Messeprogramm - Galerie Epikur

Galerie Epikur Wuppertal
Wir stellen aus:
art KARLSRUHE 2012
Internationale Messe für
Klassische Moderne und Gegenwartskunst
8. - 11. März 2012
Halle 2 Stand D07
One Artist Shows:
ANTOINETTE
Christian v. Grumbkow
Klaus Hack
Hans Sieverding
Ausstellende Künstler
Ulrich Brauchle, Stefan Bräuniger
Oliver Czarnetta, Martin Jagodzinski
Thomas Kohl, Walter Libuda
Mathias Weis
Galerie Epikur Wuppertal
HP Nacke
Friedrich-Ebert-Straße 152a 152a, , 42117 Wuppertal
Telefon 0202 4 26 52 62, Fax 0202 8 31 67
www.galerie-epikur.de
info@galerie-epikur.de

One Artist Show
links:
Rastplatz,
2009, Öl auf Leinwand,
50 x 70 cm
rechts:
Tal in Puyloubier,
1999, Öl auf Leinwand,
50 x 70 cm
links:
Tholonet
2006, Öl/Leinwand
80 x 80 cm
rechts:
Rue de Cezanne,
2006, Öl auf Leinwand,
80 x 80 cm
ANTOINETTE
Die Landschaften und Figurenbilder der Künstlerin ANTOINETTE, die stets in Großbuchstaben signiert, zeigen
eine Welt gesehen durch einen Vexierspiegel, der sie optisch bricht, in umgestalteter Weise dem Betrachter neu
präsentiert und den Blick auf das Bekannte zu verändern vermag. Alles ist im Fluss, voller rauschender Farben und
Formen, welche die Aufmerksamkeit des Betrachters erregen, sind ihre Arbeiten. Das Abbild erscheint durch die
Belebung nicht weniger vital als die Wirklichkeit, die Phantasiewelten der Künstlerin offenbaren die ganze Fülle
ihres Ideenreichtums. Die Farbe ist pastos aufgetragen, unterschiedliches Kolorit liegt gestrichelt oder als größere
Farbfl äche nebeneinander. Die Malweise variiert abhängig von unterschiedlichen Motiven, was eine Rhythmisierung
des Bildes bewirkt. Die Bedeutung des natürlichen Anscheins der Sujets tritt zurück, eine sinnliche Erfahrung wird
beim Betrachter in der Anschauung durch die Farb- und Formwirkung hervorgerufen. Diese emotionale Erfahrung
vor dem Bild ist es, die für die Sinngebung verantwortlich ist. Dabei mischt sich zu Sehendes mit Assoziation und
künstlerischer Ausdruck mit Interpretation.
Nina Hartgenbusch M.A
ANTOINETTE
studierte ab 1975 an der HGB Leipzig, anschließend
von 1979 bis 1984 an der KH Berlin.
Im Jahre 1984 erfolgte der Kauf einer Wassermühle
in Dauer (Uckermark) und die Umgestaltung zum
Kunstzentrum und Gesamtobjekt.
1986 malte sie ihr erstes Bühnenbild,
1985-1987 erfolgten erste Außenwandbemalungen.
Sie initiierte und organisierte zwischen
1984 und 1987 die DAUER _KUNST _FEST-
SPIELE, eine Begegnung von Künstlern, Umwelt-
schützern, Journalisten und Wissenschaftlern.
1991 war sie Meisterschülerin an der HGB Leipzig
bei Bernhard Heisig. Eine Gastdozentur an der
Universität Dortmund hatte sie 1994,
seit 2006 existiert der Berliner Salon ANTOINETTE.
Die Künstlerin hat ihre Werke bereits bei einer Reihe
von Ausstellung im In- und Ausland gezeigt, darunter
am Goethe-Institut in New York und Washington,
in der Kunsthalle Arnstadt und im Museum Ephraim
Palais in Berlin.

Februar,
2011, Öl auf Leinwand,
120 x 160 cm
Vor dunklem Grund,
2011, Öl auf Leinwand,
120 x 160 cm
Ulrich Brauchle
Die Bilder von Ulrich Brauchle bestechen durch ihre Farb- und Formkompositionen und sind zumeist gänzlich abstrakt.
Der Künstler lässt sich von seinem Umfeld inspirieren und setzt die Eindrücke in einer Mischung aus konstruierendem
Kalkül und Zufall auf der Leinwand um. Seinem Gefühl folgend fi ndet er über die Farbe den Ausdruck. Die Hand des
Künstlers lässt aus dem Kolorit mal einen expressiven Flickenteppich, mal zarte Grafi kstrukturen entstehen. Das Thema
der ersten Gruppe der Gemälde ist die Landschaft, deren Motive zuweilen auch gegenständlich aufgefasst sein können,
meist aber nur rudimentär angedeutet sind. Farben, die auch in Naturräumen vorkommen, tragen die Atmosphäre und
übermitteln eine Erfahrung von Landschaft, die ein sinnliches Erleben möglich macht. Hier macht die pastose Materialität
dicker Farbschichten das Kolorit wie ein Relief erfahrbar. Ungegenständliche Farbfelder der zweiten Gruppe der
Bilder sind auf Kontrast ausgelegt und lassen in sich überlagernden Farbschichten, die teils transparent durchscheinen,
Tiefe entstehen. Die Farbfl ächen liegen optisch auf verschiedenen Ebenen, die wie Stellwände abstrakte Räume öffnen.
Vorder- und Hintergründe grenzen sich von einander ab, Durchblicke entstehen.
Nina Hartgenbusch M.A.
Ulrich Brauchle
wurde 1971 in Ellwangen/Jagst geboren.
Zwischen 1991 und 1996 studierte er Kunst an der
Staatlichen Akademie der bildenden Künste Stuttgart
bei den Professoren Joachim Hämmerle, Horst
Bachmayer und Rudolf Schoofs.
Von 1996 bis 1998 folgte ein Studium der Geschichte,
Kunstgeschichte und Theologie an der
Eberhard-Karls-Universität in Tübingen.
Im Jahr 2003 erhielt er den Kunstpreis des
Heidenheimer Dreiecks im Kunstvereins Heidenheim
und 2004 den Felix-Hollenberg-Preis für Druckgraphik
von der Städtischen Galerie Albstadt.
Seine Arbeiten sind auch in öffentlichen Sammlungen
vertreten, darunter die Graphische Sammlung der
Staatsgalerie Stuttgart und das Morat-Institut für
Kunst und Kunstwissenschaft in Freiburg.

Ohne Titel (Stillleben),
2012, Öl auf Leinwand,
70 x 80 cm
Stefan Bräuniger
Die Pfl anzen in den Bildern von Stefan Bräuniger begegnen dem Betrachter in extremer Nahsicht, der Künstler holt
die Natur mit ihrer ganzen Vielfalt und Anmut für den Betrachter dicht heran. Auf diese Weise entsteht eine besondere
Nähe zum Sujet. Dem Blick ist Zeit gegeben, im genauen Studium kleinster Elemente Details wahrzunehmen,
die bei der gewöhnlichen Naturschau verborgen blieben. Stefan Bräuniger ist in seiner Malerei um täuschend echte
Wiedergabe des Motivs bemüht. Die Stofflichkeit jedes Objektes ist genau getroffen; der Duktus tritt zurück, ohne
jegliche Spur eines Pinselstrichs beruht die Wirkung dieser Malerei auf der Wahl der Perspektive, des Ausschnitts,
der Farben, der Komposition. Zuweilen montiert der Künstler seine Bilder, so dass etwas in ihnen auftaucht, was
dem Botaniker befremdlich ist. Es scheint in der realen Natur nicht solch eine ausgewogene Harmonie von Farben
und Formen zu geben, in der Komposition offenbart sich der Eingriff des Künstlers. Seltsamerweise entsteht
durch die Perfektion und die dadurch erreichte Ästhetik jedoch Künstlichkeit – das Motiv scheint gewissermaßen
übernatürlich. Wie die Nahsicht das Sujet zunächst heranholte, so entfernt es sich durch seine artifi zielle Schönheit
und das Arrangement des Künstlers von der Realität des Betrachters. Ins Bild gebannt scheint jener ästhetische
Überschuss, der eine Distanzierung zu der nüchternen Vorlage herstellt.
Nina Hartgenbusch M.A.
Stefan Bräuniger
wurde 1957 in Wuppertal geboren.
Zwischen 1979 und 1982 studierte er Grafik-Design
in Berlin.
Von 1985 bis 1997 war er grafisch und
künstlerisch tätig,
seit 1998 ist er freischaffender Künstler in
Wuppertal.
Stefan Bräuniger hat seine Arbeiten bereits bei
vielen Ausstellungen und Messen präsentiert, u. a. auf
der Großen Kunstausstellung NRW in Düsseldorf,
in der Galerie von Braunbehrens in München,
im Westfälischen Landesmuseum Münster, in der
Sparkasse Wuppertal, auf der Arco Madrid, der Art
Cologne und der Art Karlsruhe.

Tiefe Stadt,
2011, Beton/Harz,
26 x 18 x 12 cm
Oliver Czarnetta
Oliver Czarnetta präsentiert Häuser aus Beton, die sowohl den Eindruck eines noch unfertigen Rohbaus, als auch
den Anschein einer baufälligen Ruine erwecken. Die Konstruktionen grenzen sich mit ihrer stillen Starre und Statik
vom Umraum ab und strahlen eine fast schon meditative Ruhe aus. Durch- und Einblicke und der schichtweise
Aufbau machen den besonderen Reiz aus, besonders auch bei den in Harz eingegossenen Häusern. Die Arbeiten
können und müssen in der Bewegung erlebt werden, denn eine definierte Ansichtsseite gibt es nicht. Indem der
Betrachter sich den Stücken nähert, um sie herum schreitet oder auch bückt um neue Perspektiven zu gewinnen,
erhält er ständig neue Ansichten und auch Durchsichten. Denn wichtiger als die äußere Oberfläche ist das Innere.
In einem Überraschungsmoment erkennt der Betrachter, dass sich mehr im Inneren verbirgt als zunächst
vermutet. Masse und Schwere kontrastieren mit Transluzenz, die klare Formensprache mit Verschachtelung. Das
durchscheinende Harz verleiht den Arbeiten aus Beton eine gewisse Leichtigkeit, der Massivität wurde etwas entgegen
gesetzt. Die Werkgruppe der Betonhäuser besticht somit zum einen durch kompakte Form und die Schwere
des Materials, zum anderen durch Transparenz. Damit leben die Plastiken von den Gegensätzen, die sie für den
Betrachter so interessant machen.
Nina Hartgenbusch M.A.
Oliver Czarnetta
wurde 1966 in Birkesdorf, Düren, geboren.
Im Jahre 1992 legte er seine Steinbildhauer-Gesellenprüfung
ab. Seitdem ist er freischaffend tätig.
Er studierte zwischen 1993 und 2004 Kunstgeschichte
und Philosophie, anschließend folgte die Promotion.
Von 2007 bis 2009 war er künstlerischer Mitarbeiter
des Instituts für Kunstwissenschaft an der Universität
Koblenz.
Oliver Czarnetta arbeitete im Jahre 2004 an der den
Aachener Dom repräsentierenden Skulptur für die
Unesco-Ausstellung in New York 2005 und stellte sein
Werk bereits auf einer Vielzahl an Ausstellungen und
Messen im In- und Ausland aus, darunter die International
Sculptors Exhibition im National Museum of
Contemporary Art in Seoul, Korea, das Schloss Neersen,
die Kunstvereine Eschweiler und Siegen und die Art Volta
in Basel.

One Artist Show
Doppelter Boden,
2012, Öl auf Leinwand,
120 x 160 cm
Christian von Grumbkow
Frei jeglicher Gegenständlichkeit ist es die Farbe selbst, der Auftrag, das Farbspiel, die Komposition verschiedener
Töne, was die Werke von Christian von Grumbkow ausmacht. Verdichtete Partien wechseln mit durchscheinenden
Abschnitten und erzeugen in den feinsinnig komponierten Farbschichten die Illusion von Räumlichkeit. An einigen
Stellen entstehen Farbverläufe, an anderen effektvolle Kontraste durch gegeneinander gesetzte Flächen. Der Künstler
hat bereits für mehrere Geschäftsgebäude großformatige Arbeiten erstellt. Sein Gespür für Raumgestaltung bringt
die Räumlichkeiten gemäß den architektonischen Besonderheiten in einzigartiger Weise zur Geltung und wertet
sie in ihrer Ausstrahlung auf. Geraden des Realraumes werden aufgenommen und somit eine Verbindung von
Malerei und Architektur hergestellt. Manchmal entsteht der Eindruck einer Horizontlinie, an der schemenhafte
Abstraktionen von Landschaft erscheinen, oder aber die Impression des Blickes aufs Wasser hinaus, auf dem sich
eine Spiegelung abzeichnet. Auch die materielle Qualität der Farbe wird keineswegs verleugnet. Die Loslösung von
konkreter Darstellung ermöglicht es, die Farbe aus sich selbst heraus wirken zu lassen und zu großer Ausdruckskraft
zu steigern. Die Energie des Kolorits wird sichtbar und spürbar. Der Betrachter macht eine Seherfahrung, die
emotional berührt und die erkennen lässt: Die Farbe ist wahrlich eine wesenhafte Materie, in deren Anschauung
die Wirkung auf den Menschen nicht zu verleugnen, ja mehr noch, erlebt werden kann.
Nina Hartgenbusch M.A.
Christian von Grumbkow
wurde 1946 in Oberhausen geboren.
Nach seinem Studium bei Rudolf Schoofs an der
Werkkunstschule in Wuppertal und der Rietveld-
Academie in Amsterdam hatte er zunächst einen
Lehrauftrag an der Folkwangschule in Essen.
1981 begann von Grumbkow mit kunsttherapeutischen
Arbeiten mit Jugendlichen und
seit 1988 ist er Gastdozent für Malerei und Kunsttherapie
in Wien, London, Witten, den USA und
Kanada.
Die Arbeiten des Künstlers waren bereits auf einer
Vielzahl von Ausstellungen im In- und Ausland, sowie
auf zahlreichen Kunstmessen zu sehen.

One Artist Show Klaus Hack arbeitet Holzskulpturen, bei denen die Beziehung von skulpturaler Masse zu Umraum und Betrachter
von Bedeutung ist. Sie sind filigran und mächtig zugleich, stehen still und sind voller Leben. Das Aushöhlen des
Materials erzeugt Spannungen im Raum zwischen freistehenden Formen. Die Skulpturen werden so mit Energien
aufgeladen, die sie zusammen halten und dem Betrachter entgegen bringen. Die Wesen sind dem Menschen
nachempfunden, wobei es sich nicht um eine anatomische Kopie handelt, sondern um eine Annäherung an die
menschliche Architektur des Körperbaus. Auf anatomisch richtige oder gar ideale Proportionen wird verzichtet
zugunsten des expressiven Ausdrucks. Anthropomorphe Züge verschmelzen mit architektonischen Elementen
und lassen ein fremdartiges Zwitterwesen entstehen. Unter den Skulpturen gibt es verschiedene Stadien dieser
organisch-architektonischen Metamorphosen. Das Ergebnis ist Offenheit in Formwert und -bedeutung. So
dynamisiert Klaus Hack seine Figuren durch das Zusammenspiel dieser Formwelten und dank Loslösung von
konkreten Inhalten wird Freiraum für Assoziationen gelassen.
Nina Hartgenbusch M.A.
links:
Kleiner Durst, 2006, Lindenholz,
weiß gefasst, 70 x 29,5 x 19 cm
rechts:
Korsett, 2009, Eichenholz,
weiß gefasst, 81,5 x 31,5 x 21,5 cm
Klaus Hack
Klaus Hack
wurde 1966 in Bayreuth geboren.
Zwischen 1989 und 1991 studierte er an der Akademie
der Bildenden Künste in Nürnberg, danach
1991-95 an der Hochschule der Künste Berlin, die
er als Meisterschüler abschloss. Er erhielt zahlreiche
Stipendien, so bereits
1995 das NaFöG-Stipendium des Senats von Berlin für
Wissenschaft, Forschung und Kultur,
1996 das Stipendium für bildende Kunst der Kulturstiftung
Offenburg, 1997 das Stipendium der Stiftung
Kulturfonds und
1998 das Arbeitsstipendium Künstlerhaus Ahrenshoop.
Im gleichen Jahr bekam Klaus Hack seinen ersten
Preis, den Kunstpreis des Landes Brandenburg, dem
weitere Auszeichnungen folgten:
1999 der Kunstpreis der Stadt Limburg,
2005 der Lothar-Fischer-Preis für Bildhauerei und
2010 der Friedrich-Baur-Preis der Bayerischen Akademie
der Schönen Künste, München.
Zwischen 2004 und 2005 hatte Klaus Hack zudem
einen Lehrauftrag für Bildhauerei an der Kunsthochschule
Berlin-Weißensee inne.

Sanday (Dünen), 2005,
Öl auf Leinwand, 100 x 140 cm
Martin Jagodzinski
Die landschaftlichen Bilder von Martin Jagodzinski entstehen auf der Basis von Zeichnungen und Fotos, die er auf Reisen
– zumeist an die See – macht. Die Eindrücke, die er hier gewinnt, mischen sich später im Atelier mit freier Ausarbeitung
des Bildgefüges. Die Darstellungen sind auf der Leinwand eingefroren und doch hat man das Gefühl, die Motive würden
sich bewegen. Das liegt an der Unschärfe, die sich über manche Bildteile legt und somit den Eindruck leichten Schwingens,
Vibrierens oder auch eines Strudels erzeugt. Dies ist die besondere Ästhetik, die der Künstler in seine Arbeiten legt und
die über die Vorlage hinaus geht. Martin Jagodzinski erreicht in seinen Gemälden damit eine starke Verlebendigung.
Zusätzliche Spannung entfachen die Farb- und Hell-Dunkel-Kontraste. Schwarze Schatten werden der Immaterialität
weißen Lichts entgegen gesetzt, leuchtend rote Gischt vermag dunkles Meer zu entfl ammen. Bekanntes und Erkennbares
wird auf diese Weise verfremdet und fast schon mystisch aufgeladen. Und doch strahlen die Bilder trotz aller Bewegung
und Kontraste vor allem eins aus: Stille. Dieser scheinbare Widerspruch erklärt sich aus den Motiven selbst. Es sind
stets weite Landschaften, die fast schon unberührten Anschein haben, Grashalme biegen sich auf einer Düne im Wind,
Berge, Wälder und die Unendlichkeit des Meeres bringen Tiefe in die Gemälde. Die Landschaften eröffnen so einen
ausgedehnten Raum und breiten sich in einer Ruhe vor dem Betrachter aus, die sich unmittelbar auf ihn überträgt.
Nina Hartgenbusch M.A.
Martin Jagodzinski
wurde 1965 in Wolfsburg geboren.
Nach seinem Abitur war er 1992 zunächst Gaststudent
bei Joe Haggége an der Hochschule der Künste
(HdK) Berlin.
Darauf absolvierte er von 1993-1998 ein Studium
des Kommunikationsdesigns an der Kunsthochschule
Berlin-Weißensee.
Im Jahre 1996 folgte ein Studienaufenthalt an
der Universitat de Barcelona, Facultat de Belles Arts.
Seit 1999 ist Martin Jagodzinski freiberufl ich als
Designer tätig, seit 2005 beschäftigt er sich mit der
Landschaftsmalerei.

Hausstock,
2010, Öl auf Leinwand,
30 x 60 cm
„Er wusste nicht mehr,
was ihn vorhin so bewegt hatte,
es fror ihn; er dachte, er wollte
jetzt zu Bette gehen.“,
2010, Öl auf Leinwand,
30 x 60 cm
Thomas Kohl
Die Bilder von Thomas Kohl sind stets stark landschaftlich geprägt. Dieser Bezug ist bei allen Arbeiten deutlich,
auch wenn es verschiedene Grade der Abstraktion im Werk des Künstlers gibt. Die Luftigkeit der Malerei macht
den Arbeitsprozess in den Pinselspuren nachvollziehbar und vermittelt einen atmosphärischen Eindruck von Landschaft,
der nachzuspüren ist. Dies gelingt vor allem über die Farbigkeit, deren Blau-, Grün- und Braunnuancen
Assoziationen zu Landschaft wecken. Verschiedene Abtönungen vermitteln vielfältige Lichtverhältnisse oder gar
unterschiedliche Wetterlagen. Als Betrachter ist man Zeuge, wie sich Laub, Himmel und Erde aus dem Kolorit
entwickeln und sich Hügel, Bäume und Sträucher aus den Pinselstrukturen formieren. Dieser Vorgang vollzieht
sich, indem sowohl verdichtetes Gefüge aus schwungvoll gesetzten Linien, als auch transparente Abschnitte mit
in sich verlaufender, dünner Farbe in der Vorstellung des Betrachtes mit Merkmalen der Landschaft verknüpft
werden. Gestische, bräunliche Linien fi nden grünliche Formationen, blaue Schlieren ziehen sich mit weißen
Schichtungen zusammen und es entsteht der Anschein von sich im Wind wiegenden Zweigen und ziehenden
Wolken. Der starre Bildentwurf wird lebendig.
Thomas Kohl
wurde 1960 in Düsseldorf geboren.
Von 1979-81 absolvierte er ein Sprach- und Philosophiestudium
an der Universität Düsseldorf.
Darauf folgte bis 1988 ein Studium der Bildhauerei und
der Malerei an der Kunstakademie Düsseldorf,
wo er Meisterschüler von Gerhard Richter war.
Zwischen 1990 und 1992 hatte er ein Arbeitsstipendium
der Stadt Marseille, war Stipendiat der Villa Arson
Nina Hartgenbusch M.A.
in Nizza, erhielt ein Stipendium des Deutsch-
Französischen Kulturrates und war Stipendiat der
Stiftung Künstlerhaus Boswil, Schweiz.
Es folgten in den Jahren 2000 bis 2004 das Burgund-
Stipendium, Dijon, sowie Reisestipendien des Landes
NRW für die Dordogne und des Landes Rheinland-
Pfalz für Marokko. Thomas Kohl lebt und arbeitet in
Geilnau/Lahn und Düsseldorf.

Der Feinschmecker,
2010, Öl auf Leinwand,
80 x 100 cm
Walter Libuda
Bei den Bildern von Walter Libuda resultiert das Verständnis unmittelbar aus der optischen Wahrnehmung und
entwickelt sich ohne Filterung und Ordnung durch den rational begreifenden Verstand. Inhalte und Bildgeschehen
sind nicht sofort logisch verstehbar und Details können nicht direkt in klare, erzählerische Zusammenhänge gesetzt
werden. Erst die längere Beschäftigung mit diesen Gemälden entfaltet den vollen Reichtum an malerischer Fähigkeit,
den Betrachter gänzlich zu vereinnahmen. Außerdem ist die Farbe als autonome Erscheinung mindestens ebenso
wichtig wie der Inhalt. Es geht hier einerseits um Farbtöne, Helligkeitsverteilungen, Abstufungen und Kontraste,
andererseits aber auch um die materielle Qualität des Kolorits. Dieses besitzt eine eigene Präsenz als plastische
Masse losgelöst vom Bildgeschehen. Walter Libuda hat keine eindeutige Botschaft in seinen Werken versteckt, die
darauf wartet, entschlüsselt zu werden. Eine endgültig festlegende Aussage soll gerade vermieden werden. Der
Künstler präsentiert eine Welt, wie er sie empfindet. Mit den Mitteln der bildnerischen Darstellung wird scheinbar
Bekanntes verfremdet, Neues erfunden und alles phantasievoll verwoben. Es sind mitunter sogar entgegen gesetzte
Deutungsmöglichkeiten zulässig, jede für sich überzeugend und nachvollziehbar und es ist wie so oft: Die einzig
richtige Antwort gibt es nicht.
Nina Hartgenbusch M. A.
Walter Libuda
wurde 1950 in Zechau-Leesen geboren.
Von 1973 bis 1979 studierte er an der Hochschule
für Grafi k und Buchkunst Leipzig und war Meisterschüler
bei Bernhard Heisig.
Im Anschluss war er an dieser Hochschule bis
1985 Assistent.
Walter Libuda ist einer der wichtigsten Künstler der
DDR und seit 1991 Mitglied des Künstlerverbandes
Neue Gruppe München,
seit 1992 Mitglied des Deutschen Künstlerbundes und
seit 1998 Mitglied der Sächsischen Akademie der Künste.
Im Jahre 1999 erhielt er den Fred Thieler Preis
für Malerei der Berlinischen Galerie und
2000 den Gerhard-Altenbourg-Preis des Lindenau-
Museums Altenburg.

One Artist Show
Schattenwald 1,
2009, Ölauf Leinwand,
200 x 180 cm
Hans Sieverding
Bei den Bildern von Hans Sieverding sind Farbe und Linie gleichsam entscheidend. Die Linie bezeichnet vor allem den Umriss
einer Figur, die häufi g nur in ihrer Kontur in Erscheinung tritt. Diese Figur wird transparent und verschmilzt mit dahinter
und davor liegenden Formationen, die starke landschaftliche Bezüge haben. Räumlich gesehen gehen somit Vorder- und
Hintergrund, nah und fern, eine Verbindung ein und verzahnen sich; Durchblicke eröffnen neue Perspektiven. Angedeutetes
überlagert und durchdringt sich dabei wie mehrere Teile derselben Geschichte, deren Szenen zeitgleich und assoziativ ablaufen.
Das Gesamtbild aus Überlagerungen ermöglicht eine Vieldeutigkeit, dem Betrachter obliegt die Entschlüsselung des
Sinnzusammenhangs. Die Bedeutung des einzelnen Motivdetails tritt zurück, im Verbund zeigt sich die ganze Kunst dieser
Bildsprache. Sie kann in ihrer Rätselhaftigkeit vielmehr emotional erfahren als rational verstanden werden und wie im Bild
überlagern sich dabei Innen und Außen, Sichtbares und Erfühltes. Figur und Landschaft, Abstraktion und Gegenständlichkeit
begegnen sich hier an der Schnittstelle aus Fantasie und Realität. Die Fragmente des Bildes nehmen in der Imagination des
Betrachters Gestalt an, sich überlagernde Erinnerungen werden wach und vervollständigen die Leerstellen und unbestimmten
Bildinhalte. Diese Gemälde haben ihre eigene Realität, die Grenze, die sie von der Wirklichkeit des Betrachters abtrennt, ist
deutlich spürbar. Zwischen Verfremdung und Vertrautheit schwingen die Szenen, die typisierten Figuren in ihrer uneindeutigen,
abstrahierten Umgebung sind Teil eines narrativen Moments, dessen Raum- und Zeitgefüge sich verschränkt.
Nina Hartgenbusch M.A.
Hans Sieverding
wurde 1937 geboren.
Seit 1977 zeigt er sein Werk in zahllosen Einzel- und Gruppenausstellungen im In- und Ausland.
Er ist Mitglied des Westdeutschen Künstlerbundes und der Darmstädter Sezession. Sieverding lebt
undarbeitet im Odenwald und in Berlin.

Tuch,
1993, Öl auf Leinwand, 20 Tafeln,
jeweils 40 x 50 cm
Mathias Weis
Mathias Weis arbeitet in der Regel in größeren Bildserien. Das Projekt „Ganz normale Tage“ zeigt einfache und unaufdringliche
Dinge in einer Weise, wie der Maler sie in seinem alltäglichen Umfeld, vornehmlich in seinem Atelier, vorgefunden
hat. Aus ihrem Kontext herausgelöste Einzelheiten gewinnen dabei ein Eigenleben; die Gegenstände erzählen
eine Geschichte und weisen auf eine abwesende Figur. Gemälde mit geöffneten Türen bieten einen weiten Blick in den
Bildraum und entwickeln eine starke Tiefenwirkung. Der Künstler arbeitet mit Versatzstücken, die in mehreren Bildern
auftauchen. Die Auslotung durch verschiedene Blickwinkel und die Fragmentierung der Gegenstände zeugen von der
Suche des Künstlers nach dem, was nicht sofort sichtbar ist, aber auch davon, was ihn malerisch fesselt und nun mit
ausdrucksstarkem Duktus auf den Malgrund gebracht wird. In ihrer Gesamtheit vermitteln diese Gemälde von Mathias
Weis die Besonderheiten eines Raumes und verweisen auf den Menschen, der seine Spuren hinterlassen hat. Auch in der
Serie „Dehnung“ geht es um Ausschnitte und Details von Einzelgegenständen. So einheitlich sich diese Gegenstände aber
in den jeweils 20-teiligen Bildblöcken auf den ersten Blick zeigen, gibt es doch feine Differenzierungen. Das gleiche Tuch
ist immer wieder anders gelegt, die Bälle fl iegen mal näher, mal weiter entfernt vorbei und es entsteht große Dynamik
im Bildzusammenhang. Der Maler lotet aus, was durch die 20-malige Wiederholung des Themas mit dem Bildganzen
passiert und veranschaulicht, dass die Summe der Details mehr ist als ein Detail alleine.
Nina Hartgenbusch M.A.
Mathias Weis
wurde 1955 in Zweibrücken in der Pfalz geboren.
Er studierte zwischen 1975 und 1981 Freie Kunst
(Malerei) bei Prof. Manfred Bluth an der Gh Kassel.
Seit 1980 geht Mathias Weis einer regen Ausstellungstätigkeit
nach. Stationen sind u. a. die Staatlichen
Museen Kassel, der Kunstverein Kassel, das Künstlerhaus
Göttingen, der Neue Kunstverein Aschaffenburg
und das Museum für das Fürstentum Lüneburg.
Seit 1996 übernimmt er verschiedene Lehraufträge
(Pentiment HAW Hamburg, Universität Kassel).