6. Philharmonisches Konzert - Die Duisburger Philharmoniker

Programm
6.
Philharmonisches Konzert
Mi 2. / Do 3. Februar 2011, 20.00 Uhr
Axel Kober Dirigent
Julian Bliss Klarinette
Ottorino Respighi
Die Pinien von Rom
Magnus Lindberg
Konzert für Klarinette und Orchester
Johannes Brahms
Sinfonie Nr. 2 D-Dur op. 73
Generalmusikdirektor Jonathan Darlington

6. Philharmonisches Konzert
Mittwoch, 2. Februar 2011, 20.00 Uhr
Donnerstag, 3. Februar 2011, 20.00 Uhr
Philharmonie Mercatorhalle Duisburg
Julian Bliss Klarinette
Duisburger Philharmoniker
Axel Kober
Leitung
Programm
Ottorino Respighi (1879-1936)
Die Pinien von Rom (1924)
I. Die Pinien der Villa Borghese. Allegretto vivace
II. Pinien bei einer Katakombe. Lento
III. Die Pinien auf dem Janiculum. Lento
IV. Die Pinien der Via Appia. Tempo di Marcia
Magnus Lindberg (geb. 1958)
Konzert für Klarinette und Orchester (2001/02)
Pause
Johannes Brahms (1833-1897)
Sinfonie Nr. 2 D-Dur op. 73 (1877)
I. Allegro non troppo
II. Adagio non troppo
III. Allegretto grazioso (Quasi Andantino)
– Presto ma non assai
IV. Allegro con spirito
„Konzertführer live“ mit Astrid Kordak um 19.15 Uhr
im „Tagungsraum 4+5“ des Kongresszentrums im CityPalais
Das Konzert endet um ca. 22.00 Uhr.
3

Sinfonische Dichtung, Konzert
und Sinfonie
Ottorino Respighis Sinfonische Dichtung „Die Pinien von Rom“,
das Konzert für Klarinette und Orchester von Magnus Lindberg
und die Sinfonie Nr. 2 D-Dur op. 73 von Johannes Brahms stehen
auf dem Programm des sechsten Philharmonischen Konzerts. Es
ist ein wahrhaft kosmopolitisches Programm mit Werken eines
Italieners, eines Finnen und eines deutschen Komponisten, der
seinen Wohnsitz von Hamburg nach Wien verlegte. Doch das Programm
durchmisst nicht nur das Gebiet von Nord- bis Südeuropa
bzw. von Skandinavien bis zur Apenninenhalbinsel, denn auch die
verschiedenen Entstehungszeiten bringen unverwechselbare Eigenheiten
mit sich.
Als akustisches Monumentalfresko beeindruckt die Sinfonische
Dichtung „Die Pinien von Rom“ von Ottorino Respighi. Tatsächlich
überwältigt die Orchestrierungskunst des italienischen Komponisten,
doch bezaubern die stilleren Impressionen nicht weniger.
Überhaupt ging Respighi als Komponist von Sinfonischen Dichtungen
einen Sonderweg: Statt ein Thema aus der Weltliteratur zu
wählen, legte er seinem vierteiligen Orchesterstück meisterhaft
eingefangene Impressionen aus einer Weltmetropole zugrunde.
Und die perfekte Dramaturgie der Komposition ließ ihn mit Leichtigkeit
auf motivische Verklammerungen verzichten. Diese finden
sich reichlich in der zweiten Sinfonie von Johannes Brahms. In der
Nachfolge Ludwig van Beethovens sah Brahms sich zu besonders
gewissenhafter Verarbeitung gezwungen. Doch obwohl das
pathetische Ringen der ersten Sinfonie überwunden ist, hier sogar
eine pastorale Heiterkeit und Gelassenheit hervortritt, wollen
die gelegentlichen Schatten der zweiten Sinfonie nicht überhört
werden. Eine überzeugende Dramaturgie weist schließlich auch
das Klarinettenkonzert von Magnus Lindberg auf. Feiert der finnische
Gegenwartskomponist vor allem mit kraftvoll-energischen
Orchesterstücken Erfolge, so beweist er mit seinem Klarinettenkonzert,
wie effektvoll er für Soloinstrument und Orchester zu
schreiben versteht. Mit äußerst anspruchsvollem Klarinettenpart
und vielfältig schillernden Orchesterfarben finden Aufführungen
dieser Komposition begeisterte Resonanz. Mit Nachdruck setzen
sich nun auch die Duisburger Philharmoniker, der Dirigent Axel
Kober und der junge Klarinettenvirtuose Julian Bliss für diese
effektvoll-dankbare Gegenwartskomposition ein.
4

Ottorino Respighi
Die Pinien von Rom
Der Komponist Ottorino Respighi
Die italienische Musik des 19. Jahrhunderts stand fast ausschließlich
im Zeichen der Oper, die Instrumentalmusik spielte nur eine
untergeordnete Rolle. An der Wende zum 20. Jahrhundert, als
Giuseppe Verdi seine späten Meisterwerke vorlegte und Giacomo
Puccini mit Nachdruck auf sich aufmerksam zu machen begann,
scheute die veristische Oper selbst vor grellen realistischen Effekten
nicht zurück. Erst die Generation der um 1880 geborenen
italienischen Komponisten begann ihre Position grundsätzlich
neu zu überdenken. Zu ihnen gehörte neben Ildebrando Pizzetti,
Gian Francesco Malipiero und Alfredo Casella auch Ottorino
Respighi. Seine große Leistung bestand darin, das musikalische
Erbe der italienischen Vergangenheit aufgearbeitet und hieraus
einen eigenen Stil zu entwickelt zu haben. Diese Aufarbeitung berücksichtigte
die italienische Musik der verschiedensten Epochen.
Einige Werke lassen dies deutlich erkennen. In seinem Ballett „La
Boutique fantastique“ beschäftigte sich Ottorino Respighi mit der
Musik Gioacchino Rossinis. Besonders beliebt wurden die drei
Folgen der „Antiche danze ed arie per liuto“ auf der Grundlage
von Lautenstücken des 16. und des 17. Jahrhunderts. Respighi
bearbeitete auch Werke Claudio Monteverdis und machte etwa
das „Lamento d’Arianna“ und die Oper „L’Orfeo“ wieder zugänglich.
Aber Werke wie das „Concerto gregoriano“ für Violine und
Orchester zeigen, dass seine Beschäftigung mit der Musik der
Vergangenheit viel weiter zurückführte als bei den Zeitgenossen.
Seinen Nachruhm begründete Ottorino Respighi vor allem mit
seinem „Römischen Trittico“. Das sind drei glänzend instrumentierte
Orchesterstücke. „Man könnte diese Werke mit einem
vielflächig strahlenden Brillanten
vergleichen: Respighi hat
die tausendfältige Seele Roms,
so wie er sie empfand, in den
tönenden Kosmos von zwölf Visionen
eingefangen, die sich zu
drei Tondichtungen zusammenfügen“,
schrieb Elsa Respighi
als Ehefrau des Komponisten
in ihren Erinnerungen. Die drei
Sinfonischen Dichtungen wer-
Ottorino Respighi
den meist als Einheit betrachtet
5

oder doch zumindest in einem Atemzug genannt, aber sie wurden
keineswegs zusammengehörend entworfen. Als erstes wurden
die „Römischen Brunnen“ („Fontane di Roma“) komponiert und
im März 1917 uraufgeführt. Es folgten 1924 die sich seit jeher
besonderer Popularität erfreuenden „Pinien von Rom“ („Pini di
Roma“). Der Dirigent Arturo Toscanini, der bereits zu den ersten
Interpreten der älteren Stücke gehört hatte, brachte schließlich
am 21. Februar 1929 in der New Yorker Carnegie Hall die „Römischen
Feste“ („Feste Romane“) heraus. Es versteht sich beinahe
von selbst, dass diese mit größter Brillanz orchestrierten Werke
schließlich keine Steigerung mehr zuließen, der Komponist fortan
nach anderen Ausdrucksmöglichkeiten suchen musste und sich
erst einmal wieder kleiner besetzten Werken zuwandte. Vielleicht
mag es auch überraschen, dass Ottorino Respighi keineswegs ein
gebürtiger Römer war, sondern erst mit 34 Jahren seinen Hauptwohnsitz
in der italienischen Hauptstadt nahm.
Zweifellos war der am 9. Juli 1879
in Bologna geborene Ottorino
Respighi ein überaus reich begabter
Künstler. Als Geiger, Bratscher
und Pianist brachte er es zur
Meisterschaft, er wurde als Dirigent
umjubelt, und seine umfassenden
Sprachkenntnisse weckten
Bewunderung. Im Jahr 1900
vertauschte Respighi den Dienst
im Orchester der Stadt Bologna
für eine Saison zugunsten einer
Orchestertätigkeit im kaiserlichen
Ottorino Respighis Lehrer
Nikolai Rimsky-Korsakow
6
Theater von St. Petersburg. Bei
dieser Gelegenheit ergab sich
der Kontakt zu Nikolai Rimsky-
Korsakow. Zwar erhielt Respighi
nicht sehr viel Unterricht in Petersburg, doch sprach er auch später
noch mit Hochachtung von den prägenden Eindrücken, die
er bei dem angesehenen russischen Komponisten erhielt. Das
verwundert nicht, mochten doch Respighi und Rimsky-Korsakow
als wesensverwandte Instrumentationskünstler gelten. Das unter
Rimsky-Korsakows Augen entstandene dreiteilige Orchesterwerk
„Preludio, Corale e Fuga“ legte Respighi 1901 in Bologna als Prüfungsarbeit
vor, und hierfür erhielt er sein Kompositionsdiplom.
Ottorino Respighi darf als Kosmopolit gelten. In den Jahren
1908/09 hielt er sich in Berlin auf, wo er sich als Klavierbegleiter
in einer Gesangsklasse betätigte. Allerdings machte der Unterricht,
den er zu dieser Zeit bei Max Bruch erhielt, keinen größeren
Eindruck auf ihn. 1913 verlegte Respighi seinen Wohnsitz nach
Rom. Er wurde Lehrer für Komposition am Liceo musicale Santa

Cecilia. 1924 wurde er sogar zum Direktor dieses Instituts ernannt,
doch wurde dieses Amt schließlich wieder aufgegeben, um
ausgedehnte Konzertreisen unternehmen zu können. Gemeinsam
mit seiner Frau Elsa unternahm Ottorino Respighi mehrere Konzertreisen
nach Nord- und Südamerika, in den Niederlanden traf
er mit Igor Strawinsky zusammen, in Finnland begegnete er Jean
Sibelius. Der Komponist erhielt zahlreiche Ehrungen und Auszeichnungen.
Ottorino Respighi wurde Mitglied der Akademie der schönen
Künste in Berlin und Honorarprofessor an der Musikakademie
„Franz Liszt“ in Budapest. Am 18. April 1936 starb er in Rom an
einer Herzinnenhautentzündung.
Die Sinfonische Dichtung „Die Pinien von Rom“
Wie schon die acht Jahre zuvor entstandene Sinfonische Dichtung
„Römische Brunnen“ bestehen auch Ottorino Respighis „Pinien
von Rom“ aus dem Jahr 1924 aus vier pausenlos miteinander verbundenen
Sätzen. Der Partitur hat der Komponist Anmerkungen
zum Programm vorangestellt:
I. Die Pinien der Villa Borghese
Zwischen den Pinien der Villa Borghese spielen die
Kinder. Sie tanzen Ringelreihen, führen Militärmärsche
und Schlachten auf und berauschen sich an ihrem eigenen
Geschrei wie Schwalben am Abend; dann laufen
sie davon. Unvermutet wechselt die Szene...
II. Pinien bei einer Katakombe
... im Schatten der Pinien rings um den Eingang einer
Katakombe, aus deren Tiefe ein wehmütiger Gesang
zu uns dringt. Er erhebt sich zu feierlicher Hymne und
verklingt dann wieder.
III. Die Pinien auf dem Janiculum
Ein Zittern geht durch die Luft: in klarer Vollmondnacht
wiegen sanft ihre Wipfel die Pinien des Janiculums. In
den Zweigen singt eine Nachtigall.
IV. Die Pinien der Via Appia
Morgennebel über der Via Appia: einsame Pinien stehen
Wacht in der tragischen Landschaft der römischen
Campagna. Undeutlich, aber immer wieder, glaubt
man den Rhythmus zahlloser Schritte zu hören. Der
Dichter sieht im Geist uralten Ruhm wieder aufleben:
unter dem Geschmetter der Buccinen naht ein Konsul
mit seinem Heer, um im Glanze der neuen Sonne zur
Via Sacra und zum Triumph aufs Kapitol zu ziehen.
7

Der Minervatempel der
Villa Borghese, Schauplatz der
„Pinien von Rom“
8
Musikalisch weisen die vier Teile
bemerkenswerte Eigenarten auf.
Im ersten Teil, „Die Pinien der Villa
Borghese“, ist das ausgelassene
Spiel der Kinder sehr realistisch
und anschaulich nachgezeichnet,
und das Durcheinander wird durch
stärkere klangliche Reibungen eingefangen.
Überraschend kommt
der unmittelbare Szenenwechsel,
der zur Szene bei einer Katakombe
führt. Dieser Satz beginnt mit
den gedämpften Klängen der
Bratschen, der Violoncelli und der
Kontrabässe. Weitere Instrumente
treten hinzu, und aus der Ferne erklingt
die Melodie einer Trompete.
Zweifellos gehört dies zu Respighis gelungensten lyrischen Eingebungen.
Die Fortsetzung des Satzes wird bestimmt von einem
religiösen Gesang, der nach murmelnden Andeutungen gewaltige
Steigerungen erfährt. Der dritte Satz, eine poetische Nachtszene,
beginnt mit zarten Arpeggien des Klaviers. Nach kurzer Zeit tritt
ein sanft intoniertes Thema der Klarinette hinzu. Aus den Andeutungen
des Vogelgesangs wird schließlich Gewissheit, denn von
einem Tonband wird der Gesang einer Nachtigall hineingespielt.
Das Finale beginnt mit undeutlichen Anspielungen und steigert
sich zu einer geballten Marschvision, in der Buccinen als alte römische
Blasinstrumente hineinklingen. Aber auch das Klavier, die
Orgel und die Schlaginstrumente haben wesentlichen Anteil an
der Wirkung dieses Satzes.
Analog zur Sinfonie bestehen die drei Teile von Ottorino Respighis
„Römischem Trittico“ aus jeweils vier Sätzen, jedoch verzichtet
der Komponist auf motivische Verklammerungen. Dennoch weist
ein Werk wie „Die Pinien von Rom“ eine grandiose dramaturgische
Geschlossenheit auf. Der Kopfsatz hat noch keine dominierende
Hauptsatzfunktion, besitzt aber klangliche Schärfungen,
wie man sie aus den Balletten Igor Strawinskys kennt. Der unvermittelte
Übergang zum zweiten Satz macht einen geradezu
beklemmenden Eindruck. Sehr schön korrespondieren die melodischen
Themen der beiden aufeinanderfolgenden langsamen
Sätze miteinander, und auch die Steigerungen des zweiten und
des abschließenden vierten Satzes ergänzen sich vortrefflich, führen
sogar einen Schluss herbei, der an Grandiosität nicht mehr zu
übertreffen scheint.
Zwei Vorwürfe wurden Ottorino Respighi für seine „Pinien von
Rom“ gemacht: Die Hineinnahme einer Tonbandaufzeichnung mit
der Stimme einer Nachtigall wurde gelegentlich als geschmack-

lose Entgleisung getadelt, und Alfeo Toni glaubte erstmals aus
dem Marsch des antiken römischen Heeres den Zug der italienischen
Faschisten um Benito Mussolini herauszuhören. Jedoch
waren sowohl realistische klangliche Annäherungen (Nachtigall!)
nicht überall verpönt, etwa in der „Musique concrète“, und zum
Faschismus-Vorwurf ist andererseits zu sagen, dass Respighi trotz
Sympathien für Mussolini als unpolitischer Künstler zu gelten hat,
der im Finale der „Pinien von Rom“ wohl tatsächlich nur die Vision
der Vergangenheit heraufbeschwören wollte.
Über die ersten Aufführungen
der Sinfonischen Dichtung „Die
Pinien von Rom“ sind wird durch
die Frau des Komponisten bestens
informiert. Elsa Respighi
hielt in ihren Erinnerungen an
ihren Mann fest: „Am 14. De-
Elsa und Ottorino Respighi
zember 1924 leitete Bernardino
Molinari in einer vorbildlichen
Interpretation im Augusteo in
Rom die Erstaufführung der ‚Pini’ (Pinien). Das Publikum applaudierte
stürmisch. Die Atmosphäre war mit Spannung geladen.
Nach dem Schluß des ersten Satzes setzte Pfeifen und Gezische
ein. Die Zuhörerschaft war begeistert vom II. und III. Satz. Die letzten
Takte der Komposition wurden von enthusiastischen Beifallsbezeugungen
verschlungen, wie man sie in einer derartigen Stärke
im Augusteo noch nie vernommen hatte. Am Tag vorher, nach
der Generalprobe, Vertraute mir Respighi an, das Crescendo im
letzten Satz habe einen so starken Eindruck auf ihn ausgeübt,
daß ‚es ihm durch Kopf und Magen’ gegangen sei. Die Komposition
betrachte er als gut gelungen, so wie er es erwartet habe.
(...) Die zweite Aufführung am 28.12. war eine Enttäuschung. Am
Schluß des ersten Satzes wurde stärker gepfiffen. Der Ruf: ‚Aufhören,
aufhören!’ war unüberhörbar. Offensichtlich wußten die
Widersacher, daß Respighi bei den folgenden Sätzen zu seinem
Recht kommen werde. Der Erfolg der ‚Pini’ fand in der ganzen
Welt sofort Widerhall. Ich glaube allerdings, daß die ‚Pini’ zu jenen
Werken gehören, die Ottorino die größte Aufregung gebracht haben.
Während der letzten zehn Jahre seines Lebens hatte Respighi
oft Gelegenheit, in allen Erdteilen diese Tondichtung im
Rahmen von Konzerten, die seinen eigenen Werken gewidmet
waren, zu dirigieren. Dabei war es für mich sehr interessant zu
beobachten, wie das verschiedene Publikum aller Breitengrade
stets mit gleichem Enthusiasmus reagierte.“
Am 14. Januar 1926 stellte Arturo Toscanini die „Pinien von
Rom“ in Amerika vor. Die Aufführung in der New Yorker Carnegie
Hall war ein enormer Erfolg und ging nur um wenige Tage einem
Konzert Ottorino Respighis mit dem Philadelphia Orchestra
9

voran. Elsa Respighi erinnerte
sich: „Die Zusammenarbeit Respighis
mit dem Orchester Stokowskis,
das damals auf dem
Gipfel seines Ruhms stand, war
für Respighi nicht einfach. Das
Mißtrauen einiger Musiker versetzte
die Italiener, die im Orchester
mitspielten, anfangs in
Arturo Toscanini
Unruhe. Mit ‚olympischer’ Ruhe
wandte sich Respighi während
der Proben mit seinen Anregungen an jeden einzelnen Musiker
in dessen Muttersprache, und bald waren alle von seiner Persönlichkeit
eingenommen. Die verschiedensten Nationalitäten waren
im Orchester vertreten: Russen, Deutsche, Franzosen, Italiener
etc. Das Philadelphia Orchestra war fast vollzählig nach New York
gekommen , um die ‚Pini’ von Toscanini dirigiert zu hören. Alle
diese Musiker waren begeistert. Sie beschlossen jedoch, wenn
möglich eine noch bessere Aufführung zu bieten. Das erste Konzert
Respighis mit dem Philadelphia-Orchester fand am 19. Januar
statt. Mit demselben Orchester und dem gleichen Programm
folgten noch Konzerte in Washington, Cleveland und Baltimore,
die von Publikum und Presse als großer Erfolg begeistert aufgenommen
wurden (...) Vom 20. bis 30. Januar dirigierte Respighi
das Chicago-Orchester, das damals zu den besten Orchestern
gerechnet wurde. Am 6. Februar dirigierte Respighi in Cincinnati.“
Danach ging es weiter nach Norddeutschland und in die Niederlande,
wo es in Amsterdam zu einer kurzen Begegnung mit Igor
Strawinsky kam.
Duisburger Philharmoniker
Neckarstr. 1
47051 Duisburg
Tel. 0203 | 3009 - 0
philharmoniker@stadt-duisburg.de
www.duisburger-philharmoniker.de
Abonnements und Einzelkarten
Servicebüro im Theater Duisburg
Neckarstr. 1, 47051 Duisburg
Tel. 0203 | 3009 - 100
Fax 0203 | 3009 - 210
servicebuero@theater-duisburg.de
Mo - Fr. 10:00 - 18:30
Sa 10:00 - 13:00
Karten erhalten Sie auch im Opernshop Duisburg
Düsseldorfer Straße 5 - 7 · 47051 Duisburg
Tel. 0203 - 57 06 - 850 · Fax 0203 - 5706 - 851
shop-duisburg@operamrhein.de
Mo - Fr 10:00 - 19:00 Uhr · Sa 10:00 - 18:00 Uhr
10

Magnus Lindberg
Konzert für Klarinette und Orchester
Magnus Lindberg, ein führender Vertreter
der finnischen Avantgarde
Selbst ein Magazin wie die „Financial
Times“ kam 1997 nicht umhin,
Magnus Lindberg als einen der
„aufregendsten Komponisten seiner
Generation“ zu feiern: Mit Orchesterwerken
in großer Besetzung kann
der Finne internationale Erfolge
vorweisen, denn mit der Dramatik
seiner Kompositionen fasziniert er
die Konzertbesucher vieler Länder.
Lindberg und seine Kollegen be-
Magnus Lindberg als Dirigent
stätigen, dass sich in dem dünn besiedelten
Finnland musikalisch eine
Menge tut: Avantgarde-Komponisten machen an breiter Front auf
sich aufmerksam, und es ist wohl der mit Lindberg gleichaltrige
als Komponist und Dirigent tätige Esa-Pekka Salonen, der augenblicklich
die größte Popularität genießt.
Magnus Lindberg, der am 27. Juni 1958 in Helsinki geboren wurde,
wuchs in einem Klima der Offenheit auf. Seine Studien bei
Einojuhani Rautavaara, Paavo Heininen und Osmo Lindeman an
der Sibelius Akademie in Helsinki ergänzte er durch Mitarbeit am
Studio für elektronische Musik in Stockholm. Das Studium an der
Sibelius Akademie in Helsinki schloss der ausgebildete Pianist
und Komponist 1981 mit dem Diplom ab. Da war er 23 Jahre
alt, und schon vorher hatte er Kurse bei Brian Ferneyhough in
Darmstadt besucht. Ferner lernte er in Siena, Rom und Berlin,
doch sein längster Auslandsaufenthalt führte ihn nach Paris, wo er
bei Vinko Globokar und Gérard Grisey Unterricht nahm. Anfangs
war Lindberg vor allem von Stockhausen und dem Serialismus
beeinflusst, doch allmählich bezog er auch Anregungen aus der
Musik von Luciano Berio, Bernd Alois Zimmermann und Edgar
Varèse. Er beschäftigte sich mit älteren Komponisten wie Igor
Strawinsky, natürlich mit Jean Sibelius und sogar mit dem englischen
Barockmeister Henry Purcell, und heute macht er ganz
selbstverständlich Anleihen beim Minimalismus und im Free Jazz,
in der Rockmusik und in der traditionellen Musik Ostasiens: Magnus
Lindberg ist ein Komponist mit weitem Horizont.
Der Durchbruch gelang 1985 mit dem Orchesterstück „Kraft“, in
dem er ungeheure Klangmassen entfaltete. Ab den späten 80er
11

Jahren erschloss er sich allmählich eine subtilere Klangsprache,
doch stehen die Orchesterkompositionen weiterhin an bevorzugter
Stelle in seinem Gesamtwerk. Magnus Lindberg vermag
für das traditionelle Instrumentarium zu schreiben, doch ist er
auch der Verwendung von Computer und Live-Elektronik nicht
abgeneigt. Für „Kraft“ hat er außerdem ein gewaltiges Arsenal
an Schlaginstrumenten auf den Schrottplätzen der finnischen
Hauptstadt zusammengetragen. Er beweist ein außerordentliches
Gespür, wenn es um neuartige Formen der Klangerzeugung geht,
doch bald darauf legt der streng rational operierende Musiker seinen
Stücken wieder mathematische Strukturen zugrunde.
„In seinen neuesten Werken, insbesondere den Konzerten für
Klarinette (2002) und Violine (2006), ist ein klares melodisches
Element erkennbar, wie es in Lindbergs früheren Werken eher
im Hintergrund stand“, umreißt Risto Nieminen die jüngsten Tendenzen
im Schaffen von Magnus Lindberg. Die Kompositionen
von Magnus Lindberg finden internationale Anerkennung, seine
Komposition „Kinetics“ wurde im Februar 2002 auch in den Philharmonischen
Konzerten der Stadt Duisburg aufgeführt. 2003
wurde Magnus Lindberg mit dem hochdotierten Sibelius-Preis der
renommierten Wihuri-Stiftung ausgezeichnet.
12
Wir wissen,
wer spielt...
...und mit der Rheinischen Post
wissen Sie es auch.
Ob Oper, Kunstwerk, Straßenmusik,
Drama oder Schulaufführung,
in der Rheinischen Post werden Sie
darüber lesen.
Kostenloses Probeabo unter
0800 32 32 33 3.

Das Klarinettenkonzert von Magnus Lindberg
Kari Kriikku, Uraufführungsinterpret
des Klarinettenkonzerts von
Magnus Lindberg
Das im Jahr 2002 vollendete
Klarinettenkonzert ist das
bisher letzte Werk, das der
Komponist Magnus Lindberg
für den finnischen Klarinettisten
Kari Kriikku schrieb. Die
Zusammenarbeit mit diesem
neuen Spieltechniken aufgeschlossenenInstrumentalisten
begann 1979 mit einem
Klarinettenquintett und setzte
sich fort über Werke mit Titeln
wie „Linea d’ombra“ (1981),
„Ablauf“ (1983/88), „Ur“ (1986), „Steamboat Bill Jr.“ (1990), einem
„Duo concertante“ (1990/92) und dem Minikonzert „Away“
(1994). Diese wiederholte Zusammenarbeit führte bereits zu
Vergleichen mit Komponisten und Interpreten im 18. und 19.
Jahrhundert. Außerdem kam es in verschiedenen Ensembles für
moderne Musik bereits zur Zusammenarbeit von Lindberg und
Kriikku. Auch das Klarinettenkonzert entstand in einem engen
Austausch. Es wird berichtet, wie instrumentale Probleme telefonisch
besprochen wurden, auch wurde dem Instrumentalisten
neues Notenmaterial gelegentlich mit dem Ruderboot zugestellt.
Das Klarinettenkonzert von Magnus Lindberg entstand als Auftragswerks
des Finnischen Rundfunks anlässlich des 75-jährigen
Bestehens. Die Uraufführung fand am 14. September 2002 in
der Finlandia Hall in Helsinki statt. Bei dieser Gelegenheit leitete
Jukka-Pekka Saraste das Finnische Radio-Sinfonieorchester.
Kari Kriikku spielte den Solopart, und er hat das Konzert seitdem
noch über sechzig Mal vorgetragen.
Magnus Lindberg schrieb bereits mehrere Konzerte für Soloinstrument
und Orchester. Dem Klavierkonzert von 1990/94 folgte
das Violoncellokonzert von 1997/99, und dem Klarinettenkonzert
von 2002 ist 2006 inzwischen ein Violinkonzert gefolgt. Es
scheint, als habe sich Magnus Lindberg mit dem Schreiben von
Konzerten anfangs schwer getan, doch scheint er eigentlich besonders
prädestiniert zu dieser Art des Komponierens. Immerhin
zeichnen sich viele seiner Kompositionen durch eine starke Dramatik
aus, er versteht es, das konzertante Element bis zum Theatralischen
zu steigern, und außerdem liegen Lindbergs Konzerten
bemerkenswerte originelle Formmodelle zugrunde.
Das gilt auch für das 2002 vollende Klarinettenkonzert, das zunächst
von dem Solisten unbegleitet eröffnet wird. Sofort treten
die melodischen Elemente von Lindbergs gewandelter neuer
Schreibart hervor, das Klarinettenkonzert fasziniert in der Vielfalt
13

der Anlage und verschreckt nicht. Der Solopart kennt die strömende
melodische Kantilene ebenso wie den Effekt moderner
Spieltechniken. Indem ein regelrechter Kosmos durchmessen
wird, stellen sich höchst vielfältige Anforderungen an den Solisten.
Irgendwie findet sich in dem Konzert etwas stark Gestisches,
wobei die Orchesterbegleitung sich teils dezent unterordnet, andererseits
aber auch ungeahnte grandiose Steigerungen herbeiführt.
Der einheitliche Ton vieler Solokonzerte der Vergangenheit
wird damit aufgegeben.
Das Klarinettenkonzert von Magnus Lindberg ist einsätzig durchkomponiert,
doch lässt sich eine Gliederung in fünf Abschnitte
erkennen. Dennoch wird die Einheit der Komposition nicht aufgegeben,
wenn etwa eine fallende Tonfolge ständig wiederkehrt,
dabei jedoch zahlreiche Ausdrucks- und Stimmungsnuancen
durchmisst. Antti Häyrynen schreibt im CD-Booklet zu Kari
Kriikkus Einspielung des Klarinettenkonzerts von Magnus Lindberg:
„Der erste Abschnitt ist einführend und stellt Farbpalette
und Typen der Texturen vor, acht Kerncharaktere, die sich im
Verlauf der Komposition entsprechend zur dramaturgischen Situation
verhalten. Als Charaktere erinnern sie mehr an Personen
denn an Themen. Oder man betrachtet sie als unterschiedliche
Masken oder Rollen einer Figur. Ausgangspunkt ist der Klarinettenklang,
gespiegelt vom Orchester mit kammermusikalisch noblen
oder massiv üppigen Texturen.
Die schwebende Stimmung am Beginn mag auf Debussys Klarinettenrhapsodie
verweisen, aber Lindbergs Komposition zielt
auf eine dynamische Entwicklung, eine unablässige Bewegung,
mittels der die Intensität gleichmäßig gesteigert wird. Auch die
im Grundtempo langsameren zweiten und dritten Abschnitte
werden von einem aktiven Flimmern dominiert, das eine musikalische
Dramatik provoziert, Kollisionen zwischen weichen und
eckigen Klangwelten. Die Metamorphose des gemeinsamen
Materials und der Charaktere deckt in der Musik ständig neue,
überraschende Dimensionen auf.
Der vierte Satz kulminiert in einer Kadenz der Klarinette, wobei
sich idyllische und dramatische sowie humoristische und aggressive
Elemente begegnen. Hieran anschließend öffnet sich
die Zielgerade mit einem gewaltigen ‚drive’, dessen Pulsation im
Geist des Jazz durch die unbefangenen Glissandi der Klarinette
und die leidenschaftliche Wiederholung des Eröffnungsthemas
hervorgehoben wird. Das Werk glättet sich auf den letzten Takten,
wobei sich Musiker wie Publikum auf einer neuen Ebene
wiederfinden.“
14
Die Programmhefte der Philharmonischen Konzerte
finden Sie bereits fünf Tage vor dem Konzert unter
www.duisburger-philharmoniker.de im Internet

Johannes Brahms
Sinfonie Nr. 2 D-Dur op. 73
Das Erscheinungsbild des Komponisten Johannes Brahms
Wer sich mit dem Bild des Komponisten
Johannes Brahms beschäftigt,
hat es scheinbar mit zwei verschiedenen
Gesichtern zu tun. Da ist einmal
ein jungenhaft mildes Aussehen,
da ist andererseits der strenge Kopf
mit dem üppigen Vollbart. Lange Zeit
hat Johannes Brahms sein jugendliches
Aussehen behalten. Annähernd
siebzig Werke wurden vorgelegt, bis
er sich die mächtige Barttracht zu-
Johannes Brahms, 1874
legte. Das wäre zwar an sich nicht
weiter bemerkenswert, doch erfolgte
die Veränderung des optischen Erscheinungsbildes gerade im
Zuge mit der Präsentation der zweiten Sinfonie. Hieran lassen
sich nun doch einige Überlegungen anknüpfen. Nach der Wiener
Uraufführung im Dezember 1877 präsentierte Johannes Brahms
dieses Orchesterwerk sogleich auch in Leipzig, Amsterdam und
Den Haag. Am 28. September dirigierte er seine „Zweite“ im
Rahmen 50. Stiftungsfestes der Philharmonischen Gesellschaft
in Hamburg. Bekannte aus früheren Tagen glaubten Brahms nun
nicht mehr wiederzuerkennen! „Mit rasiertem Kinn wird man entweder
für einen Schauspieler oder für einen Pfaffen gehalten“,
hatte Brahms einmal gesagt, und nun trat er selbstbewusst und
vollbärtig in seiner Geburtsstadt auf, die er eigentlich gar nicht
mehr betreten wollte. Er war nun ein selbstbewusster Künstler
geworden, den man nicht mehr übergehen durfte. Er wurde als
führender Musiker seiner Zeit gefeiert, man ehrte ihn mit Kränzen
und unternahm ihm zu Ehren eine Bootsfahrt auf der Elbe, die
Universität Breslau verlieh ihm die Ehrendoktorwürde. Brahms
hatte es nun nicht mehr nötig, auf ein Stellenangebot zu warten,
denn er hat sich längst in Wien als Künstler etablieren können. Johannes
Brahms überrascht nun mit gesteigertem Selbstbewusstsein.
Um seine erste Sinfonie hat er noch mindestens anderthalb
Jahrzehnte ringen müssen, doch die zweite Sinfonie lag in kürzester
Zeit vollendet vor. Man hat sie als heiteres Gegenstück zum
dramatischen Erstling sehen wollen und nannte sie zumindest
seine „Pastorale“. Aber auch das ist nicht wirklich angemessen,
handelt es sich doch um ein wirklich eigenständiges Werk, über
dessen freundliche Oberfläche sich manche Schatten legen.
15

Die zweite Sinfonie
Johannes Brahms in den 1880er
Jahren
16
Zweifellos ist die zweite Sinfonie
D-Dur op. 73 von Johannes
Brahms Gegenstück und
Gegenentwurf zum Vorgängerwerk.
Beinahe fünfzehn Jahre,
von 1862 bis 1876 hatte der
Komponist um seinen sinfonischen
Erstling gerungen, und
dieses Ringen, bisweilen ins
Titanische gesteigert, hört man
dem Werk auch an. Die Zweite
entstand dagegen allein im
Sommer des darauffolgenden Jahres während des Urlaubs in
Pörtschach am Wörthersee. „Wörther See ist ein jungfräulicher
Boden, da fliegen die Melodien, daß man sich hüten muß, keine
zu treten“, teilte Brahms dem Kritiker Eduard Hanslick mit,
und mit seinem Verleger Fritz Simrock sprach er über sein „liebliches
Ungeheuer.“ Man hat die zweite Sinfonie von Johannes
Brahms seine „Pastorale“ genannt. Wie aus den Schriften Clara
Schumanns hervorgeht, komponierte Brahms zunächst den ersten
Satz, anschließend das Finale und zuletzt die beiden Mittelsätze.
Der Schaffensprozess wurde für die Verhältnisse dieses
Komponisten unvergleichlich schnell abgeschlossen. Dass die
Uraufführung schließlich um zwei Wochen auf den 30. Dezember
1877 verschoben werden musste, hatte nichts mit der Fertigstellung
zu tun. Das Orchester war einfach zu beschäftigt mit
Adalbert von Goldschmidts Oratorium „Die sieben Todsünden“
und mit Richard Wagners „Rheingold“. Die Uraufführung leitete
schließlich Hans Richter im Wiener Musikvereinssaal. Hans Richter
(1843-1916) hat sich sowohl um die Verbreitung der Werke von
Johannes Brahms und Richard Wagner verdient gemacht, später
übernahm er die Leitung des Hallé-
Orchesters in Manchester. Die Uraufführung
der zweiten Sinfonie von
Johannes Brahms war ein großer
Erfolg, und auch der Komponist äußerte
sich zufrieden: „Das Orchester
hier hat mit einer Wollust geübt und
gespielt und mich gelobt, wie es mir
noch nicht passiert ist.“ Weitere Aufführungen
der Komposition schlossen
sich sogleich an, wobei neben
Brahms auch Hans von Bülow, Franz
Wüllner und Joseph Joachim die
musikalische Leitung übernahmen.
Der Dirigent Hans Richter

Mit Trauerrand?
Brahms liebte es, mit seinen Äußerungen seine Freunde hinters
Licht zu führen, und im Zusammenhang mit der zweiten Sinfonie
gibt es besonders zahlreiche irreführende Kommentare. Noch am
Tage vor der Uraufführung schrieb er Elisabet von Herzogenberg
(1847-1892), die neben Clara Schumann eine seiner wichtigen
Ratgeberinnen war: „Hier spielen die Musiker meine Neue mit
Flor um den Arm, weil’s gar so lamentabel klingt; sie wird auch
mit Trauerrand gedruckt.“ Ganz ähnlich heißt es in einem zeitgleich
geschriebenen Brief an den Verleger Simrock: „Das Orchester
hier hat mit einer Wollust geübt und gespielt und mich
gelobt, wie es mir noch nicht passiert ist! Aber sie müssen an die
Partitur einen Trauerrand wenden, daß sich auch äußerlich ihre
Melancholie zeigt.“ Aber während Brahms noch an der Sinfonie
arbeitete, informierte Clara Schumann schon den Dirigenten Hermann
Levi: „Brahms ist in guter Stimmung, sehr entzückt von
seinem Sommeraufenthalt, und hat, im Kopf wenigstens, eine
neue Symphonie in D-Dur fertig – den ersten Satz hat er aufgeschrieben
– ganz elegischen Charakters.“ So ernst kann und
will man die zweite Sinfonie von Johannes Brahms natürlich nicht
wahrnehmen, aber wer hier nur Klarheit und Schönheit erwartet,
wird der Komposition nicht gerecht. In einen Wink in diese Richtung
gibt folgender Hinweis, den Johannes Brahms am 9. Dezember
1877 seinem Verleger Fritz Simrock gab: „Sie wird jedenfalls
gehörig durchfallen, und die Leute werden meinen, diesmal hätte
ich mir’s leicht gemacht. Aber Ihnen rate ich, vorsichtig zu sein.“
Das weist eher in die richtige Richtung, denn die vorherrschend
heitere Stimmung soll nicht den Blick auf die Feinheiten der Partitur
verstellen. Mit der Äußerung „Wie wär’s, wenn Sie vom Wiegenlied
auch Ausgaben in Moll machten, für artige oder kränkliche
Kinder?“ spielte Brahms wahrscheinlich auf das kantable
Seitenthema im ersten Satz der Sinfonie an. Vincenz Lachner
wiederum, der die Sinfonie 1879 in Mannheim dirigierte, fragte:
„Warum werfen Sie in die idyllische heitere Stimmung, mit der
sich der 1. Satz einführt, die grollende Pauke, die düstern lugubren
Töne der Posaunen und Tuba?“ Tatsächlich ist die heiter-pastorale
Stimmung der zweiten Sinfonie an vielen Stellen getrübt.
Selbst bei einem unerhörten Melodiereichtum – mindestens fünf
thematische Gebilde werden im Kopfsatz exponiert – flogen
Brahms die Themen nicht einfach zu. Keimzelle ist ein unscheinbares
Kernmotiv, ein simples Wechselnotenmotiv d-cis-d, das
zunächst in den Bässen erscheint und sich in ständigen Umbildungen
und Umrhythmisierungen durch alle thematischen Gebilde
zieht. Der tatsächlich zu bemerkende pastorale Charakter
des Hauptthemas – er tritt auch am Beginn des Violinkonzerts
hervor – bleibt deshalb nicht durchweg erhalten. Die Mittelsätze
17

haben bei Johannes Brahms gewöhnlich Intermezzocharakter.
Sie sind nicht nur kürzer als die Ecksätze, sondern reduzieren
auch die Bläserbesetzung. Allerdings gewinnt das „Adagio non
troppo“ durch die Sonatenform besonderes Gewicht, und hier
kann von vorherrschender Heiterkeit keine Rede sein, denn es
legen sich melancholische Schatten über den Satz, dem eine
Vielzahl thematischer Einfälle zugrunde gelegt sind. Der dritte
Satz mit dem Wechsel von gemächlichen und schnellen Teilen
ist formal einzigartig im Gesamtwerk von Johannes Brahms. Die
„Allegretto grazioso“-Abschnitte lassen sehr schön die Holzbläser
hervortreten, während der Scherzo-Charakter sich vor allem in
den Presto-Abschnitten bemerkbar macht. Die motivische Zelle
des Anfangs strahlt schließlich bis in das Finale aus und führt
zu ungeahnten Ausdrucksqualitäten. Allerdings wird die kunstvolle
Verarbeitung nicht zum Selbstzweck. Alles erscheint so unaufdringlich
in den Gesamtzusammenhang integriert, dass der
Brahms-Freund Theodor Billroth sagen konnte: „Ich wüßte nicht
zu sagen, welcher Satz mir der liebste ist, ich finde jeden in seiner
Art herrlich. Eine glückliche wonnige Stimmung geht durch das
Ganze, und alles trägt so den Stempel der Vollendung und des
mühelosen Ausströmens.“
Michael Tegethoff
18

Axel Kober dirigiert
PETER GRiMES
__
Mit seiner ersten Oper „Peter Grimes“ schaffte
Benjamin Britten 1945 einen Sensationserfolg.
Schauplatz ist der kleine englische Küstenort
Borough. Hier gerät der raubeinige Fischer
Grimes unter Verdacht, seinen Lehrjungen
fahrlässig getötet zu haben. Vergebens kämpft
er gegen das Misstrauen der Kleinstädter an,
die ihn zum Außenseiter stempeln und mit
Hass verfolgen. Am Ende wird der alte Kapitän
Balstrode ihm raten, sich selbst zu richten, um
der drohenden Lynchjustiz zu entgehen.
Die musikalische Leitung des Abends, dessen
Bühnenbild für den deutschen Theaterpreis
DER FAUST 2010 nominiert war, liegt bei
Generalmusikdirektor Axel Kober.
Peter Grimes
Benjamin Britten
Inszenierung: Immo Karaman
THEATER DUiSBURG
Mi 09.02. | So 13.02. | Do 17.02. | So 20.02.2011
Karten erhältlich im Opernshop:
Düsseldorfer Str. 5–7, 47051 Duisburg
Tel. 0203.940 77 77 | www.operamrhein.de
Foto: Hans Jörg Michel

Die Mitwirkenden des Konzerts
Julian Bliss (Klarinette) hat sich bereits fest in der internationalen
Konzertszene etabliert. Als Solist musizierte er mit zahlreichen
bedeutenden Orchestern wie dem London Philharmonic Orchestra,
dem BBC Symphony Orchestra, dem Royal Philharmonic Orchestra,
dem Orchestre National de France, dem City of Birmingham
Symphony Orchestra, dem Seattle Symphony Orchestra,
dem BBC Philharmonic Orchestra, dem BBC National Orchestra
of Wales, dem NHK Symphony Orchestra Tokyo, dem Münchner
Kammerorchester, Gulbenkian-Orchester Lissabon, dem Philharmonischen
Orchester von Malaysia, dem Schwedischen Radio-
Sinfonieorchester und dem Philharmonischen Orchester Bergen.
Soloabende führten den Klarinettisten Julian Bliss zu so angesehenen
Veranstaltungsorten wie der Londoner Wigmore Hall und
in die neue Londoner Cadogan Hall, in den Pariser Louvre, zum
20
Foto: Thomas Rabsch

Montpellier Festival, zum Jerusalem Music Festival, zum Festival
Kissinger Sommer, zum Rheingau Musik Festival und zu den
Festspielen Mecklenburg-Vorpommern, wo er nach dem Gewinn
des Publikumspreises nun regelmäßig zu Gast ist. Vor kurzem
debütierte er sehr erfolgreich im New Yorker Lincoln Center. Als
engagierter Kammermusiker arbeitete Julian Bliss mit Künstlern
wie den Geigern Joshua Bell und Julian Rachlin, den Cellisten Steven
Isserlis und Misha Maisky sowie den Pianisten Stephen Kovacevich,
Elena Bashkirova, Simon Trpceski und Helen Grimaud
zusammen.
Die Aufnahmen, die Julian Bliss für das Label EMI machte, fanden
den Beifall der Kritik, und über die jüngste Aufnahme, die
der Klarinettist mit der Aufnahmepartnerin Sabine Meyer vorlegte,
schrieb das CD-Magazin „Gramophone“: „Spohrs zweites
Klarinettenkonzert c-Moll, hier farbenreich gespielt von Julian
Bliss, ist voller instrumentaler Fantasie, verlangt der Klarinette einige
äußerst originelle Effekte ab und beansprucht so viel Sorgfalt
bei der Balance und der Fingerfertigkeit.“
Bei zahlreichen Gelegenheiten war Julian Bliss im britischen Fernsehen
zu sehen. Anlässlich des achtzigsten Geburtstags der englischen
Königin spielte er im Rahmen der BBC Proms, wobei das
von einem großen Publikum verfolgte Konzert vom Fernsehen in
vierzig Länder um die ganze Welt übertragen wurde. Unter dem
Titel „Gifted“ („Hochbegabt“) wurde der Klarinettist im Fernsehen
in einer dreiteiligen Dokumentation vorgestellt, und er gehörte zu
den ausgezeichneten Künstlern, die am 1. Juni 2002 anlässlich
des fünfzigjährigen Thronjubiläums der Queen im Buckingham
Palace spielten.
Im Jahr 2007 wurde Julian Bliss von dem Instrumentenbauer
Conn Selmer eingeladen, eine Auswahl von erschwinglichen Klarinetten
zu planen, die seinen Namen tragen sollten. Die BLISS-
Klarinetten wurden kürzlich auf den Markt gebracht und haben
viel Lob erhalten.
Uhr Uhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhr 17 11111111111111111111111111111111111117
Sonntag, 20.2.2011
SSSSSSSSSSSSSSSSSSSSSSSSSSSSSSSSSSSSSSSSSSSoooooooooooooooooooooooooooooooooooonnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnttttttttttttttttttttttttttttttttaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaag
00000000000000000000000000000000000000000000000111111111111111111111111111111111111111111111111
200000000000000000000000000000000000000000.........................2........................22222222222222222222222222222222222222222220
, aaaaaa
Georg Ge G or o g Fr Frie Friedrich ie iedr dr d ic i h
Händel
Feuerwerksmusik
Krönungsmusiken
~ Four Coronation Anthems Fe Feue ue u rw r er erks ks k mu m si sik
Kr K rön ön önun un u gs g mu m si sike ke k n
~ ~
Four ou o Four ou Cor Co Cor Coronat onat onat onat onat onat onat nat at onat onat nat on ion io ion o ion Anth Ant Anth nth Anth Anthems ems ems ems
g
ems em ~
St. Ludger
Duisburg-Neudorf
Mitglieder der
Duisburger Philharmoniker
Infos unter:
www.philchor-du.de
21

Axel Kober (Dirigent) ist seit der Spielzeit 2009/2010 Generalmusikdirektor
der Deutschen Oper am Rhein. An dem Doppelinstitut
in den Städten Düsseldorf und Duisburg startete er
mit Benjamin Brittens Oper „Peter Grimes“ und widmete sich in
seiner ersten Spielzeit vor allem den Neuproduktionen von Franz
Lehárs „Lustiger Witwe“, von Gustave Charpentiers „Louise“, Richard
Wagners „Tristan und Isolde“ sowie Jörg Widmanns Oper
„Das Gesicht im Spiegel“.
Der aus Kronach stammende Axel Kober absolvierte sein Dirigierstudium
bei Professor Peter Falk und Professor Günther Wich an
der Hochschule für Musik in Würzburg. Außerdem nahm er an
einer zweijährigen Meisterklasse für Liedbegleitung bei Irvin Gage
an der Züricher Musikhochschule teil. Nach dem Studium kam
der Dirigent 1994 an das Mecklenburgische Staatstheater Schwerin.
Von 1998 bis 2003 arbeitete er am Theater Dortmund, zuletzt
als Erster Kapellmeister und Stellvertreter des Generalmusikdirektors.
2003 wechselte er an das Nationaltheater Mannheim, wo
er in der Spielzeit 2005/2006 zum stellvertretenden Generalmusikdirektor
und ein Jahr später zum kommissarischen Generalmusikdirektor
ernannt wurde. In dieser Zeit erarbeitete er sich ein
22
Foto: Hans Jörg Michel

i, Wojciech Kilar und anderen.
kau geborene Antoni Wit studierte Dirigieren bei
yz . , Komposition bei Krzysztof Penderecki und
r Krakauer Jagiellonen-Universität. Seine musisbildung
schloss er bei Nadia Boulanger in Paris
kten Anschluss an sein Studium war er bis 1969
Assistent von Witold Rowicki an der Warschauer
nie tätig.
zweiten Preis des Internationalen Herbert-vonrigierwettbewerbs
in Berlin begann 1971 Antoni
ationale Karriere. Der Dirigent leitetet führende
wie die Berliner Philharmoniker, die Staatskaden,
das Tonhalle Orchester Zürich, das Royal
nic Orchestra, das Philharmonia Orchestra, das
hony Orchestra London, das Montreal Symphony
nd das NHK Symphony Orchestra Tokyo. Der Di-
Konzerte in den großen Musikzentren Europas, in
nd in Südamerika, im Nahen und Fernen Osten.
gierte er unter anderem das Orchestre Philharmotrasbourg,
das Orchestre de la Suisse Romande,
apelle Weimar und das Japan Philharmonic Oryo.
einer mehr als einhundert Aufnahmen bei Labels
MV, CBS, Naxos, NVS Arts, Pony Canyon, Polskie
rhielt der Dirigent Preise. Seine Interpretation von
skis Stabat Mater (EMI) wurde von englischen
einer der besten Einspielungen des Jahres 1985
oni Wits gemeinsam mit Kun Woo Paik vorgelegte
g aller Klavierkonzerte von Sergej Prokofjew ge-
3 den „Diapason d’Or“ und den „Grand Prix du
breites Opernrepertoire, das Werke von Wolfgang Amadeus Mozart,
Richard Wagner, Giuseppe Verdi und Richard Strauss ebenso
enthielt wie Alban Bergs „Wozzeck“. 2007 kam Axel Kober als
Musikdirektor nach Leipzig und übernahm an der Seite von Riccardo
Chailly die musikalische Leitung des dortigen Opernhauses.
In Leipzig debütierte er mit Carl Maria von Webers „Freischütz“
und dirigierte anschließend in zahlreichen Aufführungen Premieren
und Wiederaufnahmen von Giacomo Puccinis „La Bohème“,
von Giuseppe Verdis „Aida“, Georges Bizets „Carmen“, „Tannhäuser“,
„Rienzi“, „Lohengrin“, „Tristan und Isolde“ und „Parsifal“ von
Richard Wagner, „Ariadne auf Naxos“ von Richard Strauss sowie
Leos Janáceks „Jenufa“ und eine Schönberg-Trilogie. Im Januar
2007 debütierte er beim Großen Konzert des Gewandhausorchesters.
Dies führte zu jährlichen Folgeeinladungen.
Auch zu den Opernhäusern, an denen er bereits früher gewirkt
hatte, hält der Dirigent Kontakt. So leitete er im September 2010
in Leipzig „Die Meistersinger von Nürnberg“ von Richard Wagner.
Außerdem erhielt er eine Einladung, „Tristan und Isolde“ zu dirigieren.
Hiermit wird die Leipziger Oper beim Hongkong Arts Festival
gastieren. Gastspiele führten Axel Kober auch an die Königliche
Oper Kopenhagen und an die Wiener Volksoper. Dort leitete er zunächst
„Ariadne auf Naxos“ von Richard Strauss, und „Der König
Kandaules“ von Alexander Zemlinsky wird ab Mai 2011 folgen. In
Hamburg gastierte er beim NDR Sinfonieorchester, ferner wurde
er wiederholt an die Hamburgische Staatsoper eingeladen. 2009
debütierte er mit „Die Frau ohne Schatten“ von Richard Strauss
an der Deutschen Oper Berlin. Diese Strauss-Oper leitet er auch
an der Deutschen Oper am Rhein. An der Rheinoper steht er
in der Spielzeit 2010/2011 bei den Neuproduktionen von „Dialogues
des Carmélites“ von Francis Poulenc, von Wolfgang Amadeus
Mozarts „Così fan tutte“ und bei den Wiederaufnahmen von
Benjamin Brittens „Peter Grimes“, von Richard Wagners „Parsifal“
und Giuseppe Verdis „Falstaff“ am Pult. Auch die Zusammenarbeit
mit Martin Schläpfer und dem Ballett am Rhein findet seine
Fortsetzung. So dirigiert er bei „b.09“ „Ein deutsches Requiem“
von Johannes Brahms. Konzertverpflichtungen führen den Dirigenten
nicht nur zu den Duisburger Philharmonikern, sondern
auch zu den Düsseldorfer Symphonikern.
n von: Herausgegeben von:
Stadt Duisburg · Der Oberbürgermeister Adolf Sauerland
g · Der Oberbürgermeister Adolf Sauerland
Dezernat für Familie, Bildung und Kultur ·
amilie, Dezernent Bildung der und Stadt Kultur Duisburg · Karl Janssen
Stadt Duisburg Karl Janssen
Duisburger Philharmoniker · Intendant Dr. Alfred Wendel
Neckarstraße 1 · 47051 Duisburg
ilharmoniker philharmoniker@stadt-duisburg.de · Intendant Dr. Alfred · www.duisburger-philharmoniker.de
Wendel
47051 Druck: Duisburg Basis-Druck GmbH · www.basis-druck.de
r@stadt-duisburg.de · www.duisburger-philharmoniker.de
e Druck + Verlag GmbH & Co. KG
23

24
Die nächsten Konzerte
Mittwoch, 23. Februar 2011, 20.00 Uhr
Donnerstag, 24. Februar 2011, 20.00 Uhr
Philharmonie Mercatorhalle Duisburg
7. Philharmonisches Konzert
2010/2011
Simon Gaudenz Dirigent
Iveta Apkalna Orgel
Béla Bartók
Tanzsuite Sz 77
Joseph Jongen
Symphonie Concertante für Orgel und Orchester op. 81
Ludwig van Beethoven
Sinfonie Nr. 5 c-Moll op. 67
„Konzertführer live“ mit Astrid Kordak um 19.15 Uhr
im „Tagungsraum 4 + 5“ des Kongresszentrums im CityPalais
Sonntag, 27. Februar 2011, 19.00 Uhr
Philharmonie Mercatorhalle Duisburg
6. Kammerkonzert 2010/2011
Quatuor Ebène:
Pierre Colomet Violine
Gabriel Le Magadure Violine
Mathieu Herzog Viola
Raphael Merlin Violoncello
Wolfgang Amadeus Mozart
Streichquartett d-Moll KV 421
Alexander Borodin
Streichquartett Nr. 2 D-Dur
Ludwig van Beethoven
Streichquartett cis-Moll op. 131
„Konzertführer live“ mit Sebastian Rakow um 18.15 Uhr
im „Tagungsraum 4 + 5“ des Kongresszentrums im CityPalais

City Vinum „Treff für Weinfreunde“
Eine große Weinauswahl, attraktive Preise und Freude am
Weingenuss. Das ist unsere Philosophie.
City Vinum steht für den kompetenten aber unkomplizierten
Umgang mit dem Thema Wein.
Wir führen über 300 Weine aus aller Welt. Davon sind wechselnd
ca. 50 im Ausschank erhältlich. Ob Italien, Deutschland,
Frankreich, Spanien oder Übersee: Bei uns findet der Genießer
und jeder Weinfreund den passenden Tropfen.
Entdecken Sie Ihre eigene Weinwelt in außergewöhnlicher
Atmosphäre bei uns oder in aller Ruhe zu Hause.
Ein kleines und feines Angebot an weintypischen Häppchen
ergänzt die auserlesene Weinauswahl.
Leicht zu erreichen, nicht zu verfehlen: Im CityPalais Duisburg
direkt am Haupteingang des Casino‘s. Eingang an der Landfermannstraße.
Öffnungszeiten:
Montag bis Samstag 12.30 – 22.00 Uhr
Sonn- und Feiertags 16.00 – 21.00 Uhr
Bei Veranstaltungen Open End
Telefon: 0203/39377950
E-Mail: j.zyta@city-vinum24.de

26
Freitag, 4. Februar 2011, 20.30 Uhr
Kulturzentrale HundertMeister
PlayList 4.3
unruhig
Martinu, Mahler, Tango
Albhia Quartett:
Susanne Schael Geige
Meike Beyer Geige
Tom Verbeke Cello
Desar Sulejmani Klavier
Das Albhia Klavierquartett ist eigentlich ein ganz normales
Klavierquartett. Neben Mahler und Martinu spielen sie an
diesem Abend das Klavierquartett von Joaquín Turina. Aber
da ist noch etwas, das sie interessiert: die Tangos von Piazzolla
und einige Klavierstücke des spanischen Komponisten
Albéniz. Diese gewitzten Stücke haben sie extra für diesen
Abend bearbeitet, um ihnen den Klavierquartettsound mitzugeben.
Das klingt unüblich? Einfach vorbeikommen und
selber entdecken.
Samstag, 19. Februar 2011, 16.00 Uhr
Philharmonie Mercatorhalle
Toccata 3
(Änderung! Neues Programm und neuer Interpret)
Colin Walsh (Orgel)
(Organist Laureate)
Lincoln Cathedral (UK)
Werke von Charles Villiers Stanford, Dr. George Bennett,
Johann Sebastian Bach, Norman Cocker,
Charles Marie Widor, Herbert Howells und
Gaston Litaize
Colin Walsh gehört zu den gefragtesten Organisten seiner
Generation in England. Im Jahr 2006 wurde er zu dem Organisten
des international hoch geschätzten Organist’s Congress
gewählt. Er gab Konzerte in Neuseeland, im Moskauer
Svetlanov-Saal, im Kölner Dom sowie in den Pariser Kirchen
Notre Dame und Saint Sulpice.

Freitag, 22. April 2011, 19.00 Uhr
Philharmonie Mercatorhalle
Matthäus-Passion
Johann Sebastian Bach
Matthäus-Passion BWV 244
in der Fassung von Felix Mendelssohn Bartholdy
Solisten
Chorus Musicus Köln
Das Neue Orchester
Christoph Spering Dirigent
Fast ein Jahrhundert lang hatte Bachs Matthäus-Passion im Archiv
geschlummert, als der junge Felix Mendelssohn Bartholdy
das Werk im Jahre 1829 in Berlin einer staunenden Öffentlichkeit
präsentierte. Nicht in der Originalgestalt freilich: deren
Länge glaubte er seinem Publikum nicht zumuten zu können;
und auch Bachs originale Instrumentierung passte Mendelssohn
behutsam dem Klangideal seiner Zeit an. Lange Zeit galt
diese Fassung als anmaßende Verfälschung eines alle Epochen
überstrahlenden Meisterwerks. In den letzten Jahren wurde ihre
Bedeutung neu definiert: als faszinierendes historisches Dokument,
in dem die Perspektive einer musikalischen Epoche auf
eine andere greifbar wird.
(Konzerteinführung durch Dr. Norbert Bolin um 18.00 Uhr)
Einzelkarten 9,00 / 15,00 / 19,00 / 25,00 /30,00 / 36,00 €
ermäßigt 5,00 / 8,00 / 10,00 / 13,00 / 15,50 / 18,50 €
27