Film

Schutzgebühr 3 Euro
Film
1304
KunStmagazin.dE

KUNST Magazin
SammlergeSpräcHe
geführt von Jan Kage
KUNST Magazin Sammlergespräche
jetzt als Buch!
Jennifer Becker & Stefan Haupt (Hg.)
Seit 2010 lädt das KUNST Magazin einmal im Monat zu den Sammlergesprächen in Berlin in der
Bar Tausend, um Geheimnisse privater Kunstsammlungen zu lüften. Zu den bisherigen Gesprächspartnern
gehören Nathalie Vranken, Thomas Olbricht, Christiane zu Salm-Ko er oder das Ehepaar
Haubrok. Mit welchem Kunstwerk ng es an? Wieviel Leidenschaft und Engagement steckt dahinter,
und wieviel Kalkül? Wo wird gekauft, bei wem und warum? Jan Kage entlockt den Kunstsammlern
unterhaltsame Anekdoten, fachkundige Einschätzungen und intime Geständnisse. Die KUNST
Magazin Sammlergespräche werden nun erstmals gesammelt in einer Publikation herausgegeben.
Das Buch erscheint Ende April im OFFIZIN Zürich Verlag
29.90 Euro. ISBN 978-3-907496-78-7
www.o zin.ch
1
Editorial
Text: Julika Nehb
Findet die zukunft des Kinos im museum statt? Wenn
wirtschaftliche interessen zunehmend den inhalt und
die gestaltung von Filmen diktieren, scheinen Kulturinstitutionen
das Refugium zu sein, um das medium künstlerisch
weiterzudenken.
Heinz Peter Schwerfel, künstlerischer leiter des Festivals
KinO dER KunSt, spricht im interview über die ökonomische,
geografische und kreative Krise der Filmkunst.
zugleich bescheinigt er aber auch dem Kunstfilm der
letzten zehn Jahre – beispielsweise den Werken von Julian
Schnabel, Eija-liisa athila, Steve mcQueen, Shirin
neshat, Julian Rosefeldt, Yael Bartana oder Rebecca ann
tess – in Bezug auf technik, inhalt, Konzept und darstellung
einen „regelrechten Quantensprung“. das Festival,
das zugleich ausstellung sein will, wird Ende april in
münchen eröffnet, Präsidentin der Jury ist die Schauspielerin
amira Casar.
die illusionsmaschine Kino wird derzeit in einer ausstellung
in memmingen reflektiert. „Beim Betrachten eines
Films sehen wir der Handlung direkt zu, das medium
nimmt uns mit, und im laufe des Films werden wir vom
Beobachter zum zeugen: Wir sehen und hören, was geschieht,
und erfahren die geschichte mit unseren Sinnen
nahezu als Realität“, schreibt der Kurator von „Kino
und der kinematografische Blick“, axel lapp. im leitartikel
stellt er die ausgestellten Positionen vor.
matthias Planitzer hat sich Katarzyna Kozyras ausstellung
„looking for Jesus“ in der Berliner galerie Żak
Branicka angesehen. die polnische Künstlerin reiste zur
Osterzeit des vergangenen Jahres nach Jerusalem und
begab sich mit einem Filmteam auf die Suche nach Personen,
die sich selbst für Jesus Christus halten. Wie dabei
die grenzen zwischen darstellung und Beobachtung
zunehmend verschwimmen, lesen Sie auf Seite 20.
ihre KunSt magazin Redaktion
Translation: Brian Poole
Will the future of the cinema take place in museums?
With economic interests increasingly dictating the content
and structure of films, cultural institutions appear
to be the last refuge where artists can continue to develop
film as a medium.
in our interview, Heinz Peter Schwerfel, the artistic director
of the festival KinO dER KunSt (Cinema of art),
discusses the economic, geographic and creative crisis
of the art film. But he also notes the “genuine quantum
leap”—as far as technique, content, concepts, and acting
are concerned—that’s taken place in the art film
during the last ten years in the works of Julian Schnabel,
Eija-liisa athila, Steve mcQueen, Shirin neshat, Julian
Rosefeldt, Yael Bartana, and Rebecca ann tess, among
others. the festival, which is also conceived as an exhibition,
will open at the end of april in munich. the president
of the jury is the actress amira Casar.
the cinema as ‘illusion machine’ has been the source
of much reflection at an exhibition in memmingen. as
axel lapp, the curator of the exhibition “Cinema and the
Cinematographic Perspective,” notes in our lead article:
“While we are watching a movie, we see the action
immediately in front of us; the medium takes us with
it, and over the course of the movie we change from
observer to witness: we see and hear what is happening,
and we experience the story with our own senses
almost as if it were reality.” lapp’s article offers us a preview
of the works being exhibited there.
matthias Planitzer visited Katarzyna Kozyra’s exhibition
“looking for Jesus” at the Berlin gallery Żak Branicka.
during the Easter holidays last year the Polish artist
travelled to Jerusalem and set off with a film crew in
search of people who believe they are Jesus Christ. On
page 20 you’ll find out just how blurry the borders between
acting and observing can become.
Your KunSt magazin team
3

diesen monat auf www.kunst-magazin.de
guy Ben-ner (*1969):
if only it was as easy to
banish hunger by rubbing
the belly as it is to
masturbate (Filmstill)
2009, 1-Kanal-Video,
Farbe, ton, 16’30’’
© Courtesy guy Ben-ner
und Konrad Fischer,
galerie, düsseldorf
tzu nyen HO:
the Cloud of unknowing,
2011, Videostill
© tzu nyen HO
4
annette hollywood:
der Sammler, 1997/ 2013,
Videostills
© annette hollywood
© Courtesy galerie thore
Krietemeyer, Berlin
2. April 2013
Besser scheitern in Film und Video
mittels 20 Video- und Filmarbeiten internationaler
Künstlerinnen von den 1960er-Jahren bis heute beschäftigt
sich die Hamburger Kunsthalle mit dem thema
„Scheitern in der Kunst“. mal spielerisch, mal tragisch
oder komisch wird dieses große tabu der moderne in
Szene gesetzt.
8. April 2013
Georg Baselitz im Porträt
georg Baselitz zählt zu den bekanntesten Künstlern
weltweit. Für eine dokumentation ließ er die Filmemacherin
Evelyn Schels hinter die türen seiner ateliers in
deutschland und italien sowie in Fotoalben blicken und
gibt so einen ungewohnten Einblick in seine arbeit und
sein Privatleben.
12. April 2013
Videokunst in Asien 2002 bis 2012
unter dem titel „move on asia“ präsentiert das zKm –
zentrum für Kunst und medientechnologie in Karlsruhe
eine umfangreiche ausstellung von „moving images“,
u. a. aus indien, China, Pakistan, Japan, thailand und
Vietnam.
15. April 2013
Castor & Pollux – Das Schlusswort
matthias Planitzer ist passionierter Kunstkritiker und
Blogger. Für sein Schlusswort ist er für uns jeden monat
in der Berliner Kunstszene unterwegs und nimmt eine
aktuelle ausstellung unter die lupe.
22. April 2013
Rosa Barba. Time as Perspective
Fasziniert vom Film arbeitet Rosa Barba vorwiegend mit
zelluloid, licht, Projektor und Sound. Eine Publikation
dokumentiert ihr neuestes Projekt „times as Perspective“,
welches im Kunsthaus zürich und in der Bergen
Kunsthall in norwegen gezeigt wurde.
26. April 2013
annette hollywood
in annette hollywoods Film „der Sammler“ eröffnen
sich Einblicke in die psycho-soziale dimension des Sammelns.
Wie durch unsere visuelle Kultur der massenmedien
illusionen geprägt werden und mechanismen des
Kunstbetriebs funktionieren, reflektiert annette hollywood
auf ironische Weise in ihrem Œuvre.
inhalt
Content
Künstlerfilme werden immer besser
artist Films are getting Better and Better
interview mit Heinz Peter Schwerfel: Julika nehb ................................................................................................................... 6
Kino und der kinematografische Blick
Cinema and the Cinematographic Perspective
text: axel lapp ................................................................................................................................................................................... 12
„ich heiße Joseph Cassel und ich bin gott.“
Katarzyna Kozyras ausstellung „looking for Jesus“ bei Żak Branicka
text: matthias Planitzer .................................................................................................................................................................20
Sammlergespräch mit marc Fiedler: „Ein Blick, eine auseinandersetzung, ein gefühl“
Conversations with Collectors – marc Fiedler: “a glance, an encounter, a feeling”
interview: Jan Kage ......................................................................................................................................................................... 24
Buchvorstellungen
Book Reviews ..................................................................................................................................................................................... 28
ausstellungshinweise
gallery announcements ................................................................................................................................................................30
ankündigung: Sammlergespräch mit Heinz lohmann ........................................................................................................46
impressum
imprint ................................................................................................................................................................................................46
Bildnachweise
Titelbild: Janet Cardiff & george Bures miller: the Paradise institute, 2001, mixed media, Video, 13 min. innenansicht.
Courtesy by the artists and galerie Barbara Weiss, Berlin, Foto: Federico del Prete. Vgl. ausstellungshinweis S.45.
© VG Bild-Kunst, Bonn für die Werke von
matthias Brunner, terence Carr, Frank darius, EVa & adElE, Wolfgang Ellenrieder, gunda Förster, annette hollywood, leiko ikemura, isaac Julien,
Franziska Klotz, Katrin von lehmann, Jan-Peter manz, georg netzband, Sigrid Sandmann, John Stezaker, Clemens von Weemeyer
5

„Künstlerfilme werden immer besser“
“artist Films are getting Better and Better”
Während sich die Kunstwelt Ende april in Berlin anlässlich
des gallery Weekends zusammenscharen wird,
steht münchen zur selben zeit ganz im zeichen des
künstlerischen Films. das Kunstfilmfestival KinO dER
KunSt (24.–28.4.) zeigt in einem hochkarätigen Rahmenprogramm
Künstlerfilme von 1920 bis heute, darunter
solche von luis Buñuel und Salvador dalí, marcel
duchamp, man Ray, Rebecca Horn, Julian Schnabel,
Eija-liisa athila, Steve mcQueen, Shirin neshat, Julian
Rosefeldt und Pipilotti Rist (sämtliche termine unter
www.kinoderkunst.de). die teilnehmer des Wettbewerbs
konkurrieren um zwei Hauptpreise, die von einer
Jury vergeben werden, bestehend aus der new Yorker
Künstlerin Cindy Sherman, dem Briten isaac Julien sowie
defne ayas, direktorin am Witte de With, Center for
Contemporary art in Rotterdam. isaac Julien ist zudem
eine Retros pektive gewidmet. Wir sprachen mit dem
autor (u. a. „Kino und Kunst – Eine liebesgeschichte“),
Journalisten und Filmemacher Heinz Peter Schwerfel,
künstlerischer leiter des Festivals, über das wechselseitige
Verhältnis von Kunst und Kino.
Interview mit Heinz Peter Schwerfel: Julika Nehb
Herr Schwerfel, ein bekannter Kunstkritiker sagte, Kino
sei die größte Kunstform, die das 20. Jahrhundert hervorgebracht
hat. Wie stehen Sie dazu? Wie verhält es
sich damit Ihrer Einschätzung zufolge im neuen Jahrtausend?
Vor Superlativen wie „größte“ hüte ich mich, aber Kino
ist natürlich ein Kind des 20. Jahrhunderts, und ich
schließe mich den Franzosen an, die Kino selbstredend
als die „Siebente Kunst“ bezeichnen. Eine Kunst, die leider
zu anfang des neuen Jahrhunderts in eine kreative,
ökonomische und geografische Krise geraten ist – der
Ort Kino ist bedroht, das Wirtschaftsmodell Kino und
das Kunstwerk Kinofilm, denn herausragende Kinofilme
werden immer seltener.
Sie haben die Wechselbeziehung zwischen Film und
Kunst als Liebesgeschichte beschrieben. Wie sind die
Rollen in dieser Beziehung heute verteilt?
die bildende Kunst benutzt Kino und Filmsprache mehr
als je zuvor als Rohmaterial, denn sie hat das Story-telling
für sich entdeckt, und Kino ist nun mal global verständlich.
gleichzeitig setzt die Filmindustrie verstärkt auf die
ideen der Künstler und bietet diesen große Stoffe und
Budgets an.
6
the art world will soon be converging in Berlin at the
end of april for the gallery Weekend. at the same time,
munich will be awash in artistic films. the art film festival
KinO dER KunSt (Cinema of art, 24.–28.4.) will be
showing a top-notch panoply of artist films dating from
1920 to the present, featuring among them highlights
by luis Buñuel, Salvador dalí, marcel duchamp, man Ray,
Rebecca Horn, Julian Schnabel, Eija-liisa athila, Steve
mcQueen, Shirin neshat, Julian Rosefeldt and Pipilotti
Rist. (the dates are posted at: www.kinoderkunst.de.)
the participants of the film festival will be battling for
two prizes awarded by a jury composed of the new York
based artist Cindy Sherman, the British artist isaac Julien,
and defne ayas, who is the current director of Witte de
With, Center for Contemporary art in Rotterdam. there
will also be a retrospective dedicated to isaac Julien’s
works. We spoke with the director of the festival, Heinz
Peter Schwerfel—a journalist, filmmaker, and author of
the book Cinema and Art – A Love Story, among other
works—about the reciprocal relationship between art
and film.
Translation: Brian Poole
Mr Schwerfel, a famous art critic once said that film was
the greatest art form the 20 th century produced. What’s
your take on that? And what’s your assessment of film
in the new millennium.
i use superlatives like “the greatest” sparingly. But the
cinema is indeed a child of the 20 th century, and i agree
with the French who quite naturally refer to the cinema
as “the seventh art”. unfortunately, it’s an art form that
has drifted into a creative, economic and geographical
crisis at the beginning of this century. the cinema as a
location is in jeopardy, as is the economic model of the
cinema and the art form of the cinema movie—and excellent
cinema movies are increasingly hard to find.
You’ve described the reciprocal relationship between
film and art as a love story. How are the roles in this relationship
divided up these days?
the fine arts use the cinema and the cinematic idiom
more than ever before as raw material—they’ve discovered
story telling, and cinema is quite simply a universally
understood medium. at the same time, the movie
industry has been increasingly betting on the ideas of
the artists, and they’ve been offering them vast materials
and large budgets.
maya zack: Black and White Rule, iSR 2011, materials: red 4k, duration: 18 min.
Welche Regisseure der jüngeren Vergangenheit haben
sich ganz bewusst an der bildenden Kunst orientiert, sie
sozusagen geplündert, und bei welchen geschah dies
eher unbewusst? Welche Filmemacher der jüngeren Generation
sind Ihnen durch eine eigene visuelle Sprache
aufgefallen?
das Kino plündert die Kunst nicht, es lernt von ihr. Vor
allem Regisseure, die konventionelle narration verweigern,
so wie moderne maler die zentralperspektive verweigern,
schielen auf die Kunst. der frühe tarantino unbewusst,
Christopher nolan oder tom tykwer bewusst.
Sie sagten, der Vorteil der „Traumfabrik Hollywood“
gegen über der zeitgenössischen Kunstproduktion wären
die sehr viel größeren Budgets, um bestimmte Bildwelten
umzusetzen. Wie groß ist die Macht des Kinos,
wenn es um die Beeinflussung unseres kulturellen Bildgedächtnisses
geht?
die macht des Kinos ist geschrumpft, erst durch das
Fernsehen, dann durch den musikclip und heute durch
das internet. deshalb fürchte ich, dass aktuell die Bildersuppe
der massenmedien, inklusive Werbung, das kulturelle
gedächtnis stärker prägen als Kino oder Kunst.
Das Festival widmet sich dem Verhältnis von Kunst und
Kino, welches durch die Suche der Gegenwartskunst
nach einer „global verständlichen Sprache des bewegten
Bildes“ geprägt ist. Findet das Kino der Zukunft also
im Museum statt?
zumindest auch im museum, denn das Kino braucht ein
wirtschaftlich unabhängiges experimentelles laboratorium
für neue, professionell und auf hohem niveau
formulierte ideen, und das kann heute nur der Kunstbetrieb
sein und nicht das internet und Youtube.
Which directors in recent years have consciously oriented
themselves around the fine arts—plundering them,
as it were? And who among them have done so rather
unconsciously? Which filmmakers of the younger generation
seem to you to be using their own visual language?
the films do not plunder the arts; they learn from them.
Particularly those directors who refuse to use conventional
narration, much as modern painters refuse to offer
a central perspective, have their eye on the arts: the
early tarantino, unconsciously; Christopher nolan and
tom tykwer, consciously.
You’ve said that the advantage of the “dream factory
Hollywood” by comparison with contemporary art production
lies in the much larger budgets they can command
in order to produce certain pictorial worlds. How
large is the power of the cinema in the sense of its ability
to influence our cultural memory of images?
the cinema’s power has declined—first due to television,
then through the music clip, and now through the
internet. that’s why i fear that, today, the mishmash of
images in mass media, including commercials, has a
larger influence upon cultural memory than the cinema
and the arts.
The festival is dedicated to the relationship between
the fine arts and the cinema—cinema characterised
here as shaped by contemporary art’s search for a “globally
comprehensible language of moving images”. Is the
cinema of the future going to take place in museums?
Well, at least also in museums. the cinema is in need of
an economically independent experimental laboratory
for new professional and sophisticatedly formulated
7

isaac Julien, Baltimore i 2003, installation view, 3rd Berlin Biennial, germany, three-screen installation, black & white / colour 16mm
dVd transfer, sound, 11’00”, Courtesy of the artist, Victoria miro gallery, london,metro Pictures, new York and galería Helga de alvear, madrid

max Weinman: apsis, uSa 2012, materials: Hd, duration: 14 min.
Frühere filmische Künstlerbiografien, beispielsweise
„Mein Mann Picasso“, stellten den narrativen Gehalt
weit über die Auseinandersetzung mit der Kunst. Hat
sich diese Tendenz im Hinblick auf jüngere filmische
Künstlerfilme wie „Gerhard Richter Painting“, „Ai Wei
Wei: Never Sorry“ oder „Renoir“ geändert?
da müssen Sie unterscheiden zwischen Fiktion und dokumentation.
dokumentarfilme über Künstler haben
früher nur selten den Sprung ins Kino geschafft, selbst
wenn sie deutlich spannender als „gerhard Richter
Painting“ waren. denken Sie an Clouzots „Picasso“. und
„Pollock“ von Ed Harris war sicher besser als „Renoir“.
der von ihnen zitierte „Picasso“ stellt allerdings einen
absoluten tiefpunkt in der geschichte von Kino und
Kunst dar. ich sehe da also keine großen Veränderungen
und sicher keinen Fortschritt. den gibt es eher bei Kinofilmen
bildender Künstler wie Julian Schnabel, Steve
mcQueen, Shirin neshat.
10
ideas—and, today, that can only mean the art world,
and not the internet or Youtube.
Earlier cinematic artist biographies—like “Surviving
Picasso”—emphasise the narrative content far more
than the examination of art. Has this tendency changed
with the advent of more recent movies on artists like
“Gerhard Richter Painting,” “Ai Weiwei: Never Sorry,” or
“Renoir”?
Here, we have to differentiate between fiction and
documentary. documentary films about artists have
rarely made it to the cinema in the past, even though
they’ve been far more thrilling than “gerhard Richter
Painting” was. Just think of Clouzot’s “the mystery of
Picasso”. and Ed Harris’s film “Pollock” was certainly better
than “Renoir”. the “Picasso” movie you mentioned
actually marks the nadir in the history of film on art. So
i don’t see much change here, and certainly no progress.
Wo verlaufen die Grenzen des Kinos, wenn es um die
Auseinandersetzung mit und die Wiedergabe von Kunst
geht? Wie gehen Filmemacher mit Übersetzungsproblemen
um?
Kino ist oft nicht nur an narrative, sondern auch an
inhalt liche Klischees gekettet, beispielsweise an das alte
lied vom Künstler als einsamem Helden im Schaffenskampf.
an solchen Klischees scheitert es immer wieder.
Vor dem Münchner Festival KINO DER KUNST leiteten
Sie seit 2002 die Kunstfilmbiennale in Köln und Bonn.
Die Qualität des Festivals ist in den vergangenen Jahren
immer weiter gestiegen. Welche Erwartungen haben
Sie persönlich an den Wettbewerb?
die Qualität der Kunstfilmbiennale und jetzt von KinO
dER KunSt steigt, weil die Künstlerfilme immer besser
werden – technisch, inhaltlich, konzeptuell, darstellerisch.
ich würde da in den zehn letzten Jahren von einem
regelrechten Quantensprung sprechen, und genau diese
Entwicklung spiegelt sich auch im Wettbewerb von
KinO dER KunSt.
Herr Schwerfel, wir danken Ihnen für das Gespräch.
there’s more progress to be seen in the movies on artists
like Julian Schnabel, Steve mcQueen, and Shirin neshat.
Where do the borders lie in cinema, as far as art and the
representation of art is concerned? How do filmmakers
deal with the problems of translation?
Cinema is often bound not only to narrative, but also to
thematic clichés—for example, that old saw about the
artist as lonely hero engaged in a battle to create something.
again and again the movies run aground with
such clichés.
In addition to your involvement with the festival KINO
DER KUNST, you have also directed the Art Film Biennale
in Cologne and Bonn since 2002. The quality of the festival
has been rising steadily in recent years. What expectations
do you have, personally, for the competition?
the quality at the art Film Biennale, and now again at
KinO dER KunSt, has been rising because the artist films
have been getting better and better, technically, conceptually,
plot-wise, as well as in terms of acting. i would
even speak of a genuine quantum leap during the last
ten years, and precisely this development is reflected at
the film festival competition KinO dER KunSt.
Mr Schwerfel, thank you for the conversation.

Kino und der kinematografische Blick
Cinema and the Cinematographic Perspective
Text: Axel Lapp
die über 100-jährige geschichte des Kinos hat nicht nur
innerhalb des mediums bahnbrechende Entwicklungen
durchlaufen – von der handbetriebenen Kurbelkamera
bis hin zur digitalen animation und zur 3d-Projektion –,
sondern im laufe dieser zeit auch unsere Wahrnehmung
und dadurch uns selbst grundlegend verändert.
Wir erfahren die Welt jenseits unseres eigenen Horizonts
über gespräche und mediale Vermittlung, durch
Berichte, Erzählungen und geschichten und malen
uns diese häufig nach unserer eigenen Vorstellung
aus. mit der Fotografie und den bewegten Bildern des
Films nehmen wir diese jedoch auch als Realität wahr
und machen auf diese Weise Erfahrungen, die sich von
tatsächlich Erlebtem kaum unterscheiden. Wir haben
eine genaue Vorstellung von new York, San Francisco
oder Peking, lange bevor wir diese Orte selbst bereisen;
wir wissen um Fantasy-Welten und liebesschmerz, um
geheim agenten, Sissi und Kriminalgeschichten. Wir haben
eine Erinnerung an geschehnisse, die uns über den
Film vermittelt wurden und die sich nun mit den Erinnerungen
an unsere eigenen Erfahrungen vermischen.
die ausstellung „KinO und der kinematografische Blick“
dokumentiert dieses Phänomen einer verschwimmenden
Realität mit künstlerischen arbeiten in den unterschiedlichsten
medien.
12
Translation: Brian Poole
the over 100-year-old history of the cinema has not only
passed through pioneering developments within the
medium itself, from the hand-powered crank camera
to digital animation and 3d projection; over time, it has
also fundamentally changed our perception—and thus
it has changed us.
We experience the world beyond our own horizon
through conversations and through media—through
reports, stories and historical narratives—and we often
embroider them according to our own imagination. We
perceive photographs and the moving pictures of films
as if they, too, were real, and in this manner we accrue
experiences that can hardly be distinguished from what
we’ve factually experienced. We have a precise notion of
new York, San Francisco, and Peking long before we travel
to these places; and we know what fantasy worlds,
the pangs of love, the movie Sissi, and conventional
thrillers are. We remember events that have come to us
through film and that now blend in with our memories
of our own experiences. the exhibition “Cinema and the
Cinematographic Perspective” documents this phenomenon
of a blurred reality with artistic works in various
media.
Clemens von Wedemeyer: Occupation, 2001, Video, 35mm, 8‘, © Vg Bild-Kunst Bonn
geschichten werden im Film aufs Äußerste konzentriert.
in anderthalb bis zwei Stunden – selten nur werden
es mehr – müssen die Charaktere eingeführt, die Handlung
entwickelt, der Höhepunkt erreicht und das Ende
schlüssig sein. Ein Roman braucht dafür meist sehr viel
mehr zeit und kann sich dabei auch dem luxus der
langsamkeit und der Komplexität hingeben. dabei erfahren
wir die geschichte über das medium des texts
und schmücken uns eine Vorstellung dazu aus. Beim
Betrach ten eines Films dagegen sehen wir der Handlung
direkt zu, das medium nimmt uns mit, und im laufe
des Films werden wir vom Beobachter zum zeugen:
Wir sehen und hören, was geschieht, und erfahren die
geschichte mit unseren Sinnen nahezu als Realität.
Kamera einstellungen, montage und Schnitt, Kulisse,
ausleuchtung, Kostüme, maske sowie die untermalung
mit geräuschen und musik tun ein Übriges. in einer
illu sion der teilhabe leiten sie uns durch die Handlung
und bilden selbst auf vielfältige Weise unsere Erfahrung
während des Betrachtens ab. alle Emotionen sind möglich
und werden vom medium auch aktiv genutzt.
Es ist gerade diese Fähigkeit von Kino und Film, über alle
Sinne die aufmerksamkeit der Betrachter auf sich zu
ziehen und diese ganz in eine andere „Realität“ eintauchen
zu lassen, die Jason Silva in seinem Kurzfilm „the
in movies, the stories are extremely concentrated.
Within no more than two hours—a movie is seldom
longer—the characters have to be introduced, the plot
has to be developed, the climax has to be reached, and
the dénouement has to appear consistent. a novel usually
requires much more time, and to achieve its ends it
can also abandon itself to the luxury of a slow tempo
and considerable complexity. We experience the storyline
through the medium of the text, and we embellish
our own impressions of it. But when we are watching
a movie, we see the action immediately in front of us;
the medium takes us with it, and over the course of
the movie we change from observer to witness: we see
and hear what is happening, and we experience the
story with our own senses almost as if it were reality.
the camera’s perspective, the montage and cutting,
the scenery, lighting, costumes, and makeup, as well
as the accompaniment with sound and music, add the
final touches. in this illusion of participation, all these
aspects lead us through the plotline, depicting, in a myriad
of ways, our experience while we are watching the
screen. all emotions are possible, and they are actively
used by the medium.
in his short film “the immersive Power of Cinema” Jason
Silva describes precisely this ability of cinema and
13

immersive Power of Cinema“ beschreibt. in einer sehr
unterhaltsamen tour de Force durch Phänomene und
theorien des Films nutzt der darstellende Philosoph
Silva die mittel des Films, um dessen Funktionsweisen
zu erläutern. „the immersive Power of Cinema“ funktioniert
denn auch fast als ein trailer für die gesamte
ausstellung.
Clemens von Wedemeyer spielt in vielen seiner arbeiten
mit kinematografischen Konventionen. Was geschieht
im Raum des Kinos, welche Konstruktionen sind nötig,
um das gesehene glaubhaft zu vermitteln, wie unterscheidet
es sich vom draußen? Wie kann man die etablierten
techniken des Kinofilms nutzen und hinterfragen?
in der frühen Videoarbeit „Occupation“ setzt
Wedemeyer sich besonders mit der Wirkungsweise und
Bedeutung filmischer Effekte auseinander. die Situation
ist ein nächtlicher dreh auf einer Wiese. Es soll eine massenszene
aufgezeichnet werden, und wir sehen „Schauspielern“
und dem „Filmteam“ bei den Vorbereitungen
zu. Scheinwerfer und Kameras werden positioniert, Orientierungslinien
ins gras gezogen, die Schauspieler instruiert,
die ihre Bewegungen als und in der gruppe proben.
Schnell wird klar, dass dies kein echter Filmdreh ist,
dass hier einzelne Effekte aneinandergereiht und vorgeführt
werden, es gibt keine nachvollziehbare Handlung.
und doch ergeben sich mithilfe der musik, die einzelnen
Szenen unterlegt ist, und aus dem Verhältnis von licht
und dunkel, von Schärfe und unschärfe kurze momente
der Spannung, der Erwartung, der Emotion, die dem tatsächlich
gesehenen Bedeutungstiefe unterstellen.
georg Parthen untersucht in den Fotografien seiner
„multiplex“-Serie die Räume des Kinos, die natürlich als
Präsentationsräume auch einen großen anteil am Kino-
Erlebnis haben. Es ist kaum vorstellbar in diesen Kinozentren
mit ihren lauten dekoelementen in Blau und
Pink, überdimensionierten Popcornbars und Filmaufstellern,
einen historischen Schwarz-Weiß-Film zu sehen:
Programmkinos sehen üblicherweise anders aus. die
geschichte des Kinos ist eine geschichte der Sehgewohnheiten
und der Publikumserfahrung – von Hinterzimmerkinos
über Filmtheater und Kinopaläste mit
doppelsitzen und Platzanweisern bis hin zu Freiluftkinos
und multiplexen. Viele innerstädtische Kinos mussten
schließen. ihre Säle waren zu groß oder sie waren
zu klein, die neue technik ließ sich bei sinkenden Besucherzahlen
dann auch nicht mehr finanzieren. dieses
Kinosterben begann schon vor mehr als 50 Jahren mit
der allgemeinen Verbreitung des Fernsehens. trotzdem
sehen wir heute mehr Filme als je zuvor, wenn auch
nicht unbedingt in einem Kinosaal, sondern zu Hause
im Wohnzimmer und bisweilen auch unterwegs.
Wir leben mit Filmen, mit ihren geschichten und darstellern,
und unser Wissen und unsere Erfahrungen sind
geprägt durch jene Filme, die wir im laufe der zeit gesehen
haben. unsere Realität ist dadurch einer ständigen
14
film to capture our attention using all the senses, entirely
submerging us into another ‘reality’. in his thoroughly
entertaining tour-de-force jaunt through film phenomena
and film theory, the performance philosopher
Silva uses the medium of film in order to explain the
manner in which it functions. “the immersive Power of
Cinema” almost serves as a trailer for the entire exhibition.
in many of his works Clemens von Wedemeyer plays
with cinematographic conventions. What happens in
cinematic space? What constructions are necessary in
order to convey what is shown in a credible manner, and
how is it distinct from what’s outside the cinema? How
can we use the established techniques of movies and
call them into question? in his early video work “Occupation”
Wedemeyer deals with the particular modes
and meanings of cinematic effects. the scene is one of
a night-time shooting on a lawn. it’s supposed to be a
crowd scene, and we watch the ‘actors’ and the ‘film
team’ preparing to start shooting the movie. the spotlights
and the cameras are positioned, lines for orientation
are drawn in the grass, actors are instructed, and
their movements both as a group and within the group
are rehearsed. it soon becomes clear, however, that this
is no real film shoot—here, isolated effects are strung
together and acted out, but there’s no comprehensible
plot. and yet with the aid of the music underlying the individual
scenes, and with the use of light and darkness,
and of sharp focus or blurriness, we nevertheless experience
short moments of suspense, of expectation, and
of emotion, which attribute a deeper meaning to what
we’ve actually seen.
in photos of his “multiplex” series georg Parthen investigates
the spaces of the cinema, which, as locations for
presenting films, of course also have a large influence
upon our cinematic experience. it’s almost impossible
to watch a historical black and white movie in those
multiplex cinema centres with their blue and pink decorative
elements, and their oversized popcorn bars and
film displays. Cinemas that develop their own programmes
usually look different. the history of the cinema is
a history of visual habits and of the audience’s experience—from
backroom cinemas and film theatres to cinema
palaces with double seats and ushers, to drive-in
and open-air cinemas and multiplexes. many inner-city
movie theatres have had to close. they were either too
large or too small; moreover, with audience sizes shrinking,
the new technology they would have required
could no longer be financed. the decline of the cinema
already started more than 50 years ago with the spread
of television. and yet we watch more movies today than
ever before, although we don’t necessarily watch them
in the movie theatre—we can watch them at home or
even while we’re on the road. We live with movies, with
their stories and actors, and both our knowledge and
our experiences have been shaped by the films we’ve
seen over time. Our reality has thus been subjected to
continuous change. martina Sauter deals directly with
ming Wong: me as Brigitte mira as Emmi (angst essen / Eat fear), 2008, C-Print, 120 x 100 cm
15

Veränderung unterworfen. martina Sauter thematisiert
genau diese Veränderung. Sie ergänzt ihre eigenen
Foto grafien durch ausschnitte aus bekannten Filmen,
allerdings nicht digital am Computer, sondern mit tatsächlichen
abzügen, die sie mit kleinem abstand übereinandermontiert,
sodass man am Objekt tatsächlich den
unterschied zwischen den Bildebenen wahrnehmen
kann. Eine weitere Serie von Fotografien entstand in
einer verlassenen Westernkulissenstadt in Kalifornien,
die nie war, was sie zu sein vorgab, aber trotzdem immer
noch aussieht, wie man sich nach dem Betrachten
solcher Filme eine historische Siedlung in amerika vorstellt.
Jana müller arbeitet ebenfalls mit den Erwartungen
und filmischen Sehgewohnheiten der Betrachter.
Sie verweist auf das weitverbreitete Krimigenre. in ihrer
installation „leichter Krimi“ präparierte sie Kleidungsstücke
und andere utensilien unter glasplatten. Von
Scheinwerfern beleuchtet, werden sie zu andauernden
forensischen Spuren einer nicht näher bestimmten
Krimi nalgeschichte und machen den ausstellungsort so
zum imaginären tatort.
die Bilder von Friedemann Hahn dagegen präsentieren
eine malerische Sicht auf ikonische motive der Filmgeschichte.
Sein material sind Standfotos, deren spezifischen
Blick mit der Kamera er mit großer geste auf
die leinwand adaptiert. Jack nicholson spielt da eine
Rolle in „China town“, aber auch Ernst udet, zumindest
nominell, denn sein Flugzeug aus dem Film „SOS Eisberg“
taucht nur als kleiner horizontaler Strich im Bild
„Eisberg“ auf. daneben verwendet Hahn auch noch alte
Film-Werbebilder, die er kraftvoll übermalt und die er mit
seiner eigenen Emotionalität überlagert. genau solche
Fotografien, die früher in den Schaukästen der Kinos
hingen, dienen auch John Stezaker als ausgangspunkt
für seine Collagen. ganz konzentriert montiert er darauf
jeweils eine stimmungsvolle landschaftspostkarte,
deren Hell und dunkel die Kompositionslinien der Fotografie
aufgreift, und gibt durch diesen zugewiesenen
Ort der dramatik der ursprungsszene eine ganz neue
Richtung.
doch Filme haben nicht nur ein nachleben in unserer
Erinnerung, sie beeinflussen menschen tatsächlich.
Sie verändern unser Weltbild und somit auch die Welt.
John Sealeys „they call me ... don‘t call me“ beschreibt
nachwirkungen der sogenannten Blaxploitation-Filme
der 1970er-Jahre. in seinem Video streifen ein mann und
eine Frau durch die Straßen von new York, sie zeigen
Passanten Fotos, und die Kamera hält deren Reaktion
darauf fest. mit der zeit stellt sich heraus, dass auf diesen
Fotos, die nie ins Bild kommen, die Schauspieler Pam
grier und Richard Roundtree zu sehen sind, die Hauptfiguren
der Filme „Shaft“ und „Foxy Brown“, in denen
Schwarze zum ersten mal nicht nur nebenrollen oder
„die antagonisten“ spielten, sondern starke Helden, die
sich von niemandem etwas sagen lassen. Sie wurden
damit zu identifikationsfiguren einer ganzen generati-
16
this change. She complements her photographs with
fragments from well-known films, but not digitally on
the computer; rather, she uses actual prints, which she
mounts, one on top of the other, with a small space
between them, so that you can still indeed see the distinction
between the picture’s layers in the object. She
created another series of photographs in a deserted city
in California that looked like the setting for a western,
although it was never what it appeared to be, and yet
still looked like what you’d expect to see at a historic
settlement in america after watching such movies. Jana
müller also works with the expectations and cinematic
habits movie-goers have developed by watching movies.
She alludes to the widespread genre of the thriller. For
her installation “light Crime Story” she arranged pieces
of clothing and other utensils under panes of glass. illuminated
under the spotlights, they come to resemble
the remaining forensic clues in an otherwise undefined
crime story, thus turning the location of the exhibition
into an imaginary crime scene.
By contrast, the pictures by Friedemann Hahn offer a
painter’s perspective on the iconic motifs of cinematic
history. His material is the still photo, and, with an overt
gesture, he uses his camera to adapt their particular
look to the big screen. Here, Jack nicholson plays a role
in “China town”—but so does Ernst udet, at least nominally,
since his plane from the movie “SOS iceberg”
appears as a tiny horizontal line in the picture “iceberg”.
Hahn also uses the publicity photos from old films, vigorously
painting over them, layering them with his own
emotions. Such photographs, which used to be mounted
in the display cases at the cinema, also serve John
Stezaker as his point of departure for his collages. He
overlaps them with various highly evocative landscape
postcards whose bright and dark contrasts match the
composition lines of the original photographs; by thus
redefining the location for the drama, he gives the original
scene an entirely new direction.
But films not only have an afterlife in our memory; they
also factually influence people. they change our image
of the world and thus they also change the world. John
Sealey’s “they call me...don’t call me” describes the repercussions
of the so-called blaxploitation films of the
1970s. in his video, a man and a woman are seen walking
casually along the streets of new York; they show
passersby photos, and the camera records their reactions
to them. in time it becomes apparent that the
photos, which the camera never focuses on, are of the
actors Pam grier and Richard Roundtree, the central figures
in films like “Shaft” and “Foxy Brown”—films in
which, for the first time, blacks no longer played merely
supporting roles or acted the part of the ‘bad guys’. in
these films they are, rather, the strong heroes who don’t
put up with backtalk from anyone. they soon became
figures that an entire generation identified with—and
they have since become part of the nation’s historical
John Stezaker: untitled, 2008, Collage, 20,5 x 25,3 cm, © the artist, Courtesy galerie gisela Capitain, Köln
on und sind fast wie echte menschenrechtsaktivisten
teil der historischen Entwicklung. auch Emanuel mathias
untersucht in „nebahats Schwestern“ die langzeiteffekte
einer fiktiven Filmfigur. „Soför nebahat“ („Fahrerin
nebahat“) war in den 1960er-Jahren die Protagonistin
mehrerer türkischer Filme, welche die beinahe-emanzipatorische
geschichte einer jungen Frau erzählten, die
sich als taxifahrerin in istanbul durchschlägt. zu nebahats
zeiten gab es gar keine taxifahrerin in istanbul,
bis heute gibt es nur eine Handvoll. in einer filmischen
Collage stellt mathias Originalszenen von damals den
Erfahrungen einiger heutiger taxifahrerinnen gegenüber,
die sich allesamt in ihrer filmischen Vorläuferin
wiedererkennen, und lässt diese dann Schlüsselszenen
aus den historischen Filmen nachspielen. auch ming
Wong nähert sich Filmen und ihren themen, indem er
sie sich aneignet. „angst Essen/Eat Fear“ ist seine Kurzversion
von Rainer Werner Fassbinders „angst essen
development: almost as if they were activists for human
rights. Emanuel mathias has also investigated the
long-term effects of a fictional movie character. in the
1960s “Soför nebahat” (“nebahat the driver”) was the
protagonist in several turkish movies that told the almost
emancipatory story of a young woman struggling
to survive as a taxi driver in istanbul. at the time there
were no female taxi drivers; even today, there are only
a handful of them. in his film collage mathias juxtaposes
original scenes from the movie with the experiences
of some of today’s female taxi drivers, who all sense an
affinity with their cinematic model, and he has them
replay key scenes from these historic movies. likewise,
ming Wong approaches films and their subjects by
taking possession of them. “angst Essen/Eat Fear” is a
short version of Rainer Werner Fassbinder’s “angst essen
Seele auf” (“Fear Eats the Soul”), in which a german
cleaning lady named Emmi (played by Brigitte mira) and
17

Seele auf“, in dem sich die schon etwas ältere deutsche
Putzfrau Emmi, gespielt von Brigitte mira, und der junge
marokkaner ali, gespielt von El Hedi ben Salem, ineinander
verlieben und die als Paar mit einer dieser Beziehung
gegenüber feindlich eingestellten gesellschaft
konfrontiert sind. in seiner adaption spielt Wong beide
Rollen selbst. Er macht dabei sichtbar, wie sehr sich die
gesellschaft in manchen Bereichen in den vergangenen
40 Jahren verändert hat, und lotet damit auch seine eigene
Position als ausländer in deutschland aus.
in „desi’re – the goldstein reels“ zeigt Romeo grünfelder
ein vermeintlich im nachlass des amerikanischen
Regisseurs Jack goldstein entdecktes Filmfragment.
Wir sehen eine kurze aufnahme einer landschaft, von
Vegetation, vom meer. aus großer Entfernung folgt die
Kamera einer Frauengestalt, die hinausschwimmt, untertaucht
– und die verschwunden bleibt. Eine kommentierende
Stimme analysiert den Film während der
Betrachtung, erklärt geografie, Pflanzen sowie filmische
technik und Kamerabewegung. Hier wird der Film selbst
zum Bezugspunkt – und damit die geschichte des mediums,
die technik von Schnitt und Perspektive. Omer Fast
schließlich führt in der 2-Kanal-Videoinstallation „take a
deep Breath“ die Erwartungen an eine lineare filmische
Erzählung ad absurdum. Wir sind zeugen von dreharbeiten
für einen Film über ein Selbstmordattentat, wir
sehen der Filmcrew beim Filmen zu und den Schauspielern
in ihren Pausen. Wie ein möbiusband wechselt die
filmische Erzählung ihre Perspektive zwischen der tragischen
geschichte des Films und der Komik der diversen
nebenhandlungen, und die arbeit ein einziges mal zu
sehen reicht kaum aus, um sie in ihrer Beiläufigkeit zu
begreifen, um die geschickten Wechsel zwischen den
unterschiedlichen Realitätsebenen zu verstehen.
Film und Kino manipulieren unsere Sehweise und unsere
Emotionen und greifen damit ganz tief in unser
Verständnis ein; im Flackerschein des lichts verwandeln
sie, was uns umgibt.
die ausstellung „KinO und der kinematografische Blick“
läuft noch bis zum 2. Juni in der mEWO Kunsthalle in
memmingen, Bahnhofstr. 1, 87700 memmingen.
axel lapp (*1966) ist Kunsthistoriker, Verleger und Kurator.
Seit november 2012 leitet er die mEWO Kunsthalle
sowie die museumseinrichtungen im antonierhaus in
memmingen.
18
a young moroccan man named ali (played by El Hedi
ben Salem) fall in love with each other and find themselves
confronted with a society that does not approve of
their relationship. in his adaptation, Wong plays both roles
himself. and he shows us in his movie just how much
society has changed in some areas during the past 40
years; he also uses this perspective to analyse his own
position as a foreigner in german society.
in his “desi’re – the goldstein reels” Romeo grünfelder
seems to show us a fragment of a movie that was discovered
in the private archive of the american director
Jack goldstein. We see a short clip of a landscape, of
vegetation, and of the sea. From a great distance the camera
follows a woman as she swims off into the water,
then submerges, disappearing for ever. a voiceover analyses
the movie while the audience views it, explaining
the geography and the plants as well as the cinematic
technique and the movement of the camera. Here, the
film itself becomes a point of reference within the medium
of film: it addresses the history of the medium, the
editing technique and the use of perspective. Finally, in
his 2 channel video installation “take a deep Breath”
Omer Fast drives the expectations of a linear cinematic
narrative ad absurdum. We witness the film shooting
for a movie about a suicide bomber; we watch the
movie crew as they film, and we see the actors during
their breaks. like a möbius strip, the cinematic narrative
alternates its perspective between the tragic story of
the movie and the comedy of the various incidental activities—and
seeing the movie just once is not enough
to take stock of their haphazardness and to understand
the deft transition between the various levels of reality.
movies and the cinema manipulate our way of seeing
things and our emotions, and thus they have a very profound
impact upon our manner of understanding the
world. in the flickering images of light, they transform
what surrounds us.
the exhibition “Cinema and the Cinematographic
Perspective” will be running to the 2nd of June at the
mEWO Kunsthalle in memmingen (Bahnhofstr. 1, 87700
memmingen).
axel lapp (b. 1966) is an art historian, publisher, and curator.
He has served as director of the mEWO Kunsthalle
and the museum facilities at the antonierhaus in memmingen
since november 2012.
BERL
INER
LISTE
2013
contemporary art
SEP 19 – 22
Der neue boesner-
Katalog ist da!
Ab April erhältlich!
In allen boesner-Häusern und auf boesner.com
KUNST
IN DER
PRAXIS
ANGELA BRÖHAN – Fotografie
ANDRÉ KIRCHNER – Fotografie
Ausstellungsdauer
18. März 2013 bis 17. August 2013
Zahnarztpraxis Friedenau
Schwalbacher Strasse 6 |12161 Berlin | 030 821 6345
dentiqua.net
Die Entdeckermesse
für zeitgenössische Kunst.
Galerien, Künstler, Projekträume
www.berliner-liste.org
LESEN WAS KUNST IST
1 JAHR - 10 AUSGABEN
35,- € innerhalb Deutschlands
40,- € in Europa und der Schweiz
45,- € Weltweit
apply
now!
www.kunstmagazin.de/abo

„ich heiße Joseph Cassel und ich bin gott.“
Katarzyna Kozyras ausstellung „looking for Jesus“
bei Żak Branicka
Text: Matthias Planitzer
Eine heilige dreifaltigkeit der besonderen art traf sich
am 1. Juli 1959 im Ypsilanti State Hospital, michigan:
unter der aufsicht des dort tätigen Psychologen milton
Rokeach begegneten sich an jenem milden Sommertag
drei männer und stellten einander vor. der Erste: „ich
heiße Joseph Cassel und ich bin gott.“ der zweite: „ich
heiße Clyde Benson. ich wurde gott.“ der dritte stellte
sich jedoch nicht als der leon gabor vor, als den man ihn
kannte, er sprach gleich klaren Wortes: „auf meiner geburtsurkunde
steht, dass ich der wiedergeborene Jesus
Christus von nazareth bin.“ Konflikte waren nicht nur
vorprogrammiert, sie waren auch ziel und zweck des
von Rokeach geplanten Experimentes.
die drei Patienten teilten ein zimmer, die therapiesitzungen
und vor allem viel zeit, um sich gegenseitig
mit der Frage zu konfrontieren, welcher von ihnen der
leibhaftige messias sei. Benson sah in seinen Kameraden
plumpe imitatoren. Für Cassel war die angelegenheit
klar: Er hielt seine genossen für maschinen. gabor
wusste immerhin, dass er der wahre Jesus Christus sei,
schließlich befanden sich Benson und Cassel in psychiatrischer
Behandlung. Selbstsicher händigte er in der
anstalt Visitenkarten aus: „dr. domino dominorum et
Rex rexarum, Simplis Christianus Puer mentalis doktor,
der wiedergeborene Jesus Christus von nazareth“.
in den folgenden Jahren entwickelten die Patienten
verschiedene Strategien, um einerseits die Behauptungen
ihrer genossen zu entkräften und andererseits
20
ihre eigene identität zu bewahren, ehe das Experiment
abgebrochen und ihre gemeinschaft aufgelöst wurde
[1. milton Rokeach: the three Christs of Ypsilanti, new
York City 1964].
tatsächlich sind solche religiösen Wahnstörungen
nicht selten. derartige megalomanische denkinhalte,
ein Prophet, der messias, Jesus Christus oder gar gott
zu sein, häufen sich jedoch auffällig stark im Heiligen
land, wo betroffene Einheimische, Pilger und touristen
an der besonderen Form des Jerusalem-Syndroms erkranken.
diese psychotische Störung ist in der heiligen
Stadt endemisch, wo jährlich etwa einhundert Personen
erkranken. die Betroffenen halten sich für Figuren
des alten oder neuen testaments, häufig gar für mose,
König david oder Jesus Christus selbst. Stets erkennen
sie sich in einer gleichgeschlechtlichen identität wieder,
die zudem mit der eigenen Religion übereinstimmt.
infolge dieser Erkenntnis vollziehen sie den Wandel vom
Saulus zum Paulus nicht selten mit einer umstellung
der eigenen lebensführung, angepasstem Verhalten
und entsprechender Kleidung.
die polnische Künstlerin Katarzyna Kozyra besuchte
während der Osterzeit des vergangenen Jahres die Stadt
und begab sich mit einem Filmteam auf die Suche nach
Personen, die sich selbst für Jesus Christus halten. nach
bisher 50 Stunden gesammelten Filmmaterials gibt die
galerie Żak Branicka dieser tage eine Vorschau auf die
noch laufende arbeit „looking for Jesus“.
Katarzyna Kozyra: looking for Jesus (Filmstill), Foto Courtesy: Żak Branicka
in ausschnitten von insgesamt etwa einer halben Stunde
länge hat Kozyra immerhin eine Begegnung mit
einem Jesus. Wie beiläufig findet sie ihn auf einer gewöhnlichen
Jerusalemer Straße. da steht er nun, im gespräch
mit einem älteren muslim, der mit einem Esel auf
den Bus wartet: dieser schlanke Jesus ist in ein strahlend
weißes gewand gekleidet, das durch einen goldenen
Stern und ebenso goldene, kunstvoll verschlungene
Ornamente an Kragen und Ärmeln geschmückt ist. der
gepflegte dunkle Bart läuft am Kinn zu einer kleinen
Spitze zu, die dem penibel frisierten mittelscheitel einen
zackigen Kontrapunkt entgegensetzt. langes, gewelltes
Haar fließt von seinen Schläfen herab, umströmt das
sonnenbeschienene gesicht des jungen mannes, der
vielleicht erst um die 30 Jahre alt ist. Wild gestikulierend
und mit Bruchstücken englischen Vokabulars vereinbart
er mit dem alten mann, dass sich beide, aber unbedingt
auch mit dem Esel später treffen. dem muslim ist diese
sonderbare gestalt sichtlich nicht geheuer. Er versteckt
sein gesicht hinter langen tuchbahnen, nickt freundlich,
hofft vielleicht, dass dieser energische Jesus ihn in
Ruhe lässt.
Katarzyna Kozyra wohnt dem sonderbaren Schauspiel
bei, versucht sich gelegentlich einzumischen: „are you
Jesus?“ der zaungast bleibt unbemerkt, steht da nun
eine Weile, vergessen und auch ein wenig naiv abwartend.
Wichtig ist nur, dass abends der Esel erscheint.
Später wird klar, dass der Sohn davids am Palmsonntag
auf ihm durch das Stadttor reiten wird. doch vorerst war
diese angelegenheit geklärt, Jesus eilt mit einem mal
davon. Kozyra hinterher. „Jesus, wait for me!“ – „i will
come back“, schallt es durch Jerusalems gassen. Passanten
werden neugierig, sie scheinen, ebenso wie der
zuschauer, aufgrund dieser aberwitzigen Szene irritiert
zu sein. Kozyra wirkt naiv, unsicher. in Jerusalem hat die
Polin ihren messias gefunden, doch der rennt einfach
nur davon.
Später trifft sie ihn tatsächlich wieder. der gebürtige
Russe lädt sie nach Hause ein: zwei männer sitzen auf
dem Sofa, im Schlafzimmer stehen doppelstockbetten.
Eine internatsstube, aber mit Balkon. im interview offenbart
sich ihr gastgeber als der nachfahre davids. Selbst
in seinem ausweis stünde, dass er der wiedergeborene
messias sei. Skepsis kommt nun auf beiden Seiten auf:
Ein offensichtlich geisteskranker realisiert, dass dieses
Filmteam ihn nicht so vorbehaltlos als den Erlöser anerkennen
will, wie er es erhofft. Wie zum Beweis präsentiert
der russische Christus Stigmata, die die Kamera ja
ohnehin nicht erfassen könne: auf dem Rücken, nicht an
den Händen oder Knöcheln, zeigt er einen kaum auszumachenden
Fleck. Kozyra begutachtet und betastet das
vermeintliche Wundmal. ihrem israelischen Begleiter ist
der zweifel förmlich ins gesicht geschrieben.
Spätestens in dieser Szene wird deutlich, dass Katarzyna
Kozyra nicht nur die aufnahmeleitung für „looking for
21

Katarzyna Kozyra: looking for Jesus (Filmstill), Foto Courtesy: Żak Branicka
Jesus“ übernimmt, nicht nur als suchende dokumentarin
auftritt. im Kontakt mit den restlichen Figuren des
Films wird sie selbst zu einer darstellerin, die stellvertretend
für den zuschauer in diese eigentümliche Welt
der Osterzeit eintaucht. Kozyra selbst steht im mittelpunkt
ihrer dokumentarischen Suche, die neben dieser
geschilderten Begegnung unter bisher dreien dieser art
auch andere Erfahrungen und momente im Jerusalem
des vergangenen Frühjahres einfängt. auch das muslimische,
jüdische und weitere christliche Stadtleben
werden zum thema, wenn Kozyra mohammed-anhänger
interviewt, zum islam konvertierte Pilger begleitet
oder einer orthodoxen Karfreitagsprozession in der grabeskirche
beiwohnt. die in diesem Vorschaufilm schon
eingebrachte harte Schnittweise vermengt die angehörigen
und Pilger all dieser Religionen und Konfessionen
so bunt untereinander, wie das religiöse leben in Jerusalem
pulsiert.
dadurch treten die vielen anonymen, aber auch einige
wenige herausgegriffene Figuren dieses Schauspiels als
darsteller einer Performance auf, die aus der stetig wiederholten
Folge liturgischer Rituale, strömender Pilgerscharen
sowie aus dem tränen- und Blitzlichtgewitter
ihrer teilnehmer besteht. diese massenphänomene, in
denen ein kollektiver, aber in seiner ausprägung vielfältiger
leib dem einen gott huldigt, in denen der Einzelne
verschwimmt und untergeht, werden aber auch durch
die anwesenheit und das Verhalten Katarzyna Kozyras
22
exemplifiziert, die nicht mehr nur als Beobachterin, sondern
selbst als teilnehmerin auftritt. Sie taucht in die
Prozessionen ein, fotografiert und schaudert ebenso,
ist aber – und nur darin offenbart sich ihre distanz zum
sie überrollenden geschehen – oftmals unsicher und
schüchtern. dann steht sie inmitten der Ostergemeinde,
traut sich aber nicht, einen dort ebenfalls anwesenden
Jesus anzusprechen. Stattdessen filmt sie aus dem
Hinterhalt (im Übrigen eine der wenigen auffallenden
unkommentierten Szenen), gibt vor, sich selbst aufzunehmen
und muss doch scheitern: Ein sanftes lächeln
entgleitet dem sorgsam beobachtenden Beobachteten,
dessen barmherziger Blick selbst durch Kamera und
Bildschirm hindurch den zuschauer trifft.
in diesen raren momenten, in denen das Persönliche
aus der masse heraussticht – sei es im interview, in der
Beobachtung oder im Verhalten und Kommentar der
Künstlerin –, ahnt man, dass in dieser Stadt zu dieser
zeit oder zumindest in diesem Film Rollen besetzt und
erfüllt werden, die alles andere als fest und beständig,
die fließend und manchmal auch willkürlich belegt
sind. der Jesus aus dem Wohnheim ist kein anderer als
der Jesus aus der Ostergemeinde oder der unter tränen
vom Kreuze genommene hölzerne Jesus, ebenso wie
sich der marokkanische Pilger nicht vom mohammed-
Scholaren oder dem Eseltreiber unterscheidet und auch
Clyde Benson, Joseph Cassel und leon gabor ein und
derselbe sind.
die ausstellung ist noch bis zum 20. april in der galerie
Żak Branicka zu sehen.
lindenstr. 35, 3. Stock, 10969 Berlin-Kreuzberg
di–Sa, 11–18h und nach Vereinbarung
Hier werden feste Rollenbegriffe immer wieder durchdekliniert
und ausprobiert, neu besetzt und erweitert,
sodass ein jeder Jesus und ein jeder Pilger ist. manche
können diese Rolle nur aus einem Wahn heraus besetzen,
andere folgen ihrer festen religiösen Überzeugung.
Eine solche Konvertibilität religiöser Rollen kennt man
bereits aus Christian Jankowskis „Casting Jesus“, auch
in anwandlungen aus der geschichte der neuzeitlichen
Stigmata, die entsprechend der lokal verbreiteten darstellungsgewohnheiten
des gekreuzigten oder auferstandenen
Jesus hier an den Händen und dort an den
Handgelenken auftreten.
die Erkenntnis hieraus ist, dass die kulturelle gestaltung
religiöser inhalte einem kollektiven Prozess unterworfen
ist, der sich in lokalen und zeitlichen nuancierungen
ausprägt. glaube und Wahnsinn sind in dieser Hinsicht
und auch für „looking for Jesus“ nachrangige dimensionen
einer sich stetig selbst reproduzierenden Kulturpraxis.
teilnahme und Beobachtung sind ebenfalls keine
grundlegenden determinanten für den Erfolg dieser
Kulturen, mithin sind sie gar nicht voneinander zu trennen,
wenn Kultur als Experiment konstruiert wird, sich
aber unversehens dieser Kontrolle entzieht. So bleibt
sowohl mit milton Rokeach als auch mit Katarzyna Kozyra
zu konstatieren, dass die Wirkkreise der beteiligten
akteure unmerklich, aber rasch verschwimmen. Wer ist
darsteller, und wer ist Beobachter einer Performance?
diese trennung ist hier nicht mehr möglich.
Online Auktion Nr. 9
Freitag, 21. Juni 2013
18:00 Uhr
JETZT ANMELDEN
auctionata.com/kunstwerke
Egon Schiele, Liegende Frau, 1916, WV. Kallir D. 1824b

Sammlergespräch mit marc Fiedler:
„Ein Blick, eine auseinandersetzung, ein gefühl“
Conversations with Collectors – marc Fiedler:
“a glance, an encounter, a feeling”
Text: Stefanie Raupach, Alexandra Panzert
Interview: Jan Kage
marc Fiedler ist inhaber der Werbe- und Kommunikationsagentur
gruppo del Café Palermo. nachdem er 2005
eine lichtkunst-Fassade am Potsdamer Platz initiiert
und in diesem Rahmen Künstler wie terry gilliam, Jonathan
monk, Carsten nicolai und fettFilm kennengelernt
hatte, gründete er 2007 den Berliner ausstellungsraum
Epicentro art, um dort zeitgenössische Kunst zu präsentieren.
Welches war die erste Arbeit, die dich so begeistert hat,
dass du sie erwerben wolltest?
meine erste arbeit stand ganz im Kontext meines Kommunikationsdesignstudiums
– dieses relativ brutalen
Handwerks des Werbens und Verkaufens. mit dem interesse
an Bildwelten, hübschen designs und Verpackungen,
diesen rein kommerziellen Formen von visueller
gestaltung lag der Sprung von der Werbung zu andy
Warhol für einen 18-Jährigen dann nahe. ich landete
durch mehrere zufälle in einer auktion in Wien, im dorotheum.
da gab es eine sehr schöne originalsignierte
druckgrafik von nam June Paik. da mir der name bekannt
vorkam und ich die arbeit toll fand, weil sie einen
Bezug zur medialen gesellschaft hatte, gab ich ein gebot
ab – und war plötzlich stolzer Besitzer einer arbeit
von nam June Paik. in diesem moment wurde ich zum
Sammler.
Ab wann gilt jemand als Sammler?
ich denke, die Bezeichnung trifft zu, wenn eine gewisse
nervosität eintritt, sobald man kein weiteres Werk erwirbt
– egal ob man Kunst, Eisenbahnen oder Briefmarken
sammelt. Wenn man etwas sieht und sagt: „das
möchte ich gerne haben“ und dann auch bereit ist,
zehn Jahre darauf zu sparen oder auf den lottogewinn
zu hoffen. das nächste Objekt, das ich erworben hatte,
war etwas, das andy Warhol zumindest in der Hand
gehalten hatte – eine ausgabe des Interview Magazine
von 1984. Es blieb nicht das einzige Werk in meiner
Sammlung, das Warhol betrifft. Hinzu kamen Warhol-
Porträts von Steve Schapiro aus dem Jahr 1976 und ein
Werk marc Séguins aus der Serie „Self-portraits with
Veuve Clicquot no. 7“. Séguin hat Warhol sehr filigran
24
Translation: Brian Poole
marc Fiedler is the proprietor of the advertising and
communications agency gruppo del Café Palermo. after
initiating a light-art façade at Potsdamer Platz in 2005,
which brought him into contact with terry gilliam, Jonathan
monk, Carsten nicolai, and fettFilm, in 2007 he
founded the exhibition room Epicentro art in Berlin in
order to present contemporary art there.
What was the first work that so inspired you that you
wanted to purchase it?
i came across the first work i bought while studying
communication design—that relatively brutal trade
of advertising and sales. With that interest in pictorial
worlds, attractive designs and packaging—those purely
commercial forms of visual design—the leap from advertising
to andy Warhol was to be expected from an
18 year old. through several coincidences i wound up at
an auction at the dorotheum auction house in Vienna.
Here there was a beautiful autographed print by nam
June Paik. Since the name sounded familiar to me, and
since i thought the work was wonderful because it bore
a relation to our media-saturated society, i put in a bid
and was suddenly the proud owner of a work by nam
June Paik. at that moment i became a collector.
When is someone to be considered a collector?
i think the term applies to those who sense a certain
nervousness as soon as they stop buying other works—
no matter whether they collect art, model trains, or
stamps. When you see something and say “i really want
to have that,” and when you are also prepared to save
up your money for ten years, or to hope for a lottery
win just to buy it. the next object i purchased was something
that andy Warhol had at least held in his hand:
an issue of interview magazine from 1984. as far as Warhol
is concerned, it did not remain the only work in my
collection. i later added the Warhol portraits by Steve
Schapiro from 1976 and a work by marc Séguin from the
series “Self-Portrait with Veuve Clicquot, no. 7”. Séguin
also made a richly detailed black and white portrait of
Warhol, and then he did indeed drink a bottle of champagne,
and thereafter he gave his face a good painter’s
workover.
in Schwarz-Weiß porträtiert, danach hat er tatsächlich
eine Flasche Champagner geleert und anschließend,
mit sehr malerischer geste, das gesicht bearbeitet.
Wie weckt man bei jungen, betuchten Leuten das Interesse
dafür, Kunst zu kaufen?
an einen Werber gestellt, ist das eine teuflische Frage.
der könnte sagen: Wenn man schon einen Ferrari in
der garage hat, ein toll eingerichtetes Haus, eine teure
uhr ..., dann wird es langsam schwierig, noch anzugeben.
Kultur und Kunst sind eben auch ein zeichen von
Status. Wenn man bedenkt, dass man oft gäste hat, die
das Bild über dem Esstisch bewundern, ist Kunst das
günstigste, was man sich kaufen kann, um anzugeben.
aber so ein Kaufverhalten sollte man der Kunst und den
Künstlern nicht antun.
Du sammelst nun seit über 20 Jahren.
meine Sammlung ist Spiegel meiner eigenen lebensgeschichte.
Wenn man arbeitet und Erfolg hat, möchte
man sein geld natürlich für schöne dinge ausgeben. ich
kaufe Kunst hauptsächlich für meine privaten Räume.
aber da der Platz dort begrenzt ist, verleihe ich auch gerne
an ausstellungen, Sammler, Freunde. zu Hause begrüßt
mich die Kunst morgens und abends, ich kann mit
Freunden darüber sprechen und diskutieren. das tut mir
sehr gut, und das ist auch das Wichtige. Ein direkter physischer
nutzen ist bei einem Kunstwerk natürlich nicht
gegeben. das ist ein Blick, eine auseinandersetzung, ein
gefühl.
Kaufst du nach einem bestimmten Konzept?
ich hatte das glück, in meiner zeit außerhalb des Werberberufs
viele fantastische Künstler kennenlernen zu
dürfen. Es gab viele nächte, die ich etwa in new York am
Schreibtisch mit einer ganzen gruppe von Künstlern bei
einer Flasche Wein verbracht habe. das leben hat mir
viele großartige Künstler im Freundeskreis beschert – ich
konnte und kann viel von ihnen lernen. außerdem habe
ich Kunst- und Kulturprojekte als Werber betreut und
gefördert und in den letzten neun Jahren viele messen
besucht. Es ist wie beim Essen oder beim Wein: Je mehr
man probiert, desto spezieller wird der geschmack. Es
gibt kein Konzept, es gibt nur Erfahrungswerte: 20 Jahre
Werbung machen, 20 Jahre reisen, lernen, zuhören
und sprechen, erfahren und leben. das kann man dann
deutlich in der Sammlung sehen. Es gibt dort auch Stimmungsschwankungen:
zwei, drei Jahre abstrakte malerei,
und dann hat man plötzlich Sehnsucht nach Porträt,
gesichtern oder Fotografie.
2010 wurde eine bewegende Ausstellung mit Arthur
Schmidt im Epicentro art und in der Gedenkstätte Hohenschönhausen
gezeigt.
arthur Schmidt war selbst ein Jahr lang Häftling in Hohenschönhausen,
der ehemaligen zentralen untersuchungshaftanstalt
des ministeriums für Staatssicherheit.
Wir hatten die idee, eine Verbindung zwischen
How do you awaken in young and wealthy people the
interest in buying art?
that’s a pretty tricky question to ask someone from advertising.
He might say that, if you already have a Ferrari
in the garage, an elegantly furnished house, an expensive
watch, ... then it starts getting difficult to acquire
something new to boast about. Culture and art are also
status symbols. if you consider the fact that you often
have guests who admire the picture above the dining
room table, art is just about the cheapest thing you can
buy in order to show off. But that’s not a manner of buying
art that you’d want to force upon the arts and the
artists.
You’ve been collecting art for more than twenty years.
my collection reflects my own biography. When you
work and have success, you actually want to spend your
money on beautiful things. i buy art primarily for my private
rooms. But since the space there is limited, i also
loan my works to exhibitions, collectors, and friends.
at home, i wake up with art in the morning and come
back to it at night; i can talk about it and discuss it with
friends. that’s good for me, and that’s also what’s important.
an artwork doesn’t have any immediate physical
use. it’s a glance, an encounter, a feeling.
Do you purchase art according to a certain strategy?
i had the good fortune of being able to get acquainted
with fantastic artists when i wasn’t working in advertising.
i spent many a night at my desk in new York City
with an entire group of artists and a bottle of wine. my
life has allowed me to develop a circle of friends with
many great artists in it, and i have learnt—and still
learn—a lot from them. moreover, as an advertising
agent i have also worked on and supported art and cultural
projects, and i’ve attended several art fairs over the
last nine years. it’s like food and wine: the more things
you try, the more particular your taste becomes. it’s not
a concept. it’s only the knowledge you acquire through
twenty years of working in advertising, and through
twenty years of travelling, learning, listening, speaking,
participating and living. and you can see this clearly in
the collection. there are also mood-shifts in it: two or
three years of abstract painting, and then you suddenly
sense a longing for portraits, faces, and photography.
In 2010 a very moving exhibition with Arthur Schmidt
was shown at the Epicentro art and at the site of the
Berlin-Hohenschönhausen Memorial.
arthur Schmidt had spent one year imprisoned in Hohenschönhausen,
the former central prison of the East
german ministry of State Security. We got the idea of
creating a connection between my former gallery on
Karl-marx-allee and Hohenschönhausen. Over the
course of the year, 2000 colour pencil and ink drawings
were created. We hung them up on Karl-marx-allee on
large posts. it looked like a huge forest that you could
walk through. the exhibition at Epicentro art actually
25

Kai Bornhöft im Februar/märz 2013 im Epicentro art Kai Bornhöft im Februar/märz 2013 im Epicentro art
meinen damaligen Räumen in der Karl-marx-allee und
Hohenschönhausen zu schaffen. in einem Jahr entstanden
2000 farbige Bleistift- und tuschezeichnungen. die
wurden in der Karl-marx-allee auf große Stangen gehängt.
Es sah aus wie ein riesiger Wald, durch den man
gehen konnte. die ausstellung im Epicentro art dauerte
im grunde nur zwei Stunden. nach den Reden bei der
Vernissage kam die aufforderung an die gäste, hinauszugehen.
arthur hat dann in einer Performance alle
2000 arbeiten abgeschnitten und nach Hohenschönhausen
„abtransportiert“, wo sie wieder aufgehängt
wurden. innerhalb der nächsten vier Wochen konnte
sich jeder Besucher auf den Weg in die gedenkstätte
machen und eine nummerierte und signierte arbeit
kostenlos mitnehmen. Parallel dazu hat arthur Schmidt
die Verhörräume in Hohenschönhausen mit Blei ausgelegt.
in das Blei hat er in wochenlanger arbeit Begriffe
und Codewörter, mit welchen sich die gefangenen verständigt
hatten, eingeätzt. mit dem Projekt wurde eine
symbolische Brücke zum thema des inhaftiertseins geschlagen.
Es war eine sehr politische ausstellung – sie
führte zu ernsten auseinandersetzungen innerhalb der
nachbarschaft.
26
lasted only two hours. after the speeches at the opening,
the guests were asked to go outside. then, in his
performance, arthur cut down the 2000 works from
where they were hanging and “transported” them to
Hohenschönhausen, where they were hung up again.
Over the next four weeks, the visitors who made their
way to the memorial were each allowed to take a numbered
and signed work with them for free. Parallel to
this activity, arthur Schmidt also carpeted the interiors
of the interrogation rooms in Hohenschönhausen with
lead. He then spent several weeks engraving the lead
with the symbols and code-words the prisoners used
to communicate with each other. the project was thus
symbolically linked to the subject of imprisonment. it
was a very political exhibition that created serious controversy
in the neighbourhood.
One of the focal points in your collection is abstract
painting. But you also collect a considerable amount of
photography. How did you develop this diversity?
things change according to your mood and whatever
you’re currently experiencing. For quite some time i
focused on abstract painting. i bought several canvas
Einer deiner Sammlungsschwerpunkte ist abstrakte
Malerei. Du sammelst aber auch viel Fotografie. Wie
kommt es zu dieser Vielfalt?
das ändert sich je nach Stimmungs- und Erlebnisphasen.
längere zeit war der Schwerpunkt abstrakte malerei,
ich kaufte viele leinwandarbeiten. Vor etwa einem
Jahr sind Fotografien dazugekommen. in der letzten
ausstellung habe ich Fotografien von Kai Bornhöft gezeigt.
mich faszinieren sein sehr sensibler Blick und sein
umgang mit der analogkamera und den abzügen. Kais
arbeit kann man auch als abstrakte Kunst bezeichnen.
Seine Fotografie erscheint entschleunigt, denn sie lässt
komplett offen, was man sieht oder was man davon
halten soll, wie man das empfinden kann. Er zeigt auch,
dass es nicht immer große Formate sein müssen, sondern
dass man vor allem erst mal fotografieren können
muss.
Herzlichen Dank für das Gespräch!
das Sammlergespräch mit marc Fiedler fand am 27. 2.
in der Bar tausend in Berlin statt. das gespräch führte
Radiomoderator, Kurator und autor Jan Kage.
works. a few years ago i added photography. and at the
latest exhibition i showed photos by Kai Bornhöft. His
highly sensitive eye for things and his way of working
with analogue cameras and printing just fascinate me.
One could also classify Kai’s works as abstract art. His
photography appears to be ‘decelerated’—leaving entirely
open the question of what you’re seeing, what you
should think of it, and what you’re supposed to feel. He
also demonstrates that you don’t always need to use
large formats; above all else, you first have to be able to
take good pictures.
Thank you for the conversation!
this conversation with the collector marc Fiedler took
place on the 27th of February at the Bar tausend in Berlin.
the conversation was conducted by the radio moderator,
curator, and author Jan Kage.
27

www.kremer-pigmente.de
Anything goes – Filme der 2000er
Piratenfilm, Western, Experimentalfilm: Wenn es eine tendenz im Filmschaffen
der ersten dekade dieses Jahrhunderts gab, lautet deren maxime
„anything goes“. Jürgen müller wählt die besten 120 Filme dieses zeitraums
aus – es gelingt ihm, seine Wahl in treffenden texten und analysen, die sowohl
gesellschaftliche als auch medientechnische aspekte einbeziehen, zu
begründen. Ob bei einer Vielfalt, mit deren Hilfe sich jeder Kinofreund seine
eigene nische suchen kann, ein kollektives Filmgedächtnis bald der Vergangenheit
angehört, bleibt offen. der Band eröffnet neue Perspektiven und erinnert
in Bezug auf das zeitgenössische Filmschaffen auch an die Offenheit des
Kanons: Wir sind also mittendrin.
Jürgen Müller (Hg.): Filme der 2000er. taschen Verlag, Köln 2012. dt., 864 S., zahlr. farb.
abb., Flexicover mit Klappen, 29,99 €. iSBn: 978-3836501965
Film und Kunst nach dem Kino
Wem gehört der Film? gehört er ins Kino, oder haben auch Fernsehen, internet
und der ausstellungsbetrieb zeitgenössischer Kunst einen anspruch auf
die bewegten Bilder? lars Henrik gass, langjähriger leiter der internationalen
Kurzfilmtage Oberhausen, polemisiert gegen die abwanderung des Kinofilms
in andere medien. treffend analysiert er die gegebenheiten einer Konsumgesellschaft,
auf denen diese Entwicklung basiert. gleichzeitig ist seine Streitschrift
ein Plädoyer für die zukunft und die Erhaltung der im 20. Jahrhundert
so bedeutenden Kulturtechnik des Kinobesuchs. Versinkt das Kino in der Bedeutungslosigkeit?
die diskussion kann beginnen.
Lars Henrik Gass: Film und Kunst nach dem Kino.
Philo Fine arts, Hamburg 2012. dt., 136 S., Hardcover, 10 €. iSBn: 978-3-86572-684-1
Partizipation an Kunst …
... spricht alle Sinne an. die ausstellung „Von Sinnen. Wahrnehmung in der
zeitgenössischen Kunst“ in der Kunsthalle Kiel widmete sich dem Erleben von
Kunst und lud ein, zu erfahren, wie eng einzelne Wahrnehmungsformen in
der Kunstrezeption miteinander verknüpft sind. 38 ausstellungsobjekte kontextualisierten
die verschiedenen Sinne: Hören, riechen, schmecken, fühlen,
sehen und weitere Sinndefinitionen wie der sechste Sinn standen dabei im
Fokus. im Katalog werden arbeiten der einzelnen Künstler und Künstlerinnen
wie Sonja alhäuser, Vadim Fishkin oder Erik Kessels den Sinnen thematisch
zugeordnet.
Anette Hüsch (Hg.): Von Sinnen. Wahrnehmung in der zeitgenössischen Kunst.
Kerber Verlag, Bielefeld 2012. dt., 112 S., 77 farb. abb., 22 €. iSBn: 978-3-937208-36-7
Schönheit und Geheimnis
Der deutsche Symbolismus
Die andere Moderne
Zwischen Natursehnsucht und Fortschrittsglauben, Tradition
und Moderne tritt der Symbolismus seit den 1870ern
als ein gesamteuropäisches Phänomen hervor.
Ausgehend von den Vorreitern Arnold Böcklin, Hans von
Marées und Anselm Feuerbach präsentiert das Buch mit
zahlreichen Werken die thematische Vielfalt des deutschen
Symbolismus und ermöglicht einen fesselnden Einblick in
eine faszinierende Epoche der Kunstgeschichte.
www.kerberverlag.com
Mit David Lynch unterwegs auf der Paris Photo
Jedes Jahr gibt der direktor der messe Paris Photo, Julien Frydman, einer anderen
bekannten Persönlichkeit die möglichkeit, Werke nach eigenem geschmack
hervorzuheben. im letzten Jahr wählte david lynch aus der großen
Vielfalt an Fotografien moderner Klassiker wie Henri Cartier-Bresson bis zu
neueren talenten wie Valérie Belin 99 Werke aus, indem er ihnen „gesehen
von david lynch“-Schilder anheftete, denen der Besucher durch das grand
Palais folgen konnte. Ob sich in seinem persönlichen Parcours das aus seinen
Filmen bekannte surreal verstörende universum spiegelt, ist eine Frage, der
der leser beim durchblättern des Buches nachgehen kann.
Julien Frydman (Hg.): Paris Photo by David Lynch.
Steidl, göttingen 2012. Engl., 208 S., Softcover, 20 €. iSBn: 13 978-3-8693-0616-2
Zwischen Paradies und Hölle
ulrich Seidls schonungsloser Blick auf das leben konfrontiert den zuschauer
mit einer großen Spanne an anregungen. Emotionen treten auf, so vielfältig
wie der gegensatz zwischen Paradies, das die drei Frauen in Seidls trilogie
verbissen suchen, und Hölle, in die der Betrachter seiner Filme direkt schaut.
die Wirkung seiner filmischen Bilder erprobt die Publikation mit Filmkader-
Vergrößerungen aus Seidls jüngsten Werken. Vier Essays tauchen tiefer in
Seidls universum ein. Spannend sind dabei vor allem die künstlerische Perspektive
marina abramovićs und die literarische von Elfriede Jelinek. Ein interview
mit dem Regisseur und eine Bildstrecke zum making-of der Filme liefern
darüber hinaus wichtige Hintergrundinformationen.
Claus Philipp, Astrid Wolfig (Hg.): Ulrich Seidl. Paradies. Liebe. Glaube. Hoffnung. Hatje
Cantz, Ostfildern 2013. dt./engl., 176 S., 78 abb., Hardcover, 35 €. iSBn: 978-3-7757-3559-9
Bewegte Bilder
die monografie dokumentiert die seit 1990 gemeinsam entwickelten künstlerischen
arbeiten von Henning lohner, Filmautor und Komponist, und dem
Kameramann Van Carlson. im mittelpunkt stehen die seit 2006 entstandenen
„active images“, die dem Rohmaterial der zahlreichen Filme des Künstlerduos
entstammen. diese Filmstills gewinnen erst in ihrer Einzelbetrachtung
an Bedeutung, während sie als Sequenz des eigentlichen Films keine tragen.
das Buch schenkt dem Filmstill jene aufmerksamkeit, die es nach lohner und
Carlson verdient hat und präsentiert die 49 „active images“ auf opulenten
doppelseiten.
Holger Hof (Hg): Lohner, Carlson, Silences, Active Images 1990–2012.
Verlag der Buchhandlung Walther König, Köln 2013. Engl., 224 S., 105 farb. abb., 29,80 €.
iSBn: 978-3-86560-218-3
24 x 28 cm, 304 Seiten,
261 Abbildungen,
Hardcover,
Halbleineneinband
Deutsch
isbn 978-3-86678-810-7
1 39,95

impressionen von der art Cologne 2012, Eingang Süd galerie: thomas zander, Halle 11.3, art Cologne 2012
Art Cologne 19.–22. April
47 Jahre internationaler Kunstmarkt in Köln: auch 2013
ist das gesamte Spektrum des 20. und 21. Jahrhunderts,
von der klassischen moderne bis zur gegenwartskunst,
am Rhein versammelt. 200 galerien aus 25 ländern präsentieren
auf der art Cologne ihr angebot.
Schon vor dem Betreten der messehallen erwartet die Besucher
eine gigantische Skulptur von Katharina grosse:
zwei übereinander gestapelte Styroporschollen, von der
Künstlerin mit einer Spraypistole in den für sie typischen
wild-leuchtenden Farbschichten bearbeitet, machen die
messe schon von außen zum Hingucker. Ein Rundgang
um die Skulptur offenbart unendliche möglichkeiten an
Betrachtungsperspektiven.
neben vielen alten Bekannten und üblichen Verdächtigen
sind in diesem Jahr unter den ausstellern folgende
neuzugänge zu beobachten: marlborough Contemporary
(london), Helga de alvear (madrid), giò marconi (mailand)
und Paul andriesse (amsterdam). andriesse zeigt
Werke von Charlotte dumas, marijn van Kreij und Rory
Pilgrim. Peres Projects aus Berlin sind mit dash Snow,
david Ostrowski und James Franco vertreten, Habana
(Havanna) mit Carlos garaicoa, los Carpinteros und
Ricardo Brey. Ebenfalls zum ersten mal dabei sind axel
Vervoordt (antwerpen) und david nolan (new York).
Wie in den letzten Jahren gehören auch 2013 wieder thaddaeus
Ropac (Paris/Salzburg), david zwirner (new York/
london), Hauser & Wirth (zürich/london/new York),
Karsten greve (Köln/Paris/St. moritz), michael Werner
(Köln/new York), annely Juda Fine art (london), Sprüth
magers (Berlin/london), daniel Buchholz (Berlin/Köln),
gisela Capitain (Köln), dirimart (istanbul), Christian
nagel (Berlin/antwerpen), EigEn + aRt (Berlin/leipzig),
guido W. Baudach, martin Klosterfelde und neu (alle
Berlin) zu den ausstellenden galerien.
zum ersten mal seit Jahren werden im Rahmen der messe
wieder Werke aus einer privaten Sammlung gezeigt. die
Julia Stoschek Collection präsentiert in der Sonderausstellung
„das Bildermuseum brennt“ Videoarbeiten, installationen
und Fotografien, die den Schwerpunkt in der
Kunstsammlung der düsseldorferin bilden. die eigens
für die art Cologne konzipierte ausstellung setzt sich
mit der Frage der Verfügbarkeit und der Rezeption von
Kunst auseinander.
Wie in den vergangenen Jahren fördert die art Cologne
junge Künstler und galeristen. im Rahmen des Bereichs
„new Contemporaries“ werden junge, engagierte galerien
eingeladen, um ihnen die möglichkeit zu bieten,
sich auf dem internationalen Kunstmarkt zu präsentieren.
„new Positions“ ist ein Förderprogramm für aufstrebende
Künstler, und mit der nada Cologne dürfen auch
dieses Jahr wieder junge amerikanische Kunsthändler
ein von der Hauptmesse unabhängiges Präsentationsforum
nutzen.
messeplatz 1, 50679 Köln, www.artcologne.de
nuri Bilge Ceylan: Curved Street in winter
Steve mcQueen: Bear, 1993, Videostill
Courtesy: Steve mcQueen / marian goodman gallery, new York/Paris
and thomas dane gallery, london, © Steve mcQueen
Videoinitiative graz, Kinderspielplatz, lehen, 1980
Es war einmal in … Fotografien von Nuri Bilge Ceylan
nuri Bilge Ceylan ist als Regisseur der Filme „uzak –
Weit“ (2002) oder „Es war einmal in istanbul“ (2012) bekannt.
Seine Fotografien entstanden zwar z. t. auf der
Suche nach drehorten, gelten aber als eigenständiger
Werkkomplex. die Fotografien, die zwischen 2003 und
2009 entstanden und in einem extremen Cinemascope-
Format aufgenommen wurden, zeigen Szenen aus der
Provinz der türkei, der Heimat des Regisseurs. den mittelpunkt
bildet der mensch in der ihn prägenden landschaft.
dabei fixiert Ceylan kein spezielles motiv: Seine
Bilder gleichen eher Erzählungen, wobei die melancholischen
aufnahmen eine im Verschwinden begriffene
Welt zeigen.
Kunsthaus im KunstKulturQuartier
Königstr. 93, 90402 nürnberg, bis 5.5., di–So 10–18h, mi bis 20h
www.kunstkulturquartier.de/kunsthaus
Steve McQueen
mit kleinen Film- und Videoinstallationen begann Steve
mcQueen seinen künstlerischen Schaffensprozess,
der bis heute anhält und vielfältiger denn je ist. neben
Fotoarbeiten gehören zu seinem Œuvre seit 2008 auch
Kinofilme wie „Hunger“. zum ersten mal wird eine umfassende
ausstellung seines bisherigen Schaffens im
Schaulager präsentiert. dabei sind nicht nur Video- und
Filminstallationen zu sehen, sondern auch eigens für
die ausstellung geschaffene neue arbeiten. durch eine
neue Präsentationsform, die „Kinostadt“, die sowohl innen-
als auch außenräume mit besonderer lichtatmosphäre
bespielt, werden die einzelnen filmischen Bilder
in Beziehung zueinander gesetzt, sodass neue Sichtweisen
entstehen.
Schaulager, Ruchfeldstr. 19, 4142 münchenstein/Basel, bis 1.9.,
di–Fr 14–20h, do bis 22h, Sa/So 12–18h, www.schaulager.org
Kunsthaus Graz – Steirische Filmpositionen
mit einem Einblick in die steirische Kunstlandschaft
vollzieht das Kunsthaus den letzten Positionswechsel
innerhalb der ausstellung medien.kunst.sammeln. Erneut
wird der austausch zwischen einer arrivierten und
einer jungen Position der medienkunst ermöglicht. zu
sehen sind Filme, die im zusammenhang mit der 1975
gegründeten Videoinitiative graz entstanden, als Bürger
aufgefordert wurden, ihr soziales umfeld mit der Kamera
zu dokumentieren. Während diese arbeit auf die sozialen
dimensionen der menschlichen umwelt abzielt,
nimmt lukas marxt das Schauspiel der unberührten
natur in den Fokus seiner Kamera. als Ergebnis seiner
Reisen zu menschenleeren Orten entstehen erstaunliche
Eindrücke.
Kunsthaus Graz, lendkai 1, 8020 graz
bis 28.4., di–So 10–17h, www.museum-joanneum.at
31

32
das numen Sonor
Bas Jan ader (1942–1975): Fall 2, amsterdam 1970 (dokumentation)
© mary Sue ader andersen/Bas Jan ader
Estate at the Patrick Painter gallery
Das Numen Sonor
die neueste installation des Künstlerkollektivs das numen
nutzt die besondere architektur des Schinkelpavillons
im wahrsten Sinne des Wortes auf eindringliche
Weise. Sieben Seismografen messen im Berliner Stadtraum
die tatsächlich vorhandene untergrundvibration.
lautsprecher übertragen das Signal in verschiedenen
Bassfrequenzen auf die sieben Fensterfronten des Pavillons
und machen die unterschiedlichen aktivitäten
der Stadtteile durch wechselnde lautstärke nachvollziehbar.
durch die unmittelbare Resonanz wird der
oktogonale Pavillon so zum Observatorium und zum
Klangkörper. das numen verwandelt den ausstellungsraum
durch die bekannte Verschmelzung von Kunst und
Wissenschaft in einen ästhetischen Erfahrungsraum,
der das leben der Stadt auf fast mystische Weise bündelt
und neu erfahrbar macht.
Schinkel Pavillon
Oberwallstr. 1, 10117 Berlin-mitte
bis 14.4., do–So 12–18h
www.schinkelpavillon.de
Besser scheitern
„Wieder versuchen / Wieder scheitern / Besser scheitern“
schrieb Samuel Beckett und sprach damit ein tabuwort
der heutigen moderne aus: Scheitern. Erfolg,
Karriere, gewinnmaximierung – da ist für Scheitern
kein Platz. doch ist das Scheitern nur negativ konnotiert,
oder kann dadurch auch etwas neues entstehen?
die Hamburger Kunsthalle thematisiert, von Becketts
Spruch ausgehend, in der aktuellen ausstellung mithilfe
bewegter Bilder die verschiedenen aspekte des
Scheiterns. 20 Video- und Filmarbeiten internationaler
Künstler und Künstlerinnen wie marina abramović oder
Steve mcQueen behandeln auf unterschiedlichste art
und Weise das komplexe Phänomen Scheitern.
Hamburger Kunsthalle
glockengießerwall, 20095 Hamburg
bis 11.8., di–So 10–18h, do bis 21h
www.hamburger-kunsthalle.de
anselm Kiefer: der Rhein, 2013, Holzschnitt (detail)
© anselm Kiefer
thomas lüer: Reinraum ii (Videostill), 2006, dV-Pal, Videoloop, 10 min.
© thomas lüer, Frankfurt am main
Anselm Kiefer. Der Rhein.
aus einem Brief von anselm Kiefer an Henri loyrette:
„der Rhein ... Wandernd durch eine allee von hohen
Bäumen sah man schon von Weitem das silbern schimmernde
Band des Flusses, das zugleich ziel, Ende der
Wanderschaft und Verheißung auf ein geheimnisvolles
land am anderen ufer des Flusses war. der deutsche
Strom war gegenstand so vieler gedichte und lieder:
das Rheingold der nibelungen, die Rheintöchter ‚Woglinde,
Floßhilde, Wellgunde‘, da ist das gedicht von
Brentano ‚die loreley‘, die Sage von dem zauberhaft
schönen mädchen. außerdem die schöne Rheinhymne
Hölderlins, bei der er griechenland quasi an den Rhein
versetzt, und ‚das versunkene Schloss‘ von Schlegel.
diese verschiedenen Schichten eines mehrstimmigen,
oft gegensätzlichen gesanges versuchte ich nun in Holz
zu schneiden. das widerspenstige material Holz und
das einfache Schwarz-Weiß scheinen im gegensatz zu
stehen zur Eigenart des Flusses, diesem Schillernden, in
tausend Farben Oszillierenden.“
Galerie Bastian
am Kupfergraben 10, 10117 Berlin-mitte
Opening: 12.4., 18–20h, 13.4.–14.9., do/Fr 11–17.30h, Sa 11–16h
Thomas Lüer – Flow
mit subtiler Präzision macht thomas lüer in seinem
Werk Phänomene sichtbar, die ansonsten oft verborgen
bleiben. zugleich werden durch seine Pars-pro-toto-
Strategie komplexe soziologische, wissenschaftstheoretische
oder semiotische Fragestellungen deutlich.
der Künstler inszeniert seine arbeiten für jeden ausstellungsort
neu: in den galerieräumen werden zwei Videostudien
vollflächig an die Wände projiziert. Während
die fast hypnotische, repetitive audiovisuelle Struktur
von „Flow“ eine wissenschaftliche Versuchsanordnung
suggeriert, reflektiert lüer in „Reinraum 2“ anhand erstaunlicher
Eindrücke aus dem Vakuuminneren eines
teilchenbeschleunigers die macht kultureller und medialer
Bilder und die Sichtbarmachung des nichts mit den
mitteln der technologie.
MORGEN CONTEMPORARY
ackerstr. 162, 10115 Berlin-mitte
bis 20.4., di–Sa 12–18h
www.morgen-contemporary.com
33

34
Klaus Vogelgesang: arbeit aus der Serie „schmutzige aquarelle“, 2012
© Klaus Vogelgesang
giovanni maranghi: tu che mi chiami amore, 2013
mischtechnik auf leinwand, 120 x 110 cm
Franziska Klotz: ohne titel, 2012, Öl auf leinwand, 170 x 155 cm
Courtesy: galerie Kornfeld, Berlin
Schmutzige Aquarelle – neue Arbeiten
Klaus Vogelgesang war in Berlin zuletzt 1991 mit einem
großen teil seiner Werke im martin-gropius-Bau zu
sehen. Er wurde in den 70er-Jahren durch seine zum
teil großformatigen Stiftzeichnungen als Vertreter des
sogenannten Berliner Kritischen Realismus bekannt.
caspers galerie präsentiert aktuell seine arbeiten der
letzten Jahre und zeigt hauptsächlich kleinformatige
zeichnungen aus den Serien „überarbeitete geschäftsbriefumschläge“,
„Postkarten“ und „schmutzige aquarelle“
sowie drei großformatige arbeiten, mit acryl- und
Kreidefarben auf Karton hergestellt.
caspers Galerie für zeitgenössische Kunst
Keithstr. 5, 10787 Berlin-Charlottenburg
bis 27.4., Finissage 28.4., 11–18h, mi–Fr 14–19h, Sa 11–16h and by
appt., www.caspersberlin.de
Belle Donne – Giovanni Maranghi
giovanni maranghi (*1955 in Florenz) malt Frauen wie
kein anderer. die porträtierten Frauen von maranghi
sind sinnlich und bezaubernd. Es sind Schauspielerinnen
aus dem großen drama bzw. der Komödie des lebens,
ihre Rollen sind nie gleich. Er hält die metaphern,
die ihre träume, Wünsche und gefühle versinnbildlichen,
sehr lebendig. maranghi arbeitet mit verschiedenen
techniken wie der Öl-, tropf- oder Enkaustik-malerei
und der Collage. Oftmals sind aufschlussreiche Schriftstücke,
landkarten oder Briefe im Bildhintergrund zu
finden. die Eröffnung wird von maranghi begleitet.
de freo gallery
auguststr. 85, 10117 Berlin-mitte
Opening: 26.4., 18–22h, 27.4.–25.5., di–Fr 13.30–18h,
Sa 12.30–17.30h, Sa/So 27.4./28.4., 11–19h and by appt.
0151 - 55 37 25 30, www.defreogallery.com
Franziska Klotz
Eigene oder gefundene Fotografien und Bilder dienen
Franziska Klotz (*1979 in dresden) als anregung für ihre
gegenständlichen Kompositionen. in den gemälden
der Künstlerin kommt der materialität der Farbe eine
tragende Rolle zu. Bereiche, in denen die pastos aufgetragene
Farbmasse beinahe skulpturale Qualitäten
aufweist, stehen neben lasierend-fließenden Partien.
das unfertige, Vorläufige ist bei Franziska Klotz teil des
Bildes, und so stehen detailliert ausgearbeitete Bereiche
neben skizzenhaften Partien.
Galerie Kornfeld
Fasanenstr. 26, 10719 Berlin-Charlottenburg
Opening: 13.4., 18–21h, 14.4.–18.5., di–Sa 11–18h
www.galeriekornfeld.com
leiko ikemura: Face [Frida], 2008, aquarell auf Papier, 56,4 x 38 cm
im Besitz der Künstlerin, Foto: Jörg von Bruchhausen
Emil nolde: abendmahl, 1909, Öl auf leinwand
86 x 107 cm, SmK Statens museum for Kunst, © nolde Stiftung Seebüll
© SmK Foto, Foto: KmS, Kopenhagen
Emil nolde: Blumengarten mit Figuren, 1908, Öl auf leinwand, 79 x 60 cm
Privatbesitz, Courtesy: galerie neher
© nolde Stiftung Seebüll, Foto: Jens u. nober, museum Folkwang
Leiko Ikemura – i-migration
geisterhafte Porträts, schemenhafte landschaften und
Skulpturen begegnen dem Besucher der Kunsthalle
Karlsruhe in diesen monaten. die Werke der japanischschweizerischen
Künstlerin leiko ikemura scheinen
aus einer anderen Sphäre zu stammen. Seit mitte der
1990er-Jahre beschäftigt sich ikemura mit anonymen
Figuren und amorphen naturbildern, bei deren Entstehung
ihre intuition eine wichtige Rolle spielt: „augen
sind fragwürdige Organe, die unbemerkt sich der Welt
verschließen ...“, so die Künstlerin. in diesem Sinne entstehen
durch das Schließen der augen und durch abschottung
von der Reizüberflutung durch die Bilder des
alltags innere Bilder. die von Pia müller-tamm kuratierte
ausstellung zeigt 140 arbeiten des jüngeren, von zeitgeschichtlichen
Ereignissen inspirierten Werkes.
Staatliche Kunsthalle Karlsruhe
Hans-thoma-Str. 2–6, 76133 Karlsruhe
bis 16.6., di–So 10–18h, www.kunsthalle-karlsruhe.de
Emil Nolde: Farben heiß und heilig
100 Jahre Moderne in der Moritzburg
Emil nolde provozierte einst mit einer neuen, radikalen
Bildsprache die deutsche Kunstszene des frühen 20.
Jahr hunderts. So auch 1913 in Halle, als sein religiöses
gemälde „abendmahl“ (1909) für das museum angekauft
wurde und einen Skandal auslöste, der die moritzburg
als Wegbereiter der moderne und Emil nolde
als Erneuerer der Kunst berühmt machte. 2013 ist der
ankauf 100 Jahre her. aus diesem anlass werden drei
von noldes großen themen beleuchtet: die frühen gartenbilder,
in denen der Künstler Blumen von explosiver
Farbigkeit ins Bild holt, die frühen religiösen gemälde,
in denen er Szenen und legenden der Bibel eigenwillig
und fantasievoll deutet, sowie Werke, die auf seiner Reise
durch Sibirien in die Südsee entstanden.
Stiftung Moritzburg (Nordflügel)
Friedemann-Bach-Platz 5, 06108 Halle (Saale)
Opening: 20.4., 17h, 21.4.–28.7., di–So 10–18h
www.kunstmuseum-moritzburg.de
35

36
© gunda Förster, Foto: Jens liebchen/dBt
ingo gerken: Panasonic, 2012, C-Print
Stefan Koppelkamm: Brasserie georges – 30, cours de Verdun – lyon, 2009
Fotografie, 96 x 124 cm, tonaufnahme: 7.12.2009, 21h
© Stefan Koppelkamm
François Morellet figuratif – Gunda Förster konkret
im Kunst-Raum des deutschen Bundestages
François Morellet – Wandelbare Wand
im mauer-mahnmal des deutschen Bundestages
Weiße neonröhren und farbige glaskugeln lassen den
Kunst-Raum erstrahlen und stellen ironisch den mythos
vom Künstler infrage – ebenso wie die „Wandelbare
Wand“ im mauer-mahnmal, deren bewegliche Elemente
wechselnde geometrische Bilder gestalten.
Kunst-Raum und Mauer-Mahnmal des Deutschen Bundestages
marie-Elisabeth-lüders-Haus, Schiffbauerdamm
bis 5.5., Eintritt frei
Kunst-Raum: di–So 11–17h
mauer-mahnmal: di–So 11–17h
www.kunst-im-bundestag.de, www.mauer-mahnmal.de
Ingo Gerken – Morgen ist auch noch ein Tag
ingo gerken verschiebt räumliche Situationen, Begrifflichkeiten
und zusammenhänge mit minimalsten
mitteln. dabei treffen sich die Referenzsysteme aus
alltäglichkeit und Kunstgeschichte auf der feinen linie
des laissez-faire. dort wird das maß der dinge neu verhandelt,
Form, inhalt und nuance werden gegenseitig
ausgespielt. mit leichter Hand und warmem Witz entstehen
skulpturale momente, Fotografien und Collagen,
die das eher unscheinbare feiern und das Offensichtliche
in eine andere Richtung zwingen.
Galerie | Kunsthaus Erfurt
michaelisstr. 34, 99084 Erfurt
Opening: 12.4., 20h, 16.4.–24.5., di–Fr 12–18h
www.kunsthaus-erfurt.de
Essen, Trinken, Reden. Bilder, Stimmen und Geräusche
Wer ein Restaurant oder eine Bar betritt, taucht in eine
eigene Welt ein: Stimmen, Hintergrundmusik und das
Klappern von tellern und Besteck bilden eine akustische
Kulisse. Stefan Koppelkamm kombiniert in seiner
ausstellung Fotografien mit Originaltönen. Beim Betrachten
entsteht durch das Hören der Stimmen und
geräusche eine fast illusionistische Vorstellung von
der atmosphäre eines Ortes. mit der Veröffentlichung
seines Buches „Ortszeit local time“ (2006) hat der designer
und Fotograf seinen Schwerpunkt in den Bereich
der künstlerischen Fotografie verlagert.
Stiftung Schloss Neuhardenberg, Schinkelplatz,
15320 neuhardenberg, ausstellungshalle Kavaliershaus Ost
Opening: 7.4., 12h, 9.4.–9.6., di–So u. Feiertage 11–19h
Eintritt: 8 €, ermäßigt 4,50 €, www.schlossneuhardenberg.de
Wang Huangsheng in seinem atelier, 2012, Foto: zou Shengwu, Beijing
Courtesy: Wang Huangsheng und WiE KultuR, Berlin
Wolfgang Ellenrieder: Bidonville, 2013, verschiedene materialien
300 x 400 x 110 cm, © Wolfgang Ellenrieder
Fabian Knecht/andreas greiner: Entladung, 2012/2013
Fotografie von intervention
Wang Huangsheng – los·ge·löst
Wang Huangsheng hat seine eigene idee vom Wesentlichen:
das ist die natur. darauf gründet sich die künstlerische
umsetzung in seinen malereien im Stile der
chinesischen tradition. deutlich wird dies in der Serie
„losgelöst⏐Erscheinung“. das motiv entdeckte er in
Kabeln, die ihn inspirierten. Seine ununterbrochenen
feinen linien sind eine Verneigung vor der traditionellen
malerei. die Serie entstand zwar vor dem Hintergrund
chinesischer Philosophie, doch Wang Huangshengs anliegen
geht weiter: Er will die tuschmalerei internationalisieren
und im chinesischen Kontext erneuern, ohne
sich nur der west lichen Sprache zu bedienen.
WiE am WASSER powered by WiE KULTUR
invalidenstr. 50/51, 10557 Berlin-tiergarten
bis 20.4., di–Sa 11–19h, www.wiekultur.de
Wolfgang Ellenrieder – Hybrid
in zusammenarbeit mit der Hochschule für Bildende
Künste Braunschweig werden aktuelle arbeiten von
Wolfgang Ellenrieder (*1959 in münchen) präsentiert.
die Werke dieses Künstlers stehen in einzigartigem
dialog zwischen dem historischen ausstellungsort im
Schloss Wolfsburg und der White-Cube-architektur der
galerie der Hochschule in Braunschweig und behandeln
die Frage nach der durch die rasante Entwicklung
digitaler medien hervorgerufenen „Verdopplung der
Welt“. der Künstler stellt dabei sowohl unsere tradierten
Wahrnehmungsmuster wie auch unsere subjektiven
Vorstellungen einer realen dingwelt infrage.
Städtische Galerie Wolfsburg
Schlossstr. 8, 38448 Wolfsburg
Opening: 9.4., 18h, 10.4.–4.8., di 13–20h, mi–Fr 10–17h, Sa
13–18h, So 11–18h , www.staedtische-galerie-wolfsburg.de
interferenz_en 013 – Eine Ausstellung mit KünstlerInnen
der Klasse Olafur Eliasson, Institut für Raumexperimente,
Universität der Künste, Berlin
der Begriff „interferenzen“ definiert „Überlagerungserscheinungen
beim zusammentreffen von Wellen“.
in der ausstellung treffen künstlerische arbeiten aufeinander,
die in den medien Film, Fotografie, zeichnung
und installation verortet sind. interferenzen – zwischen
den einzelnen Werken, aber auch zwischen den ausgestellten
arbeiten und dem Betrachter – spielen hier eine
zentrale Rolle, angefangen von der künstlerischen Bildproduktion
bis hin zur Rezeption der künstlerischen arbeit.
Frei nach dem motto: „Was nicht zu sehen ist, kann
dennoch wahrgenommen werden.“ die ausstellung
wurde kuratiert von marisa maza.
EnBW Showroom Berlin, Schiffbauerdamm 1, 10117 Berlin-mitte
bis 31.5., mo–Fr 11–19h, Sa 11–16h, Eintritt frei, www.enbw.com
37

38
georg netzband: der Sieger, mai 1939, Öl auf leinwand, 59,9 x 68,8 cm
Sammlung gerhard Schneider, Olpe, Foto: Fotoatelier Sasch Fuis, Köln
© Vg-Bildkunst, Bonn 2013
gábor a. nagy: are You mine, 2012, acryl auf leinwand, 100 x 140 cm
„Daumier ist ungeheuer!“
die Stiftung Brandenburger Tor widmet sich in einer umfangreichen
ausstellung dem lebenswerk des französischen
Künstlers Honoré daumier (1808–1879). Erstmalig
werden in deutschland über Hundert selten gezeigte
arbeiten des vielseitigen Künstlers ausgestellt. max
liebermann verehrte daumier als den „größten Künstler
des 19. Jahrhunderts“ und war ein leidenschaftlicher
Sammler seiner Werke. Er fand ihn „ungeheuer“. die
leihgaben für die Sonderschau im max–liebermann-
Haus wurden von zahlreichen europäischen und amerikanischen
museen sowie Privatsammlern zur Verfügung
gestellt.
Stiftung Brandenburger Tor, Pariser Platz 7, 10117 Berlin-mitte
02.03.–02.06.; mo, mi, do, Fr 10–18h, Sa, So 11–18h
www.brandenburgertor.de
verfemt, verfolgt – vergessen?
mit der nS-aktion „entartete Kunst“ wurden Künstler
ausgegrenzt, verfolgt, teilweise in Kz deportiert und
eine ganze Reihe von ihnen, vor allem Juden und politisch
kritische gegner, ermordet. die ausstellung mit
Werken aus der Sammlung gerhard Schneider entreißt
diese menschen dem Vergessen und rekonstruiert den
Facettenreichtum ihres bildnerischen Schaffens vor
dem Hintergrund der politischen Ereignisse. das Berliner
themenjahr 2013 ist eine initiative des landes Berlin,
in Koordination durch die landeseigene gesellschaft
Kulturprojekte Berlin und in Kooperation mit der Humboldt-universität
zu Berlin. Weitere infos unter kulturprojekte-berlin.de.
Ephraim-Palais | Stadtmuseum Berlin
Poststr. 16, 10178 Berlin-mitte, bis 28.7., di, do–So 10–18h
mi 12–20h, Eintritt: 5 €, erm. 3 €, www.stadtmuseum.de
Gábor A. Nagy – Are You Mine
die Frage, die uns gábor a. nagy (*1972) mit seinem gemälde
und der gleichnamigen Solo-ausstellung stellt,
zieht den Betrachter sofort hinein in seine chiffrenartige
Figuration. Einer schwarzen tabula rasa gleich, werden
wir durch die immer klarer vor unserem inneren auge
entstehenden motive langsam, aber unwiderruflich mit
ins Bild einprogrammiert. Kuratiert von nicole v. Vietinghoff-Scheel.
Café des Artistes, Gallery/Restaurant
Fuggerstr. 35, 10777 Berlin-Schöneberg
bis 25.5., Restaurant: tgl. 12–24h
030 - 23 63 52 49, www.artistico-berlin.de
martin Scorsese und Robert de niro bei den dreharbeiten zu „taxi driver“,
uSa 1976, Foto: martin Scorsese Collection, new York
Rebecca ann tess: Home time Show time, 2012, Hd-Videoprojektion, 16:9,
Color, 15 min., deutsch mit englischen untertiteln
Rebecca ann tess ist teilnehmerin des Festivals KinO dER KunSt, vlg. S. 6ff
magnificent Obsession – the love affair Between movies and literature,
2011 – 2012, 4-Kanal-Videoinstallation, 12.42 min., leihgabe Kunsthaus
zürich, Courtesy: nolan Judin, Berlin
Martin Scorsese
Er ist in jedem genre zu Hause: Ob drama, musikfilm,
Psychothriller oder dokumentation – martin Scorseses
über 45-jähriges Filmschaffen zeichnet sich durch eine
immense Vielfältigkeit aus. Für die deutsche Kinemathek
hat er nun sein archiv geöffnet. der zentrale
Schauplatz vieler seiner Filme – new York – wird mit
Film figuren und drehorten vorgestellt; eine auswahl
an historischen Filmplakaten aus Scorseses eigener
Sammlung unterstreicht seine Position als Kenner der
Filmgeschichte. Werkfotos und Storyboards illustrieren
die Film-Ästhetik und Kompositionseigenheiten des Regisseurs,
der durch seine künstlerische Erzählweise das
moderne amerikanische Kino wesentlich geprägt hat.
Deutsche Kinemathek – Museum für Film und Fernsehen
Potsdamer Str. 2, 10785 Berlin-tiergarten, bis. 12.5.,
di–So 10–18h, do bis 20h, www.deutsche-kinemathek.de
Rebecca Ann Tess – Home Time Show Time
der letzte teil der Film- und Fernsehtrilogie von tess
wirft einen kritischen Blick auf die Beziehung zwischen
Konsument und medien. die Handlungsorte des Films
wechseln zwischen dem Schauplatz eines Fernsehabends
im Freundeskreis und dem Studio einer tV-Show,
wobei die Handlungsorte als unterschiedliche Kulissen
desselben Raums entlarvt werden. Vier Schauspieler
wechseln zwischen der zuschauer- und der moderatorenrolle,
zwischen medienkritischen und -affirmativen
gesprächen. mit ihrem modellhaften Fernsehkosmos
zeigt tess, dass in der heutigen medienlandschaft Kritik
und Repression zwei Seiten einer medaille sind und Subversion
nur schwer möglich ist.
Figge von Rosen Galerie Berlin
Potsdamer Str. 98, 10785 Berlin-tiergarten
bis 20.4., di–Fr 11–18h, Sa 12–17h, www.figgevonrosen.com
Matthias Brunner – Magnificent Obsession
Brunner lenkt den Blick auf die vielschichtige Beziehung
zwischen Kino und literatur. 36 meisterwerke aus der
europäischen und amerikanischen Filmgeschichte der
1950er- und 60er-Jahre werden in verschiedenen szenischen
Konstellationen auf vier leinwände projiziert.
unterschiedliche literaturadaptionen in Hollywood-
Kassenschlagern und in Werken der nouvelle Vague
bilden die Basis des Werks. Brunner zeigt Szenen, die,
ausgehend von Handlungen wie dem Schreiben oder
lesen, möglichst viele aspekte rund um das thema
Buch im Film ansprechen. als Kompilation bietet die
arbeit darüber hinaus einen offenen und assoziativen
zugang zum thema, da sie den vielfältigen austausch
zwischen Bild und ton, inhalt und Form ermöglicht.
Galerie Nolan Judin, Potsdamer Str. 83, 10785 Berlin-tiergarten
bis 6.4., di–Sa 11–18h and by appt., www.nolan-judin.de
39

40
Frank darius: Hopfen i, 2011, 70 x 82 cm
© Frank darius
lutz dransfeld: die Reise, 2011, Bleistift,
Kohle auf leinwand, 24 x 18 cm
dwight mackintosh: o. t., 1993
Wachs und tinte auf Papier, 56 x 76 cm
martijn Schuppers: #0905, 2009
100 x 90 cm, alkyd, Öl und Polyurhetane
auf Polyester, Courtesy: VOuS EtES iCi
Oleg lang: imperator, 2011
acryl auf leinwand, 150 x 130 cm
Courtesy: galerie pop/off/art moskau-Berlin
Frank Darius – Das Paradies ist hier
Frank darius präsentiert Bilder der leere, in denen die natur auf minimale Spuren
reduziert ist: Er geht das Wagnis ein, seinen Beitrag zur Wiederverzauberung
der Welt in Bildern von unverbrüchlicher Schönheit zu leisten. Er zeigt auf,
dass sich das Paradies im innersten eines jeden von uns findet, versteckt unter
vielen Schichten der Wahrnehmung.
Alfred Ehrhardt Stiftung
auguststr. 75, 10117 Berlin-mitte
bis 17.5., di–So 11–18h, do 11–21h, www.alfred-ehrhardt-stiftung.de
Lutz Dransfeld hinterfragt unsere Wahrnehmung
die arbeiten von lutz dransfeld bewegen sich im Spannungsfeld zwischen
malerei, zeichnung und installation. Er trennt gegensätze und verbindet diese
zugleich, lotet zusammenhänge zwischen unterschiedlichen Realitätsdarstellungen
und Vorstellungen aus, oft nur durch vage assoziationsebenen wahrnehmbar.
dabei legt er verborgene Schichten und Strukturen frei, die sich ausschließen
und gleichzeitig verbinden.
Galerie Ei
Senefelderstr. 31, 10437 Berlin-Prenzlauer Berg
Opening: 10.4., 19h, 11.4.–18.5., mi–Fr 15–19h, Sa 12–16h, www.galerie-ei.de
CREATIVE GROWTH – Outsider Art aus einem amerikanischen Atelier
in zusammenarbeit mit Creative growth Europe, Paris, wird eine auswahl von
Künstlern der amerikanischen Organisation Creative growth präsentiert. gezeigt
werden u. a. arbeiten von dwight mackintosh, einem der bedeutendsten
Künstler der Outsider art. Für ihn charakteristisch sind frei gezeichnete, doch
streng komponierte männliche Figuren von außergewöhnlicher transparenz.
Galerie ART CRU Berlin (Outsider Art)
im Kunsthof, Oranienburger Str. 27, 10117 Berlin-mitte
Opening: 4.4., 19h, 5.4.–1.6., di–Sa 12–18h and by appt, 030 - 24 35 73 14, www.art-cru.de
DUTCHTREAT
22 Künstler, tätig in Berlin und den niederlanden, aus den Bereichen der objektlosen
und abstrakten Kunst partizipieren an der ausstellung. die arbeiten
repräsentieren nicht nur den internationalen austausch, sondern vielmehr
diverse dadurch generierte Positionen in Verbindung mit dem, was wir „postformale“
abstraktion nennen.
mit unterstützung der Botschaft des Königreichs der niederlande.
DADA POST
nordbahnstr. 10, 13409 Berlin-Reinickendorf
Opening: 20.4., 19h, 21.4.–12.5., do–So 13–18h, www.dadapost.com
Oleg Lang – Einfall
Oleg lang (*1950) ist ein außergewöhnlicher moskauer Künstler, der malerisch
das Schicksal des menschen reflektiert. losgelöst von der tradition der avantgarde
spielt er feinsinnig mit seinem formenden Pinselstrich wie farbigen Flächen
und bewirkt einen freudigen Klang. dieser Rausch der Bildfläche entfacht
lebhafte Empfindungen, welche Poesie von Prosa und Fest von alltag unterscheiden.
Galerie pop/off/art Moskau-Berlin
mommsenstr. 35, 10629 Berlin-Charlottenburg
Opening: 6.4., 18h, 7.4.–18.5., di–Fr 10–19h, Sa 11–15h and by appt., www.popoffart.de
Ernst-abbe-denkmal Jena, 2012
Foto: Jens Hauspurg
EVa & adElE: House of Futuring – Biographische
Skulptur n°9, Foto: aline gwose,
michael Herling, Courtesy: EVa & adElE
Katrin von lehmann: aufgebrochen, 2001
Fotoflechtungen, 76 x 50 cm
ulrike Hogrebe: Öl auf leinw., 170 x 190 cm
david nicholson: lions, 2002
© david nicholson, Courtesy: aeroplastics
Contemporary, Brüssel
Foto: achim Kukulies, düsseldorf
Der ewige Wanderer – Henry van de Velde in Jena
Vor allem drei Projekte verbindet van de Velde mit Jena: das denkmal für Ernst
abbe, Porzellane für die manufaktur Selle und der Entwurf eines Volksbades.
die ausstellung der Werke van de Veldes gleicht einer Spurensuche und eröffnet
mit Bildern und Skulpturen von Kirchner, nolde, Hodler, meunier u. a. ein
Panorama der Jahre vor dem Ersten Weltkrieg. Jena war in diesen Jahren eine
Bühne der avantgarde.
Städtische Museen Jena/Kunstsammlung Jena, markt 7, 07743 Jena
bis 26.5., di/mi u. Fr 10–17h, do 15–22h, Sa/So 11–18h,
03641 - 49 82 61, www.kunstsammlung.jena.de
Futuring auf Bötzow
die zukunft ist heute schon da, auf dem dach von „Bötzow Berlin“. Pate für die
installation „Futuring“ ist das Künstlerpaar EVa & adElE. ihre Wortschöpfung
leuchtet in neonpink vom Schornstein der ehemaligen Brauerei. im atelierhaus
wird parallel dazu das „House of Futuring – Biographische Skulptur n°9“ gezeigt:
ein begehbares Haus aus 151 leinwänden, das den gesamten Kunstkosmos
dieses Künstlerpaars widerspiegelt.
Atelierhaus auf Bötzow
Prenzlauer allee 242, 10405 Berlin-Prenzlauer Berg
26.4.–26.5., do–So 12–18h, Eintritt frei, www.boetzowberlin.de
Anja Steinmann, Katrin von Lehmann, Ernst Baumeister
Steinmanns Fotografien architektonischer Prozesse verwandeln Rohbauten
in Skulpturen. Von lehmann schneidet ihre fotografischen motive in Streifen,
um sie zu objektartigen tableaus zu verweben. Baumeisters große Bildhauerarbeiten
aus Holz changieren zwischen abstraktion und Figuration, wobei deren
Oberflächen vielfältig perforiert sind, während er die miniaturskulpturen aus
nägeln und Blechstreifen formt.
Deutsche Wohnen AG – GEHAG Forum
mecklenburgische Str. 57, 14197 Berlin
Opening: 17.4., 19h, 18.4.–30.5., mo–Fr 9–19h, www.deutsche-wohnen.com
Galerie Horst Dietrich
auf ulrike Hogrebes oft lichtgrauen leinwänden tauchen Rehe aus dem dickicht
auf, ein Wolfsrudel heult den mond an, Boote überlassen sich der Strömung.
diesen sanft-melancholischen Bildern stehen Farbfeld-Kompositionen
mit grafischen Elementen in reduzierter Formensprache gegenüber; sie ähneln
in ihrer Farbigkeit ulrike Hogrebes großen Keramikschalen und von ihr gestalteten
tischen mit Keramikfliesen.
Galerie Horst Dietrich, giesebrechtstr. 19, 10629 Berlin-Charlottenburg
10.4.–11.5., mi–Fr 14–19h, Sa 11–15h u. n. V., www.galeriedietrich.de
WONDERFUL – Humboldt, Krokodil & Polke
die Wunderkammer ist seit der Eröffnung des me Collectors Room im Jahr 2010
fester Bestandteil des ausstellungshauses und die einzige ihrer art in Berlin.
mit „WOndERFul – Humboldt, Krokodil & Polke“ werden spektakuläre neuzugänge
der Wunderkammer und zeitgenössische Werke aus der Olbricht Collection,
die ebenfalls um die thematik der Wunderkammer kreisen, präsentiert.
Verlängert bis 28. august 2013.
me Collectors Room Berlin/Stiftung Olbricht
auguststr. 68, 10117 Berlin-mitte, verlängert bis 28.8.
di–So 12–18h, www.me-berlin.com
41

Khvay Samnang: o.t., 2011, digitaler C-Print,
70 x 110 cm, © Khvay Samnang
42
Robert gschwantner: PlP02, 2006
PVC-Schläuche, atlantikwasser, Rohöl,
Holz und Collage, 90 x 140 cm
Horst mak: o. t., 2006, acryl auf leinwand
200 x 260 cm
Franz Wilhelm Seiwert: zwei arbeiter vor
industrielandschaft, 1924, Öl auf Pappe
Sammlung im Willy-Brandt-Haus
connect: Phnom Penh: Das Verschwinden verhindern
die ifa-galerie Berlin präsentiert zum ersten mal in Europa Künstlerinnen aus
Kambodscha, die sich mit dem Erfassen und Bewahren der Stadt im Wandel
beschäftigen. ausgangspunkt ist das einflussreiche Schaffen des kambodschanischen
architekten Vann molyvann, der die „neue Khmer architektur“ in den
1960er-Jahren in Kambodscha bestimmte und bis heute impulsgeber für moderne
Entwicklungen in der Stadtgestaltung ist.
ifa-Galerie Berlin
linienstr. 139/140, 10115 Berlin-mitte, bis 16.6., di–So 14–19h, www.ifa.de
SHAPE THE SCAPE: Line up – Landschaft im Dialog
„line up“ zeigt eine Reihe von paarweisen gegenüberstellungen zeitgenössischer
arbeiten im Kontrast zu Werken des 20. Jahrhunderts. mit Werken von
max Beckmann, Jörg Bong, Karoline Bröckel, Othmar Eder, nico duvinage,
Robert gschwantner, Veronike Hinsberg, linda Karshan, Hermann Kätelhön,
Katrin von lehmann, gregory murr, nadja Poppe, august Preuße, ute Schendel,
Hana usui, nadine Wottke, marko zink.
Kit Schulte Contemporary Art, Winterfeldtstr. 35, 10781 Berlin-Schöneberg
bis 11.5., mi–Fr 14–19h, Sa 12–16h and by appt.
030 - 21 00 52 37, www.kitschulte.com
Horst Mak – Im Farbenrausch der Urgewalten
Es gab keine Farben und Kombinationen, denen der Berliner maler Horst mak
(† 2007) ausgewichen wäre. der Künstler verwendete mehrheitlich die Primärfarben
Rot, Blau und gelb. das Entstehen von grün überließ er, gewollt oder
zufällig, der Vermischung. Schwarz und Weiß dienten dem unterstreichen
emotionaler rhythmischer Spannungen, dem Verstärken von Effekten. zur ausstellung
erscheint ein Katalog mit allen Exponaten.
Berlin Avantgarde, nollendorfstr. 11–12, 10777 Berlin-Schöneberg
Opening: 12.4., 19h, 13.–30.4., di–Fr 12–19h, Sa 10–17h
030 - 27 57 59 08, www.berlin-avantgarde.com
Lohner Carlson – Silences, Bewegte Bilder/Active Images
Henning lohner (u. a. Filmautor) und Van Carlson (Kameramann) haben ein
Œuvre geschaffen, das landschafts-, Stadt- und Porträtaufnahmen aus besonderen
Perspektiven zeigt. der ausgewählte ausschnitt der Welt bewegt sich,
die Kamera ist regungslos. das nähert die Videoarbeiten der Fotografie an,
während zugleich der alte Wunsch der malerei nach bewegten Bildern eingelöst
wird.
lohner Carlson: Stockholm dark Water,
2010, active image Galerie Springer Berlin
Fasanenstr. 13, 10623 Berlin-Charlottenburg
bis 4.5., di–Fr 11–18h, Sa 12–15h, www.galeriespringer.de
Streitobjekt Arbeit.
Positionen aus der Sammlung im Willy-Brandt-Haus
die ausstellung präsentiert zeichnungen, grafiken und gemälde der 1910er-
bis 1930er-Jahre, die von arbeitenden menschen und arbeitsorten, von arbeitselend
und der Heroisierung der industriellen arbeit handeln, und diskutiert,
welche Relevanz die Bilder untergegangener arbeitswelten noch haben und
wie heutige Verelendungsstrukturen darstellbar sind.
Haus am Lützowplatz, lützowplatz 9, 10785 Berlin-tiergarten
Opening: 25.4., 19h, 26.4.–30.6., di–So 11–18h
www.hausamluetzowplatz-berlin.de
Henning Kles: YOJim, 2012, Bitumenemulsion
und acryl auf leinwand, 100 x 80 cm
Courtesy: Wendt+Friedmann, Berlin
Jan-Peter manz: Crackboy, 2010, bemalter
ton, 27 x 16 x 11 cm, © Vg Bild-Kunst 2013
terence Carr: the Kiss, 2010
bemaltes Holz, 98 x 58 x 32 cm
ulrike doßmann: Frau Widder, 2012
, dentalgips, div. materialien und
temperafarbe, 35 x 24 x 17 cm
mona Hakimi-Schüler: installation, 2012
Figur aus Schwamm mit latex und
acrylfarbe übermalt
Henning Kles – Carnivale
Vor dunklen oder verwaschen bis pastellartig aufgehellten Hintergründen entfalten
sich in einigen der jüngsten arbeiten von Henning Kles buntfarbige Fantasieporträts,
in sich gekehrt, karnevalesk, wie von einer anderen Welt. diese
Welt aber ist kein Konstrukt aus den verwendeten Bildvorlagen und -materialien,
sie entsteht im künstlerischen Prozess, im Bild, und nur ihm gehört sie an.
WENDT+FRIEDMANN, Heidestr. 54, 10557 Berlin-mitte
Opening: 25.4., 18–21h, 26.4.–8.6., mi–Fr 12–18h, Sa 12–17h
www.wendt-friedmann.com
Jan-Peter Manz
die farbigen Plastiken von Jan-Peter manz heben gesten des alltags auf die
Bühne des dramatischen. Eine Jeans wird zur „ozeanischen Hose“, eine Skaterin
zur Verkörperung der „notwendigkeit“ und ein Süchtiger erstarrt zum „Crackboy“.
manz entwickelt seine Figuren aus oft zufälligen Begegnungen mit realen
menschen. dies ist die erste Präsentation von arbeiten des Bildhauers und malers
Jan-Peter manz in Berlin.
Temporary Gallery Berlin (tgb), mommsenstr. 42, 10629 Berlin-Charlottenburg
Opening: 13.4., 19h, 1.–29.4., mi–Fr 15–18h and by appt., 0160 - 902 74 54
www.temporary-gallery-berlin.com
Terence Carr, Ulrich J. Wolff – Borderlines
in „Borderlines“ werden grenzen untersucht. Bei terence Carrs (*1952 in Kenia)
Skulpturen, die durch die leuchtkraft ihrer Farben bestechen, scheinen uns
fabulöse Wesen geschichten erzählen zu wollen. ulrich J. Wolff (*1955 in
Schwaigern) ist ein Virtuose des tiefdrucks. Seine mit verschiedenen materialien
hergestellten dreidimensionalen malereien und grafiken sind in ihrer technik
kaum voneinander zu unterscheiden.
Galerie Julia Dorsch, Breite Str. 20, 14199 Berlin-Schmargendorf
Opening: 13.4., 17h, 14.4.–24.5., mi–Fr 13–17h, Sa 11–14h
0176 - 44 46 05 19
Ulrike Doßmann – Who are you really?
„Who are you really?“ zeigt die furchtlosen, experimentierfreudigen arbeiten
von ulrike doßmann (*1970 in lörrach). astrid Volpert, Publizistin und Kuratorin:
„Sie baut, gießt, schraubt und klebt mehrteilige skulpturale gebilde des
Körperlichen von extremer Fragilität und überraschender material- und Symbolkraft“.
Under the Mango Tree
merseburgerstr. 14, 10823 Berlin-Schöneberg
Opening: 5.4., 20h, 6.4.–17.5., mo–Fr 14–18h, Sa 12–16h and by appt.
www.utmt.net
NEUaufnahmen der GEDOK Berlin 2013
Fünf neu in die gEdOK Berlin aufgenommene Künstlerinnen zeigen ihre
arbeiten: mona Hakimi-Schüler – installation / mi-Ran Kim – malerei / daniela
Kwee – malerei / gabriela Oehring – malerei / antje Seeger – Objektkunst,
installation
Es spricht: Sarah Frost, Kuratorin
GEDOK GALERIE
motzstr. 59, 10777 Berlin-Schöneberg
Opening: 18.4., 19h, 19.4.–16.5., mi–So 14–18h
030 - 441 39 05, www.gEdOK-berlin.de
43

44
Yoi Kawakubo: Shirahigehama, 2011, 149 x 186 cm
Viola Bittl: Ohne titel, 2012, Öl auf leinwand, 68 x 55 cm
greg Rook: landscape with goat, 2012, Öl auf leinwand, 80 x 80 cm
Shinseideo Tokyo Berlin
in den medien Fotografie, malerei und Skulptur beschreiben
die japanische Künstler Yoi Kawakubo, tokurou
Sakamoto und misa toyosawa alltägliche oder
besondere landschaften aus ihrer eigenen Perspektive.
individuell, ruhig und manchmal poetisch erzählen sie
über Solitude und Katharsis, mit der wir in der heutigen
gesellschaft konfrontiert sind.
Shinseido TokyoBerlinArtBox
aufbau Haus 1.Og, Prinzenstr. 85, 10969 Berlin-Kreuzberg
bis 27.4., do–Sa 14–18h and by appt.
www.tokyoberlinartbox.com
EHF 2010 – Benefitausstellung
in Fortsetzung einer beispielhaften initiative stellen 50
ehemalige und aktuelle Stipendiaten des Else-Heiliger-
Fonds/trustee-Programms EHF 2010 der Konrad-adenauer-Stiftung
arbeiten zur Verfügung, die im Rahmen
einer ausstellung deutlich unter dem galerienpreis angeboten
werden. der Erlös fließt ausschließlich in den
Künstlerfonds. mit nicole Bianchet, Viola Bittl, marcel
Bühler, martin dammann, Frauke Eigen, Stef Heidhues,
daniel laufer, Hans-Christian Schink, Robert Seidel,
Jorinde Voigt, michael Wutz u. a.
anmeldung: tel. 030-26996-3221/-3220, ansprechpartner:
dr. Hans-Jörg Clement, leiter Kultur, Kurator und
geschäftsführer EHF
hans-joerg.clement@kas.de, ursula.moss@kas.de
Konrad-Adenauer-Stiftung, tiergartenstr. 35, Berlin-tiergarten,
25.4.–29.5., mo–Fr 9–17h, www.kas.de
Timeslip
die ausstellung zeigt gemälde der Briten derek Harris,
Samuel Herbert und greg Rook, die eine gemeinsame
Faszination für historische Visionen einer optimistischen
zukunft teilen. die Bilder basieren auf historischen
Quellen kultureller Strömungen oder ursprünglicher
Volkskultur mit einer idealistischen ausrichtung
und transportieren das Vorhaben, eine überzeugende
Vision der zukunft zu entfalten.
Gallery Stock Berlin
Bundesallee 138, 12159 Berlin-Friedenau
bis 30.4., di–Fr 10–16h, do 20–21.30h, Sa 14–18h
www.stock-berlin.com
Yto Barrada: Hand-me-downs (film still), 2011, Videogramm, Courtesy:
Yto Barrada, galerie Polaris, Paris, und Sfeir-Semler gallery, Hamburg
Janet Cardiff & george Bures miller: Killing machine, 2007, mixed media,
sound, pneumatics, robotics, Foto: Seber ugarte & lorena lopez
© Janet Cardiff & george Bures miller
madE wurde 2010 von der Künstlerin tadiROCK, ihrem Partner nico zeh
und absolut Vodka gegründet
Roll Over. Reflections on Documentary, after Richard
Leacock
Richard leacock (1921–2011) drehte seine dokumentationen
nach der maxime, den zuschauern das gefühl zu
geben, selbst vor Ort gewesen zu sein. die ausstellung
ist ein tribut an das lebenswerk des britisch-amerikanischen
Filmemachers, dessen Wunsch, der Wirklichkeit
nahezukommen, die Entwicklung des dokumentarfilms
stark beeinflusste. gezeigt werden zwei seiner weniger
bekannten Filme, zudem aktuelle arbeiten von Yto Barrada,
Fernando Sánchez Castillo und luke Fowler, die
neue tendenzen im dokumentarfilm vorstellen: das informative
ist nicht zwingend; Realität und Fiktion können
sich überlagern.
Temporary Gallery
mauritiuswall 35, 50676 Köln
bis 21.4., do/Fr 14–18h, Sa/So 13–17h, www.temporarygallery.org
Lost in the Memory Palace:
Janet Cardiff und George Bures Miller
nach ausstellungsauftritten in Europa kehrt das preisgekrönte
Künstlerduo im Frühjahr zurück nach Kanada.
in der agO bespielen sie ein ganzes Stockwerk mit sieben
installationen, die neben Sound, Video und Objekten
auch Bilder umfassen. zu sehen sind sowohl ältere
installationen als auch neuere Werke wie „Storm Room“
von 2009. arrangiert in Räumen, die der Besucher
durchschreiten kann wie einer Kathedrale der Erinnerung,
entfaltet sich die umfassende Wirkung der experimentellen
Kunst des duos. gespannt darf man besonders
auf ein bisher noch unbetiteltes neues Werk sein,
mit dem die Künstler ihr Heimspiel krönen.
Art Gallery of Ontario
317 dundas Street West, toronto Ontario, Canada
6.4.–18.8, di–So 10–17:30h, mi 10–20.30h, www.ago.net
5 Cuts – A visual Dialogue
„meine mode ist keine ‚Fast Fashion’. Wir lassen all unsere
Emotionen in unsere Entwürfe, einen Schnitt oder
eine Silhouette einfließen, um dem menschen eine
Botschaft zu vermitteln. Wenn man nur kopiert, sollte
man besser gleich aufhören, Kleidung anzufertigen.“
der interdisziplinäre Projektraum madE zeigt eine
mehrteilige installation, die sich dem Kleidermacher
Yohji Yamamoto widmet, ihn als Künstler und Visionär
vorstellt und Einblicke in seine gedankenwelt über die
mode hinaus geben will.
MADE Berlin
alexanderstr. 7, 10178 Berlin-mitte
29.4.–12.5., mo–So 16–19h, made-blog.com
45

ankündigung: Sammlergespräch mit Heinz lohmann
Heinz lohmann ist Fachmann im gesundheitssektor
und ein liebhaber zeitgenössischer Kunst.
als gesellschafter ist er in mehreren gesundheitsunternehmen
tätig, hat eine Professur an der Hochschule für
angewandte Wissenschaften Hamburg inne, ist autor
mehrerer Publikationen zur gesundheitswirtschaft und
gastgeber der Sendereihe „mensch Wirtschaft“ beim
Fernsehsender Hamburg1.
Sein privates interesse gilt experimentell arbeitenden
Künstlerinnen und Künstlern. gemeinsam mit seiner
Frau ulla sammelt Heinz lohmann seit 1969 gegenwartskunst
in den verschiedensten medien: arbeiten
auf Papier, malerei, Skulpturen, Objekte, Fotografie,
Video- und Computerkunst oder mail-art.
Rund 40 Künstler sind in der Sammlung vertreten, vielen
von ihnen blieb das Sammlerpaar über einen langen
zeitraum treu: die Entwicklung des Kunstschaffens einzelner
Künstler wird in der Sammlung anhand von Werken
aus mehreren Schaffensperioden deutlich. der enge
Kontakt zwischen Künstler und Sammler ist ein essenzieller
Bestandteil des Sammlungskonzeptes.
Seit 1994 stellen ulla und Heinz lohmann die Werke der
Künstlerinnen und Künstler ihrer Sammlung in regelmäßig
stattfindenden Präsentationen in ihrem privaten
Hamburger ausstellungsraum C15 vor, unter anderem
maria und natalia Petschatnikov, Francesco mariotti,
ilka Vogler, So-ah Yim, Wolfgang Kampz, maike Klein,
Jacques H. Sehy, Claudia liekam, Hans Braumüller, alke
Brinkmann, Romen Banerjee, Yotta Kippe und Sascha
Kürschner.
impressum | imprint
KUNST Magazin / KUNST Verlag, Berlin
Wrangelstr. 21, 10997 Berlin
tel.: 030 - 61 20 23 24 und 030 - 43 92 58 29
Fax: 030 - 61 20 23 17 und 030 - 43 91 70 59
info@kunstmagazin.de | iSSn 1862 - 7382
Herausgeberin: Jennifer Becker (v. i. S. d. P.)
Chefredaktion: Julika nehb
Redaktion & Texte: Susanne Erichsen, isabella Hammer,
Katharina Helwig, alexandra Panzert, agathe Power, Stefanie
Raupach, Sarah Weckert, Steffi Weiss, Sonja Wunderlich
Gastautoren: axel lapp, matthias Planitzer
Übersetzungen: Brian Poole
Lektorat: dagmar tränkle
Gestaltung: Carola Büscher
46
Heinz lohmann neben dem multiple „dieser Blick“ von Sigrid Sandmann
Foto © lOHmann konzept / Falk von traubenberg
Wir freuen uns auf das KunSt magazin Sammlergespräch
mit Heinz Lohmann, moderiert von Jan Kage,
am Mittwoch, den 27.3. in der Bar tausend, Schiffbauerdamm
11, 10115 Berlin-mitte.
Einlass ab 20h, Beginn ca. 20.30h. Wir bitten um anmeldung
unter sammler@kunstmagazin.de.
SaVE tHE datE: das darauffolgende Sammlergespräch
findet zum gallery Weekend im me Collectors Room
Berlin/Stiftung Olbricht am Freitag, den 26.4. statt.
Onlineredaktion: Julia Schmitz
Webdesign: marius Bruns, www.robinson-cursor.de
Druck: druckerei Conrad gmbH, www.druckereiconrad.de
Distribution: dHl gogreen – wir versenden klimaneutral,
deutsche Post Pressevertrieb
Erscheinungsweise: 40 000 Exemplare, 10-mal im Jahr,
doppel ausgaben: Jul./aug. und dez./Jan. Es gelten die mediadaten
2013.1
Alle Ausstellungshinweise im KUNST Magazin sind für
Galerien, Museen und Ausstellungshäuser kostenpflichtig.
Eine tagesaktuelle Übersicht zu allen Veranstaltungen im
KUNST Kontext in Deutschland finden Sie im Kalender auf
www.kunstmagazin.de