DG Magazin - Deutsche Guggenheim

Issue 18 Winter 2012
Found in Translation
at the Deutsche Guggenheim
The Inverted Mirror in Bilbao
John Chamberlain: Choices
in New York

Das Deutsche Guggenheim
Magazine erscheint viermal
im Jahr.
The Deutsche Guggenheim
Magazine is published four
times annually.
Redaktion Editorial
Deutsche Guggenheim, Berlin
Sara Bernshausen
Britta Färber
Solomon R. Guggenheim
Foundation, New York
Kamilah Foreman
Elizabeth Franzen
Regarding Arts, Berlin
Achim Drucks
Maria Ferreira Morais
Oliver Koerner von Gustorf
Falls nicht anders
gekennzeichnet, alle Texte
Regarding Arts.
All texts by Regarding Arts
unless otherwise indicated.
Autoren Authors
Helen Hsu
Sandhini Poddar
Alvaro Rodriguez Fominaya
Ludwig Seyfarth
Nat Trotman
Übersetzung Translation
Oliver Koerner von Gustorf
Andrea Scrima
Grafische Gestaltung Design
Kerstin Riedel
Herausgeber Publisher
Deutsche Bank AG, Frankfurt
am Main
Produktion Production
Maria Ferreira Morais
Suzana Greene
Kerstin Riedel
Melissa Secondino
Steffen Zarutzki
Lithografie Image processing
max color, Berlin
Druck Printing
Medialis Offsetdruck, Berlin
© 2012 Deutsche Bank AG,
Frankfurt am Main,
artists, authors, and photo -
graphers. All rights reserved
deutsche-guggenheim.de
rechte Seite opposite page:
Das rekonstruierte amerikani-
sche Tor am Checkpoint
Charlie an der Friedrichstrasse
in Berlin The reconstructed
American gate at Checkpoint
Charlie on Friedrichstrasse
in Berlin © David Clapp /
OSF / OKAPIA
Close Up
On View at the Deutsche Guggenheim
Context
What to See – Guggenheim Foundation
What to See – Deutsche Bank Art
Flashback
What to Do
Deutsche Guggenheim Magazine Issue 18 Winter 2012
2 Seeing with Eyes Closed: Eine Diskussionsrunde zu
Kunst und Neurowissenschaften
Die Villa Aurora im Deutsche Guggenheim
Seeing with Eyes Closed: A Panel on Art and
Neuroscience
Villa Aurora at the Deutsche Guggenheim
3 Arbeit im Wandel: Paweł Althamers Almech
Work in Progress: Paweł Althamer’s Almech
4 Found in Translation von Nat Trotman
Found in Translation by Nat Trotman
18 Kunst und Sprache: Von Concept Art zu Aktivistischer
Kunst von Ludwig Seyfarth
Art and Language: From Concept to Activism
by Ludwig Seyfarth
23 My Things: Nat Trotman
24 The Deutsche Bank Series im Guggenheim:
Being Singular Plural in New York
The Deutsche Bank Series at the Guggenheim:
Being Singular Plural in New York
25 John Chamberlain: Choices in New York
John Chamberlain: Choices in New York
26 The Inverted Mirror: Art from the Collections of “la Caixa”
Foundation and MACBA in Bilbao
The Inverted Mirror: Art from the Collections of “la Caixa”
Foundation and MACBA in Bilbao
27 Marion R. Taylor: Malerei, 1966–2001 in Venedig
Marion R. Taylor: Paintings, 1966–2001 in Venice
28 Panorama zeitgenössischer Positionen: Die Sammlung
Deutsche Bank im neuen Städel Museum
A Panorama of Contemporary Perspectives: The
Deutsche Bank Collection at the New Städel Museum
31 Art Works App – Jetzt Live: Entdecke die Kunst in den
Türmen der Deutschen Bank
Art Works App—Now Live: Discover the Art in the
Deutsche Bank Towers
32 Paweł Althamer: Almech – Bildergalerie
Paweł Althamer: Almech—Photo Gallery
33 Information
Lisa Oppenheim, Cathay, 2010. Two 16 mm color films,
silent, 7 min., 30 sec. Edition 3/3. Solomon R. Guggenheim
Museum, New York, Purchased with funds contributed by
the Photography Committee 2011.19. © Lisa Oppenheim.
Courtesy the artist and Klosterfelde, Berlin
Found in Translation
Die Globalisierung lässt die Welt immer enger zusammenrücken.
Dank Internet und sozialer Netzwerke kommunizieren wir mehr
und mehr über nationale und kulturelle Grenzen hinweg – in Echt-
zeit. Wir diskutieren politische und historische Ereignisse wie etwa
den „arabischen Frühling“ auf virtuellen Plattformen, während sie
gerade stattfinden. Gesellschaftliche und ökonomische Umbrüche
lassen sich nicht mehr auf einzelne Regionen begrenzen, son-
dern haben weltweite Auswirkungen. Zudem ist unsere Zeit von
Migration geprägt. Auch in vielen Staaten, die nicht zu den klassi-
schen Einwanderungsländern gehören, verändert sich das Verständnis
von Heimat und nationaler Identität. Immer mehr Menschen
fühlen sich in mehr als einer Sprache oder Kultur zu Hause
oder fühlen sich zerrissen zwischen unterschiedlichen Kulturen.
Die Übersetzung, der Transfer von linguistischer und kultureller
Bedeutung ist für sie zu einer ganz alltäglichen, häufig lebensnot-
wendigen Erfahrung geworden.
Die Übersetzung als Modell und als Metapher bildet auch den
Ausgangspunkt für die aktuelle Ausstellung Found in Translation
im Deutsche Guggenheim: Neun junge, internationale Künstler
beschäftigen sich mit dem Ausloten kultureller Unterschiede durch
geschriebenen oder gesprochenen Text. Mit Videos, Installationen
oder Fotografien untersuchen sie Schnittstellen zwischen Sprache,
Politik, Geschichte und Imagination. Zugleich kommentieren sie
die Vergangenheit kritisch und entwerfen ideenreich Möglichkeiten
für die Gegenwart. Nat Trotman, Associate Curator des
Guggenheim Museums in New York, stellt in seinem Essay die
von ihm konzipierte Ausstellung vor.
Vor dem Hintergrund von Found in Translation beschreibt
Ludwig Seyfarth die Verbindung von Gegenwartskunst und Spra-
che: In seinem Beitrag erläutert der freie Kurator und Autor, welche
zentrale Rolle die Sprache für die Konzeptkunst der späten
1960er Jahre spielte und wie Künstler sie in den 1980er und 1990er
Jahren einsetzten, um sich politisch zu engagieren und Identitäts-
fragen zu thematisieren.
In dieser Ausgabe des Deutsche Guggenheim Magazine zeigen
wir auch wie Paweł Althamers Projekt Almech im Laufe von fast
drei Monaten gewachsen ist. In einer Fotostrecke können Sie nach-
verfolgen, wie immer mehr seiner weißen Menschenfiguren die
Ausstellungshalle erobern. Außerdem berichten wir über den
spektakulären Erweiterungsbau des Städel Museums und die
Meisterwerke aus der Sammlung Deutsche Bank, die dort als
Dauerleihgabe zu sehen sind. Wie immer finden Sie in diesem
Magazin Beiträge zu den Ausstellungen in den Guggenheim
Museen weltweit und Hinweise auf Programm-Highlights im
Deutsche Guggenheim. Wir wünschen Ihnen einen spannenden
Start in das neue Kunstjahr!
Friedhelm Hütte
Global Head of Art, Deutsche Bank
With globalization, the Internet, and social networks in particular,
we increasingly communicate beyond national and cultural borders.
We discuss political and historical events such as the Arab
Spring on virtual platforms as they occur in real time. Social and
economic upheavals are no longer limited to specific regions, but
have worldwide effects. Our age is also characterized by migration.
Even in states where such travel is less common, the understanding
of homeland and national identity is changing. More and
more people feel at home in more than one language or torn
between different cultures. Translation, a process of reconciling
linguistic and cultural meanings, has become a day-to-day, often
vital experience for them.
Translation as a model and metaphor is the point of departure
for the exhibition Found in Translation, currently on view at the
Deutsche Guggenheim. Nine young, international artists explore
cultural differences through text, written or spoken, and images.
With installations, films, and photographs, they investigate the
interactions among language, politics, history, and creativity. At
the same time, they comment critically on the past and come up
with imaginative ways to consider the present.
In his essay, exhibition curator Nat Trotman, Associate Curator,
Solomon R. Guggenheim Museum, New York, presents the ideas
behind the show as well as a concise overview of each work.
Against the backdrop of Found in Translation, Ludwig Seyfarth
discusses the nexus between contemporary art and language. In
his article, the independent curator and artist talks about the key
role language played for late-1960s Conceptual art and how artists
used it in the 1980s and 1990s in their quest to become politically
active and explore issues of identity.
In this edition of Deutsche Guggenheim Magazine, we also show
how Paweł Althamer’s project Almech has grown over the threemonth
run of his exhibition in a photo essay that documents how
his uncanny human figures conquered the exhibition hall. In
addition, we report on the spectacular extension of the Städel
Museum, Frankfurt, which includes masterpieces on permanent
loan from the Deutsche Bank Collection. As always, this issue also
contains articles on exhibitions at Guggenheim museums around
the world and information about Deutsche Guggenheim program
highlights. We wish you a good start into your artistic explorations
this new year!
4 1
Welcome

Close Up
Ivana Franke, Seeing with Eyes Closed, 2011–.
Wooden construction, polystyrene panel,
white LED lights, micro controller, and pillow,
122 × 66 × 110 cm; frequency of the blinking
light: 12 – 50 Hz; sequence duration:
3 min., 18 sec.
Die Besucher sind eingeladen, sich vor das
Objekt auf den Boden zu setzen und ihre Augen
zu schließen. Sie sind einem Flashlight ausge-
setzt, das bei geschlossenen Augen die Halluzi-
nation bewegter Bilder erzeugt. Die Erfahrung
der Besucher ist jedes Mal eine andere.
Visitors are invited to sit on the floor in front
of the object and close their eyes. They are ex-
posed to flashing light, which produces the
quasi-hallucinatory visual experience of flowing
images behind their closed eyes. Each person’s
experience differs from that of others.
Judith Schalansky, Autorin author,
Deutsche Guggenheim, Berlin 2011
Found in Translation
Lesung I Reading I: 16. 2. 2011, 19 : 00 h
Lesung II Reading II: 1. 3. 2011, 19 : 00 h
Photo: Daisy Loewl
Seeing with Eyes Closed: A Panel on Art and Neuroscience
In the last decade the fields of art and the humanities de-
veloped an increasing affinity for neuroscientific findings.
In 2010, the Deutsche Guggenheim Club and the
Association of Neuroesthetics (AoN) inaugurated the
discussion series Art and Neuroscience as a forum for ex-
changing information between the two disciplines. Follow-
ing the first two rounds of talks “The Utopia of Communication”
and “When Neuroscience Meets Filmmaking,”
this time the focus will be on the immeasurable realm of
Villa Aurora at the Deutsche Guggenheim
„Ein wahres Schloss am Meer” – so nannte Thomas Mann
die Villa Aurora. Malerisch liegt das Haus in den Hügeln
von Pacific Palisades, Los Angeles. Als Lion Feuchtwanger
hier 1943 einzog, entwickelte es sich zum Treffpunkt
für deutsche Emigranten wie Alfred Döblin oder Albert
Einstein. Heute beherbergt die Villa Aurora in Deutschland
lebende Stipendiaten aus den Bereichen Literatur,
Bildende Kunst, Musik und Film. Wichtigstes Ziel des
Hauses, das mit dem Villa Aurora Forum Berlin auch hier
ein breites Stipendiatenprogramm und Netzwerk pflegt,
ist die Förderung des deutsch-amerikanischen Kulturaustauschs.
Als transatlantisches „Joint Venture“ ist auch
das Deutsche Guggenheim diesem Gedanken verbun-
den. Beide Institutionen kooperieren seit Agathe Snows
Ausstellung All Access World (2011). Begleitend zur
Schau las die ehemalige Villa Aurora-Stipendiatin Judith
Schalansky aus ihrem Buch Atlas der abgelegenen Inseln
(2011). Auch im Rahmen von Found in Translation sind
wieder ehemalige Stipendiaten zu Gast im Deutsche Gug-
genheim: Daniela Dröscher, Susanne Heinrich, Susanne
Kippenberger und Norbert Zähringer thematisieren
die Möglichkeit oder Unmöglichkeit von Übersetzung.
© Ivana Franke
Im letzten Jahrzehnt ist das Interesse der Kunst und der
Geisteswissenschaften an den Entdeckungen der Neuro-
wissenschaften enorm gewachsen. 2010 rief der Deut-
sche Guggenheim Club gemeinsam mit der Association
of Neuroesthetics (AoN) die Gesprächsreihe Kunst und
Neurowissenschaften ins Leben – als Plattform für den
Austausch zwischen beiden Disziplinen. Nach den beiden
ersten Talkrunden: „The Utopia of Communication“ und
„When Neuroscience Meets Filmmaking“ geht es diesmal
darum, wie Künstler das Potential subjektiver Wahr-
nehmung konzeptionell und methodisch nutzen können.
Den Ausgangspunkt bildet hierbei das fortlaufende
Projekt Seeing with Eyes Closed (2011–), das die Künst-
lerin Ivana Franke mit der Neurowissenschaftlerin Ida
Momennejad und der AoN im Deutsche Guggenheim
realisiert. An der Diskussion nimmt neben Franke und
Momennejad auch der Künstler Carsten Nicolai und der
Kritiker Niklas Maak teil. Frankes Installation ist vom
23. bis zum 25. März zu erleben. Die Veranstaltung wird
von Elena Agudio kuratiert.
subjective experience and on its potential to stretch the
boundaries of our conceptual tools and methods. The
discussion takes inspiration from the project Seeing with
Eyes Closed (2011–) by artist Ivana Franke together
with neuroscientist Ida Momennejad and AoN. It will
include Franke, Momennejad, artist Carsten Nicolai, and
journalist and critic Niklas Maak. Franke’s installa-
tion will be on view at the Deutsche Guggenheim, March
23 – 25. The event is curated by Elena Agudio.
“A veritable palace on the sea” is what Thomas Mann
called the Villa Aurora. The villa is situated in the pictur-
esque Pacific Palisades hills in Los Angeles. When Lion
Feuchtwanger moved here in 1943, it developed into a
meeting place for German immigrants, including Alfred
Döblin and Albert Einstein. Today, the Villa Aurora main-
ly houses German fellows in literature, fine arts, music,
and film. The most important goal of the house, which
also runs a broad fellowship program and network here
with the Villa Aurora Forum, Berlin, is to further German-
American cultural exchange. As a transatlantic joint
venture, the Deutsche Guggenheim also subscribes to this
idea, and the two institutions have been coproducing
events since Agathe Snow’s exhibition All Access World
(2011). To accompany the show, former Villa Aurora
fellow Judith Schalansky read from her book Atlas of
Remote Islands (2011). For Found in Translation, former
fellows once again make a guest appearance in the Deut-
sche Guggenheim: Daniela Dröscher, Susanne Heinrich,
Susanne Kippenberger, and Norbert Zähringer ad-
dress the possibility or impossibility of translation, as the
case may be.
Work in Progress: Paweł Althamer’s Almech
Mit Almech realisierte Paweł Althamer eines
seiner außergewöhnlichsten Projekte. Er ver-
wandelte das Deutsche Guggenheim in eine
Kunstfabrik, in der lebensgroße skulpturale
Porträts von Ausstellungsbesuchern und An-
gestellten des Hauses produziert wurden.
With Almech Paweł Althamer has realized
one of his most extraordinary projects to date.
He transformed the Deutsche Guggenheim
into an art factory in which life-sized sculptural
portraits of exhibition visitors and employees
were produced.
2 Deutsche Guggenheim Magazine Issue 18 Winter 2012
3
Photos: Mathias Schormann

On View
Found in
Translation
Sharon Hayes, In the Near
Future (London), 2008
(detail). Three 35 mm color
slide projections
Courtesy the artist and Tanya Leighton
Gallery, Berlin
By Nat Trotman
In der heutigen, globalisierten Welt sind wir weit über nationale
Grenzen hinaus durch politische, wirtschaftliche und soziale Belange
miteinander verbunden. Es ist unabdingbar geworden, dass
wir uns über tiefgreifende historische und kulturelle Unterschiede
hinweg verständigen. Die Übersetzung, sowohl im linguistischen
als auch im bildlichen Sinne, hat sich zu einem grundlegenden
Mittel entwickelt, um unsere Wirklichkeit zu verstehen. Mehr denn
je müssen wir darüber nachdenken, was durch die Übersetzung
verloren oder gewonnen wird und welche Folgen diese schier end-
losen Umwandlungen für unsere Alltagswelt haben.
In seinem richtungsweisenden Text Die Verortung der Kultur
(1994) beschreibt der Kulturtheoretiker Homi Bhabha Übersetzung
als „den performativen Charakter kultureller Kommunikation.“
Er argumentiert, dass die Übersetzung beides aktiviert:
sowohl die Kultur, aus der übersetzt wird, als auch die Kultur, in
die man übersetzt. Die Übersetzung erzeugt ein diskursives Feld,
in dem die Begriffe von Identität – Klasse, Rasse, Religion, Sexu-
alität – verhandelt werden und in dem neue Bedeutungen entstehen.
Für Bhabha bildet sich durch die scheinbar unkomplizierte
In today’s globalized world, with political, economic, and social
issues intertwined across national boundaries, the need to communicate
across cultural and historical divides has become un-
avoidable. Translation, both linguistically and figuratively, has
emerged as a fundamental tool for making sense of reality. Unlike
ever before, we must consider what is lost or gained in translation
and what effects these endless transformations have on the world
around us.
In his groundbreaking text The Location of Culture (1994), cul-
tural theorist Homi Bhabha describes translation as “the performative
nature of cultural communication.” Translation, he claims,
activates both the culture being translated from as well as that
being translated to. It creates a discursive field in which the terms
of identity—class, race, religion, sexuality—are negotiated and
new meanings are generated. For Bhabha, the apparently straight-
forward task of converting a text from one language to another
becomes a microcosm for the interaction between cultures, with
all the complexities that dialogue entails. This process is laden
with power relations, especially through the legacy of colonialism;
it is also, however, a site of new aesthetic possibilities.
4 Issue 18 Winter 2012
5

On View
Alejandro Cesarco,
Dante /Calvino, 2004
(detail). Ten inkjet prints,
40.6 × 50.8 cm each
Aufgabe, einen Text aus einer Sprache in die andere umzuwandeln,
ein Mikrokosmos, in dem Interaktion zwischen unterschiedlichen
Kulturen stattfindet. Und dazu gehören alle Probleme, die
dieser Austausch mit sich bringt. Der Vorgang des Übersetzens
ist durch Machtstrukturen belastet, besonders durch das Erbe des
Kolonialismus. Dieser Mikrokosmos ist jedoch zugleich auch ein
Schauplatz für neue ästhetische Möglichkeiten.
Found in Translation vereint jüngere Arbeiten von neun Künstlern,
die die Übersetzung sowohl als Modell als auch als Metapher
benutzen, um unterschiedliche politische und gesellschaftliche
Zusammenhänge zu untersuchen. Diese Künstler sind im
21. Jahrhundert erwachsen geworden und haben die Geschichte
der Konzeptkunst, repräsentationspolitische Fragestellungen, die
Strategien von Appropriation und Performance quasi mit der
Muttermilch aufgesogen. Sie nutzen Geschichte ebenso wie die
Fantasie, um das heutige Leben zu erkunden. Sprache, sowohl ge-
schriebene als auch gesprochene, dient als Quelle und als Verbin-
dung zwischen den unterschiedlichen Kulturen und Zeitebenen,
die sie erforschen. Ob sie nun Echtzeit auf Film und Video festhalten
oder uns durch Fotografie und Druckgrafik zum Akt des
Lesens auffordern – diese Künstler dokumentieren, interpretieren
Texte oder spielen sie nach, um ganz grundsätzliche Vorstellungen
von unserer heutigen Gesellschaft in Frage zu stellen und neu
zu definieren. Über die buchstäbliche Übersetzung hinaus unter-
suchen sie Kulturgeschichte und schriftliches Material aus der
Vergangenheit, um damit ganz gegenwärtige Themen anzuschnei-
den: Identität, Protest, Redefreiheit. Gemeinsam zeigen sie Wege
auf, bei denen Übersetzung dazu dienen kann, die komplexen
geschichtlichen und politischen Prozesse zu erhellen, die unser
heutiges Leben bestimmen.
So ist zum Beispiel Lisa Oppenheims Filminstallation Cathay
nach einem 1915 erschienenen Band von Ezra Pound benannt, ei-
nem Dichter der Moderne, der von Übersetzungen fasziniert war.
Sein Interesse galt dabei besonders asiatischen Sprachen, „Cathay“
ist ein veralteter englischer Name für China. In der fälschlichen
Die Übersetzung aktiviert sowohl
die Kultur, aus der übersetzt wird,
als auch die Kultur, in die man
übersetzt.
Annahme, dass chinesische Schriftzeichen Ideogramme oder Sym-
bole seien, die Ideen veranschaulichen, entwickelte Pound bei der
Übersetzung von chinesischen Gedichten einen sprachlichen Stil,
bei dem abstrakte Zusammenhänge durch eine Kombination
von ganz konkreten Bildern widergegeben wurden. Dieser piktografische
Transfer zwischen Bild und Text inspirierte Oppenheim.
Courtesy the artist and Tanya Leighton Gallery, Berlin
Found in Translation brings together recent works by nine artists
that use translation as both a model and a metaphor to investigate
diverse political and social contexts. Coming of age in the
21st century, these artists are steeped in the history of Conceptual
art, in the politics of representation, and in strategies of appro-
priation and performance. Their projects explore contemporary
life through history and fantasy; language, both spoken and written,
serves as a source and a crucial link between the cultures and
temporalities they probe. Alternately incorporating real time
through film and video or encouraging acts of reading through
photography and printmaking, these artists document, interpret,
and reperform texts in order to disorient and reposition basic
assumptions about contemporary society. Beyond acts of literal
translation, they look to cultural history at large, examining written
material from the past to approach issues of identity, protest,
and free speech in the present. Together they highlight ways that
translation can illuminate the complex historical and political processes
that govern life today.
Lisa Oppenheim’s film installation Cathay (2010), for instance,
is named after a 1915 volume by Ezra Pound, a modernist poet
fascinated with translation and a particular focus on Asian languages
(“Cathay” is an antiquated English name for China). Incor-
rectly believing Chinese characters to be ideograms, or symbols
that graphically represent ideas, Pound developed a style in which
abstract concepts were expressed through combinations of concrete
images. This pictographic transfer between image and text
inspired Oppenheim, who developed Cathay from a poem fragment
by the eighth-century Chinese poet Li Bai that Pound had
translated for his book. Compared to a more recent scholarly
translation, Pound’s text, though often imprecise, possesses a
warmth and spirit lost in the more literal, contemporary version.
To tease out these differences, Oppenheim made two synchro-
nized films based on the texts, referencing Pound’s Imagistic theory
by replacing phrases with static shots taken in New York’s
Chinatown. As the piece begins, Pound’s translation appears on
the left while the new translation is seen entirely through images
on the right; as the films proceed, images intercede with Pound’s
version and the new translation is revealed on the right. The actual
Chinese text is never seen; rather, viewers are presented with an
ever-shifting variety of interpretations.
A similar sense of mystery is invoked by Alejandro Cesarco’s
series of ten prints, Dante / Calvino (2004). For this piece the artist
reproduced the opening pages of Dante Alighieri’s 14th-century
epic poem Inferno, using ten different English translations
that span the early 1800s to the present day. Examining these
images, viewers can see just how strongly translators have redefined
even the most renowned texts. These translators, not identified
by Cesarco, act as privileged readers and rewriters of Dante’s
Translation activates the culture
being translated from and the
one translated to.
words, inscribing their own historical moment and personality
into the work. The resulting texts hover beside the Italian original
as if in a parallel universe. To reinforce this impression, Cesarco
added his own layer of subtle interpretation, subtitling each print
with a chapter title from Italo Calvino’s Se una notte d’inverno un
viaggiatore (If on a Winter’s Night a Traveler, 1979), itself a treatise
on the art of reading. The book’s central chapters comprise the
opening passages of ten books-within-a-book, which are abandoned
in turn by a reader who may or may not be the actual reader
of Calvino’s work. By bringing these two classics of Italian literature
together, Cesarco refracts Calvino’s postmodern understanding
of an activated reader onto the role of Dante’s translators, creating
an elegiacally meditative work.
Such literary play continues in Brendan Fernandes’s Foe (2008).
This video takes its title from South African writer J. M. Coetzee’s
1986 novel Foe, which refashions Daniel Defoe’s Robinson Crusoe
(1719) into a complex allegory on the links between language and
power. Besides retelling the story from a forgotten female prota-
gonist’s perspective, the book focuses on Crusoe’s dark-skinned
native companion Friday, whose tongue has been cut out, perhaps
by Crusoe himself. In Coetzee’s hands, Friday becomes a symbol
Lisa Oppenheim, Cathay,
2010. Two 16 mm color
films, silent, 7 min., 30 sec.,
Edition 3/3. Solomon R.
Guggenheim Museum,
New York, Purchased with
funds contributed by the
Photography Committee
2011.19. Installation view:
Lisa Oppenheim, Kloster-
felde, Berlin, September 4–
October 1, 2010
6 Deutsche Guggenheim Magazine
Issue 18 Winter 2012
7
© Lisa Oppenheim. Courtesy the artist and Klosterfelde, Berlin

On View
Brendan Fernandes, Foe,
2008. Color video, with
sound, 4 min., 39 sec.
Die Grundlage für Cathay bildet das Fragment eines Gedichtes,
das der chinesische Poet Li Bai im 18. Jahrhundert schrieb und
das Pound für sein Buch übersetzt hatte. Obwohl er im Vergleich
zu jüngeren wissenschaftlichen Übersetzungen in vielen Passagen
ungenau ist, besitzt Pounds Text mehr Wärme und Geist, was in
der eher zeitgemäßen, wortwörtlichen Übersetzung verloren geht.
Um diesen Unterschied hervorzuheben, machte sie zwei Filme,
die auf den beiden Texten basieren. Beide Filme werden synchron
nebeneinander gezeigt. In Anlehnung an Pounds bildhafte Übersetzungstheorie
ersetzt Oppenheim Zeilen des Gedichts durch
statische Bilder, die sie im New Yorker Chinatown aufgenommen
hat. Zu Beginn des Werkes erscheinen Zeilen von Pounds Text
auf der linken Seite, während die neue Übersetzung auf der rechten
Seite parallel nur durch eine Kombination von Einzelbildern
dargestellt wird. Im Laufe des Films dreht sich dieses Verhältnis
um; Pounds Text wird zunehmend durch symbolhafte Bilder er-
setzt, während der Text der neuen Übersetzung sichtbar wird. Der
ursprüngliche chinesische Text ist nie zu sehen, vielmehr wird dem
Betrachter eine sich ständig wandelnde Vielzahl von Interpreta-
tionsmöglichkeiten präsentiert.
Ähnlich rätselhaft mutet auch Alejandro Cesarcos Serie von
zehn Drucken Dante / Calvino an. Für diese Arbeit reproduzierte
der Künstler die Anfangsseiten von Dante Alighieris Gedicht
Inferno aus dem 14. Jahrhundert. Die Vorlagen dazu bieten zehn
verschiedene englische Übersetzungen, die zwischen dem frühen
19. Jahrhundert und heute entstanden sind. Bei einer genaueren
© Brendan Fernandes. Courtesy the artist and Diaz Contemporary, Toronto
Betrachtung kann man erkennen, wie stark selbst die bekanntesten
Texte von den Übersetzern neu ausgelegt wurden. Die von
Cesarco nicht näher identifizierten Übersetzer erscheinen hierbei
als privilegierte Leser und Neudichter von Dantes Worten, die
ihre eigene Persönlichkeit und Zeitgeschichte mit in das Werk ein-
schreiben. Neben dem italienischen Originalmanuskript erscheinen
die so entstandenen Texte wie Paralleluniversen. Um diesen
Man erkennt, wie stark selbst die
bekanntesten Texte von den Über-
setzern neu ausgelegt wurden.
Eindruck noch zu verstärken, hat Cesarco noch eine weitere
Interpretationsebene hinzugefügt: Jeder der Drucke ist mit einer
Kapitelüberschrift aus Italo Calvinos Se una notte d’iverno viaggia-
tore / Wenn ein Reisender in einer Winternacht (1979) untertitelt.
Das Buch ist eine Abhandlung über das Lesen selbst. Es besteht
im Hauptteil aus zehn Anfängen von verschiedenen Romanen,
die von einem fiktiven Leser zwar begonnen, aber dann aus den
unterschiedlichsten Gründen an der spannendsten Stelle abgebro-
chen werden. Indem Cesarco diese beiden Klassiker der italieni-
schen Literatur zusammenbringt, überträgt er das postmoderne
Verständnis Calvinos von der aktiven Rolle des Lesers auf die
Rolle der Dante-Übersetzer. Er schafft dabei ein elegisch-meditatives
Werk.
Auch Brendan Fernandes’ Foe (2008) ist von einem ähnlichen
literarischen Spiel geprägt. Der Titel des Videos bezieht sich auf
den gleichnamigen, 1986 erschienenen Roman von J. M. Coetzee,
in dem der südafrikanische Schriftsteller Daniel Defoes Robinson
Crusoe (1719) zu einer komplexen Allegorie über die Verbindung
von Macht und Sprache umgestaltet. Erzählt wird die Geschichte
aus der Sicht einer vergessenen, weiblichen Protagonistin. Das
Buch konzentriert sich dabei auf Crusoes Kameraden, den dunkel-
häutigen Eingeborenen Freitag, dem – wahrscheinlich von Crusoe
selbst – die Zunge herausgeschnitten wurde. Bei Coetzee wird
Freitag zum Symbol für die Unterdrückung von Kulturen durch
die europäischen Kolonialmächte, für die Art und Weise, wie sie
sowohl geschichtlich als auch politisch zum Schweigen gebracht
wurden. Für Fernandes, der in Nairobi als Sohn einer aus Goa
stammenden Familie geboren wurde und in Toronto aufwuchs,
bietet diese Parabel viele Möglichkeiten zu untersuchen, wie die
Sprache in der postkolonialen Ära Identität erzeugt. Nachdem
er mit einem Sprach-Coach geprobt hat, liest Fernandes eine
Passage aus Coetzees Foe laut vor. Er versucht dabei, in den Akzenten
jener Länder zu sprechen, die seine Herkunft geprägt
haben: Kenia, Indien und Kanada. Seine Performance gleitet ins
Komische ab – ständig scheitert der Künstler an dem Versuch,
die richtige Aussprache zu treffen und wird von dem Sprach-
Coach korrigiert, der außerhalb des Bildes sitzt. Zugleich ist die
schwerwiegende Thematik stets präsent – in der Textpassage, die
Fernandes liest, beschreibt Crusoe Freitags Stummheit, während
dieser nur mit „La, la, la“ antworten kann.
In The Land of Black Gold (2004) stellt Siemon Allen Nachforschungen
darüber an, wie Erzählungen in den Dienst kolonialer
Macht gestellt werden können. Für seine Arbeit greift er
Bilder aus Hergés Comicbuchserie Les aventures de Tintin / Die
Abenteuer von Tim und Struppi (1929–83) auf, in diesem Falle die
Geschichte Tintin au pays de l’or noir / Im Reiche des Schwarzen
of how cultures have been silenced, historically and politically,
by European colonial powers. For Fernandes—who was born
in Nairobi to a Goan family and raised in Toronto—this parable
offers rich possibilities for exploring the ways that identity is born
through language in a postcolonial era. Working with a speech
coach, Fernandes reads aloud a passage from Coetzee’s Foe,
attempting to speak in stereotypical accents from the sites of
his heritage—Kenya, India, and Canada. This performance veers
toward the comic, as the artist repeatedly fails to properly enunciate
and is corrected by his offscreen coach. Yet the gravity of the
subject matter is ever present: in the text Fernandes has chosen,
Crusoe repeatedly describes Friday’s muteness, while Friday can
only respond, “la la la.”
In The Land of Black Gold (2004), Siemon Allen musters his
own investigation into the ways colonial power can be wielded
through narrative. This piece appropriates images from Hergé’s
comic-book series Les aventures de Tintin (The Adventures of
Tintin, 1929–83), in particular a strip called Tintin au pays de l’or
noir (Land of Black Gold). First published serially in 1939–40, the
comic was set in the British Mandate of Palestine and revolved
around conflicts among Zionist Jews, insurgent Arabs, and colonial
British troops. Abandoning the story line during World War II,
Hergé returned to the comic in 1948—the same year that the
modern state of Israel was established—and completed it two
years later. In preparing the English edition in 1972, the author
altered the plot significantly, removing all reference to Britain
and relocating the story to the fictional kingdom of Khemed. For
his installation, Allen assembles the two complete editions of the
comic as long strips that unfurl in tandem, beginning identically
but soon diverging into a jumble of disparate images. To signify
the malleability of the narrative, he removed all dialogue from the
speech bubbles. Allen thus provides a unique view into the shifting
political terrain of the mid-20th century, suggesting the ways
that Israelis and Palestinians have found themselves “spoken for”
by the economic and religious struggles of their region throughout
much of the last century.
While the works by Allen, Cesarco, Fernandes, and Oppenheim
consider acts of translation through literary subjects, a second
group of artists in the exhibition turns instead toward speech
acts, focusing on ways that language and cultural difference inter-
sect in the public realm. In the installation In the Near Future
(London) (2008), Sharon Hayes brings together 35 mm slide pro-
jections that present documentary photographs from three performances
in London in 2008. Part of a long-term project that
Viewers can see just how strong-
ly translators redefined even the
most renowned texts.
also took place in New York, Warsaw, Vienna, Brussels, and Paris,
each set of images depicts Hayes in areas that have previously
served as forums for public speech, carrying placards inscribed
with phrases from protests both historical (“Organise or Starve”
or “Votes for Women”) as well as imagined (“When is This Going
to End”). In each case she invited friends and passersby to photo-
graph her action, thus creating a scene of spectatorship and
oben und nächste Seite
above and following page:
Siemon Allen, The Land
of Black Gold, 2004.
Paper and correction fluid
mounted on foamcore,
248.9 × 510.5 × 1 cm.
Solomon R. Guggenheim
Museum, New York,
Purchased with funds con-
tributed by the Young
Collectors Council 2004.88
© Siemon Allen. Photo: Kristopher
McKay, courtesy Goodman Gallery,
South Africa
8 Deutsche Guggenheim Magazine Issue 18 Winter 2012
9

10 Deutsche Guggenheim Magazine Issue 18 Winter 2012
11

On View
O Zhang, Salute to the
Patriots, 2008. Vinyl banner,
200 × 250 cm
rechte Seite Opposite page:
Matt Keegan, ¿Cómo Se
Dice?, 2011 (detail),
Five silkscreens on paper,
71.1 × 55.9 cm each
Photo courtesy the artist and D’Amelio
Terras, New York
Goldes. In der ersten Fassung von 1939–40 spielte die Handlung
im britischen Mandatsgebiet von Palästina und drehte sich um
Konflikte zwischen zionistischen Juden, aufständischen Arabern
und den kolonialen britischen Truppen. Nachdem er die Handlung
der Geschichte während des 2. Weltkrieges nicht weiter geführt
hatte, widmete sich Hergé 1948 wieder dem Comic, in dem-
Die T-Shirt-Slogans werden zu
bissigen Kommentaren zur jün-
geren chinesischen Geschichte.
selben Jahr, in dem der moderne Staat Israel gegründet wurde,
und vollendete die Geschichte zwei Jahre später. Für die englische
Ausgabe von 1972 nahm er gravierende Änderungen in der
Handlung vor. Er entfernte sämtliche Hinweise auf die Briten und
verlegte die Geschichte in das fiktive Königreich Khemed. Für
seine Installation vereint Allen beide Fassungen und ordnet sie in
zwei langen Streifen, die parallel verlaufen. Doch während sie
synchron beginnen, verliert sich diese Ordnung schnell in einem
Gewirr aus völlig unterschiedlichen Bildern. Um die Formbarkeit
der Geschichte zu verdeutlichen, entfernte er sämtliche Dialoge
aus den Sprechblasen. Allen gibt uns einen einzigartigen Einblick
in das sich verändernde politische Zeitgeschehen in der Mitte des
20. Jahrhunderts. Er deutet dabei an, wie sich Israelis und Palästinenser
durch die Fixierung auf die wirtschaftlichen und religiö-
sen Auseinandersetzungen in ihrer Region über fast das gesamte
20. Jahrhundert hinweg entmündigt gefühlt haben müssen.
Die Arbeiten von Allen, Cesarco, Fernandes und Oppenheim
widmen sich dem Akt des Übersetzens anhand von literarischen
Sujets. Eine zweite Gruppe von Künstlern wendet sich hingegen
dem Akt des Sprechens zu, um herauszufinden, auf welche Weise
sich Sprache und kulturelle Unterschiede im öffentlichen Raum
überschneiden. In ihrer Installation In the Near Future (London)
(2008) vereint Sharon Hayes 35-mm Dia-Projektionen von drei
Courtesy the artist and CRG Gallery, New York
12 Deutsche Guggenheim Magazine Issue 18 Winter 2012
13

On View
Matt Keegan, “N” as in
Nancy, 2011. Two-channel
color video installation,
with sound, 3 min., 8 sec.
ihrer Performances, die in London stattfanden. In the Near Future
ist Teil eines langfristig angelegten Projektes, bei dem Perfor-
mances auch in New York, Warschau, Wien, Brüssel und Paris
stattfanden. Jede Serie von Aufnahmen zeigt Hayes jeweils an
Orten, die in früherer Zeit als Plätze für öffentliche Reden gedient
haben. Dabei trägt sie Protestschilder mit Slogans, die sowohl
geschichtlich („Organise or Starve“ oder „Votes for Women“) als
auch selbst erfunden sein können („When is This Going to End“).
Bei jeder dieser Gelegenheiten bat sie Freunde oder Passanten,
ihre Aktionen zu fotografieren und erzeugte so Szenarien des
Zuschauens und der Beteiligung, die ihre eher bescheidenen Ges-
ten in Akte eines dokumentierten, öffentlichen Diskurses trans-
formierten. Die sprachlichen Behauptungen auf den Plakaten
dienen nicht einfach dazu, die Vergangenheit nachzuspielen. Sie
sind gleichermaßen Zitate, die an ganz spezifische Proteste er-
innern und beinhalten zugleich die Möglichkeit zukünftigen Pro-
testes – wobei sich in bestimmten Momenten eine unheimliche
Resonanz zwischen Vergangenheit und Gegenwart ergibt.
An die Öffentlichkeit gerichtete Slogans hallen auch in O
Zhangs fotografischer Serie The World is Yours (But Also Ours)
(2008) nach, allerdings stammen diese Bekundungen nicht von
Protestierenden, sondern aus der chinesischen Staatspropaganda.
Die Zitate vom großen Vorsitzenden Mao Zedong, alten Sprichworten
und Redensarten, die in Mandarin unter jedem Bild nachgedruckt
sind, erinnern an die Allgegenwart der kommunistischen
Partei in der chinesischen Gesellschaft. Diese Wirkung wird durch
die Fotografien selbst noch verstärkt, auf denen Jugendliche zu
sehen sind, die vor ikonischen Bauwerken und anOrten stehen, die
das Erbe der chinesischen Geschichte repräsentieren. Betrachtet
man allerdings ihre Kleidung, dann kippt die Stimmung. Jeder
der Teenager trägt ein T-Shirt mit einem Slogan in „Chinglish“ –
einer Kreuzung aus Chinesisch und Englisch, die häufig in völligem
Nonsens resultiert. Diese populäre Bekleidung wird in China
für die einheimischen Verbraucher hergestellt und steht für die
zunehmende Sehnsucht nach westlicher, im Besonderen nach
amerikanischer Kultur. Bei Zhang werden die Slogans auf den T-
Shirts zu bissigen und humorvollen Kommentaren zur jüngeren
chinesischen Geschichte. So etwa wenn ein T-Shirt mit „It’s All
Good in the Hood“ („Alles klar im Kiez“) vor dem Tor auf dem
Platz des Himmlischen Friedens auftaucht, auf dem der Mahn-
ruf „Salutiert den Patrioten“ zu lesen ist. In dieser Kombination
wird der Schnappschuss zum doppelsinnigen Statement zu den
Studentenprotesten von 1989 und den Versuchen, die Erinnerung
an sie auszulöschen. Auf große Vinylbanner gedruckt, münzen
Zhangs Fotografien die historische Rolle der Propaganda für eine
junge, zunehmend globalisierte Generation um, die zwischen öst-
licher und westlicher Kultur gefangen ist.
Die sprachliche Vieldeutigkeit von Zhangs „Chinglish“-Slogans
wird von Matt Keegan in seiner fünfteiligen Siebdruckserie
¿Cómo Se Dice? (2011) noch weiter getrieben. Seine Arbeit konzentriert
sich auf grammatische Verschiebungen – Pronomen wie
„Du“ oder „Ich“, die sich ebenso individuell wie allgemein auf jeden
von uns beziehen können. Keegans Arbeit versammelt Phrasen,
die zugleich spezifisch und völlig vage sein können: „Ich sehe, was
du meinst“, „Meine, was du sagst“, „Das ist nicht, was ich gemeint
habe“. Aus dem Kontext gerissen werden diese alltäglichen Standardsprüche
zu poetischen Reflektionen über die Fähigkeit der
Sprache, Kommunikation zu fördern oder zu verhindern. Das-
selbe Thema verfolgt Keegan auch in seiner Zweikanal-Video-
installation “N” as in Nancy (2011). Das Werk entstand in Zusammenarbeit
mit seiner Mutter, die Englisch als Zweitsprache für
zumeist Spanisch sprechende Immigranten unterrichtete. Es zeigt,
welche Lücken entstehen können, wenn man sich über kulturelle
Grenzen hinweg verständigt: Keegans Mutter erscheint auf der
linken Seite und spricht englische Worte und Phrasen, sie wird
dabei auf Spanisch untertitelt. Auf der rechten Seite sieht man,
wie sie Lernkarten hochhält, die sie in den 1980er Jahren aus
Magazinen und Zeitungen selbst gebastelt hat. Die heute völlig
antiquiert wirkenden Bilder sind inzwischen viel mehr als bloße
Illustrationen. Sie verweisen auch auf die kulturellen Vorstellungen,
die mit einem so vermeintlich einfachen Begriff wie „Frühstück“
einhergehen, das in diesem Fall durch eine fröhliche, weiße Mittel-
standsfamilie repräsentiert wird. So unfreiwillig komisch das auch
anmuten mag, solche Verbindungen aus Bild und Sprache fördern
unbewusst auch ein sehr normatives Verständnis dessen, was als
„amerikanisch“ betrachtet wird. Indem er das Augenmerk auf solche
Details lenkt, hinterfragt Keegan auch, wie Sprache und Bild
zur Schaffung von Hegemonie instrumentalisiert werden.
In seinem Essay Die Aufgabe des Übersetzers beschrieb der
deutsche Kritiker Walter Benjamin 1923 die Komplexität der literarischen
Übersetzung und insbesondere die Freiheit des Übersetzers:
„Wie die Tangente den Kreis flüchtig und nur in einem
Punkte berührt“, schreibt er, „und wie ihr wohl diese Berührung,
nicht aber der Punkt, das Gesetz vorschreibt, nach dem sie weiter
Photo courtesy the artist and Altman Siegel, San Francisco
participation that transformed her modest gestures into acts of
documented public discourse. The linguistic assertions borne by
the placards serve not just as reenactments of the past but as
citations that mark both the memory of specific protests and the
possibility of future ones, while highlighting uncanny instances of
resonance between past and present.
Public slogans also reverberate through O Zhang’s photographic
series The World is Yours (But Also Ours) (2008), though
the appropriated declarations were not uttered in protest but as
Chinese state propaganda. Reprinted in Mandarin at the bottom
of each image, these quotations from Chairman Mao Zedong,
ancient proverbs, and other sayings call to mind the ubiquity of
the Communist party in Chinese society. This resonance is doubled
in the photographs themselves, which feature youths standing
before icons of the country’s heritage. Yet notice their clothing
and the mood goes awry: each teenager wears a T-shirt emblazoned
with phrases in “Chinglish,” a bastardized version of English
filtered through Chinese with often nonsensical results. These
popular garments, which are made in China for local consumers,
suggest an increasingly prevalent desire for Western, and especially
American, culture. In Zhang’s hands, they also trenchantly
and humorously comment on modern Chinese history, as when a
Zhang’s photographs reclaim the
historical role of propaganda.
shirt proclaiming “It’s All Good in the Hood” appears before the
Tien’anmen Gate Tower alongside the exhortation “Salute to the
Patriots”—a dual statement about the 1989 protests and the current
government’s attempts to sweep their memory under the
rug. Printed as large vinyl banners, Zhang’s photographs reclaim
the historical role of propaganda for an increasingly globalized
generation caught between East and West.
The openness of meaning seen in Zhang’s Chinglish texts is
further developed by Matt Keegan in his recent group of five
screenprints entitled ¿Cómo Se Dice? (2011). Focusing on grammatical
shifters—pronouns like “you” or “me” that refer to each of
us individually yet generically—this work gathers phrases simultaneously
specific and vague that highlight moments of interchange
between subjects: “I See What You Mean,” “Mean What
You Say,” “That’s Not What I Meant.” Isolated from any context,
these stock expressions become poetic reflections on language’s
ability to foster, or foreclose, communication—a theme that
Keegan also explores in his two-channel video “N” as in Nancy
(2011). Made in collaboration with the artist’s mother, who taught
English as a second language to mostly Spanish-speaking immigrants,
this installation digs into the gaps that can arise when com-
municating across cultural boundaries. On the left, Keegan’s
mother speaks words and phrases in English with subtitles in
Spanish; on the right appear corresponding flashcards that she
made in the 1980s from magazines and other popular printed ma-
terials. These now-dated images exceed mere illustration, exposing
the layered cultural references that accumulate around such
apparently simple concepts as “breakfast,” here expressed through
the cheery, white middle-class family. However humorous they
may be, such combinations unwittingly foster normative ideals
for what constitutes “American” behavior; by drawing out these
details, Keegan raises important questions about the function of
language and image as tools of hegemony.
In his 1923 essay “Die Aufgabe des Übersetzers” (“The Task of
the Translator”), German critic Walter Benjamin described the
complexities of literary translation, focusing on the translator’s
creative freedom. “Just as a tangent touches a circle lightly and
at but one point,” he wrote, “a translation touches the original
lightly and only at the infinitely small point of the sense.” In her
video installation The Product Love (2009), Patty Chang takes
Benjamin at his word, focusing on a text he wrote in 1928 about
the Chinese-American silent-film star Anna May Wong. Two alter-
nating projections investigate Benjamin and Wong’s relationship
from very different perspectives. In one, a series of translators
Keren Cytter, Something
Happened, 2007. Digital
color video, with sound,
7 min. Edition 2/4. Solomon
R. Guggenheim Museum,
New York, Purchased
with funds contributed by
the International Director’s
Council 2011.10
14 Deutsche Guggenheim Magazine Issue 18 Winter 2012
15

On View
von links nach rechts
Left to right: Patty Chang,
The Product Love, 2009.
Two-channel color video
installation, with sound,
42 min. Edition 1/6.
Solomon R. Guggenheim
Museum, New York,
Purchased with funds
contributed by Manuel
de Santaren 2009.54.
Installation view:
The Product Love, Mary
Boone Gallery, New York,
May 21 – June 27, 2009
ins Unendliche ihre gerade Bahn zieht, so berührt die Übersetzung
flüchtig und nur in dem unendlich kleinen Punkte des Sinnes das
Original, um nach dem Gesetze der Treue in der Freiheit der
Sprachbewegung ihre eigenste Bahn zu verfolgen.“ In ihrer Video-
installation The Product Love (2009) nimmt Patty Chang Walter
Benjamin beim Wort, oder besser seinen Text, den er 1928 über
den chinesisch-amerikanischen Stummfilmstar Anna May Wong
schrieb. Zwei sich abwechselnde Projektionen untersuchen das
Verhältnis von Benjamin und Wong aus sehr unterschiedlichen
Perspektiven. In der einen nimmt eine Reihe von Übersetzern
Benjamins anspruchsvollen und nur schwer zu fassenden Text in
Angriff. Sie lesen Benjamins Gedanken zu Wong laut vor, während
sie sie aus dem Deutschen ins Englische übersetzen. Schnell bemerkt
man die Abweichungen zwischen den einzelnen Übersetzungen
und in welchem Maße die Übersetzungen das Original
verändern und manipulieren. Auf dem anderen Kanal sieht man
Changs eigenen Versuch einer Übersetzung. Sie heuerte eine chinesische
Filmcrew an, um eine imaginäre erotische Liaison zwi-
schen Benjamin und Wong nachzuspielen. Diese absurde Passage
zeigt die Schauspieler aus dem heutigen China, die sich auf die
beiden Rollen vorbereiten und sie spielen. Außerdem sieht man
Interviews mit den Mitwirkenden dieses „Films im Film“, in denen
sie ihre Meinung über die kulturelle Symbolik dieser schwierigen
und anstrengenden Szene sagen. Durch die parallele Erzählweise
kommentiert Chang auf sehr subtile Weise die Vorstellung westlicher
Romantik, die Aneignung östlicher Kultur und die Rolle von
Text als einem Medium der Sehnsucht und Fantasie in diesem
kulturellen Austausch.
Fantasie übernimmt auch in Keren Cytters Something Happened
(2007) die Herrschaft. Cytter nimmt Natalia Ginzburgs 1947
erschienen Roman È stato così / So ist es gewesen als Ausgangspunkt
für ihre Arbeit, die sich aber schnell zu einer Meditation
über den Akt des Erzählens entwickelt. In einem betont provisorischen
do-it-yourself Stil erzählt sie die Geschichte der zerbröckelnden
Ehe aus Ginzburgs Buch als höchst selbstbewussten
Film Noir nach. Obwohl Cytter die Handkamera einsetzt, die
© Patty Chang. Photo courtesy Arratia Beer, Berlin
eigentlich für den filmischen Realismus steht, erschafft sie einen
traumartigen und zutiefst zwiespältigen Raum: Unter sich in einem
Zimmer sprechen ein Mann und eine Frau miteinander, mit
dem Publikum, zu sich selbst und reflektieren dabei ihre eigenen
Sehnsüchte und Antriebskräfte. Ihre Handlungen und Äußerungen
drehen sich im Kreise, da Cytter die Einstellungen in unterschiedlichen
Kombinationen wiederholt. Die Tonspur des Films
ist einmal synchron, einmal nicht. Sowohl die nachsynchronisierten
Texte als auch der melodramatische Soundtrack stimmen an
vielen Stellen nicht mit den Bewegungen überein und verstärken
den künstlichen Effekt. Durch das betont gekünstelte Script und
den unverwechselbaren visuellen Stil vergegenwärtigt Cytter die
filmische Adaption als Form der Übersetzung. Dabei weicht sie
völlig von der Vorstellung eines Originals ab und erschafft stattdessen
ein visuelles Gedicht über die Beschaffenheit des Films
und die Natur der menschlichen Existenz.
tackle Benjamin’s evocative and elusive text, reading his musings
on Wong aloud in English as they convert them from German.
Variations between the alternate readings quickly emerge, expos-
ing the degree to which any translation manipulates and transforms
the original. In the other channel, Chang poses a translation
of her own, hiring a Chinese film crew to dramatize an imagined
erotic liaison between Benjamin and Wong. This absurdist pas-
sage involves contemporary Chinese actors preparing for and
playing both roles, as well as interviews with the crew of this filmwithin-a-film,
who opine about the cultural symbolism of the awk-
ward and exhausting scene. Through these doubled narratives
Chang obliquely comments on the Western romance and appropriation
of the East and on the role of text as a medium of fantasy
and desire within this cultural exchange.
Fantasy takes over in Keren Cytter’s Something Happened
(2007), which uses Natalia Ginzburg’s 1947 novel È stato così (The
Dry Heart) as its starting point but quickly spirals into a meditation
on the act of narration. Adopting a ramshackle, do-it-yourself style,
Cytter restages the disintegrating marriage in Ginzburg’s book
as a highly self-conscious film noir. Using the handheld camera
style usually associated with cinematic realism, Cytter nonetheless
creates a dreamlike and deeply ambiguous space: alone in a
room, a man and woman speak to each other, to the audience, and
to themselves, reflecting on their own desires and motives. Their
words and actions continually loop back on themselves as Cytter
repeats the same shots in different combinations. The soundtrack
falls in and out of sync with the characters’ movements, its melodramatic
score and wandering voiceover furthering the artifice.
Through her mannered script and distinctive visual style, Cytter
envisions cinematic adaptation as a mode of translation, freely de-
parting from any notion of the original to fashion a visual poem
on the structures of cinema and the nature of existence itself.
16 Deutsche Guggenheim Magazine Issue 18 Winter 2012
17
© Patty Chang. Photo courtesy Arratia Beer, Berlin

Context
Joseph Kosuth, One and
Three Chairs, 1965. Wood
folding chair, mounted
photograph of a chair, and
photographic enlargement
of a dictionary definition
of “chair,” chair: 82 × 37.8 ×
53 cm, photographic panel:
91.5 × 61.1 cm, text panel:
261 × 61.3 cm. Collection of
The Museum of Modern
Art, New York, Larry Aldrich
Foundation Fund
Art and Language: From Concept to Activism
Ludwig Seyfarth
Im Zeitalter der Globalisierung verändern sich die Kommunikationsprozesse
radikal. Wir können in Echtzeit, über Grenzen
und Kontinente hinweg miteinander in Kontakt treten – Bilder,
Gedanken, Meinungen austauschen. Auch Künstler untersu-
chen den Gebrauch der Sprache aus neuen, immer vielfältiger
werdenden Perspektiven: Die Fragen, die sich dabei ergeben,
sind ebenso elementar wie komplex: Wer spricht? Welche
Sprache spricht man? Fühlt man sich in den Worten, die man
spricht „zuhause“ oder einer fremden Sprache unterworfen?
Wird das, was man sagt oder schreibt, auch in anderen kulturellen
Kontexten verstanden, ist es tatsächlich „übersetzbar“?
Das Bewusstsein für diese Fragen ist bei den Künstlern der
Ausstellung Found in Translation deutlich erkennbar. In ihrer
Arbeit beziehen sie sich gleichermaßen auf das Vokabular der
Konzeptkunst, die vor fast einem halben Jahrhundert formulierte,
dass Kunst nicht nur eine bildnerische Angelegenheit
ist, sondern immer auch mit Sprache zu tun hat.
Konzeptuelle Kunst beruht, zumindest in ihrem elementaren,
klassischen Verständnis, auf einem sprachlich formulierten oder
formulierbaren Konzept. 1968 war Lawrence Weiner wohl eine
Communication processes have undergone radical changes
in the age of globalization. We can now contact one another
and exchange pictures, thoughts, and opinions in real time
across borders and on different continents. As artists investigate
the ways language is used from new and increasingly
varied perspectives, the questions that arise are as elementary
as they are complex: Who is talking? What language is he or
she using? Do we feel at home in the words we speak or subordinated
by a foreign language? Will the things we say and
write be understood in other cultural contexts—are they “trans-
latable”? An awareness of these questions is palpable among
the artists in the exhibition Found in Translation. Their works
address the vocabulary of Conceptual art, which almost a halfcentury
ago articulated that art is not solely a visual affair, but
always involves language.
Conceptual art is based, at least in an elementary, classical sense,
on a concept that is or can be formulated in words. In 1968, artist
Lawrence Weiner, whose works to this day consist of sentences
applied in large letters to walls or public spaces and offer multiple
meanings for the viewer to reflect on, voiced a view that took the
© Joseph Kosuth, VG Bild-Kunst, Bonn 2012. Photo courtesy Sprüth Magers Berlin
der radikalsten Stimmen der Konzeptkunst: Sein Werk basiert bis
heute auf einzelnen, in großen Lettern auf Wänden oder in öffent-
lichen Räumen angebrachten, meist vieldeutigen und zum Nach-
denken anregenden Sätzen. Strenge Konzeptualisten meinten
gar, das Konzept, die Idee, sei bereits das Kunstwerk und müsse
gar nicht ausgeführt werden. Diese radikale Haltung richtete sich
nicht nur gegen die damals vorherrschende formale Betrachtungs-
weise der Kunst, die seit den 1940er Jahren von dem einflussreichen
New Yorker Kunstkritiker Clement Greenberg propagiert
worden war. Die Vorstellung, dass die Idee wichtiger ist als die eigentliche
Ausführung des Werkes, unterminierte zugleich auch
den Warencharakter der Kunst. In letzter Konsequenz „gehört“ die
Idee jedem, der sie erfasst. Die Fotos, Texte, Objekte, Anweisun-
gen, die diese Idee dokumentieren, vermitteln nur das eigentliche
Kunstwerk. Die Kunst findet im Kopf statt. Insofern stellte die
Konzeptkunst sowohl die Vertriebsmechanismen und Besitzverhältnisse
des Kunstmarkts als auch Galerien und Museen als Repräsentations-
und Vermittlungsorte der Kunst in Frage.
In letzter Konsequenz “gehört” die
Idee jedem, der sie erfasst. Die
Kunst findet im Kopf statt.
Visuell erfahrbar realisiert sind solche Sprachkunstwerke auch Bil-
der; Weiner selbst sieht sie sogar als Skulpturen an. Die konsequenteste
„sprachliche“ Analyse der künstlerischen Mittel an sich
vollzog Joseph Kosuth, der sich als eine Art Wortführer der frühen
New Yorker Konzeptkunst sah. Bereits Mitte der 1960er Jahre ent-
standen Werke wie One and Three Chairs, wobei Kosuth einen
realen Stuhl, seine fotografische Abbildung sowie die Definition
des Begriffs „Stuhl“ aus einem Wörterbuch gleichwertig nebenein-
ander präsentierte.
Humorvoll war solch ein didaktisches Vorgehen nicht, aber man
konnte mit Humor daran anknüpfen. So drehte John Baldessari
1972 einen Film, in dem einer Topfpflanze mit Buchstabenschautafeln
das Alphabet gelehrt wird. Als Baldessari 1971 eine Ausstel-
lung an einer kanadischen Kunsthochschule organisieren sollte,
es aber kein Budget gab, ließ er die Studenten den Satz „I will not
make any more boring art“ so lange an die Wände schreiben, bis
diese völlig bedeckt waren.
genre to its most radical extreme. Strict Conceptualists like him
hold that the idea itself is the work of art and need not be carried
out at all. This radical approach not only targeted the conven-
tional way of regarding art that prevailed at the time and had
been propagated since the 1940s by the influential New York art
critic Clement Greenberg, but this notion—that the idea is more
important than the actual realization—also undermined art’s
status as a commodity. In the final analysis, the concept would
belong to anyone who understood it. The photos, texts, objects,
and instructions that document the idea merely give a sense of
the actual work. Rather, the art takes place in the mind. As a
consequence, Conceptual art questioned both the art market’s
mechanisms of dissemination and ownership as well as the validity
of galleries and museums as places for representing and im-
parting art.
When realized in a way that can be experienced visually, works
of language art are also images; indeed, Weiner even regards
these types of works as sculptures. The artist who most consistent-
ly practiced a language-based analysis of art’s means was Joseph
The art takes place in the mind.
Kosuth, who saw himself as a kind of spokesman for early New
York Conceptual art. In the mid-1960s, Kosuth began creating
works such as One and Three Chairs (1965), which presents a real
chair, its photographic likeness, and the dictionary definition of
the word “chair” together as equivalents. Such didactic approach-
es were not exactly amusing, but could be played with humor:
in 1972, John Baldessari made a film in which a potted plant is
Barbara Kruger, Untitled
(I shop therefore I am), 1987.
Silkscreen, 125 × 125 cm
John Baldessari, Teaching
a Plant the Alphabet, 1972.
Black-and-white film, with
sound, 18 min., 40 sec.
18 Deutsche Guggenheim Magazine Issue 18 Winter 2012
19
Photo courtesy the artist and Galerie Sprüth Magers Berlin and London
© Barabara Kruger. Photo courtesy Galerie Sprüth Magers Berlin

Context
oben above: Jenny Holzer,
Installation für die Neue
Nationalgalerie, 1977–2001
(detail). Installation view:
Neue Nationalgalerie, Berlin,
February 1 – March 6, 2011
unten below: Angela Bulloch,
Novembergruppe, 2011
(detail). Installation view:
Vattenfall Contemporary
2011: Information, Manifesto,
Rules and Other Leaks … ,
April 29 – August 29, 2011
Aber was ist langweilige Kunst? In einer Zeit, die durch 1968 und
die Auseinandersetzung mit dem Vietnamkrieg geprägt war, bestand
ein großes Bedürfnis, die Selbstbezüglichkeit der künst-
lerischen Sphäre zu verlassen. Auch immer mehr sprachlich for-
mulierte Kunstwerke zielten auf gesellschaftliche und politische
Zustände ab. Während sich Künstler wie Weiner, Kosuth oder
Baldessari vor allem kritisch mit dem Betriebssystem Kunst auseinandersetzten,
sollte Konzeptkunst auch zum Instrument politischer
Agitation werden, das ganz spezifisch auf kontroverse
gesellschaftliche Fragen reagiert. So etwa bei dem 1965 von Köln
nach New York übergesiedelten Hans Haacke. Die „Textarbeit“,
die Haacke in der Ausstellung Information 1970 im Museum of
Modern Art „realisierte“, war die an der Wand stehende Frage:
Would the fact that Governor Rockefeller has not denounced President
Nixon’s Indochina policy be a reason for you not to vote for
him in November? verbunden mit zwei Wahlurnen und einem
Zählgerät. Die Besucher waren aufgefordert, mit Ja oder Nein zu
votieren. 12,4 Prozent beteiligten sich, 68,7 Prozent von ihnen
stimmten mit Ja.
1972 dreht John Baldessari einen
Film, in dem er einer Topfpflanze
das Alphabet beibringt.
Wurde hier die politische Sphäre direkt ins Museum hineingeholt,
zog es auch immer mehr Künstler aus den Galerien und Kunst-
institutionen raus in den öffentlichen Außenraum, auch um in
bewusste Konkurrenz zu den Schriftbotschaften vor allem der
Werbung zu treten, die man kritisch zu konterkarieren suchte.
Ende der 1970er Jahre ließ Jenny Holzer in alphabetischer
Reihenfolge vierzig einfache Sätze auf Plakate drucken und verteilt
im Stadtgebiet von New York anbringen. Diese „truisms“ (auf
deutsch: Gemeinplätze) waren teilweise bewusst banal, aber ent-
hielten auch eine implizite Kritik an politischen Verhältnissen, etwa
Everyone’s work is equally important oder Abuse of power comes
as no surprise. Holzers Interesse an der öffentlichen Sichtbarkeit
ihrer Kunst kommt auch im Einsatz von LED-Laufbändern zum
Ausdruck, wie sie normalerweise für Werbung oder allgemeine
© Jenny Holzer / VG Bild-Kunst, Bonn 2012 and Neue Nationalgalerie
taught the alphabet using letter charts. When Baldessari was
planning an exhibition, for which there was no budget, at a Canadian
art school in 1971, he had the students write the sentence
“I will not make any more boring art” on the walls for as long as it
took to cover them completely.
But what is boring art? In an era deeply marked by the events
of 1968 and the social upheaval over the Vietnam War, there was
an overwhelming need to depart from art’s self-referentiality. Textbased
works increasingly targeted social and political concerns;
while artists like Weiner, Kosuth, and Baldessari critically addressed
the art world and its means of production and distribution, Conceptual
art became an instrument of political agitation that react-
ed specifically to controversial social issues. This was particularly
true for Hans Haacke, who moved from Cologne to New York in
1965. For the 1970 exhibition Information at the Museum of Modern
Art, New York, Haacke created a work that consists of a question
on a wall—“Would the fact that Governor Rockefeller has
not denounced President Nixon’s Indochina policy be a reason
for you not to vote for him in November?”—accompanied by two
ballot boxes and a counting device. Visitors were asked to vote
yes or no. Of the 12.4 percent of museum visitors who participated,
68.7 percent said yes.
While the political sphere was carried directly into the muse-
um, a growing number of artists left the galleries and art institu-
tions in favor of public outdoor spaces, and some deliberately to
counter advertising’s written messages in a critical manner. In the
late 1970s, Jenny Holzer had 40 simple sentences printed onto
posters in alphabetical order and disseminated throughout New
York. Some of these Truisms (1977–) were intentionally banal but
contained an implicit criticism of the prevailing social and political
situation, such as “Everyone’s work is equally important” or
“Abuse of power comes as no surprise.” When she began using
© Angela Bulloch. Photo courtesy Esther Schipper, Berlin
Informationen, etwa an Bahnhöfen, genutzt werden. 2001 reali-
sierte Holzer eine nach außen sichtbare Neonarbeit an der Decke
der Neuen Nationalgalerie in Berlin.
Während Holzer die üblichen Schriftbotschaften der Werbung
unterläuft, nimmt Barbara Kruger Mitte der 1980er Jahre auch
die suggestive Verbindung von Text und Bild auf, um gegenläufige
Aussagen zu machen. I shop therefore I am steht auf dem bekann-
testen ihrer Anti-Werbeplakate, deren ästhetisches „Markenzeichen“
der strenge Farbkontrast zwischen Schwarz und Rot ist.
Auch immer mehr sprachlich for-
mulierte Kunstwerke zielten auf
gesellschaftliche und politische
Zustände ab.
Hier stellt sich aber auch die Frage, ob wir es noch mit Konzeptkunst
zu tun haben, oder ob Errungenschaften der konzeptuel-
len Kunst gleichsam zitiert und „angewendet“ werden, um sie für
politische Zwecke zu nutzen. Dies geschah in den Werbekampagnen
der von vielen Künstlern unterstützten Bewegung, die sich
gegen die offizielle Aids-Politik in den USA richtete. Die Gruppe
Gran Fury brachte unter anderem ein Plakat heraus, das Ronald
Reagan mit dem Schriftzug „Aidsgate“ zeigt. Auf einem anderen
sieht man einen roten, Blut assoziierenden Handabdruck mit
dem Text „You’ve got blood on your hands, Ed Koch. NYC Aids
care doesn’t exist.“ Koch war von 1978 bis 1989 Bürgermeister
New Yorks.
„Gran Fury sucht ihre Waffen genauso bei Künstlern wie Jenny
Holzer und Hans Haacke wie bei der Benetton-Werbung“, beschrieb
ein deutschsprachiger Ausstellungskatalog 1992 das Vor-
gehen der Gruppe, die selbst betonte, einem aktivistischen Ansatz
zu folgen und keinem kunsthistorischen.
In den 1990er Jahren fand die künstlerische Auseinanderset-
zung mit Sprache dann vor allem unter dem Stichwort des „Kon-
textuellen“ statt. Das 1992 begonnene Konzept Rules Series der
in London und Berlin lebenden Angela Bulloch beruht auf einer
bis heute weitergeführten Sammlung von Sätzen, in denen Regeln
formuliert sind. Es sind jedoch keine formalen, sondern für
bestimmte soziale Kontexte formulierte und angewandte Regeln
oder Normen, etwa Verhaltensvorschriften in einem Gefängnis
oder schriftliche Anweisungen für die Mitarbeiterinnen eines
Striplokals. Eine aktuelle Präsentation aus der Rules Series fand
im Sommer 2011 in der Berlinischen Galerie statt. Bei der wandfüllenden
Präsentation der Texte nahm Bulloch die konstruktivis-
tische Typografie der 1920er Jahre auf, indem sie Gestaltungs-
elemente von El Lissitzky, Hannah Höch und Künstlern der
Novembergruppe nutzte.
Den unmittelbaren Zusammenhang zwischen den formalen
Regeln der Sprache und ihrer Anwendung in politischen Kontexten
untersucht der deutsche Künstler Thomas Locher. Viele seiner
Bilder erinnern an Lehrtafeln und zeigen in Lettern gesetzte Texte,
in die handschriftlich Anmerkungen und Korrekturen eingetra-
gen sind. Eine philosophische Schautafel erinnert an den Plan in
einem Bürogebäude, der als Wegweiser zu den verschiedenen
Stockwerken dient.
Bei Bulloch und Locher wird der Wandel von einer selbstreferentiell-philosophischen
Sprachanalyse zu der ihres sozialen und
electronic signboards of the kind normally used for general information
in train stations in the early 1980s, for instance, Holzer’s
interest in the public visibility of her art became clear. In 2001,
she created an LED text work on the ceiling of the Neue Nationalgalerie,
Berlin, that was visible from outdoors. While Holzer set
about subverting advertising’s typical written messages, in the
mid-1980s Barbara Kruger also took on the evocative combina-
tion of text and image to make statements contrary to the status
quo. “I shop therefore I am” is written on the most famous of her
anti-advertising posters, whose aesthetic trademark is a stark con-
trast between black and red.
Here, the question arises as to whether we are still looking
at Conceptual art or whether its achievements are essentially
being quoted and implemented for political purposes. This
Gran Fury, Aidsgate, 1987.
Offset lithograph,
86.4 × 55.9 cm. Gran Fury
Collection, Manuscripts
and Archives Division,
The New York Public
Library, Astor, Lenox and
Tilden Foundations
20 Deutsche Guggenheim Magazine
Issue 18 Winter 2012
21

Context
Glenn Ligon, Therapy #1,
2004. Oil stick, synthetic
polymer, and graphite
on canvas, 81,3 × 81,3 cm
22
politischen Gebrauchs gleichsam zusammenfassend sichtbar. Wer
in den 1990er Jahren mit Sprache arbeitet, sieht sie nicht als neutrales,
formales Regelwerk, sondern als ein Instrument, das auch
der Unterdrückung dient. Radikal formulierte dies der französische
Denker Roland Barthes, der in den 1970er Jahren äußerte,
die Sprache sei faschistisch, weil sie schon durch ihre formalen
Regeln dazu zwinge, etwas zu sagen, was man gar nicht sagen will.
Die Frage ist also: Wer spricht, welche Sprache benutzt er / sie
und unter welchen Bedingungen? „Zu lernen, sich in der Sprache
eines anderen auszudrücken“, so formuliert der Amerikaner Glenn
Ligon, der 2002 in Deutschland vor allem durch seine Teilnahme
Es stellte sich die Frage, ob es
sich hier noch um Konzeptkunst
handelte oder ob ihre Errungen-
schaften für politische Zwecke
genutzt wurden.
an der documenta 11 bekannt wurde, den Ausgangspunkt seiner
Kunst. Als homosexueller Schwarzer empfindet er sich als Angehöriger
einer Minderheit, die keine „eigene“ Sprache besitzt. So
verwendet er „gefundene Sprache“, etwa Texte des schwarzen
Schriftstellers James Baldwin, für seine Schriftbilder, deren Les-
barkeit er durch Verwischen und Verschmieren dann aber er-
schwert. Ligon macht damit aber die Aneignung von Sprache als
physischen Akt deutlich: Man muss sie gleichsam inkorporieren,
sie sich körperlich aneignen, um sie wirklich sprechen zu können.
© Glenn Ligon. Photo courtesy the artist and Regen Projects, Los Angeles
appropriation occurred, for example, in the early campaigns
against America’s official AIDS policy, a protest supported by
many artists. Among other actions, in 1987 the group Gran Fury
created a poster depicting Ronald Reagan with the caption
“AIDSGATE.” Another poster features a red handprint, ostensibly
made in blood, with the words “You’ve got blood on your
hands, Ed Koch. NYC AIDS care doesn’t exist.” Koch was the
mayor of New York from 1978 to 1989. “Gran Fury looks to artists
like Jenny Holzer and Hans Haacke for its weapons, just as it looks
to the Benetton ad campaigns” was how a 1992 Hamburger Kunst-
verein, Hamburg, exhibition catalogue described the group’s work-
ing method; the group itself stated that its approach was activist,
as opposed to art historical, in nature.
In the 1990s, the artistic investigation of language primarily
took place among the conceptualists. London- and Berlin-based
artist Angela Bulloch’s Rules Series (1992–) is based on a collection
of rule-formulating sentences. These texts are not universal
but are rather the regulations and norms created for specific social
contexts, such as behavior codes in prisons or written instructions
In 1972 John Baldessari made a
film in which a potted plant is
taught the alphabet.
for the staff of a strip club. For a summer 2011 presentation at
the Berlinische Galerie, Berlin, and in direct reference to works
from the museum’s collection, Bulloch used 1920s Constructivist
typography, incorporating design elements by Hannah Höch, El
Lissitzky, and artists of the Novembergruppe (November Group)
for the texts, which filled the walls of the exhibition space. In his
work, German artist Thomas Locher focuses on the direct connec-
tion between the formal rules of language and their application
in political contexts. Many of his images recall blackboards containing
texts set in letters augmented by handwritten notes and
corrections. Thus, a philosophical work is reminiscent of a building
directory in an office building that points the way to the various
floors.
As did the Conceptual art of earlier generations, the works of
Bulloch and Locher render language’s regulatory nature clear. In
the 1970s, French writer and theoretician Roland Barthes articu-
lated the radical view that language is fascistic because its directives
force the user to say something he or she does not intend to
say. Anyone working with language in the 1990s did not view it as
a neutral, official set of regulations, but as an instrument that also
aids oppression. So one begins to ask, who is speaking, what language
is he or she using, and under what conditions? “Having to
learn to express oneself in someone’s else’s language” is how the
American artist Glenn Ligon, who became known in Germany in
2002 through his participation in Documenta 11, formulates the
point of departure for his art. As a gay African American, he sees
himself part of minority groups that do not possess their own
language. Thus, he uses “found language,” for instance passages
by the writer James Baldwin, who was also gay and black, for his
text images, which he then renders less legible by smearing and
blurring them. In the process, however, Ligon makes the appropriation
of language as a physical act clear: one has to practically
incorporate it, to take it into the body, in order to be able to speak
it in any real way.
Context
The Year of the
Flood (2009)
In ihrem visionären Roman entwirft
Margaret Atwood eine Zukunft, die von
Nahrungsmittel- und Drogenkonzer-
nen beherrscht wird. Dabei macht sie
auf erschreckende Weise deutlich,
welche Folgen unsere ganz alltäglichen
Entscheidungen für die Umwelt haben.
Margaret Atwood’s visionary novel
proposes a future overrun by food and
drug companies, offering harrowing
insights into the environmental impact
of the choices we make every day.
My Things:
Nat Trotman
Nach Paweł Althamer: Almech kuratiert Nat Trotman jetzt Found in Trans-
lation im Deutsche Guggenheim. Hier verrät der Associate Curator des
Guggenheim Museums, was ihn bei seiner Arbeit inspiriert.
Following Paweł Althamer: Almech, Nat Trotman has now organized Found
in Translation for the Deutsche Guggenheim. Here he shares a few of his
favorite things that have inspired his work.
Seven-inch Singles
Dieses handliche, erschwingliche und zudem
auch noch sehr schöne Format für akustische
Erkundungen ist seit den späten 1970ern
ein Grundpfeiler der Independent-Musik.
This concise, affordable, and often physically
beautiful format for sonic exploration has
been a mainstay of independent music since
the late 1970s.
Eureka (1974)
Für seinen Film verwendet Ernie Gehr Material, das in San
Francisco vor dem verheerenden Erdbeben von 1906 auf-
genommen wurde und verwandelt es in eine strukturalistische
Meditation über die Zeit.
Ernie Gehr’s film appropriates footage shot in San Francisco
before the devastating 1906 earthquake, creating a
structuralist meditation on time.
Venn Diagrams
Diese geometrischen Formen be-
schreiben sehr elegant die Muster
und sich überschneidenden Kräfte,
die dem Chaos der Realität zu-
grunde liegen.
These geometric forms elegantly
describe the underlying patterns
and intersecting forces flowing
through the chaos of reality.
Origins (1958)
Eine faszinierende etymologische Studie
der englischen Sprache von Eric Partridge
in der Form eines Lexikons, in dem man
Bedeutungen wie bei einem Stammbaum
nachverfolgen kann.
This fascinating etymological study of the
English language by Eric Partridge takes
the form of a dictionary, organized by roots
and families of meaning.
Deutsche Guggenheim Magazine Issue 18 Winter 2012
23

What to See – Guggenheim Foundation
Desire Machine Collective
(Sonal Jain and Mriganka
Madhukaillya), Nishan, 2007–.
Four-channel digital color
video installation with sound,
looped, dimensions vary
with installation
The Deutsche Bank Series at the Guggenheim:
Being Singular Plural
Solomon R. Guggenheim Museum 2. 3. – 6. 6. 2012
The Deutsche Bank Series im Guggenheim: Being Singular Plural
ist die erste Ausstellung in der Geschichte des Solomon R. Guggenheim
Museums, die sich auf südasiatische Kunst fokussiert.
Als Teil des globalen Asian Art Programms konzipiert, umfasst
sie Film, Video und Sound-Installationen von sieben visionären
Film- und Medienkünstlern, die in Indien leben und arbeiten:
Sonal Jain und Mriganka Madhukaillya von Desire Machine Coll-
ective, Shumona Goel, Shai Heredia, Vikram Joglekar, Amar
Kanwar und Kabir Mohanty. Die Ausstellung erweitert die ursprüngliche
Präsentation im Deutsche Guggenheim 2010, wobei
wieder Werke gemeinsam mit den teilnehmenden Künstlern entwickelt
und produziert werden.
The Deutsche Bank Series at the Guggenheim: Being Singular
Plural offers film, video, and interactive sound-based installations
by seven visionary media artists and filmmakers living in India
today: Sonal Jain and Mriganka Madhukaillya of Desire Machine
Collective, Shumona Goel, Shai Heredia, Vikram Joglekar, Amar
Kanwar, and Kabir Mohanty. Part of the museum’s Asian art program,
the exhibition expands the 2010 Deutsche Guggenheim
presentation by continuing to focus on researching and coproducing
new work with this community of practitioners. Philosopher
Jean-Luc Nancy’s notions on filmic evidence, social interconnect-
edness, and ethical and political participation serve as important
intellectual frames. Sandhini Poddar
© Desire Machine Collective. Photo courtesy the artists
John Chamberlain: Choices
Solomon R. Guggenheim Museum 24. 2. – 13. 5. 2012
Die Retrospektive John Chamberlain: Choices umreißt annähernd
sechs Jahrzehnte einer Künstlerkarriere. Ende der 1950er Jahre
wurde Chamberlain mit dynamischen Skulpturen aus Teilen ausgeschlachteter
Autos berühmt. Er entwickelte dabei eine dreidimensionale
Form des Abstrakten Expressionismus, die Kritiker
verblüffte und seine Zeitgenossen inspirierte. Neben seinen ikonischen,
aus Autoteilen gefertigten Skulpturen werden Arbeiten
aus ungewöhnlichen Materialien wie etwa Polyurethanschaum,
galvanisiertem Stahl, Papiertüten, mineralbeschichtetem Plexiglas
oder Aluminiumfolie präsentiert. Die unterschiedlichen Materialien,
Maßstäbe und Methoden vermitteln ein vielschichtiges Bild
von Chamberlains Schaffen. Seine Skulpturen verkörpern seine
künstlerische Philosophie: „Alles passt“.
ON VIEW IN NEW YORK UPCOMING
Francesca Woodman
Organized by the San Francisco
Museum of Modern Art
16. 3. – 13. 6. 2012
John Chamberlain: Choices presents a retrospective of the artist’s
nearly six-decade career. Chamberlain rose to prominence in the
late 1950s with energetic, vibrant sculptures hewn from disused
car parts, achieving a three-dimensional form of Abstract Expressionism
that astounded critics and captured the imagination of
fellow artists. His experiments with unorthodox mediums—includ-
ing urethane foam, galvanized steel, paper bags, mineral-coated
Plexiglas, and aluminum foil—punctuate the display of iconic
works in automotive metal. Shifts in scale, materials, and methods
inform a more diverse understanding of the artist’s practice. The
sculptures embody his long-held artistic philosophy: “it’s all in
the fit.” Helen Hsu
Solomon R. Guggenheim Museum 1071 5th Avenue, New York, NY 10128
Art of Another Kind: International Abstraction
and the Guggenheim, 1949–1960
8. 6. – 12. 9. 2012
Rineke Dijkstra: A Retrospective
29. 6. – 3. 10. 2012
John Chamberlain,
Dolores James, 1962.
Welded and painted steel,
184.2 × 257.8 × 117.5 cm.
Solomon R. Guggenheim
Museum, New York
70.1925.
© 2009 John Chamberlain / VG Bild-Kunst,
Bonn 2012. Photo: David Heald
von links left to right:
Francesca Woodman, Polka
Dots, Providence, Rhode
Island, 1976
Conrad Marca-Relli,
Warrior, 1956
24 Deutsche Guggenheim Magazine
Issue 18 Winter 2012
25

What to See – Guggenheim Foundation
Richard Serra,
1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 1987
The Inverted Mirror: Art from the Collections of
“la Caixa” Foundation and MACBA
Guggenheim Museum Bilbao 31. 1.– 2. 9. 2012
ON VIEW IN BILBAO
Brancusi–Serra
until 15. 4. 2012
Selections from the Guggenheim
Museum Bilbao Collection II
until 28. 10. 2012
© Andreas Gursky. Courtesy Sprüth Magers Berlin and London / VG Bild-Kunst, Bonn 2012. Photo courtesy Photographic Archive “la Caixa” Foundation Collection
The Inverted Mirror: Art from the Collections of “la Caixa” Foun-
dation and MACBA zeigt mehr als 50 Arbeiten aus zwei der
bedeutendsten Sammlungen Spaniens. Dabei konzentriert sich
die Ausstellung auf Kunstströmungen von den 1940ern bis heu-
te. Präsentiert werden Werke von prominenten Künstlern wie
Michelangelo Pistoletto, Sigmar Polke, Martha Rosler, Julian
Schnabel, Antoni Tàpies und Jeff Wall. Der Titel „Der umge-
kehrte Spiegel“ bezieht sich auf das komplimentäre Verhältnis
der beiden Sammlungen zueinander. Die Ausstellung ist in sechs
thematische Sektionen gegliedert, die von der in den 1950ern
gegründeten Gruppe El Paso bis zu den Fotografen der Düsseldorfer
Schule reichen.
The Inverted Mirror: Art from the Collections of “la Caixa” Foundation
and MACBA presents the work of more than 50 artists drawn
from two of Spain’s most significant contemporary art collections.
This survey highlights key artistic developments from the late
1940s until the present, both in Spain and abroad, and features
works by prominent practitioners such as Michelangelo Pistoletto,
Sigmar Polke, Martha Rosler, Julian Schnabel, Antoni Tàpies, and
Jeff Wall. The show’s title refers to the complementarity of these
two major art collections and anchors the six thematic sections
that range from the 1950s El Paso Group to the Düsseldorf school
of photography. Alvaro Rodriguez Fominaya
Andreas Gursky, Hong Kong Shanghai Bank, 1994. Color print, 225.5 × 175 cm,
framed. Contemporary Art Collection “la Caixa” Foundation
UPCOMING
Guggenheim Museum Bilbao Abandoibarra Et. 2, 48001 Bilbao
David Hockney: A Bigger Picture
15. 5.– 30. 9. 2012
Marion R. Taylor: Paintings, 1966–2001
Peggy Guggenheim Collection 29. 2.– 6. 5. 2012
Marion Richardson Taylor war eine vielseitige Künstlerin, die mit
den verschiedensten Stilen und Techniken arbeitete. Ihr eklekti-
sches Werk umfasst expressive Wandbilder, kubistische Stillleben,
abstrakte Porträts und kleinformatige Zeichnungen. Typisch für
ihr Oeuvre war die Auseinandersetzung mit Farbe. Beständig
suchte Taylor nach einer neuen visuellen Sprache, um Menschen
und Länder festzuhalten, die sie faszinierten. So prägten Orte wie
Barcelona, Ägypten, Japan oder Saint Rémy in der Provence ihr
Werk. Mit Arbeiten, die dem Guggenheim Museum 1998 hinterlassen
wurden, widmet die Peggy Guggenheim Collection Taylor
nun die erste große Einzelausstellung in Italien.
ON VIEW IN VENICE UPCOMING
Works from the collection
are on view.
A versatile artist, the late Marion Richardson Taylor constantly
challenged herself by working in a range of styles and techniques.
Her eclectic path encompassed Abstract Expressionist murals,
Cubist still lifes, nonfigurative portraits, and intimately sized draw-
ings. Her engagement with color remained the prevailing trait of
her entire oeuvre. Constantly in search of a new vocabulary to
represent the people and the countries that impressed her, she
found that places as varied as Barcelona, Egypt, Japan, and Saint
Rémy in Provence all had a strong impact. The Peggy Guggenheim
Collection dedicates to the artist her first solo exhibition in
Italy with works bequeathed in 1998 to the museum.
Peggy Guggenheim Collection 704 Dorsoduro, 30123 Venice
Cycling, Cubo-Futurism, and the Fourth Dimension:
Jean Metzinger’s At the Cycle-race Track
9. 6.– 16. 9. 2012
von links nach rechts left to
right: Marion R. Taylor, Sake,
1967. Acrylic, paper, and sand
on canvas, 195.6 × 129.5 cm.
Solomon R. Guggenheim
Museum, New York, Gift of
the artist 98.5186
Pouilly-Fuisse, 1967. Acrylic,
paper, and sand on canvas,
195.6 × 129.5 cm. Solomon R.
Guggenheim Museum,
New York, Gift of the artist
98.5187
von links left to right:
Marino Marini, The Angel
of the City (L’angelo della
città), 1948
Jean Metzinger, At the
Cycle-race Track
(Au vélodrome), 1912
26 Deutsche Guggenheim Magazine
Issue 18 Winter 2012
27

What to See – Deutsche Bank Art
A Panorama of Contemporary Perspectives
The Deutsche Bank Collection at the New Städel Museum
oben above: Entwurf für den
Erweiterungsbau des Städel
Museums, Tagansicht.
Project for the new annex to
the Städel Museum, day view.
schneider + schumacher
Architekturgesellschaft mbH.
Städel Museum, Frankfurt,
2008–11. Concept rendering
Rosemarie Trockel, Who Will
be In in ’99, 1988. Wool,
210 × 160 cm. Deutsche Bank
Collection at the Städel
Museum
Eine Symbiose aus Architektur und Grün am Tag, ein Lichtteppich
in der Nacht: Das neue Städel Museum setzt nicht nur mit seiner
Verbindung zwischen Nachhaltigkeit und zukunftsweisender Architektur
Maßstäbe. Fast drei Jahre wurde das Haus modernisiert
und an dem Erweiterungsbau gearbeitet – einer unterirdischen
Kunsthalle, die eine neue Ära für das Frankfurter Museum einläutet.
Unter den annähernd 200 kreisrunden Oberlichtern, die
wie ein gigantisches Op-Art-Muster in den Rasen des Museumsgartens
eingelassen sind, verbirgt sich eine 3.000 Quadratmeter
große, mit Tageslicht durchflutete Ausstellungshalle, in der die
Sammlung für Gegenwartskunst ein neues Zuhause findet. Die Di-
mensionen des neuen Komplexes lassen sich von außen nur durch
eine begehbare, begrünte Wölbung erahnen, einen künstlichen
A symbiosis between architecture and nature during the day, a
blanket of lights at night, the Städel Museum in Frankfurt sets
the standard for cultural institutions beyond its link between sustainability
and pioneering architecture. Over a three-year period,
its building was modernized and an environmentally friendly
annex built in a subterranean art space. Beneath the nearly 200
round skylights inserted into the museum garden lawn like a
gigantic Op art pattern or a futuristic landscape lies the new
home of the contemporary-art collection, a 30,000-square-foot
exhibition hall that is flooded with light. The dimensions of the
complex can only be surmised from the outside through an acces-
sible, grass-covered, artificial hill. Elegant curves and a seemingly
weightless suspended ceiling mark the interior of the garden halls,
which were designed by the Frankfurt architectural firm schneider +
schumacher; a modular wall system makes for a highly flexible
exhibition architecture.
© schneider + schumacher Architekturgesellschaft mbH, Frankfurt am Main
Hügel, der den Hofgarten wie eine futuristische Landschaft er-
scheinen lässt. Der Innenraum der vom Frankfurter Architekturbüro
schneider + schumacher entworfenen Gartenhallen wird
durch seine elegant geschwungene und fast schwerelos wirken-
de Decke geprägt, die ihn frei überspannt. Ein modulares Wandsystem
ermöglicht eine völlig flexible Ausstellungsarchitektur.
Ebenso spektakulär wie dieses Ambiente sind die Highlights
zeitgenössischer Kunst, die hier in einer bislang noch nie gesehe-
nen Vielfalt und Großzügigkeit präsentiert werden. Die kontinu-
ierliche Ausweitung der Sammlung ließ das Museum in der Vergangenheit
immer wieder an räumliche Grenzen stoßen. Doch
nun kann im Erweiterungsbau endlich eine größere Auswahl aus
der bestehenden Sammlung des Hauses gezeigt werden, etwa
Hauptwerke von Alberto Giacometti, Yves Klein, Francis Bacon,
Anselm Kiefer, Jörg Immendorff, Gerhard Richter oder Dan Flavin.
Auch ein bedeutender Anteil von den über 850 Werken, die die
Sammlung erst seit kurzem bereichern, ist hier zu erleben – hochkarätige
Arbeiten, die das Profil des Hauses weiter schärfen, Lücken
schließen und helfen, ein noch umfassenderes Panorama zeitgenössischer
Positionen zu eröffnen.
Neben Neuankäufen und Schenkungen wichtiger Werke von
Künstlern wie Thomas Bayrle, Peter Roehr, Edward Steichen,
Wolfgang Tillmans oder Victor Vasarely kamen wichtige und um-
fangreiche Werkgruppen aus Unternehmenssammlungen hinzu.
© Rosemarie Trockel / VG Bild-Kunst, Bonn 2012
Die Kooperation des Städel mit Unternehmenspartnern sorgte be-
reits im Vorfeld 2008 für Schlagzeilen. Die Deutsche Bank übergab
600 hochkarätige Werke aus ihrer Unternehmenssammlung
dauerhaft an das Museum, die DZ Bank steuerte 200 Arbeiten aus
ihrer renommierten Sammlung zeitgenössischer Fotokunst bei.
60 Gemälde und Skulpturen, 161 Originale auf Papier und 379
Druckgrafiken: Das Konvolut aus der Sammlung Deutsche Bank
stellt eine maßgeschneiderte Ergänzung der Städelsammlung dar.
Die Auswahl fokussiert sich vor allem auf Klassiker aus den ersten
Jahrzehnten der Sammlung: Georg Baselitz, Martin Kippenberger
oder Markus Lüpertz sind mit zentralen Werken vertreten. Hin-
zu kommen Arbeiten von Joseph Beuys, Konrad Klapheck oder
Dieter Roth. Insbesondere der Bestand des Städel an Arbeiten
von Anselm Kiefer wird durch Wege der Weltweisheit: Hermanns-
Schlacht in hervorragender Weise ergänzt. Umfangreiche Werkgruppen
von Hanne Darboven, Günther Förg oder Imi Knoebel
erweitern auch die Graphische Sammlung des Museums. Sämtliche
Leihgaben wurden gemeinsam mit dem Ziel ausgewählt, die
Bestände des Städels nachhaltig in die Zukunft fortzuführen und
gleichzeitig Arbeiten von musealem Rang aus den ersten Jahr-
zehnten der Unternehmenssammlung noch stärker der Öffentlich-
keit zugänglich zu machen.
Die Synergien zwischen den beiden Sammlungen werden auch
ganz unmittelbar in der Ausstellung in den Gartenhallen deutlich,
wie Dr. Martin Engler, Kustos für Kunst seit 1945, betont: „Es geht
darum, dass die Qualität der einzelnen Arbeit sichtbar wird, aber
auch darum, dass sich die Sammlungen des Städel und der Deutschen
Bank sehr gut, sehr intelligent und auf sehr hohem Niveau
ergänzen. Das heißt, die Präsentation stellt Korrespondenzen her
und bringt Arbeiten zusammen, die auch zusammengehören.“
Einen ersten Eindruck der Werke aus der Sammlung Deutsche
Bank, die im Städel zu sehen sein werden, gab bereits die im
Herbst 2008 gezeigte Ausstellung Erste Wahl, die ebenfalls von
Engler kuratiert wurde.
Bei der Eröffnung der neuen Sammlung für Gegenwartskunst
werden diesmal vor allem die Werke von zwei Künstlern eine zentrale
Rolle spielen, die eng mit der Geschichte der Sammlung Deut-
sche Bank verbunden sind: Sigmar Polke und Gerhard Richter.
Neben ausgewählten Gemälden sind es besonders die Druck-
grafiken, die von Beginn an von der Deutschen Bank gesammelt
wurden und in ihrer Vollständigkeit für Engler einen einzigartigen
Stellenwert besitzen: „So ergibt sich etwa ein spannender Dialog
zwischen wichtigen Richter-Bildern, zwischen dem sehr schönen,
Just as spectacular are the highlights of contemporary art that
can be presented in a diverse abundance. In the past, the col-
lection’s continuous expansion repeatedly tested the museum’s
spatial limits. But now, a larger selection from the collection, in-
cluding seminal works by Francis Bacon, Dan Flavin, Alberto
Giacometti, Jörg Immendorff, Anselm Kiefer, Yves Klein, and
Gerhard Richter can finally be shown in addition to a significant
number of the more than 850 newly acquired high-caliber works—
ones that sharpen the museum’s profile, close gaps in the collection,
and present a more comprehensive panorama of contempo-
rary aesthetics.
Prominent and extensive groups of works from corporate collections
were added to the Städel holdings along with new acquisitions
and donations of important works by artists such as Thomas
Bayrle, Peter Roehr, Edward Steichen, Wolfgang Tillmans, and
Victor Vasarely. The Städel’s agreement with its business partners
made headlines years before the annex was finished. Deutsche
Bank had pledged an extended loan of 600 works from its collection,
while DZ Bank donated 200 works from its renowned holdings
of contemporary photography.
The selection from the Deutsche Bank Collection—60 paintings
and sculptures, 161 original works on paper, and 379 prints—
constitutes a tailor-made addition to the Städel collection. The ex-
tended loan concentrates on classics from the first decades of the
collection, with key works by Georg Baselitz, Martin Kippenberger,
and Markus Lüpertz, supplemented with pieces by Joseph Beuys,
Konrad Klapheck, and Dieter Roth. In particular, the Städel’s holdings
by Anselm Kiefer are augmented by the major work on
paper Wege der Weltweisheit: Hermanns-Schlacht (1978). Signifi-
cant bodies of work by Hanne Darboven, Günther Förg, and Imi
Knoebel strengthen the museum’s print collection. All of the loans
were chosen with the aim of continuing the Städel’s collection into
Neo Rauch, Stern, 2001.
Oil on paper, 296 × 200 cm.
Deutsche Bank Collection
at the Städel Museum
28 Deutsche Guggenheim Magazine
Issue 18 Winter 2012
29
© Neo Rauch / VG Bild-Kunst, Bonn 2012. Courtesy Eigen+Art, Leipzig and Berlin

What to See – Deutsche Bank Art
rechts right: Gerhard Richter,
Betty, 1991. Offset print on
cardboard, 97.1 × 66.2 cm.
Deutsche Bank Collection at
the Städel Museum
unten below: Städel Museum,
Baustelle, 15. Juni 2011 Städel
Museum under construction,
June 15, 2011
frühen Großer Vorhang (1967) und der Kahnfahrt (1965) aus der
Sammlung Deutsche Bank. Es gibt auch zum Beispiel bei Polke
wunderbare Überschneidungen, wobei das Werk dieses wichtigen
Künstlers jetzt in seiner unglaublichen Bandbreite abgebildet wer-
den kann. Ein ganzer Raum ist den beinahe kompletten Grafikserien
von Polke und Richter gewidmet. Es gehört tatsächlich zu
den Stärken der Sammlung Deutsche Bank, dass im Laufe von
drei Jahrzehnten so umfangreiche Werkkomplexe von einzelnen
Künstlern erworben wurden.“
Die Kooperation mit dem Städel Museum ist ein weiterer
Meilenstein in der Geschichte der Unternehmenssammlung. Aus-
gehend von dem Konzept der „Kunst am Arbeitsplatz“ beschritt
man schon früh neue Wege der Kunstvermittlung. Von Anbeginn
wurde die Gegenwartskunst als kulturelles Kapital verstanden, das
the future while making museum-quality works from the first de-
cades of the company’s collection even more accessible to the
public than before.
The synergy between the two collections becomes clear in the
garden halls, as Martin Engler, curator for art after 1945, under-
scores: “It’s a matter of making the quality of the individual work
visible, but also of augmenting the collections of the Städel and
of Deutsche Bank on a very high level and in a very good and in-
telligent way. That means that the presentation creates correspon-
dences and brings works together that belong together.” Visitors
enjoyed a preview at the fall 2008 First Choice exhibition, curated
by Engler, which offered an initial look at some of the works from
the Deutsche Bank Collection set to be loaned to the Städel.
When the new contemporary collection opens, the works of
two artists closely tied to the Deutsche Bank Collection will be a
highlight: Sigmar Polke and Gerhard Richter. Along with selected
paintings, in Engler’s view, the prints that the bank collected from
the start possess a unique value in their completeness: “There’s an
exciting dialogue between important Richter paintings, between
the beautiful early work Großer Vorhang (1967) and the Kahnfahrt
(1965) from the Deutsche Bank Collection. In Polke’s work, for
instance, there are these wonderful recurrences; now, the work of
© Städel Museum, Frankfurt am Main. Photo: Norbert Miguletz
Mitarbeitern, Kunden und der Öffentlichkeit zugute kommt. Der
Leitgedanke des Kunstprogramms der Deutschen Bank „Art works“
verbindet sich mit dem Anspruch, immer mehr Menschen Zu-
gang zur Gegenwartskunst zu ermöglichen. Wenn am 25. Februar
der Erweiterungsbau des Städels für das Publikum eröffnet, können
mehr Menschen als je zuvor die Meisterwerke aus der Samm-
lung Deutsche Bank erleben.
this highly important artist can be shown in its incredible scope.
An entire room is dedicated to the nearly complete printed works
of Polke and Richter. It is indeed one of the Deutsche Bank Collection’s
strengths that over the course of three decades such
extensive bodies of work by individual artists were acquired.”
The affiliation with the Städel Museum is another milestone
in the bank’s history. Promoting the concept of Art at the Workplace,
the bank forged new paths in art presentation. Contemporary
art has always been understood as cultural capital that benefits
staff, clients, and the public. The core idea of Deutsche Bank’s
art program Art Works is to give an increasing number of people
access to contemporary art. When the Städel’s annex opens on
February 25, more people than ever before will be able to experience
masterpieces from the Deutsche Bank Collection.
LEARN MORE ABOUT DEUTSCHE BANK’S ART
ACTIVITIES AT DB-ARTMAG.COM
Informationen rund um die Kunstaktivitäten der Unternehmenssammlung
finden Sie in db-artmag.com, dem Online-Kunstmagazin der Deutschen Bank.
You can read more about the art activities related to the Deutsche Bank
Collection in db-artmag.com, Deutsche Bank’s online art magazine.
© Gerhard Richter 2012
Art Works App—Now Live
Discover the Art in the Deutsche Bank Towers
60 internationale Künstler auf 60 Etagen,
über 1.000 zeitgenössische Kunstwerke:
Von junger afrikanischer Fotografie bis zu
Papierarbeiten von Raymond Pettibon
und Neo Rauch – die Präsentation in den
Frankfurter Deutsche Bank-Türmen zeigt,
wie spannend und vielfältig die aktuelle
globale Kunstszene ist.
Jetzt können Sie die Kunst im Hauptsitz
der Deutschen Bank mit Hilfe einer
neuen App auch ganz bequem per Smart-
phone und iPad erleben. Neben Porträts
der Etagenkünstler, ihren Kunstwerken,
Erläuterungen und kurzen Filmen finden
Sie hier auch umfangreiche Informatio-
nen zum weltweiten Kunstengagement
der Deutschen Bank.
Entdecken Sie, wie sich die Landkarte
der Kunst verändert hat. Die Art Works
App stellt Ihnen Künstler vor, wie etwa
Mohamed Camara, einen jungen Fotografen
aus Mali. Mit seinen Aufnahmen,
die sich zwischen Tagtraum und Dokumentation
bewegen, hat er die internationale
Kunstszene erobert: Mit nur 19
Jahren stellte er in der Londoner Tate Modern aus. Oder begegnen
Sie Jakub Julian Ziólkowski, der sich mit seiner surrealen, wilden
Malerei gegen alle Trends und Moden stellt. Er ist ein Fan der
polnischen Avantgarde der 1960er Jahre und malt in der Tradition
With 60 international artists on 60 floors
and over 1,000 works of art—from photo-
graphs by young African artists to the
works on paper of Raymond Pettibon
and Neo Rauch—the Deutsche Bank col-
lection in the Frankfurt headquarters
shows just how exciting the art world
really is. Now, with the Art Works app, ex-
perience the art in the bank’s head office
on your smartphone and soon on your
iPad too. Along with the portraits of the
artists that appear on the tower floors,
high-quality images of their art, introduc-
tions to their oeuvres, and videos, you can
also discover the bank’s worldwide commitment
to art and see what has changed on the art map. The
app introduces artists such as Mohamed Camara, a Malian photo-
grapher whose photographs seemingly move between daydreams
and documentation. In 2004, at 19 years old, he exhibited at the
Tate Modern, London. Or learn about Jakub Julian Ziółkowski,
whose surreal painting goes against every new trend. A fan of the
1960s Polish avant-garde, his work also explores the traditions of
von Hieronymus Bosch, James Ensor
oder Philip Guston.
Mit der Art Works App können Sie
sich auf einen virtuellen Rundgang durch
die Sammlung in den Deutsche Bank Tür-
men begeben: Turm A konzentriert sich
auf die junge Avantgarde aus Deutschland
und Europa, während sich in Turm B
Künstler aus Afrika, Amerika und Asien
finden. Dabei werden Fragestellungen
und gesellschaftliche Anliegen deutlich,
die Gegenwartskünstler rund um die
Welt beschäftigen: die kritische Ausein-
andersetzung mit den Folgen von Globa-
lisierung und Migration, überkommenen
Geschlechterrollen oder dem Erbe der
Moderne. Lernen Sie die Kunststars von
morgen kennen, die aus Indien, Südafrika
oder Albanien kommen, und lassen Sie
sich von den Einblicken in die Lebenswelten
dieser Regionen faszinieren.
Und wenn Sie die Kunst in der Deutschen
Bank auch im Original erleben
möchten, melden Sie sich einfach direkt
zu einer Führung an. Ergänzt durch eine
Suchfunktion nach Künstlern und Kunstwerken, einen QR-Code-
Leser und eine Share-Funktion für soziale Netzwerke bietet die
App einzigartige Einblicke in die Kunst der Welt – und damit in
die Welt selbst.
Hieronymus Bosch, James Ensor, and
Philip Guston.
With the app, you can take a virtual
tour through the Deutsche Bank Towers:
Tower A concentrates on the emerging
avant-garde from Germany and Europe,
while Tower B houses works by artists
from Africa, America, and Asia. In the pro-
cess, you will see the key social issues that
occupy contemporary artists around the
world as they investigate the effects of
globalization and migration, obsolete gen-
der roles, and the modernist legacy. Get
to know tomorrow’s leading practitioners
from India, South Africa, and Albania,
among other lesser-known parts of the art world, and immerse
yourself in their insights into the everyday life of these regions.
To experience the art at Deutsche Bank outside the virtual realm,
just sign up for a guided tour. Augmented by a search function
for social networks, wherever you are in the world, the app gives
you unique insight into the art of the world—and indeed into the
world itself.
Laden Sie sich die App
kostenfrei im Internet
(iTunes oder Android
Market) herunter.
Download the app
for free in iTunes or the
Android Market.
30 Deutsche Guggenheim Magazine Issue 18 Winter 2012
31

Flashback
Paweł Althamer: Almech—Opening and Talk
1 Adam Althamer / Warsaw
2 Julia Bistuła, Paulina Antoniewicz / Warsaw
3 Pierre de Weck / London, Paweł Althamer /
Warsaw
4 Nat Trotman / New York
32
1
2 3
4
7
5 Mirosław Bałka / Warsaw, Anke Hervol / Berlin
6 Cornelia Pieper / Berlin
7 Andreas Slominski, Wolfgang Betke, Britta
Lumer / Berlin
8 Ari Wiseman / New York
5 6
8
11 12
13
9 Tacita Dean / Berlin, Rita Kesting / Amsterdam
10 Monika Szewczyk, Dieter Roelstraete / Berlin
11 Anda Rottenberg, Krzysztof Materna, Magda
Materna, Mathilde Materna, Julia Matea
Petelska / Warsaw
9
12 Burkhard Riemschneider / Berlin
13 Dorothea von Hantelmann, Tino Sehgal / Berlin
10
Photos: Mathias Schormann, Daisy Loewl
Information
Ausstellungen Exhibitions
Found in Translation
28. 1.– 9. 4. 2012
Roman Ondák
Deutsche Bank presents the Artist of the Year 2012
26. 4.– 18. 6. 2012
Führungen Guided Tours
• Daily Lectures: Täglich 18 h 6 p.m.
• Monday Lectures: montags 11 – 20 h
Mondays, 11 a.m. – 8 p.m.
Eintritt frei Admission free
• Lunch Lectures: mittwochs 13 h Wednesdays, 1 p.m.
Erwachsene Adults: 9 €, ermäßigt Reduced rate: 7 €
Gern bieten wir Sonderführungen in Deutsch und
Englisch sowie für Kinder und Schulklassen an.
Informa tion und Reservierungen unter:
+49 (0)30 – 20 20 93 19 / berlin.guggenheim@db.com
For more information or reservations for guided tours
in German and English and tours for school groups:
+49 (0)30 – 20 20 93 19 / berlin.guggenheim@db.com
Informationen und Anmeldungen zum Kinder- und
Jugendprogramm unter
For more information or to register for children and
youth programs:
+49 (0)30 – 20 20 93 11
Deutsche Guggenheim SHOP
Der Deutsche Guggenheim Shop bietet mit über
1.500 Artikeln ein vielfältiges und ständig aktualisiertes
Sortiment, das sorgfältig auf die Ausstellungen
im Deutsche Guggenheim abgestimmt wird. Neben
Katalogen erhalten Sie exklusiv im Shop die Editio-
nen des Deutsche Guggenheim.
With over 1,500 items, the Deutsche Guggenheim
Shop provides a diverse and constantly updated
assortment of items focused on each exhibition.
Visitors can also acquire the editions of the Deutsche
Guggenheim available exclusively here.
Mehr Informationen unter For more information,
please contact: +49 (0)30 – 20 20 93 15 / 16 oder or
shop.guggenheim@db.com
Deutsche Guggenheim CAFE
Das Deutsche Guggenheim Cafe bietet frische
Imbissvariationen mit Produkten aus der Region.
Eatdesign, Delikatessen und exquisite Süßwaren aus
internationalen und Berliner Manufakturen laden
zum kosten und verschenken ein.
The Deutsche Guggenheim Cafe offers fresh snacks
consisting of local products. Visitors can purchase
design products, gourmet foods, and exquisite sweets
from Berlin or around the world.
Deutsche Guggenheim
Unter den Linden 13 / 15
10117 Berlin
Fon +49 (0)30 – 20 20 93 0
Fax +49 (0)30 – 20 20 93 20
berlin.guggenheim@db.com
Verkehrsanbindung
Public Transport
U-Bahn Stadtmitte (U2)
U-Bahn Französische Straße ( U6)
S-Bahn Brandenburger Tor (S 1/2)
S-Bahn Friedrichstraße (S 3/5/7/9/75)
Bus 100, 200, TXL
Öffnungszeiten
Hours
Täglich von 10 bis 20 h
auch Deutsche Guggenheim
SHOP und CAFE
Daily, 10 a.m. – 8 p.m.
including the Deutsche Guggenheim
SHOP and CAFE
Eintritt
Entrance Fees
Erwachsene: 4 €
ermäßigt: 3 €
Kinder unter 12 Jahren: Eintritt frei
Schulklassen ohne / mit Führung:
Eintritt frei
Gruppen bis 20 Personen: 35 €
Familienkarte: 8 €
Montags: Eintritt frei
Adults: € 4
Reduced rate: € 3
Children under 12: Admission free
School groups without or
with guided tours: Admission free
Groups up to 20 people: € 35
Family Card: € 8
Mondays: Admission free
Deutsche Guggenheim CLUB
Falls Sie mehr Informationen über
den Freundeskreis des Deutsche
Guggenheim erhalten möchten,
kontaktieren Sie uns bitte
unter: +49 (0)30 – 20 20 93 12 oder
deutsche-guggenheim.de
For more information on the
Deutsche Guggenheim Friendship
Circle, please contact:
+49 (0)30 – 20 20 93 12 /
deutsche-guggenheim.de
Spektakuläre Auftragsarbeiten, Highlights
der internationalen Gegenwartskunst:
Deutsche Guggenheim Online
Auf unserer Homepage finden Sie alles: Informationen
zu aktuellen Ausstellungen, Vorschauen, exklusive
Editionen, ein umfassendes Serviceangebot. Entdecken
Sie die vielfältigen Rahmenprogramme, den Deutsche
Guggenheim Club oder unsere Kreativ-Workshops
für Kinder und Jugendliche.
Spectacular commissioned works and
highlights of international contemporary
art: Deutsche Guggenheim Online
You can find everything on our homepage: informa-
tion on current exhibitions, previews, exclusive
editions, and visitor information. Discover the many
accompaning programs, the Deutsche Guggenheim
Club, and our creative workshops for kids and youths.
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