visual essays and illustrations of the works, the book also contains 

interviews with the artists as well as fi ve in-depth essays that develop further aspects of 

the topic. 


Yto Barrada, Yael Bartana/Artur Z · mijewski, Willie Doherty, Diango Hernández, Andree 

Korpys/Markus Löffl er, Gabriel Kuri, David Maljković, Victor Man, Silke Schatz, Danh Vo, 

Little Warsaw, Johannes Wohnseifer, Haegue Yang. 


16,3 x 22,5 cm, 220 pages, 


Softcover 

English 

978-3-86560-672-3 

€ 19,80 / chf 35,90 

Art / Kunst 

17 x 24 cm, 107 pages, 


Softcover 

English / Arabic 

978-3-86560-663-1 

€ 16,80 / chf 31,– 

Art / Kunst 


Transitory Objects 

Edited by Johannes Porsch and Daniela Zyman 

Texts by Sabeth Buchmann, Manuel De Landa, Helmut Draxler, Sebastian Egenhofer, 

Denis Hollier, Rosalind Krauss, Johannes Porsch and Mark Wigley 

This catalogue documents and interprets the question: what happens when architectural 

objects, usually in the form of architectural models, are presented in an exhibition 

alongside works of art? Does art become a fi xture, a piece of furnishing? Do architec ture 

and design objects become works of art? 

Various authors discuss this theme, illustrated by the coming together of architecture 

models and minimalist room installations by Fred Sandback and design objects with 

works by Dan Flavin. 

Der Katalog dokumentiert und interpretiert aus der Sicht verschiedener Autoren das 

Thema: Was passiert, wenn architektonische Objekte – meist Architekturmodelle – 

wie Kunstwerke gemeinsam mit künstlerischen Arbeiten in einer Ausstellung präsentiert 

werden? Wird Kunst zum Einrichtungsgegenstand? Werden Architektur und 

Designobjekte zu Kunstwerken? So werden Architekturmodelle mit minimalistischen 

Rauminstallationen von Fred Sandback konfrontiert oder Designobjekte mit Arbeiten 

von Dan Flavin. 

• Thyssen-Bornemisza Art Contemporary Wien, 03.07. – 31.10.2009 

• Künstler / Artists: Bojan Arevi, Herman Diaz Alonsos, Dan Flavin, Florain Hecker, 

Nicolaus Hirsch & Michel Müller, Laszlo Moholy-Nagy, Neri Oxman, Matthew Ritchie, 

Francois Roche & Stéphanie Lavaux, Fred Sanback, Francesca Woodman, Cerith Wyn Evans. 

Synchronicity. 

Roberta Lima. Dorit Margreiter. 

11th Cairo Biennial / Austrian Contribution 2008 

Edited by Felicitas Thun-Hohenstein 

Texts by Norman Klein, Roberta Lima, Dorit Margreiter and Felicitas Thun-Hohenstein 

Artists Roberta Lima and Dorit Margreiter take up this theme in the Austrian contribution 

to the Cairo Biennale in their work that will focus on the ‘Western’ perspective on 

strategies of appropriation applied to Cairo as a site for experiencing cultural alterity. 

Using their examination of the city and cultural contexts of Cairo as a basis, the artists 

seek to create illustrative models as (re)constructions of the urban space as a mode of 

investigating its power to effect and create realities. 

Synchronicity dokumentiert und refl ektiert die Zusammenarbeit der österreichischen 

Künstlerin Dorit Margreiter und der brasilianischen Künstlerin Roberta Lima für die 

Cairo Biennale 11, 2009. 

• Roberta Lima, born 1974 in Manaus, Brazil, lives and works in Vienna and Dublin. 

• Dorit Margreiter, born 1974 in Vienna. Vienna-based she produces installations, 

photographs and videos dealing with aspects of representation in gender, architecture 

and fi lm. 

• 11th Cairo Biennial, 2008 


17 x 24 cm, 320 Seiten, 


Broschur 

Deutsch 

978-3-86560-599-3 

€ 28,– / chf 49,– 

Kunst / Art 

Klaus Werner, 

geb. 1940 in Holzhau (Erzgebirge). 

Studium der Kunstgeschichte an der 

Humboldt-Universität zu Berlin. 

1974–1980 Leiter der Galerie Arkade 

in Ost-Berlin, die 1981 geschlossen 

wurde. 1998–2000 Mitbegründer und 

Leiter der Galerie für Zeitgenössische 

Kunst Leipzig. 2000–2003 Rektor der 

Hochschule für Grafi k und 

Buchkunst Leipzig. 


Klaus Werner. 

Für die Kunst 

Herausgegeben von Gabriele Muschter 

Vorworte von Arend Oetker, Eugen Blume, Gabriele Muschter und Klaus Staeck. 

Texte von Barbara Barsch, Julia Blume, Carlfriedrich Claus, Karl Max Kober, Judy Lybke, 

Michael Morgner, Roland Paris, Herbert Schirmer, Heidi Stecker, Barbara Steiner und 

Klaus Werner 

Bisher ist wenig über den 1940 geborenen Galeristen, Ausstellungsmacher und 

Hochschullehrer geschrieben worden. Mit der Galerie Arkade platzierte Klaus Werner 

eine unkonventionelle Einrichtung im DDR-Ausstellungsbetrieb, in der auch avantgardistische, 

abstrakte und minimalistische Positionen gezeigt wurden; auch das erste 

offi zielle Happening der DDR fand dort statt. Klaus Werners staatsfernes Programm 

führte 1981 zur Schließung. Als Visionär und Gründer der Galerie für Zeitgenössische 

Kunst in Leipzig sowie als Rektor der Hochschule für Grafi k und Buchkunst war er 

auch nach der Wende ein wichtiger Impulsgeber. 

Die Monografi e versammelt unter anderem bisher unveröffentlichtes Material 

– meist Originaldokumente, unter anderem Auszüge aus Stasi-Akten, Schriften und 

Gesprächen aus einem Zeitraum von über 30 Jahren. Die persönlichen Statements 

und Texte der Freunde und Wegbegleiter machen die Bildchronologie zu einem 

wunderbaren Lesebuch, das das Engagement für und die Liebe zur Kunst von Klaus 

Werner zeigt. 

Thus far there has been little published about Klaus Werner, one of the most interesting 

East German art mediators, gallery owners, exhibition organisers, discoverers and 

visionaries. 

With original documents, including extracts from Stasi fi les, writings and discussions 

by and about Klaus Werner, essays written specifi cally for each chapter as well as 

statements by friends and colleagues, this book is a unique collection of material 

that unlocks rare insight into historical interrelationships and illuminates Werner’s 

engagement in the world of art and culture. 


21,5 x 26,5 cm, 128 Seiten, 


Pappband 

Deutsch 

978-3-86560-698-3 

€ 25,– / chf 44,– 

Kunst / Art 

Galerie für zeitgenössische Kunst 

Leipzig, 2009 


Joseph Beuys, Markus Draper, Eckhard 

Fuchs, Kerstin Gommlich, Beate 

Gütschow, Eberhard Havekost, Olaf 

Holzapfel, Karl Horst Hödicke, Benjamin 

Katz, Astrid Klein, Bernd Koberling, 

Werner Lieberknecht, Maurizio 

Nannuccio, Blinky Palermo, Nina 

Pohl, Thomas Ruff, Thomas Scheibitz, 

Thomas Schütte, Cindy Sherman, 

Rosemarie Trockel 


Listen to your Eyes. 

Werke aus der Sammlung Schmidt-Drenhaus, Dresden/Köln, 

in der Galerie für Zeitgenössische Kunst Leipzig 

Herausgegeben von Johannes Schmidt 

Vorwort von Barbara Steiner. Texte von Peter Herbstreuth, Johannes Schmidt und 

Barbara Steiner 

Die Sammlung Schmidt-Drenhaus umfasst Werke der Moderne, vor allem des 

Expressionismus, der deutschen Nachkriegskunst und der Berliner Wilden Malerei 

sowie amerikanische Positionen der Konzeptkunst / Fotografi e und junge Kunst aus 

Dresden. Von den in der Sammlung vertretenen Künstlern werden stets mehrere 

Werke angekauft und künstlerische Entwicklungen über einen langen Zeitraum 

begleitet. Nach eigener Aussage sammeln Doris und Klaus F.K. Schmidt in erster Linie 

„um zu kuratieren“. Der Titel des Katalogs Listen to Your Eyes (Höre auf deine Augen) 

bezieht sich auf die gleichnamige Arbeit von Maurizio Nannucci von 2001 und ist eine 

Anspielung auf den im Kunsthandel gängigen Spruch „Listen to your Eyes“. 

The Schmidt-Drenhaus collection compromises works of modern art, primarily expressionism, 

German post-war art and New Expressionism from Berlin along with American 

conceptual art / photography and young art from Dresden. Ever more works are 

purchased, and the artistic development is accompanied over a long period of time. In 

their own words, Doris and Klaus F.K. Schmidt ‘collect in order to curate’. The title of the 

exhibition Listen to Your Eyes refers explicitly to the work of the same title by Maurizio 

Nannucci from 2001 and is an allusion to the saying ‘listen to your eyes’, which is commonly 

used in the art trade. 


17 x 24 cm, 224 Seiten, 




978-3-86560-653-2 

€ 29,80 / chf 49,90 

Kunst / Art 

Kunsthalle im Lipsiusbau, 

Staatliche Kunstsammlungen 

Dresden, 2009 


Sammlung Hoffmann. 

Mit dem Fahrrad zur Milchstraße / With the Bicycle to 

the Milky Way 

Texte von Jennifer Allen, Ulrich Bischoff, Heike Fuhlbrügge, Antje von Graevenitz, 

Pamela Kort, Jean-Luc Nivaggioni, Matthew Ritchie und Martin Roth 

Mit dem Fahrrad den Kosmos erkunden? Noch dazu freihändig, ohne sicheren 

Halt? Die Sammler Erika und Rolf Hoffmann interessierten sich von Anfang an 

für künstlerische Regelverletzungen und Grenzüberschreitungen. Ab dem Ende 

der 1960er Jahre begannen sie, ihre Kunstsammlung aufzubauen. Zunächst in 

Mönchengladbach, später in Köln beheimatet, ist in rund 40 Jahren eine Sammlung 

gewachsen, deren Spektrum von El Lissitzky über Jean Tinguely und Frank Stella bis 

Frank Nitsche, von Nina Kogan über Isa Genzken bis Vanessa Beecroft und Monica 

Bonvicini reicht. 

Seit 1997 ist die Sammlung in Berlin ansässig. Erstmals wird sie nun in einer 

Monografi e publiziert. 

Exploring the cosmos on your bicycle, using no hands and having no safe footing? 

From the very beginning the collectors Erika and Rolf Hoffmann have been interested 

in the artistic breaking of rules and the crossing of boundaries. They began building 

up their art collection at the end of the 1960s. Over the past 40 years a collection has 

grown whose spectrum ranges from El Lissitzky via Jean Tinguely and Frank Stella to 

Frank Nitsche and from Nina Kogan via Isa Genzken to Vanessa Beecroft and Monica 

Bonvicini. Since 1997 the collection has been housed in Berlin and for the fi rst time ever 

it is now published in a monograph. 


Hans Ulrich Obrist. The Conversation Series 

Still available / Weiterhin lieferbar: 

No. 1. Robert Crumb 

978-3-88375-948-7 

€ 9,80 / chf 18,50 

No. 2. John Chamberlain 

978-3-88375-922-7 

€ 12,80 / chf 24,– 

No. 3. Konrad Klapheck. 

Hans-Peter Feldmann 

978-3-86560-035-6 

€ 12,80 / chf 24,– 

No. 4. Rem Koolhaas 

978-3-86560-077-6 

€ 9,80 / chf 18,50 

13,4 x 21 cm, 158 pages, 


Softcover 

English 

978-3-86560-635-8 

€ 16,80 / chf 31,– 

Art / Kunst 


No. 6. Wolfgang 

Tillmans 

978-3-86560-133-9 

€ 14,80 / chf 27,50 

No. 7. Yona Friedman 

978-3-86560-171-1 

€ 14,80 / chf 27,50 

No. 8. Zaha Hadid 

978-3-86560-078-3 

€ 14,80 / chf 27,50 

No. 9. Gilbert & George 

978-3-86560-217-6 

€ 16,80 / chf 31,– 


Jeff Koons. Hans Ulrich Obrist. 

The Conversation Series 22 

Hans Ulrich Obrist and Jeff Koons are discussing the artist’s most important works of 

the last 20 years as well as his current projects. Koons affords insight into his American 

childhood and his unusual career. He talks about the huge infl uences of Marcel 

Duchamp and Andy Warhol, his personal experience of Pop Art and his own path, which 

he’s been following since the 1970s. The architect Rem Koolhaas also takes part in two 

of the discussions, which took place between 2004 and 2007. In this way an image, rich 

in facets and perspectives, is generated of one of the most enigmatic personalities of 

the international art scene. 

Hans Ulrich Obrist hat den Künstler im Studio, in New York und immer wieder 

unterwegs befragt. Dabei werden wichtige Arbeiten der letzten 20 Jahre sowie 

aktuelle Projekte besprochen. Daneben gewährt Koons Einblicke in seine 

amerikanische Kindheit und den ungewöhnlichen Werdegang. Er spricht über den 

großen Einfl uss von Marcel Duchamp und Andy Warhol, über sein Erlebnis der 

Pop-Art und den eigenen Weg, den er seit den 1970er Jahren gegangen ist. An zwei 

der zwischen 2004 und 2007 stattgefundenen Gespräche nimmt der Architekt 

Rem Koolhaas teil. So entsteht ein aspekt- und perspektivenreiches Bild eines der 

schillerndsten Persönlichkeiten der internationalen Kunstszene. 

• Jeff Koons, born 1955 in York, Pennsylvania, lives and works in New York 

and York, Pennsylvania. 

No. 10. Thomas Demand 

978-3-86560-204-6 

€ 16,80 / chf 31,– 

No. 11. Nancy Spero 

978-3-86560-322-7 

€ 14,80 / chf 27,50 

No. 12. Dominique 

Gonzalez-Foerster 

978-3-86560-334-0 

€ 14,80 / chf 27,50 

No. 13. Olafur Eliasson 

978-3-86560-335-7 

€ 16,80 / chf 31,– 

No. 14. Philippe Parreno 

978-3-86560-340-1 

€ 14,80 / chf 27,50 

No. 15. Enzo Mari 

978-3-86560-401-9 

€ 12,80 / chf 24,– 

No. 16. Gustav Metzger 

978-3-86560-498-9 

€ 14,80 / chf 27,50 

No. 18. John Baldessari 

978-3-86560-500-9 

€ 14,80 / chf 27,50 


No. 19. Christian 

Boltanski 

978-3-86560-513-9 

€ 19,80 / chf 35,90

13,4 x 21 cm, 96 pages, 


Softcover 

English 

978-3-86560-652-5 

€ 14,80 / chf 27,50 

Art / Kunst 


13,4 x 21 cm, 172 pages, 


Softcover 

English 

978-3-86560-093-6 

€ 19,80 / chf 35,90 

Art / Kunst 



Yoko Ono. Hans Ulrich Obrist. 


Yoko Ono talks to Hans Ulrich Obrist about her artistic beginnings in visual art and 

music, her musical development in New York, her contact with John Cage and her own 

musical works such as Unfi nished Music No. 1 (1968). Essential themes such as her 

Fluxus pieces and her well-known engagement for world peace and human rights, 

which is refl ected in much of her work, are brought up over fi ve interviews. She gives 

an account of how she founded a new state of ‘Nutopia’ with John Lennon and of 

her numerous installations and performances that are still shown time and again. 

In the discussions, in which architects and artists such as Rem Koolhaas and Gustav 

Metzger take part, the ‘icon of pop history’ shows herself to be a multifaceted and 

interdisciplinary artist. 

Yoko Ono spricht mit Hans Ulrich Obrist über ihre künstlerischen Anfänge in 

bildender Kunst und Musik, über ihre musikalische Ausbildung in New York, ihren 

Kontakt zu John Cage und ihre eigenen musikalischen Werke wie Unfi nished Music 

No. 1 (1968). In fünf Interviews kommen die wesentlichen Themen zur Sprache, 

wie ihre Fluxusarbeiten und ihr allseits bekanntes Engagement für Weltfrieden 

und Menschenrechte, das sich in vielen ihrer Arbeiten niederschlägt. So hat 

sie gemeinsam mit John Lennon einen Staat namens „Nutopia“ gegründet. 

Davon berichtet sie ebenso wie von ihren zahlreichen, immer wieder gezeigten 

Installationen und Performances. In den Gesprächen, an denen auch Architekten und 

Künstler wie Rem Koolhaas und Gustav Metzger teilnehmen, erweist sich die „Ikone 

der Popgeschichte“ als vielschichtige und interdisziplinär denkende Künstlerin. 

• Yoko Ono, born 1933 in Tokyo, lives and works in New York. 

Cedric Price. Hans Ulrich Obrist. 


Hans Ulrich Obrist met the great visionary and architectural theorist Cedric Price several 

times between 1999 and shortly before his death in 2003 and spoke with him about his 

architectural concepts and most important projects. The result is a spirited and vivid 

description of Cedric Price’s life’s work. 

Hans Ulrich Obrist hat den großen Visionär und Architekturtheoretiker Cedric Price 

von 1999 bis kurz vor seinem Tod 2003 mehrfach getroffen und mit ihm über seine 

Architekturkonzepte und wichtigsten Projekte gesprochen. Dabei ist eine lebendige 

und anschauliche Beschreibung von Cedric Prices Lebenswerk entstanden. 

• Cedric Price, born 1934 in Stone, Staffordshire (GB). Lived and worked in London, 

where he died in 2003. 


14 x 22 cm, 120 Seiten, 



Deutsch 

978-3-86560-723-2 

€ 14,80 / chf 27,50 

Kunst / Art 


14 x 22 cm, 112 Seiten, 



Deutsch 

978-3-86560-724-9 

€ 14,80 / chf 27,50 

Kunst / Art 



Klaus Honnef. 

Wilhelm Schürmann 

Herausgegeben von Regina Wyrwoll für die Kunststiftung NRW 

Energien | Synergien 9 

Zwei Männer im Gespräch, die unterschiedlicher kaum sein können, die jedoch beide 

die Anerkennung der Fotografi e als Kunst in Deutschland entscheidend befördert 

haben: der Ausstellungsmacher und Autor Klaus Honnef und der Sammler und 

Fotograf Wilhelm Schürmann. Aachen ist der Ausgangspunkt ihrer einzigartigen 

Erfolgsgeschichten: Klaus Honnef gründete dort 1968, noch Journalist der Aachener 

Nachrichten, den Gegenverkehr, einen Kunstverein interessierter Künstler und Bürger, 

der schnell überregionale Bedeutung gewann und der Ausgangspunkt für eine große 

Ausstellungsmacherkarriere wurde. In eben jener Grenzstadt und unmittelbar nach 

seinem Chemiestudium an der ortsansässigen RTHW betrat Wilhelm Schürmann 1973 

die öffentliche Bühne: Mit seinem Freund Rudolf Kicken eröffnete er Deutschlands 

erste auf Foto spezialisierte Galerie, Schürmann & Kicken. Das Gespräch zwischen 

Honnef und Schürmann entfaltet das spannende Drama der Dokumentarfotografi e 

als Kunstform zwischen Illustrierten- und Kunstwelt. 

• Klaus Honnef, geb. 1939 in Tilsit, lebt in Bonn. Professor em. an der Kunsthochschule 

Kassel. Vizepräsident der deutschen Sektion des Internationalen Kunstkritikerverbandes 

(AICA). Mitglied von ICOM Deutschland – International Council of Museums 

(Internationaler Museumsrat). Mitbegründer und Vorsitzender der Gesellschaft Photo 

Archiv in Bonn. Zahlreiche Fotobuch-Preise. 1988 Verleihung des „Chevalier de l’ordre 

des arts et des lettre“ der Republic de France. 

Karl Ruhrberg. 

Uwe M. Schneede 

Herausgegeben von Regina Wyrwoll für die Kunststiftung NRW 

Energien | Synergien 10 

In einer Hand hält er ein Notenblatt, mit der anderen schreibt er, die dritte steckt 

in einem dicken Boxhandschuh, in der vierten klemmt die brennende Zigarette. Die 

Krawatte weht im beschleunigten Tempo locker um seinen Hals, und als ob es der 

Tätigkeiten nicht genügend wären, kickt das linke Bein einen Ball fort – so sieht und 

charakterisiert Konrad Klapheck den umtriebigen Gründungsdirektor der Düsseldorfer 

Kunsthalle (1965) und des Kölner Museum Ludwig (1978) , den Ausstellungsmacher 

und Autor Karl Ruhrberg, in einer Zeichnung. Uwe M. Schneede, einst 

Ruhrbergs Assistent an der Kunsthalle Düsseldorf und später langjähriger Leiter der 

Hamburger Kunsthalle, traf Ruhrberg kurz vor seinem unerwarteten Tod, um mit ihm 

über ein spannendes und abwechslungsreiches Leben zwischen Kunst, Sport und 

Oper zu sprechen. 

• Karl Ruhrberg, geb. 1924 in Wuppertal, gest. 2006 in Köln. Er hat in den 60er Jahren 

entscheidenden Anteil daran gehabt, dass vom Rhein aus Impulse in die nationale 

und internationale Kunstszene gingen. Sieben Jahre lang gab er im sogenannten 

„Kunstbunker“, der Düsseldorfer Kunsthalle, als Direktor den Ton an, präsentierte 

Ausstellungen in vielen Varianten, beschritt neue Wege, war sechs Jahre beim 

Akademischen Austauschdienst in Dienst, bei dem er internationale Künstler för - 

derte und bekannt machte, und schließlich dann weitere sechs Jahre Direktor des 

Ludwig-Museums in Köln. 


16 x 24,4 cm, 184 Seiten, 

zahlreiche farbige Abbildungen. 

Broschur 

Deutsch 

978-3-86560-668-6 

€ 19,80 / chf 35,90 

Kunst / Art 

Uta Brandes, geb. 1949, Professorin 

für Gender und Design an der Köln 

International School of Design, 

lebt und arbeitet in Köln. 

Uta Brandes – weiterhin lieferbare 


She, and she as a 

collective novel. 2008 

978-86560-581-8 

€ 19,80 / chf 35,90 


Fandalismus. 

Von Vandalismus zu Fandalismus 

Herausgegeben von Uta Brandes 

Texte von Jan Anfang, Uta Brandes, Svenja Brüggemann, Pina Dietsche, Judith Dörrenbächer, 

Jakob Florczyk, Fionn Krämer, Josef Kril, Michael Marx und Marco Siegl 

Voreilig wird vieles, was im öffentlichen Raum von Unbekannten „verändert“ wird, 

als Vandalismus bezeichnet. Die Autorinnen und Autoren haben umherschweifende 

Feldforschung im städtischen Raum betrieben und das Phänomen „Vandalismus“ 

einer kritischen Revision unterzogen. Nicht Vandalismus, „Fandalismus“ heißt 

die kritische Rückaneignung des öffentlichen Raumes. So wird zum Beispiel aus 

kostenpfl ichtigem Leasing kostenloses, befreites Sitzen; aus gesellschaftlich 

als unschuldig und niedlich defi nierten Kindern werden Terroristen; gegen 

die Befürworter der städtischen Kübelpfl anzen-„Kultur“ werden revolutionäre 

Saatbomben-Werfer eingesetzt; Graffi ti gerät zu neuer Zeichenhaftigkeit mit zum Teil 

wunderbaren neuen Technologien; und auch die immer so positiv umarmte Flora und 

Fauna werden überzeugend als übel vandalistisch entlarvt. 

Das Buch provoziert den Leser, über Vandalismus, Political Correctness und 

Mainstream neu nachzudenken; und so manches, was, in Schubladen eingeordnet, 

sicher und gewiss erschien, dürfte dabei ebenso vergnüglich wie nachdenklich 

durcheinandergewirbelt werden. 

If anything in public spaces gets ‘changed’, this is often prematurely labelled as 

vandalism. The authors of this book have done extensive fi eld research, subjecting 

the phenomenon of ‘vandalism’ to critical revision. And things have turned out to be 

quite different than previously assumed, with good and bad being distributed in a 

surprisingly different way. The critical repossession of public space is not necessarily 

vandalism but rather ‘fandalism’. 

This book provokes a re-thinking of issues such as vandalism, political correctness and 

the mainstream, and in so doing, stirs up in a thoughtful and equally entertaining 

manner many issues that had seemed to be safely fi led away in their respective 

drawers. 


16 x 23 cm, 200 Seiten, 




978-3-86560-644-0 

€ 19,80 / chf 35,90 

Kunst / Art 

16 x 23 cm, 126 Seiten, 




978-3-86560-645-7 

€ 19,80 / chf 35,90 

Kunst / Art 

November 2009 


Hito Steyerl. 

n.b.k. Ausstellungen 

Mit einem Vorwort von Marius Babias. Texte von T. J. Demos und Bert Rebhandl 

Die Künstlerin Hito Steyerl hat in den letzten Jahren große internationale 

Anerkennung erfahren. Sie agiert an der Schnittstelle zwischen Film und bildender 

Kunst. Ihre Filme vereinen Elemente des Experimentalfi lms, des Autorenkinos, 

des Dokumentarfi lms und der Videokunst. Mit dieser Monografi e wird erstmalig 

das bisherige Œuvre Steyerls breit aufgefächert und durch die Autoren 

fi lmwissenschaftlich, kunsthistorisch und kulturgeschichtlich beleuchtet. Zahlreiches 

Bildmaterial zeigt die stilistisch geschliffene und diskursanalytisch geschulte (Bild-) 

Sprache in Steyerls Werk. Mit den Mitteln der Montage fügt sie Elemente aus Pop 

und Politik, Hollywood und Independent-Kino, Interviews und Off-Kommentaren zu 

provokanten fi lmischen Analysen der Gegenwart zusammen. 

With this monograph, Hito Steyerl’s complete œuvre to date is spread out and examined 

in terms of fi lm theory, art history and cultural history for the very fi rst time. The 

stylistically polished and analytically skilled (visual) language in Steyerl’s work is represented 

in numerous images. 

• Hito Steyerl, geb. 1966 in München, lebt und arbeitet als Filmemacherin, freie Journalis - 

tin und Autorin in Berlin. 

• n.b.k., Neuer Berliner Kunstverein, 2009 

Solvej Helweg Ovesen. Die Welt als Bühne. 

n.b.k. Diskurs 

Dieser Essay untersucht die Beziehung zwischen Performance Art und der Performitivität 

des Alltagslebens, dem tagtäglichen Zwang zum Handeln. Ausgehend 

von zeitgenössischen KünstlerInnen wie Tamy Ben-Tor, Carey Young, Jan Mančusˇka, 

Jan Northoff und Claus Carstensen & Peter Bonde werden performative Schismen 

zwischen künstlerischer Performance und der Alltagsperformance in Beziehungen, im 

Job, auf der Straße und im virtuellen Alltag erörtert. Wie inspirierend ist Performance 

Art für die Alltagsperformance? 

This essay examines the relationship between performance art and performance in 

everyday life, the daily necessity of action. Looking at the work of contemporary artists 

such as Tamy Ben-Tor, Carey Young, Jan Mančusˇka, Jan Northoff and Claus Carstensen & 

Peter Bonde, schisms between artistic performance and everyday performance in relationships, 

at work, on the street and in virtual spaces are reconsidered. To what extent 

does performance art inspire our everyday performance? 

• Solvej Ovesen, geb. 1974 in Kopenhagen, ist derzeit Kuratorin in der Kunsthalle Fridericianum 

in Kassel. Sie war dort u.a. wissenschaftliche Assistentin und Koordinatorin der 

Ausstellung Collective Creativity mit Künstlergruppen aus Europa, Asien und Amerika. 

Zuvor arbeitete sie für die Ausstellung Who if not we… bei Bak, basis vor aktuele konst, 

Utrecht. 

• n.b.k., Neuer Berliner Kunstverein, 2009 


16 x 23 cm, 142 Seiten, 



Deutsch 

978-3-86560-712-6 

€ 19,80 / chf 35,90 

Kunst / Art 

Februar / February 2010 

16 x 23 cm, 178 Seiten, 




978-3-86560-643-3 

€ 19,80 / chf 35,90 

Kunst / Art 


Barbara Kalender, Jörg Schröder. 

Immer radikal, niemals konsequent. 

Der MÄRZ Verlag 1968 bis heute 

n.b.k. Diskurs 

Herausgegeben von Marius Babias 

1969 wurde der legendäre MÄRZ Verlag von Jörg Schröder gegründet, der 1989 

insolvent ging. Die Mischung aus linker Politik, Avantgarde-Literatur, Popkultur und 

Business Art machte den Verlag zu einer einfl ussreichen Referenz der Post-68er. Autoren 

wie Rolf Dieter Brinkmann, Leslie Fiedler, Valerie Solanas oder Bernward Vesper, 

aber auch Künstler wie Thomas Bayrle, Robert Crumb und Hermann Nitsch veröffentlichten 

bei MÄRZ. Das Buch ist als Zeitreise in die bundesrepublikanische Subkultur 

angelegt. Neben vielen persönlichen Geschichten über Freunde, Sympathisanten und 

Gegner werden in chronologischen Kapiteln die Gründung, die Porno-Skandale der 

1970er, die Insolvenzprozesse und weitere legendäre Stationen des Verlags erzählt. 

In 1969 Jörg Schröder founded the legendary MÄRZ Verlag—in 1989 it went bankrupt. 

The mixture of left-wing politics, avant-garde literature, pop culture and business art 

made the publishing house an infl uential reference point for the post-6os generation. 

Alongside many personal stories about friends, sympathisers and opponents, the history 

of the publishing house MÄRZ Verlag is laid out chronologically, with chapters on its 

formation, the porno-scandals of the 1970s, the bankruptcy and other important events. 

Thomas Kilpper. State of Control. 

n.b.k Ausstellungen 

Herausgegeben von Marius Babias 

Mit Texten von Marius Babias, Eugen Blume und einem Interview von Clemens Krümmel 

Ausgehend von der Historizität des jeweiligen Ortes, entwickelt der Künstler Thomas 

Kilpper seine interventionistischen Arbeiten meist in zum Abriss oder Verkauf stehenden 

Gebäuden. Sie bilden sein „künstlerisches Material“, in das er sich einschreibt. 

In seinen Floor Cuttings bearbeitet Kilpper in monatelanger Arbeit den Boden der 

Gebäude. Es sind vor allem Akteure der Geschichte, die in den Boden geschnitten 

werden. Von den Bodenschnitten werden Drucke genommen, die in der Tradition des 

Holzschnitts stehen und ein eigenständiges künstlerisches Werk bilden. Das Buch 

dokumentiert Kilppers Intervention State of Control (2009) im ehemaligen Ministerium 

für Staatssicherheit der DDR und zeigt Werke der Einzelausstellung im Neuen 

Berliner Kunstverein (2009). 

In his fl oor cuttings, Thomas Kilpper engages with German history. His large-scale 

intervention on 1,600 square meters offers a historical retrospective on various state 

concepts of surveillance and repression, from the Nazi period to the digital present. 

• Thomas Kilpper, geb. in Stuttgart, lebt und arbeitet in Berlin. 

• n.b.k. , Neuer Berliner Kunstverein, 2009 

Ehemaliges Ministerium für Staatssicherheit der DDR (MfS), Normannenstr. 19, 

Berlin-Lichtenberg 


15 x 21 cm, 96 Seiten, 


Broschur 


978-3-86560-709-6 

€ 14,80 / chf 27,50 

Kunst / Art 


24 x 30 cm, 80 Seiten, 


Broschur 


978-3-86560-708-9 

€ 14,80 / chf 27,50 

Kunst / Art 

Dezember / December 2009 


Anton Henning. 

Gegengift / Antidote 

Text von Katja Blomberg 

Anton Henning inszeniert im Haus am Waldsee eine Altmeistergalerie, die auch 

Salon, Archiv oder modernes Museum sein könnte. Mit subversiver Leichtigkeit 

bedient er sich aus dem Fundus der Kunstgeschichte. Selbstbewusst greift Henning 

nach dem Geist von Frans Hals, Goya, Picasso, Picabia, Polke, Arp, Moore oder Matisse. 

Plastiken, Gemäldemöbel, Bänke, Sofas und Tische komponiert er zu einer frei 

fl ießenden Gesamtinstallation, die alle Gattungsgrenzen und Berühungsängste mit 

historischen Meistern durch leidenschaftlich ironisiertes Sich-Aneignen ersetzt. 

Anton Henning stages a gallery of Old Masters at Haus am Waldsee which could be 

described equally as a Salon, an archive or a modern museum. With subversive lightness 

he avails himself of the rich fund of art history. Supremely self-confi dent, Henning 

reaches for the spirits of Frans Hals, Goya, Picasso, Picabia, Polke, Arp, Moore or Matisse. 

He composes sculptures, furniture from paintings, benches, couches and tables into a 

free-fl owing installation which supersedes all genres and reserve towards historical 

painting by passionately ironic appropriation. 

• Anton Henning, geb. 1964 in Berlin, lebt und arbeitet in Berlin und Manker. 

• Haus am Waldsee, 20.09. – 29.11.2009 

Corinne Wasmuht. 

Supracity 

Vorwort von Katja Blomberg. Text von Stephan Berg 

Die in Argentinien aufgewachsene Malerin Corinne Wasmuht (1964) sammelt Abbildungen 

aus Massenmedien, Zeitschriften, Zeitungen, Internet und Fachbüchern und 

überträgt sie zusammen mit eigenen Fotos in collagierte Gemälde. Katastrophen, 

Werbung und Nachrichten verdichten sich zu simultan erfassten Lebensräumen. Die 

leuchtende Farbigkeit ihrer altmeisterlich auf Holz gemalten Tafeln folgt einer speziellen 

Lasurtechnik, die die großformatigen Bilder mit elektronischen Bildaufbauten 

vergleichbar macht. Sie scheinen vexierend zu vibrieren und aus dem Jetzt einen Blick 

in die Zukunft zu riskieren. 

The painter Corinne Wasmuht, born 1964 in Germany and raised in Argentina, collects 

reproductions from television, magazines, newspapers, the internet and reference books 

and transfers them into collage paintings. Disasters, advertisements and news condense 

into simultaneously perceived habitats. The bright coloration of her panels, painted on 

wood in the methods of the Old Masters, follows a specifi c glazing technique which 

makes the large-scale paintings comparable to electronic images. They appear to 

vibrate vexingly and risk a glance into the future. 

• Corinne Wasmuht, geb. 1964 in Dortmund, studierte von 1983 – 1990 an der Kunstakademie 

Düsseldorf, unter anderem als Meisterschülerin bei Professor Alfonso Hüppi. 

Sie lebt und arbeitet in Düsseldorf. 

• Haus am Waldsee, 11.12.2009 – 14.02.2010 


18,5 x 27 cm, 40 pages, 


Softcover 

English 

978-3-86560-701-0 

€ 18,– / chf 32,90 

Art / Kunst 

17 x 24,5 cm, 152 pages, 


Hardcover 

English 

978-3-86560-678-5 

€ 34,– / chf 58,– 

Art / Kunst 


Klaus Weber. 

Bee Works 

Essay by Tom Holert 

Bringing together new work by Klaus Weber this publication records the production 

of a series of paintings (stretched canvases that have been defecated on by ‘cleansing’ 

bees) and the subsequent proposal for an action to cause a bee swarm on the statue of 

Adam Smith in Edinburgh. Serving as a rhetorical ‘collective hallucination’ with regard 

to Smith’s intellectual legacy, Klaus Weber continues to develop fresh and exciting challenges 

to normative social relations through the historical symbolism of the hive as 

social metaphor and art as a social strategy. 

Der Künstler Klaus Weber hat für seinen neuen, in diesem Katalog präsentierten 

Werkkomplex Bienen zu einem bioästhetischen Experiment animiert. Beim Reinigungsfl 

ug entsorgen Bienen im Frühjahr jene Exkremente, die sich während der Winterruhe 

angesammelt haben. Sie fühlen sich von weißen Flächen angezogen – sei es von zum 

Trocknen aufgehangener Wäsche oder mit weißem Acryllack grundierten Leinwänden. 

Indem sich die Bienen freudig von ihrer Last befreien, hinterlassen sie gelblichbraune 

Flecken auf den Leinwänden und helfen so die abstrakt-expressiv wirkenden 

Gemälde Webers zu produzieren. 

• Klaus Weber, born 1967, lives and works in Berlin. 

• Transmission Gallery, Glasgow 

Keith Tyson. 

Cloud Choreography and Other Emergent Systems 

Essays by Ziba de Weck Ardalan, Pedro Ferreira and Tadeusz Skorupski 

Keith Tyson’s work can be seen as an ongoing investigation into the question of how 

things come into being. Many of them investigate the physical forms and systems 

found within the natural world; others examine the effects of mankind on the 

environment, and the ensuing man-made forms and systems. In other works, Tyson 

questions the creation of the artwork itself, positing it as something which can be 

randomly generated by systems, but simultaneously making us aware that these 

systems are generated by the artist. 

For the fi rst time in a publication, Tyson’s work is examined simultaneously from both 

an artistic, mathematical and spiritual position, providing a new insight into the artist’s 

approach. 

Ausgehend von der Astrophysik, der Mathematik und Refl ektionen über die Natur 

und ihr Verhältnis zum Menschen, verknüpft Keith Tyson, Turner-Prize-Gewinner 2002, 

in seinen Arbeiten wissenschaftliche Erkenntnisse mit einem poetischen Geschick, 

das uns immer auch hinter die Schönheit der Oberfl äche blicken lässt. 

• Keith Tyson, born 1969 in Ulverston (UK), lives and works in Brighton and London. 

He received the Turner Prize 2002. 

• Parasol Unit, London, 16.09. – 11.11.2009 


6,5 x 10 cm, 30 farbige Spielkarten 

in transparenter Kartenbox 

aus Plastik und Titelschild 


978-3-86560-018-2 

€ 48,– / chf 81,– 

Kunst / Art 

15 x 20,5 cm, 164 Seiten, 


Broschur 

Deutsch 

978-3-86560-697-6 

€ 24,– / chf 43,– 



George Brecht. 

Solitaire 

27 (Spiel)-Karten mit collagierten Fragmenten (Samen, bunten Papieren etc.), die auf 

Zahlen verweisen (1–5). Erstausgabe einer als Entwurf 1959 von Brecht präsentierten 

Arbeit in der Ausstellung toward events: an arrangement in der Reuben Gallery 

New York. 

Solitaire, 27 playing cards, is an event object which refers with collaged fragments to 

the numbers 1 to 3: a score, inventory list, a conceptual instruction which invites the 

audience to participate. At the same time, they are score cards which correspond to an 

event: this is an event that is conceptualized and can potentially be performed even 

before the score itself has been written. Edition of 500 copies. 

• George Brecht, geb. 1926 in New York, gest. 2008 in Köln. Er arbeitete in den 

50er und 60er Jahren als Chemiker in New York. Daneben begann er seine künst - 

lerische Arbeit, in der er Zufallsprozesse erforschte. 1957 schrieb er Chance Imagery, 

eine Abhandlung über die Bedeutung des Zufalls in der Kunst und in den Wissenschaften. 

1958–59 besuchte Brecht den Kurs „Experimental Composition“ von 

John Cage an der New York School for Social Research. In den folgenden Jahren 

entwickelte Brecht die Konzeption des „Events“. Für George Maciunas, den Fluxus- 

Chef-Organisator, bildeten die Events von George Brecht ein Kernstück der 

Absichten von Fluxus. 1970 zog Brecht nach Düsseldorf, 1972 nach Köln. 2006 erhielt 

George Brecht den Berliner Kunstpreis. 

Tomas Schmit. katalog 1. 

Kommentiertes Werkverzeichnis der Arbeiten 1962–1978 

2. unveränderte Aufl age der Ausgabe Köln 1978 

Vorwort von Wulf Herzogenrath. Texte, Abbildungen, Layout, Satz, Indices, Ausstellungsverzeichnis 

und Bibliografi e von Tomas Schmit 

Ω „die folgenden texte sind, das ist so meine art, ungefähr so geschrieben wie man 

heutzutage fußballspielen sollte: mit viel tempowechsel. ich meine, es soll sich niemand 

wundern, wenn ich bei halbwegs unwichtigen dingen zwei seiten vollerzähle und dann 

’ne wichtige dicke sache in zwei, drei knallharten sätzen abfertige!” 

So wohltuend Klartextiges fi ndet man in Tomas Schmits Einführung zu seinem 

katalog 1, den er 1978 im Kölnischen Kunstverein herausbrachte. Er entwickelte mit 

diesem Buch, das die Jahre 1962 – 1978 umfasst, den ersten seiner vier Werkkataloge. 

Der seit Jahrzehnten vergriffene katalog 1 liegt mit dieser Neuaufl age nun endlich 

wieder vor. Der Faksimiledruck ist die erste Publikation des neu gegründeten tomas 

schmit archiv in Berlin. 

With this book, covering the period 1962–1978, Tomas Schmit produced the fi rst of four 

œuvre catalogues. These contain his texts about and images of the works and were 

published at ten-year intervals for his retrospectives. katalog 1 is an indispensable artist’s 

book of the 70s. Out of print for decades, it fi nally is available again. This facsimile 

edition is the fi rst publication of the newly founded tomas schmit archive in Berlin. 

• Tomas Schmit, geb. 1943 in Thier. Gymnasien, keine sonstige Ausbildung, doch Leute 

wie Paik, Maciunas, Køpcke oder Gosewitz pfl egte Schmit seine Lehrer zu nennen. 


16,5 x 20,5 cm, 124 Seiten, 


Broschur 

Deutsch 

978-3-86560-542-9 

€ 24,– / chf 43,– 

Kunst / Art 

16,8 x 23,2 cm, 144 Seiten, 


Pappband 

Deutsch 

978-3-86560-664-8 

€ 24,– / chf 41,– 

Kunst / Art 


Jean Dubuffet. Künstlerbücher. 

Mit einem illustrierten und kommentierten Werkverzeichnis 

von Sophie Webel 

Herausgegeben von Andreas Franzke 

Texte von Andreas Franzke, Melanie Horst, Michael Krajewski und Sophie Webel 

Jean Dubuffet (1901–1985) war Maler, Bildhauer, Illustrator, aber auch Dichter, Musiker, 

Weinhändler und Freund vieler Schriftsteller und Intellektueller. Er ist einer der 

wenigen bedeutenden Künstler der zweiten Hälfte des 20. Jhdts., dessen autonome 

Künstlerbücher als eigenständige Werkgruppe von gleichem Rang sind wie seine 

Bilder, Zeichnungen und Skulpturen. Neben Picasso und Miro gehört Dubuffet zu den 

großen und radikalsten Erneuerern der Künstler- bzw. Malerbücher. 

Jean Dubuffet (1901–1985) was a painter, sculptor and illustrator but also a poet, 

musician, wine dealer and friend of many other authors and intellects. He is one of the 

few signifi cant artists of the second half of the 20th century whose autonomous artist’s 

books, as independent groups of work, attained the same standing as his pictures, 

drawings and sculptures. Alongside Picasso and Miro, Dubuffet is one of the biggest and 

most radical innovators of artists’ and painters’ books. 

• Jean Dubuffet, geb. am 31. Juli 1901 in Le Havre, gest. 12. Mai 1985 in Paris, Frankreich. 

• Andreas Franzke war viele Jahre Direktor der Kunstakademie Karlsruhe, als ausgewiesener 

Spezialist hat er zahlreiche Bücher und Aufsätze zum Werk Jean Dubuffets 

veröffentlicht. 

• Sophie Webel ist Direktorin der Fondation Dubuffet, Paris. 

Ludwigs Grafi k 1. Von Warhol bis Pettibon 

Vorwort von Brigitte Franzen. Texte von Annette Lagler, Barbara Thiemann und 

Myriam Kroll 

Im Ludwig Museum Aachen schlummert eine exzeptionelle Sammlung moderner 

und zeitgenössischer Druckgrafi ken von mehr als 2000 Bildern höchster Qualität. 

Die neue Direktorin Brigitte Franzen legt jetzt den ersten Bestandskatalog vor mit 

Grafi ken der nordamerikanischen Kunst der 60er bis zu den frühen 90er Jahren: 

Pop-Art, Hyperrealismus, Pattern & Decoration und Concept Art sowie umfangreiche 

Blattserien von Einzelpositionen wie etwa Nancy Graves und Raymond Pettibon. 

An exceptional collection of modern and contemporary graphical prints, comprising of 

more than 2000 pictures of the highest quality, lies dormant in the Ludwig Museum in 

Aachen. The museum’s new director Brigitte Franzen now presents their fi rst inventory 

catalogue of North American graphical art ranging from the 60s to the early 90s: Pop 

Art, Hyperrealism, Pattern & Decoration and Concept Art as well as extensive series of 

works from individual artists such as Nancy Graves and Raymond Pettibon. 

• Ludwig Forum Aachen, 2009 

Ludwig Museum – weiterhin lieferbare Titel / still available titles: 

Stichwort Gegenwart. Die aktuelle Bestandsaufnahme. 2008 

978-3-86560-224-4 

€ 29,90 / chf 49,90 


21 x 21 cm, 195 Seiten, 


Broschur 

Deutsch 

978-3-88364-062-4 

€ 22,– / chf 39,– 


25,5 x 19 cm, 112 Seiten, 



Deutsch 

978-3-86560-656-3 

€ 29,80 / chf 49,90 



Stadtbaukunst: Der Hauseingang. 

Dortmunder Architekturheft No. 21 

Herausgegeben von Christoph Mäckler 

Beiträge von Jean-Christophe Ammann, Georg Ebbing, Paul Kahlfeldt, Rob Krier, 

Arno Lederer, Christoph Mäckler, Fritz Neumeyer, Jan Pieper, Laurent Stalder und 

Hans Stimmann 

Das Buch widmet sich dem Thema des „Hauseingangs“ und ist eine der ersten 

Monografi en, die sich mit Vorlesungen von Kunsthistorikern, Städtebauern und 

Kritikern zu diesem zentralen, aber vernachlässigten Thema beschäftigt. 

Informativ und amüsierend ist auch der 70-seitige Schlussteil des Buches, in dem 

25 international renommierte Architekten ihre „Lieblingseingänge“ präsentieren, 

denen ihre eigenen Hauseingänge gegenübergestellt werden. 

This book is dedicated to entranceways and is one of the fi rst monographs to deal with 

this central, yet neglected theme, with written pieces by art historians, urban planners 

and critics. 

• Die Dortmunder Architekturhefte wurden 1975 von Josef Paul Kleihues gegründet 

und von Christoph Mäckler herausgegeben. 

Erich Rossmann. 

Monumente in Rom – Zeichnungen 

Auf seinen Streifzügen während der letzten 25 Jahre durch Rom hat sich der Architekt 

Erich Rossmann auf Pfade abseits der Touristenströme begeben und seine Eindrücke 

von der baulichen Geschichte und Gegenwart der Stadt auf Zeichnungen und in 

Texten festgehalten. Dabei macht Erich Rossmann Entdeckungen, die selbst Kenner 

Roms noch in Erstaunen versetzen. 

So angenehm wie die Zeichnungen zu betrachten sind, so vergnüglich sind die Texte 

Rossmanns. Sie paaren das Informative mit dem Ankedotischen, woraus eine heitere, 

aber auch äußerst lehrreiche Lektüre resultiert. 

During the past 25 years, the architect Erich Rossmann has been exploring Rome, 

avoiding the throngs of tourists and taking routes well off the beaten path. He has 

recorded his impressions of the structural history and present-day of the city in 

drawings and text. In doing so Erich Rossmann has made discoveries that will astonish 

even those who know Rome well. 

• Erich Rossmann, geb. 1925. Studium bei Egon Eiermann an der TH Karlsruhe, 

1952 Gründung eines eigenen Büros (Rossmann+Partner), aus dem er 1998 

ausscheidet, Honorarprofessor an der Universität Karlsruhe. 


21 x 25 cm, 164 Seiten, 


Broschur 


978-3-86560-711-9 

€ 28,– / chf 49,– 

Kunst / Art 

12,5 x 19 cm, 48 Seiten, 


Pappband 

English 

978-3-88560-648-8 

€ 24,80 / chf 44,– 

Art / Kunst 


Markéta Othová 

Texte von Karel Císarˇ und Christina Végh 

Markéta Othovás Werk scheint eine instinktive Rückwärtsbewegung durch die 

Geschichte der Fotografi e zu vollziehen, wobei ihr Ausgangspunkt der „archival turn“ 

der 1990er Jahre ist: 1994 begann die Künstlerin ihr umfassendes Archiv eigener 

Schnappschüsse zu durchforsten und zu Fotoinstallationen zusammenzustellen. Später 

wandte sich Othová der Technik sequenziell aufgenommener zeitlicher Serien zu 

– einer Technik, die Verwendungsweisen der Fotografi e nahesteht, wie wir sie aus der 

Konzeptkunst der 1970er Jahre kennen. In ihren neuesten Arbeiten konzentriert sie 

sich auf die Komposition von Einzelbildern, die ausschließlich in der Laborumgebung 

des Fotostudios entstehen, sodass sie nun bei den Experimenten der Foto-Avantgarde 

der 1920er und 1930er angelangt ist. 

Markéta Othová’s point of departure has turned out to be the 1990s ‘archival turn’: 

beginning in 1994, the artist started to mine an extensive archive of her own snapshots. 

Starting at the turn of the decade, Othová shifted to the technique of temporal series, 

recorded sequentially—which put her close to the use of photography as we know it 

from the 1970s conceptual art. This publication presents her latest works, where she is 

more than ever focused on the composition of particular images, now shot exclusively 

in the lab environment of a photographer’s studio—so that she has now come next to 

the experiments of the photographic avantgarde of the 1920s and 1930s. 

• Markéta Othová, geb. 1968 in Brno, ehemalige Tschechoslowakei, lebt und arbeitet 

in Prag. Ausstellungen u. a. Kunsthalle Basel, Neues Museum Nürnberg, The 

Photographer’s Gallery in London und Kunsthalle Mucsarnok in Budapest. 

• Jiri Svestka Gallery, Prag 

Andro Wekua. 

Workshop Report 

The artist’s book Workshop Report brings together all of Andro Wekua’s most recent 

computer generated collages, which incorporate photographs of his working method 

during the making of the fi lm By the Window. The reproduction of this series of collages is 

prefaced by a passage from Dream Replicants of the Cinema by fi lm critic Georg Seeßlen. 

Hier vereint Andro Wekua seine neuesten, am Computer entstandenen Collagen, 

in die er Fotografi en des eigenen Arbeitsprozesses zu seinem Film By the Window 

integrierte. Den Abbildungen der Serie ist ein Textauszug aus Dream Replicants of the 

Cinema des Filmkritikers Georg Seeßlen vorangestellt. 

• Andro Wekua, born 1977 in Sochumi, Georgia, lives and works in Berlin, Germany and 

Zürich, Switzerland. 

• MUSEION – Bozen/Bolzano, 24.05.2009 – 03.01.2010; Centre d’art Contemporain 

Wiels, Brüssel 

Andro Wekua – still available titles / 


Without Mirror. 2006 

978-3-86560-064-6 

€ 14,80 / chf 27,50 


20,5 x 28,7 cm, 175 Seiten, 


Leinen 

Deutsch 

978-3-86560-707-2 

€ 39,80 / chf 67,– 

Kunst / Art 


11 x 18 cm, 168 Seiten, 

36 s/w Zeichnungen. 


Deutsch 

978-3-86560-720-1 

€ 12,80 / chf 24,– 

Kunst / Art 


Peter Stauder. 

Landschaft als Modell. Zeichnungen 

Mit Texten von Vanessa Joan Müller und Peter Stauder 

Der Künstler und ausgebildete Philosoph folgt in den verschiedenen Facetten seines 

Werks einer gesellschaftskritischen Aussage, die er in einer Abfolge themenbezogener 

Projekte (Raum Zeichen Weltstellung, Mythos und Entstellung, Landschaft als 

Modell, Ding und Gegenstand, Totes und Unlebendiges) ästhetisch zu präzisieren sucht. 

Das vorliegende Buch ist eine theoretische wie künstlerische Auseinandersetzung mit 

dem Modellcharakter von Landschaft als einer fehlleistungshaften sozialen Konstruktion. 

Die im Buch abgebildeten Zeichnungen entstanden als Entwürfe für großformatige 

Werke. Sie wurden aus dem umfangreichen Konvolut von Arbeiten ausgewählt, 

die aus den Überlegungen zum Thema „Landschaft als Modell“ hervorgingen. 

This book is both a theoretical and artistic examination of the model qualities of landscape 

as a failing social construct. 

The drawings presented in the book began as sketches for large format pieces of work. 

They have been chosen from the extensive omnibus of works that arose from considerations 

on the topic ‘landscape as a model’. 

• Peter Stauder, geb. 1951. Studium der Philosophie. Arbeitet in Bonn und Rolandseck. 

Peter Stauder – weiterhin lieferbare 


Mythos und Entstellung. 2007 

978-3-86560-255-8 

€ 40,– / chf 68,– 

Robert Pütz. Fröhlich alt. 

Mit Zeichnungen von Tomi Ungerer 



Der signierten Vorzugsausgabe 

1/30 – 30/30 in einer Kassette liegt eine 

kolorierte Zeichnung bei. 

Bücher über das Alter und das Älterwerden haben derzeit Konjunktur. Klassiker werden 

ausgegraben, wie etwa Senecas Die Kürze des Lebens, Arthur Schopenhauers Die 

Kunst, alt zu werden oder Jean Amerys Über das Alter. Gedruckte Ratgeber erscheinen, 

wie man der Altersmelancholie am besten entrinnt und glücklich altert. Einen 

Gedichtband nur über das Alter und das Altwerden hat es bisher noch nicht gegeben. 

Der Autor Robert Pütz hat mit 70 Jahren seine eigene Befi ndlichkeit zu diesem Thema 

mit leisem Spott und feiner Ironie zum Ausdruck gebracht. Tomi Ungerer, 78, hat dazu 

seine genialen Illustrationen beigetragen. 

• Robert Pütz, geb. 1939 in Köln, ist Fotograf, Layouter und Werbegrafi ker. 

• Tomi Ungerer, geb. 1931 in Strasbourg, ist Cartoonist, Illustrator, Zeichner.

14 x 18,5 cm, 6 s/w Abbildungen. 

DVD 


978-3-86560-650-1 

€ 24,– / chf 43,– 

Film 

15 x 21 cm, 44 Seiten, 


Broschur 

Deutsch 

978-3-86560-647-1 

€ 9,80 / chf 18,50 

Kunst / Art 


Peter Roehr. 

Film-Montagen I – III (1965) 

Als der Künstler Peter Roehr 1968, kaum 24 Jahre alt, in Frankfurt a. M. starb, hinterließ 

er mehr als 600 Arbeiten: Bilder, Texte, Filme und Tonaufnahmen, alle um die Mitte 

der 1960er Jahre nach demselben seriellen Prinzip lückenloser Wiederholung entstanden. 

Roehrs axiomatisches bzw. minimalistisches Werk ist von einem konzeptuell 

orientierten Kunstverständnis geprägt. Daher überrascht es nicht, dass die aktuelle 

Kunstwelt das Werk Peter Roehrs, und hier besonders die 22 Film-Montagen von 1965, 

als extrem aktuell empfi ndet. Zum ersten Mal liegen nun sämtliche Filme sorgfältig 

restauriert im Video-Format PAL vor. 

When the artist Peter Roehr died in Frankfurt in 1968, scarcely 24 years old, he left 

behind over 600 works: pictures, texts, fi lms and tapes, all created around the mid-60s 

and following the same serial principle of uninterrupted repetition. Roehrs axiomatic 

and minimalist œuvre strongly refl ects his conceptual notion of art. It is therefore not 

surprising that the current artworld experiences the work of Peter Roehr, and especially 

his 22 Film Montages from 1965, as extremely contemporary. 

• Peter Roehr, geb. 1944 in Lauenburg, Pommern; gest. 1968 in Frankfurt a.M. 

Er war ein deutscher Maler und Objektkünstler. Ausstellungen u.a. documenta 5 

(1972), Van Abbemuseum Eindhoven (1977), Kunstmuseum Luzern (1978), Haus der 

Kunst München (1986), Guggenheim Museum New York (1992). 

• Museum für Moderne Kunst, Frankfurt a.M., 28.11.2009 – 06.03.2010 

Eine Kooperation von Städel Museum und MMK, Frankfurt a.M. 

Siegfried Zielinski. 

Kaos Pilot Kairos Poet. 

Peter Weibel zum Fünfundsechzigsten 

Fotografi en von MONO KROM 

„Ich würde ja gerne aufräumen. Darf aber nicht. Das Büro wurde zum Weltkulturerbe 

erklärt.“ (Peter Weibel) 

‘I would like to tidy up, but I’m not allowed. The offi ce has been declared a World 

Heritage Site.’ (Peter Weibel) 

• Peter Weibel, geb. 1951 in Butzbach, Hessen, lebt und arbeitet in Berlin. Mitglied der 

Akademie der Künste, Berlin, Sektion Film- und Medienkunst. Seit 1999 Vorstand des 

ZKM Karlsruhe. 


Verantwortlich für das Programm 

sind Matthias Haase, David Horst, 

Maria Muhle, Francesca 

Raimondi und Dirk Setton. 

10 x 16 cm, 60 Seiten, 

11 s/w Abbildungen. Broschur 

Deutsch 

978-3-941360-02-0 

€ 9,80 / chf 18,50 


10 x 16 cm, 92 Seiten, 

10 s/w Abbildungen. Broschur 

Deutsch 

978-3-941360-03-7 

€ 9,80 / chf 18,50 



August Verlag Berlin 

Imprint im Verlag der Buchhandlung Walther König, Köln 

Der August Verlag Berlin ist ein Forum für Theorie im Schnittpunkt von Philosophie, 

Politik und Kunst. Die Reihe Kleine Edition steht in der Tradition des Essays, jenes 

Genres der Intervention, die zu lang für eine Zeitschrift und zu kurz für ein herkömmliches 

Buch ist. Im großen Format wird zeitgenössische Theorie veröffentlicht. 

Anselm Haverkamp. 

Begreifen in Bildern: Methodische Annäherungen 

an die Aktualität der Kunst 

Die Aktualität der Kunst ist eine des Begreifens – dies ist die Bestimmung, um die 

Anselm Haverkamp in seinem Essay zur Methodologie der Kunst kreist. Im Ausgang 

von der augenfälligen Ähnlichkeit zweier historisch entfernter Bilder – Antonello 

da Messinas Maria der Verkündigung und August Sanders Blindgeborene Kinder 

– argumentiert Haverkamp, dass die aktuelle Relevanz der Kunst weder in ihrer 

Nähe zu politischen Zuständen, noch in ihrer Durch arbeitung von philosophischen 

Vorgaben oder lebensweltlichen Interessen zu suchen ist. Kunst wird so als Begreifensgeschichte 

lesbar, in der es nicht um die Bewältigung geschichtlich überkommener 

Schuld geht, sondern um eine bildliche Epistemologie: um die Möglichkeiten des 

Erkennens zugleich verborgener und historisch mächtiger Hypotheken. 

• Anselm Haverkamp ist Professor für Literaturwissenschaften in Frankfurt/Oder und 

New York. Zuletzt ist von ihm erschienen: Diesseits der Oder. Frankfurter Vorlesungen 

(2008). 

Barbara Vinken. 

Eine Legende der Moderne. Flauberts Einfaches Herz 

Félicité, Flauberts normannisches Dienstmädchen von bestürzender Einfalt, hält die 

Leser seit Generationen in Atem: Moderne Heilige oder Frustrierte im Papageienfi eber? 

– In ihrer Lektüre vom Einfachen Herzen verschränkt Barbara Vinken Flauberts 

Aneignung des Maria-Topos der Dienstmädchenliteratur mit der Analyse des Vogelreigens 

in der Malerei des 19. Jahrhunderts. Mit der Ersetzung der Taube, dem Symbol 

des geistigen Gottesboten, durch den Papageien, dem erotischen Liebesvogel par 

excellence, wird aus dem Versprechen der göttlichen Botschaft die geistlose mechanische 

Nachahmung menschlicher Rede. Das Einfache Herz wird so als verkehrter 

Bildungsroman lesbar, in dem Félicité als Nullpunkt moderner Subjektivität zugleich 

zum Paradigma des Zustands der Sprache in der Moderne wird – eines Zustands, in 

dem das Wort, aller zeugenden Kraft beraubt, nur noch toter Buchstabe ist. 

• Barbara Vinken ist Professorin für Allgemeine und Französische Literaturwissenschaft 

in München. 

• Das Buch erscheint im Rahmen der von Barbara Vinken herausgegebenen Flaubertvorlesungen 

des Centre Flaubert München/Paris. In der Vorlesungsreihe entwerfen 

Philosophen, Literatur- und Kunstwissenschaftler neue Perspektiven auf das Werk 

von Gustave Flaubert. Als Nächstes erscheinen in dieser Reihe Texte von Jonathan 

Culler, Hans Ulrich Gumbrecht, Michael Fried, Jacques Rancière u.a. 

august verlag berlin

11 x 18 cm, 292 pages, 


Softcover 

English 

978-3-941360-04-4 

€ 29,80 / chf 49,90 

Art Theory / Kunsttheorie 


11 x 18 cm, 360 Seiten. 

Broschur 

Deutsch 

978-3-941360-00-6 

€ 29,80 / chf 49,90 



Sun Tropes. 

Sun City and (Post-)Apartheid Culture in South Africa 

Edited by Aljoscha Weskott and Marietta Kesting 

Texts, interviews and photographs by Leslie Witz, Jeanne van Eeden, Ivan Vladislavić, 

David Goldblatt, Kgebetli Moele, Shaheed Saleem, Gwen Gill and others 

Sun Tropes follows traces of Sun City through South Africa’s history from the late 70s 

until today. The book focuses specifi cally on the practices of entertainment and popular 

culture that have become standard by now. As the African imitation of Las Vegas, Sun 

City’s glittering hotel palaces refl ect the desire of lavishness, escapism and the longing 

for a completely artifi cial time-space. The book (re-)constructs the ‘mythical’ location of 

Sun City on different levels: as a historical and visual case study; through the incorporation 

of oral history perspectives as a fragmented space of post-Apartheid memory. 

Sun Tropes zeichnet die Spuren eines an sich geschichtslosen Ortes in Südafrika von 

Ende der 1970er Jahre bis heute nach und wirft dabei sein Augenmerk auf Entertainmentpraktiken, 

die längst globale Standards geworden sind. Auf eine bestimmte Art 

führte Sun City – als afrikanische Las-Vegas-Imitation – etwas vor, was sich heute in 

Dubais glitzernden Hotelpalästen manifestiert: Verschwendung, Eskapismus und ein 

seltsames Begehren nach einem künstlichen Zeit-Raum. 

• Marietta Kesting ist Assistentin am Lehrstuhl für Visuelle Zeit- und Kulturgeschichte 

an der Universität Wien. Ihre Filme Photo Roman (2002) und Howzit!? Life in Johannesburg 

mit A. Weskott (2008) waren auf internationalen Festivals zu sehen. 

• Aljoscha Weskott ist Politikwissenschaftler, Filmemacher und Autor. Er ist Mitherausgeber 

von Gespräche über Erinnerung in der Berliner Republik (2008) und Regisseur 

der Filme Disco Ceremonies (2004) und Sunny Land (2009). 

Georg Canguilhelm. 

Die Erkenntnis des Lebens 

Der 1965 erschienene Band La connaissance de la vie, der nun in deutscher Übersetzung 

vorliegt, versammelt Canguilhems Aufsätze, die aus biologischer, medizinischer 

und neo-vitalistischer Perspektive die Beziehung zwischen Denken und Leben untersuchen. 

Canguilhem entwickelt hier seine berühmte These, dass Leben nicht primär 

als Zyklus der Selbsterhaltung, sondern als vitale Dynamik der Selbstüberschreitung 

zu verstehen ist. Diese radikale Neubestimmung des Lebensbegriffs ist zu einem der 

maßgeblichen Bezugspunkte der zeitgenössischen lebenswissenschaftlichen, philosophischen 

und ästhetischen Diskussionen geworden. Canguilhems neo-vitalistische 

Refl ektionen werfen so ein neues Licht auf die gegenwärtig virulenten Debatten um 

Biopolitik und Biowissenschaft, die durch Canguilhems berühmten Schüler Michel 

Foucault angeregt wurden. 

• Georges Canguilhem (1904– 1995) war einer der führenden Philosophen und Wissenschaftshistoriker 

Frankreichs. Zu seinen Schülern zählen Michel Foucault, Pierre Bourdieu 

und Alain Badiou. Auf Deutsch liegen u.a. vor: Das Normale und das Pathologische 

(1974, 1977), Wissenschaft, Technik, Leben (2007), Die Herausbildung des Refl exbegriffs im 

17. und 18. Jahrhundert (2007). 

august verlag berlin 67

12,5 x 21 cm, 100 Seiten, 

24 ganzseitige farbige Abbildungen. 



978-3-86560-549-8 

€ 28,– / chf 49,– 


978-3-86560-624-2 

€ 28,– / chf 49,– 

Kunst / Art 

Charlotte Birnbaum, geb. in Stockholm, 

Kunsthistorikerin, lebt und arbeitet in 

Stockholm und Frankfurt a.M. 

Christa Näher, geb. in Lindau am Bodensee, 

lebt und arbeitet in Frankfurt a.M. 

und Wolfegg. Professur an der 

Städelschule in Frankfurt a.M. Ausstellungen 

u.a. documenta 9, 1992. 

Ω Die innere Reise von Charlotte 

Birnbaum weckt auf das Köstlichste 

meine Erinnerungen, nährt auf das 

Feinste meine Sehnsucht, füttert 

liebevoll meine Kräfte aus jener Zeit, 

als, wie Charlotte schreibt, „… das Tier 

nicht nur ein anständiges Leben hatte, 

es wurde auch nach dem Schlachten 

respektiert, indem der Tierhalter 

jeden Teil des Körpers achtete und zu 

verarbeiten wusste.“ 

(Christa Näher) 

Ω Es erscheint eine Vorzugsausgabe 

(siehe Seite 73). 


Die innere Reise. / A Journey Within. 

Ein Buch über das Kochen mit Innereien. / Cooking with Offal 

Text von Charlotte Birnbaum. Bilder von Christa Näher 

Charlotte Birnbaum holt Rezepte mit Leber, Hirn, Herz, Zunge und Kutteln zurück auf 

ihre Speisekarte. Aus eigener Erfahrung notiert sie in fünf Kapiteln Gerichte aus einer 

vergessen geglaubten Küche. Schon in der Einleitung macht sie dem Leser Appetit 

auf die zu Unrecht in Verruf geratene Kunst des Innereienkochens. Die 35 Rezepte sind 

praktikabel und leicht nachzukochen. Jedes der fünf Kapitel wird von einem kulturgeschichtlichen 

Abriss eingeführt. 

Illustriert wird dieses bibliophile Koch-Brevier von Zeichnungen von Christa Näher. 

Das Kochen mit Innereien ist eine fast in Vergessenheit geratene Kunst. Köstlicheres 

Essen gibt es nicht, und wer bereit ist, diesen heute nahezu unbekannten Kontinent 

zu erforschen, hat ein großes Abenteuer vor sich. (Textauszug) 

Charlotte Birnbaum brings recipes with liver, brain, heart, tongue and tripe back onto 

the menu. Refl ecting on her own personal experience, the author describes 35 delectable 

dishes from this almost-forgotten cuisine. The introduction itself is enough to whet the 

reader’s appetite for the art of cooking innards, which has unjustly fallen into disrepute. 

The recipes are feasible and easy to cook and each of the fi ve chapters is introduced 

with an abridged cultural history of its respective offal. This culinary breviary is illustrated 

with drawings by Christa Näher and is a must for any cooking bibliophile. 


12,5 x 21 cm, 124 Seiten, 

20 Farbtafeln und 4 s/w Abbildungen. 


Deutsch 

978-3-86560-714-0 

€ 28,– / chf 49,– 

Kunst / Art 

Charlotte Birnbaum, geb. in Stockholm, 

Kunsthistorikerin, lebt und arbeitet in 

Stockholm und Frankfurt a.M. 

Christa Näher, geb. in Lindau am Bodensee, 

lebt und arbeitet in Frankfurt a.M. 

und Wolfegg. Professur an der 

Städelschule in Frankfurt a.M. Ausstellungen 

u.a. documenta 9, 1992. 

Ω „Casanova war nicht nur ein Liebhaber 

von ungewöhnlicher Ausdauer, 

sondern auch ein potenter Koch.“ 

„Casanovas Lieblingsgericht war eine 

schlichte Makkaroni-Pastete, eine 

,pasticcio di maccherone‘. Seine Vorliebe 

für diese Teigwaren war so groß, dass er 

schon als neunjähriger Knabe ein Sonett 

zu ihrem Lob dichtete und danach als 

,Makkaroni-Prinz‘ bezeichnet wurde.“ 

(Charlotte Birnbaum) 


Pasteten, Pasteten, Pasteten. 

Neue und alte Geheimnisse der Kochkunst 

Text von Charlotte Birnbaum. Bilder von Christa Näher 

Die Pastete ist die Königin der Speisen. Ihr Innenleben immer ein Geheimnis, ihr 

Äußeres eine Skulptur. Kein anderes Gericht ist so geeignet für Überraschungen und 

kulinarische Amüsements. Wenn sie groß genug ist, können Tauben oder singende 

Kinder plötzlich aus Pasteten in Erscheinung treten! 

Was ist lustiger und köstlicher als dieses geheimnisvolle kleine Kunstprodukt? Die 

Autorin hat immer wieder festgestellt: Pasteten sind nicht nur beliebt, weil sie lecker 

sind, sondern sie machen überhaupt gute Laune. Eine Pastete, egal wie anspruchsvoll, 

ist immer etwas Feierliches. Sie ist, auch wenn nicht ganz gelungen, ein Kunstwerk. 

Jede Pastete ist einmalig. Auch wenn die Pastetenkunst faszinierende Höhepunkte 

kennt, handelt dieses Buch vor allem von unkomplizierten Rezepten, die – wie die 

Autorin hofft – jeder als Inspiration für eigene Kreationen nehmen kann. Grenzen 

kennt der Pastetenbäcker keine. 

Illustriert wird dieses neue bibliophile Koch-Brevier wieder von Zeichnungen von 

Christa Näher. 

Pâté is the queen of all foods. Its inner life is always a secret, its exterior a sculpture. No 

other dish is as suitable for surprises and culinary amusement. When big enough, a pâté 

may supply the hiding place from which a fl ock of doves or a group of singing children 

can suddenly appear! 

What could be funnier and more delectable than this mysterious little processed consumable? 

The author has reached the conclusion again and again: pâtés are not only 

loved because they are delicious, but also because they create a good mood. A pâté, no 

matter how sophisticated, is always something festive. It is, even if it’s not completely 

successful, a work of art. Every pâté is unique. Although there are some fascinating 

highlights in the art of pâté baking, this book is mainly concerned with uncomplicated 

recipes, which—as the author hopes—anyone can take as inspiration for their own 

creations. The pâté baker knows no bounds. 


19 x 21 cm, 132 Seiten mit 

11 transparenten Zwischenblättern. 

Leinen mit amerikanischem 

Schutzumschlag 


978-3-86560-655-6 

€ 48,– / chf 81,– 

Kunst / Art 


26,5 x 39 cm, 108 Seiten, 




978-3-86560-713-3 

€ 38,– / chf 64,– 

Kunst / Art 


Falco Marx. Schmuck / Jewellery. 1966/2009 

Vorwort von Gerhard Dietrich. Text von Jean-Christophe Ammann 

Dieser bibliophil gestaltete Band ist die erste monografi sche Publikation des 

Schmuckkünstlers Falko Marx. Er präsentiert einen von ihm selbst ausgewählten 

repräsentativen Querschnitt durch sein Lebenswerk mit rund 60 Arbeiten. 

Als Schmuckkünstler entwickelte Falko Marx ein höchst innovatives, in seiner 

Radikalität einzigartiges Œuvre. Ohne das perfekt beherrschte Handwerk zu verlassen, 

hinterfragt er mit den Mitteln großer Goldschmiedekunst althergebrachte 

Vorstellungen von Schmuck. Antike Glyptik und archäologische Fundstücke, aber 

auch Alltagsgegenstände wie Konservendosendeckel oder Puzzleteile integriert und 

verfremdet er auf überraschende Art und Weise. In seinen oft erzählerischen und 

bildhaften Arbeiten schafft er fetischhafte Kultobjekte, die dennoch herausragende 

Qualitäten als Schmuck besitzen. Eine der bemerkenswertesten Kreationen sind seine 

Wasser-Ringe, in deren Schalen sich Goldkügelchen, Edelmetallnadeln und Edelsteine 

frei bewegen. 

This fi rst monograph on the jewellery artist Falko Marx presents a broad selection of 

his highly innovative and radical work. Drawing on a wide range of infl uences, from 

ancient glyptics and archaeological artefacts to everyday objects such as jam-jar lids or 

jigsaw pieces, he creates fetish-like jewellery with cult status. 

• Falko Marx, geb. 1941 in Köln, lebt und arbeitet in Köln. 1961–1965 Studium an den 

Kölner Werkschulen, Goldschmiedeklasse bei Elisabeth Treskow. 

• Museum für Angewandte Kunst Köln, 29.10.2009 – 10.01.2010 

Georg Hornemann. 

Objekte / Objects 

Mit Texten von Thomas Olbricht und Valeria Liebermann 

Georg Hornemann, 1940 in Dessau geboren, gehört zu den weltweit gefragtesten 

Juwelieren. Seine enorme künstlerische Begabung und sein perfekter Umgang mit 

dem Material haben ihm als Goldschmied und Schmuckdesigner fast alle international 

renommierten Preise eingebracht. Das großformatige, exzellent ausgestattete Buch 

stellt in Totalen und Detailansichten 17 Arbeiten der letzten Jahre vor. 

Georg Hornemann, born 1940 in Dessau, is one of the most in-demand jewellers in the 

world. His huge artistic talent and perfect handling of the materials have seen him pick 

up almost every international goldsmith and jewellery designer prize. This large format 

book presents 17 pieces from the last few years with excellent details and complete 

views. 

• Georg Hornemann, geb. 1940 in Dessau, lebt und arbeitet in Düsseldorf. 


17 x 29,7 cm, ca. 80 Seiten, 

35 Abbildungen. 

Broschur 


978-3-86560-726-3 

€ 19,80 / chf 35,90 

Kunst / Art 


Temporäre Kunsthalle Berlin, 

25.09. – 15.11.2009 


Monica Bonvicini, Enrico David, Jason 

Dodge, Elmgreen & Dragset, 

Isa Genzken, Julian Göthe, Karl 

Holmqvist, Alexandra Hopf, Judith 

Hopf, Laura Horelli, Anna-Kavata 

Mbiti, Shahryar Nashat, Henrik Olesen, 

Kirsten Pieroth, Lotte Reiniger, Dean 

Sameshima, Dash Snow, Josef Strau, 

Suzanne Treister, Susanne Winterling, 

Amelie von Wulffen u.a. 


Scorpio’s Garden 

Texte von Patricia Ellis und Angela Rosenberg 

Scorpio’s Garden stellt Werke und Performances von über 35 internationalen 

Künstlern zu einer subjektiven Momentaufnahme der aktuellen Berliner Kunstszene 

zusammen. Die Stadt Berlin wird metaphorisch als Garten gedeutet, in der Bilder, 

Ideen und Konzepte wachsen, konkurrieren und sich gegenseitig überwuchern. 

Weder Rückblick noch Ausblick, demonstriert Scorpio’s Garden die ungebrochene 

Anziehungskraft Berlins auf Künstler aus aller Welt. 

Scorpio’s Garden brings together works and performances of over 35 international 

artists in a subjective snapshot of the current art scene in Berlin. The city is metaphorically 

represented as a garden, in which images, ideas and concepts grow, compete and cover 

over one another. Neither retrospective nor prospective, Scorpio’s Garden demonstrates 

Berlin’s unceasing attraction to artists from all over the world. 


24,5 x 20,5 cm, 104 pages, 


Softcover 

English 

978-3-86560-655-6 

€ 19,80 / chf 35,90 

Art / Kunst 

17 x 23,5 cm, 104 Seiten, 



Deutsch 

978-3-86560-659-4 

€ 18,– / chf 32,90 

Kunst / Art 


Jorge Otero-Pailos. 

The Ethics of Dust 

Texts by Thordis Arrhenius, Daniel A. Barber, Daniel Birnbaum, Valeria Burgio, Lorenzo 

Fusi, Francesca von Habsburg et al. Conversation between Francesca von Habsburg, 

Jorge Otero-Pailos, Dinko Peračić, François Roche, Andreas Ruby and Mark Wigley 

The author has developed a process by which he removes and isolates pollution from 

historically signifi cant buildings using latex. The installations in Doge’s Palace for the 

Venice Biennale are documented in this catalogue with numerous colour illustrations. 

Jorge Otero-Pailos konserviert in einem speziellen Verfahren Verschmutzung in Latexabdrücken. 

Otero-Pailos, Professor für historische Denkmalpfl ege an der New Yorker 

Columbia Universität, rückt so mit seinen Installationen das vielleicht signifi kanteste 

kulturelle Erzeugnis der Industrialisierung in den Blickpunkt, das traditionellerweise 

als Abfall- und Nebenprodukt und nicht als Teil unseres kulturellen Erbes betrachtet 

wird. The Ethics of Dust wurde erstmals im Rahmen der Manifesta7 präsentiert und 

in einer venezianischen Version als Teil von Daniel Birnbaums Biennale-Ausstellung 

„Fare Mondi // Making Worlds“ im Arsenale. 

Der Autor hat ein Verfahren entwickelt, bei dem er Verschmutzungen an historisch 

signifi kanten Gebäuden mit Latex abnimmt und isoliert. Die Installationen im 

Dogenpalast der Biennale werden im Katalog mit zahlreichen Farbabbildungen 

dokumentiert. 

• Jorge Otero-Pailos, born 1971 in Madrid, is an architect and theorist specialized in 

the fi eld of experimental forms of preservation. 

• Fare Mondi // Making Worlds, Doge’s Palace, Venice, 2009 at the 53rd International 

Art Exibition, La Biennale di Venezia. 07.06. – 22.11.2009 

Günter Brus – Offenlegungen. 

Ein Symposion zum 70. 

Herausgegeben von Peter Weibel 

Texte von Éric Alliez, Franz Josef Czernin, Harald Falckenberg, Cathérine Grenier, Oliver 

Jahraus, Karin von Maur, Régis Michel, Olga Neuwirth,Burkhard Stangl, Peter Weibel 

und Oswald Wiener 

Anlässlich des 70. Geburtstages von Günter Brus veranstaltete das BRUSEUM der 

Neuen Galerie Graz am Landesmuseum Joanneum 2008 „Ein Fest für Günter Brus“, 

das aus einem Symposium mit internationalen Referenten und Referentinnen, einer 

Ausstellung und einem Festakt mit einer Laudatio von Oswald Wiener, der Aufführung 

einer Komposition von Olga Neuwirth und Burkhard Stangl sowie einer Lesung 

mit Brus’ literarischen Werken mit Bernd Jeschek bestand. 

Die Ergebnisse des Symposiums liegen nun in dieser Publikation mit einer beigefügten 

CD vor. 

• Günter Brus, geb. 1938 in Ardning, lebt und arbeitet in Graz. 

• Neue Galerie Graz am Landesmuseum Joanneum, 2008 


Editionen Vorzugsausgaben 

Bereits angekündigt / Previously announced: 

Werner Büttner. 

Lohn des Schweigens. 

Erotica, Dionysiaca, Vanitatia 

Köln 2009. 17,5 x 23,5 cm, 144 Seiten, 

63 farbige Abbildungen. Leinen . 

Werner Büttner hat für jede der sieben 

Vorzugsausgaben eine Original-Collage 

in der Größe 21,5 x 29 cm geschaffen, 

jedes Exemplar ist anders. 

Aufl age: 30, davon die Exemplare 1 –7 

+ 2 A.P. Exemplare mit Collage, signiert 

und nummeriert im Stülpdeckelkarton 

25,5 x 33,5 cm. 

Preis: € 1.800,– mit Collage 

€ 39,80 ohne Collage 

Neu / New 2009: 

Charlotte Birnbaum. Christa Näher. 

Die innere Reise 

Köln 2009. 21 x 12,5 cm, 100 Seiten, 

24 farbige Abbildungen. Pappband mit 

Schutzumschlag im Karton. 

Der Vorzugsausgabe liegen illustrierte 

Lithografi en von Christa Näher in der 

Größe 30 x 40 cm bei, handvergoldet, 

signiert und nummeriert. 

Aufl age: 45 + 5 A.P. 

Preis: € 680,– 


Johannes Wohnseifer. 

White Men 

Köln 2009. 20 x 23 cm, 64 Seiten 

mit 32 montierten Tafeln, broschiert. 

Das Buch erscheint nur als Vorzugsausgabe. 

Für das Buch wurde eine Auswahl von 

32 Motiven zum Thema „Siemens“ gescannt 

und im Offsetverfahren auf Zeitungspapier 

gedruckt. Alle Abbildungen 

wurden dann von Hand ausgeschnitten 

und in ein Blankobuch eingeklebt. 

Aufl age: 15 + 5 A.P. Exemplare, 

signiert und nummeriert. 

Preis: € 480,– 

Walter Dahn. 

About today 


80 farbige Abbildungen. Klappenbroschur 

im Schuber. 

Der Vorzugsausgabe liegt eine Fotografi 

e (Pilzschnecke) in der Größe 

16,5 x 23 cm bei, signiert und nummeriert. 

Aufl age: 18 + 3 A.P. signiert und 

nummeriert. 

Preis: € 180,– 

Enrico David. 

Untitled, 2009 

Köln 2009. 18,8 x 26 cm, 52 Seiten mit 

44-seitigem Text-Insert, 22 farbige 

Abbildungen. Pappband. 

Der Vorzugsausgabe liegt ein Siebdruck 

der Größe 100 x 70 cm bei. Buch und 

Druck sind eingelegt in einem dreiseitig 

aufklappbaren schwarzen Pappkarton, 

bei einer Klappengröße von 70 x 65 cm 

und Befestigungslaschen. 

Aufl age: 20 + 5 A.P. Exemplare, signiert 

und nummeriert. 

Preis ca.: € 750,– 

Simon Starling. 

Under Lime 



Klappenbroschur im Karton. 

Der Vorzugsausgabe liegen sieben 

getrocknete Pfl anzen bei. 

Aufl age: 40 Exemplare, signiert und 

nummeriert. 

Preis: € 380,– 


22,5 x 30 cm, 288 pages, 


Embossed hardcover 

and dust jacket 

English 

978-86560-646-4 

€ 38,– / chf 64,– 

Art / Kunst 

2009 

Sarah Morris, 

born 1967 in London, lives and 

works in New York and London. 

Received the Joan Mitchell Foundation 

prize for painting in 2001. 

MMK Frankfurt, 2009 

Museo d’Arte Moderna Bologna, 2009 

Witte de With Rotterdam, 

Fall 2009 – Summer 2010 


aus unserer backlist / from our backlist 

Sarah Morris. 

Beijing 

Texts by Colin Chinnery, Anthony Lane and Andrea Phillips 

Sarah Morris spent several months observing the preparation and execution of the 

2008 Olympic Games in Beijing. Continually accompanied by disputes with Chinese 

bureaucracy, she struggled to gain access and permission to fi lm at the games. The 

result is a pulsating 86 minute fi lm, which not only paints a picture of the Olympic 

Games but also of the booming urban growth in China and the construction of buildings 

by ‘star’ architects such as Norman Foster’s T3 at Beijing airport, Herzog & 

De Meuron’s ‘bird’s nest’ or Rem Koolhaas’ CCTV Tower. The relationships and apparatus 

of power that have shaped the situation in Beijing are subtly unraveled 

in Morris’ fi lm. 

In her work, which includes fi lm and paintings, the artist presents fast images, architectural 

details, people, movements and close-ups, all with her very distinctive aesthetic 

vision. The fi lms are scored with soundtracks that reinforce the rhythm of the images 

and build up immense tension. 

Sarah Morris hat sich über Monate hinweg mit der Vorbereitungs- und Laufzeit 

der Olympischen Spiele in Peking 2008 beschäftigt. Vor dem Hintergrund der 

Auseinandersetzungen mit der chinesischen Bürokratie erkämpft sie sich den 

Einlass zu den Spielen und eine Drehgenehmigung. Das Resultat ist ein pulsierender 

86-minütiger Film, der nicht nur die Olympiade zeigt, sondern auch den in China 

boomenden Städtebau und die Bauten der Star-Architekten, wie Norman Fosters T3 

des Beijing Airports, Herzog & De Meurons „Vogelnest“ oder Rem Koolhaas’ CCTV 

Tower. Die Machtverhältnisse und -apparate, die die Situation in Peking bestimmt 

haben, werden in Morris’ Film subtil gezeigt und in der Publikation anschaulich 

dokumentiert. 


14 x 22,5 cm, 272 Seiten, 


Broschur 

Deutsch 

978-3-86560-607-5 

€ 19,80 / chf 35,90 

Kunst / Art 

2009 

Christian Boltanksi, 

geb. 1944 in Paris, 

lebt und arbeitet in 

Malakoff bei Paris. 



Christian Boltanski. Catherine Grenier. 

Das mögliche Leben des Christian Boltanski 

Herausgegeben und übersetzt von Barbara Catoir 

Christian Boltanski liebt es, Geschichten zu erzählen und mit Anekdoten seine 

Vergangenheit lebendig werden zu lassen. Catherine Grenier ist in dieser fesselnden 

Erzählung die Zuhörerin und gibt mit ihren Fragen die Stichworte, um den Redefl uss 

des Künstlers zu lenken. „Da muss ich die Geschichte mit der Katze erzählen“, und 

schon wird ein Stück Vergangenheit so lebendig, wie es keine Geschichtsschreibung 

vermag: Paris unter der deutschen Besatzung, die Gesetze der Vichy-Regierung, das 

Verbot für Juden, ein Haustier zu halten. Mit seinen Erzählungen von seinen vielen 

Begegnungen mit anderen Künstlern, mit Museumsleuten, Kunstkritikern, Galeristen 

wandert er durch die Kunstszene der vergangenen Jahrzehnte. 

Der Titel bezieht sich wortspielerisch auf Boltanskis ersten Kurzfi lm von 1968: „La 

vie impossible de Christian Boltanski“. Aus diesem „unmöglichen Leben“ wurde im 

Rückblick „das mögliche Leben des Christian Boltanski.“ 

Christian Boltanski loves telling stories, bringing his past to life with autobiographical 

sketches and anecdotes. Catherine Grenier is the listener, prompting this captivating 

narrative with well-informed questions in order to steer the artist’s monological 

fl ow of speech. ‘I’ll have to tell you the story about the cat’. With that a piece of the 

past becomes more alive than any written history may hope to render it: Paris under 

German occupation, the laws of Vichy France, the ban on Jews owning pets. Various 

stories and anecdotes about the numerous encounters he has had with other artists, 

museum people, art critics, gallery owners, open our eyes to the art scene of the past 

few decades. 

The title refers to Boltanski’s fi rst short fi lm from 1968 ‘La vie impossible de Christian 

Boltanski’. This ‘impossible life’ becomes, in retrospect, what he calls ‘une vie exemplaire’: 

an exemplary life. 


Candida Höfer. On Kawara. 

Date Paintings 

25 x 27 cm, 256 S., 138 farb. Abb., 

Leinen mit Schutzumschlag 

978-3-86560-501-6 

€ 68,– / chf 115,– 

Radical Nature. 

Art and architecture for a 

changing planet, 1969–2009 

23 x 27 cm, 256 S., 180 farb. Abb., 

broschiert 

978-3-86560-608-2 

€ 39,80 / chf 67,– 

Angelika Hoerle. 

The Comet of the Avant-Garde 

1912–23 

20 x 24,5 cm, 144 S., 80 farb. und 

45 s/w Abb., broschiert 

978-3-86560-631-0 

€ 24,– / chf 43,– 

Gerhard Richter. 

Elbe. 31 Monotypien 1957 

24,6 x 34,4 cm, 74 S. 

31 farb. Abb., broschiert 

978-3-86560-588-7 

€ 19,80 / chf 35,90 



Candida Höfer. 

Projects: Done 

21,6 x 28 cm, 240 S., 373 farb. Abb., 

broschiert mit Schutzumschlag 

978-3-86560-634-1 

€ 38,– / chf 64,– 

Robert Mangold. 

X, Plus and Frame Paintings. 

Works from 1980s 

21 x 29,5 cm, 92 S., 52 farb. Abb., 

gebunden 

978-3-86560-625-9 

€ 29,80 / chf 49,90 

Isa Genzken. 

Sesam, öffne dich! 

23 x 28,5 cm, 248 S., 199 farb. Abb., 

gebunden, Dt. 

978-3-86560-583-2 

€ 48,– / chf 81,– 

Medium Religion. 

Faith. Geopolitics. Art 

21,5 x 25,5 cm, 340 S., 250 farb. 

und 30 s/w Abb., broschiert 

978-3-86560-604-4 

€ 29,90 / chf 49,90 

Bernhard Fuchs. 

Straßen und Wege, Fotografi en 

25 x 28 cm, 120 S., 53 farb. Abb., 

Leinen 

978-3-86560-623-5 

€ 48,– / chf 81,– 

Herbert Molderings. 

Atelier Man Ray 

14,5 x 21 cm, 96 S., 

38 s/w Abb., gebunden 

978-3-86560-613-6 

€ 28,– / chf 49,– 

Gelatin’s acb 

25 x 32 cm, 326 S., mit 48-seitigem 

Addendum, DVD im 

vorderen Buchdeckel. Leinen mit 

Siebdruck, Schutzumschlag 

978-3-86560-408-8 

€ 64,– / chf 108,– 

Focus Orient. 

Orientalistische Fotografi e 

23,5 x 32,2 cm, 150 S., 126 Duoton- 

Abb., gebunden m. Schutzumschlag 

978-9948-04-596-0 

€ 68,– / chf 115,– 


Robert Storr. Cage. 

Sechs Bilder von Gerhard Richter 

25,5 x 25,5 cm, 200 S., 82 s/w u. 

168 farb. Abb., gebunden mit 

Schutzumschlag 

978-3-86560-591-7 

€ 38,– / chf 64,– 

Nam June Paik. 

Exposition of Music. Electronic 

Television. Revisited 

17 x 24 cm, 244 S., 168 s/w u. 

82 farb. Abb., broschiert 

978-3-86560-619-8 

€ 24,80 / chf 44,– 

Jonathan Meese. 

Totaler Metabolismus – 

ein Manifest 

21,5 x 30,3 cm, 384 S., 370 farb. Abb., 

mit DVD, gebunden 

978-3-86560-630-3 

€ 48,– / chf 81,– 

Schere – Stein – Papier. / 

Rock – Paper – Scissors 

22 x 28 cm, 140 S., ca. 45 farb. und 

25 s/w Abb., broschiert 

978-3-86560-657-0 

€ 29,90 / chf 49,90

Index 

7 x 14 . . . 22 

A 

Allora & Calzadilla . . . 4 

Althamer, Pawel . . . 21 

Audiovisuology . . . 40 

B 

Bayrle, Thomas . . . 32f 

Belting, Hans . . . 6f. 

Birnbaum, Charlotte . . . 68f., 73 

Boltanski, Christian . . . 75 

Bonvicini, Monica . . . 16 

Brandes, Uta . . . 55 

Brecht, George . . . 60 

Brus, Günter . . . 72 

Büttner, Werner . . . 73 

C 

Canguilhelm, Georg . . . 67 

Chipperfi eld, David . . . 8ff. 

D 

Dahn, Walter . . . 73 

Dakic, ´ 

Danica . . . 27 

David, Enrico . . . 73 

Demand, Thomas . . . 43 

Die Kunst, das Geld . . . 44 

Dortmunder Architekturheft . . . 62 

Dubuffet, Jean . . . 61 

Duchamp, Marcel . . . 6f. 

E 

Eliasson, Olafur . . . 35 

Entre Deux Actes . . . 23 

F 

Fandalismus . . . 55 

Farocki, Harun . . . 39 

Feldmann, Hans-Peter . . . 30f. 

Fries, Pia . . . 20 

G 

Goldstein, Jack . . . 17 

Gormley, Antony . . . 20 

H 

Haverkamp, Anselm . . . 66 

Henning, Anton . . . 58 

Honnef, Klaus . . . 54 

Hornemann, Georg . . . 70 

J 

Jacob, Luis . . . 26 

Jahresring . . . 47 

Jenssen, Olav Christopher . . . 19 

Julien, Isaac . . . 18 

K 

Kelly, Ellsworth . . . 1 

Kilpper, Thomas . . . 57 

Kirkeby, Per . . . 19, 28 

Koons, Jeff . . . 37, 52 

L 

Listen to your Eyes . . . 50 

Ludwigs Grafi k . . . 61 

M 

Manifesto Marathon . . . 38 

Marx, Falko . . . 70 

MÄRZ-Verlag . . . 57 

McKenzie, Lucy . . . 5 

Meese, Jonathan . . . 29 

Metzger, Gustav . . . 36 

Morris, Sarah . . . 74 

N 

Näher, Christa . . . 68f., 73 

Newman, Barnett . . . 15 

O 

Obrist, Hans Ulrich . . . 2f, 31, 43, 52f. 

Oehlen, Albert . . . 46 

Ono, Yoko . . . 53 

Otero-Paillos, Jorge . . . 72 

Othová, Markéta . . . 63 

Otto-Knapp, Silke . . . 24 

Oursler, Tony . . . 14 

Ovesen, Solvej Helweg . . . 56 

P 

Post-War Exhibition Design . . . 45 

Price, Cedric . . . 53 

Pütz, Robert . . . 64 

R 

Richter, Gerhard . . . 2f. 

Riedel, Michael . . . 18 

Roehr, Peter . . . 65 

Rossmann, Erich . . . 62 

Ruhrberg, Karl . . . 54 

Ruscha, Ed . . . 13 

S 

Sammlung Hoffmann . . . 51 

SANAA . . . 11 

Schmidl, Martin . . . 45 

Schmit, Tomas . . . 60 

Schneede, Uwe M. . . . 54 

Schürmann, Wilhelm . . . 54 

Scorpio´s Garden . . . 71 

See this Sound . . . 41 

Smirnov, Andrei . . . 42 

Starling, Simon . . . 73 

Stauder, Peter . . . 64 

Stewen, Dirk . . . 12 

Steyerl, Hito . . . 56 

Sun Tropes . . . 67 

Synchronicity . . . 48 

T 

Transitory Objects . . . 48 

Tyson, Keith . . . 59 

V 

Vinken, Barbara . . . 66 

W 

Warhol, Andy . . . 15 

Wasmuht, Corinne . . . 58 

Weber, Klaus . . . 59 

Weibel, Peter . . . 65 

Wekua, Andro . . . 63 

Werner, Klaus . . . 49 

Wessen Geschichte . . . 47 

Wohnseifer, Johannes . . . 25, 73 

Wool, Christopher . . . 15 

Wyn Evans, Cerith . . . 34 

Z 

Zielinski, Siegfried . . . 65

verlag der buchhandlung 

walther könig, köln 

Ehrenstraße 4, d-50672 Köln 

tel. +49 (0)221 205 96 53 

fax +49 (0)221 205 96 60 

verlag@buchhandlung-walther-koenig.de

Verlag Walthe Herb - Buchhandlung Walther König

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